En arte , la apropiación es el uso de objetos o imágenes preexistentes a los que se les aplica poca o ninguna transformación. [1] El uso de la apropiación ha jugado un papel significativo en la historia de las artes ( artes literarias , visuales , musicales y escénicas ). En las artes visuales, "apropiarse" significa adoptar, tomar prestado, reciclar o muestrear adecuadamente aspectos (o la forma completa) de la cultura visual creada por el hombre . Destacan a este respecto los readymades de Marcel Duchamp .
Inherente a la comprensión de la apropiación es el concepto de que la nueva obra recontextualiza todo lo que toma prestado para crear la nueva obra. En la mayoría de los casos, la "cosa" original permanece accesible como el original, sin cambios.
La apropiación, similar al arte de objetos encontrados , es "como estrategia artística, el préstamo, copia y alteración intencional de imágenes, objetos e ideas preexistentes". [2] También se ha definido como "la adopción, en una obra de arte, de un objeto real o incluso de una obra de arte existente". [3] La Tate Gallery rastrea la práctica hasta el cubismo y el dadaísmo , y continúa hasta el surrealismo de los años 40 y el arte pop de los 50 . Regresó a la prominencia en la década de 1980 con los artistas Neo-Geo , [3] y ahora es una práctica común entre artistas contemporáneos como Richard Prince , Sherrie Levine y Jeff Koons . [4]
Muchos artistas hicieron referencias a obras de artistas o temas anteriores.
En 1856 Ingres pintó el retrato de Madame Moitessier . Se sabe que la pose inusual se inspiró en la famosa pintura mural romana antigua Heracles encontrando a su hijo Telefas . Al hacerlo, el artista creó un vínculo entre su modelo y una diosa del Olimpo. [6]
Edouard Manet pintó Olimpia en 1865, inspirándose en la Venus de Urbino de Tiziano . Su pintura Le Déjeuner sur l'herbe también se inspiró en la obra de los viejos maestros; concretamente, su composición se basa en un detalle de El juicio de París (1515) de Marcantonio Raimondi . [7]
Se cree que Gustave Courbet vio el famoso grabado en madera en color La gran ola frente a Kanagawa del artista japonés Katsushika Hokusai antes de pintar una serie del Océano Atlántico durante el verano de 1869. [8]
Se puede nombrar a Vincent van Gogh con los ejemplos de los cuadros que realizó inspirados en Jean Francois Millet , Delacroix o los grabados japoneses que tenía en su colección. [9] En 1889, Van Gogh creó 20 copias pintadas inspiradas en los grabados en blanco y negro de Millet. Amplió las composiciones de las estampas y luego las pintó en color según su propia imaginación. Vincent escribió en sus cartas que se había propuesto "traducirlas a otro idioma". Dijo que no se trataba simplemente de copiar: si un intérprete "toca algo de Beethoven, le añadirá su interpretación personal... no es una regla estricta que sólo el compositor toque sus propias composiciones". [10] Se pueden encontrar más ejemplos en Copias de Vincent van Gogh .
Claude Monet , coleccionista de grabados japoneses, creó varias obras inspiradas en estos como El jardín de Sainte-Adresse, 1867 inspirado en el Fuji de la Plataforma de Sasayedo de Katsushika Hokusai; La serie Water Lily Pond Under Mannen Bridge en Fukagawa, 1830-1831 de Hokusai o La Japonaise , 1876 probablemente inspirada en Kitagawa Tsukimaro Geisha, un par de pinturas en rollo colgantes, 1820-1829. [11] [12] [13]
A principios del siglo XX, Pablo Picasso y Georges Braque se apropiaron de objetos de un contexto no artístico para su trabajo. En 1912, Picasso pegó un trozo de hule sobre el lienzo. [14] Composiciones posteriores, como Guitarra, periódico, vaso y botella (1913), en las que Picasso utilizó recortes de periódicos para crear formas, son collages tempranos que se clasificaron como parte del cubismo sintético . Los dos artistas incorporaron aspectos del "mundo real" en sus lienzos, abriendo una discusión sobre el significado y la representación artística .
Marcel Duchamp introdujo en 1915 el concepto de readymade , en el que "los objetos utilitarios producidos industrialmente... alcanzan el estatus de arte simplemente a través del proceso de selección y presentación". [15] Duchamp exploró esta noción ya en 1913 cuando montó un taburete con una rueda de bicicleta y nuevamente en 1915 cuando compró una pala para nieve y escribió "antes del brazo roto, Marcel Duchamp". [16] [17] En 1917, Duchamp organizó la presentación de una exposición ready-made a la Sociedad de Artistas Independientes bajo el seudónimo de R. Mutt. [18] Titulado Fuente , consistía en un urinario de porcelana apoyado sobre un pedestal y firmado "R. Mutt 1917". La obra planteó un desafío directo, yuxtaponiéndose claramente a las percepciones tradicionales de las bellas artes, la propiedad, la originalidad y el plagio, y posteriormente fue rechazada por el comité de la exposición. [19] La revista dadaísta de Nueva York The Blind Man defendió la Fuente , afirmando que "si el Sr. Mutt con sus propias manos hizo la fuente o no, no tiene importancia. Él la ESCOGIÓ. [20] Tomó un artículo ordinario de la vida, lo colocó de modo que su significado útil desapareció bajo el nuevo título y punto de vista, y creó un nuevo pensamiento para ese objeto". [19]
El movimiento dadaísta siguió jugando con la apropiación de objetos cotidianos y su combinación en el collage. Las obras dadaístas presentaban una irracionalidad deliberada y el rechazo de los estándares artísticos predominantes. Kurt Schwitters muestra una sensibilidad similar en sus obras "merz". Partes de estos los construyó a partir de objetos encontrados [21] y tomaron la forma de grandes construcciones de gesamtkunstwerk que ahora se llaman instalaciones .
Durante su Período de Niza (1908-1913), Henri Matisse pintó varios cuadros de odaliscas, inspirados en Las mujeres de Argel de Delacroix . [22] [23] [24]
Los surrealistas , posteriores al movimiento dadaísta, también incorporaron el uso de ' objetos encontrados ', como Object (Luncheon in Fur) (1936) de Méret Oppenheim o Lobster Telephone (1936) de Salvador Dalí. Estos objetos encontrados adquirieron un nuevo significado cuando se combinaron con otros objetos improbables e inquietantes.
En la década de 1950, Robert Rauschenberg utilizó lo que denominó "combinaciones", combinando objetos confeccionados como neumáticos o camas, pintura, serigrafía , collage y fotografía. De manera similar, Jasper Johns , trabajando al mismo tiempo que Rauschenberg, incorporó objetos encontrados a su trabajo.
En 1958, Bruce Conner produjo la influyente A Movie , en la que recombinó fragmentos de películas existentes. En 1958, Raphael Montanez Ortiz produjo Cowboy and Indian Film , una obra cinematográfica de apropiación fundamental. [ cita necesaria ]
El movimiento artístico Fluxus también utilizó la apropiación: [25] sus miembros combinaron diferentes disciplinas artísticas, incluidas las artes visuales, la música y la literatura. A lo largo de las décadas de 1960 y 1970 organizaron eventos de "acción" y produjeron obras escultóricas con materiales no convencionales.
A principios de la década de 1960, artistas como Claes Oldenburg y Andy Warhol se apropiaron de imágenes del arte comercial y de la cultura popular, así como de las técnicas de estas industrias; por ejemplo, Warhol pintó botellas de Coca-Cola. [26] Llamados " artistas pop ", veían la cultura popular de masas como la principal cultura vernácula, compartida por todos, independientemente de su educación. Estos artistas se involucraron plenamente con lo efímero producido a partir de esta cultura producida en masa, abrazando la prescindibilidad y distanciándose de la evidencia de la mano de un artista.
Entre los artistas pop más famosos, Roy Lichtenstein se hizo conocido por apropiarse de imágenes de cómics con cuadros como Masterpiece (1962) o Drowning Girl (1963) y de artistas famosos como Picasso o Matisse . [27]
Elaine Sturtevant (también conocida simplemente como Sturtevant ), por otro lado, creó réplicas de obras famosas de sus contemporáneos. Los artistas a los que "imitó" incluyeron a Warhol, Jasper Johns, Joseph Beuys , Duchamp, James Rosenquist , Roy Lichtenstein y más. Si bien no reprodujo exclusivamente el arte pop, ese fue un foco importante de su práctica. [28] Replicó Flores de Andy Warhol en 1965 en la Galería Bianchini de Nueva York. Se entrenó para reproducir la técnica del propio artista, hasta el punto de que cuando Warhol fue interrogado repetidamente sobre su técnica, una vez respondió: "No lo sé. Pregúntale a Elaine". [29]
En Europa, un grupo de artistas llamados Nuevos Realistas utilizó objetos como el escultor César [30] que comprimió automóviles para crear esculturas monumentales o el artista Arman [31] que incluyó objetos cotidianos hechos a máquina, desde botones y cucharas hasta automóviles. y cajas llenas de basura.
Los artistas alemanes Sigmar Polke y su amigo Gerhard Richter , quienes definieron el "realismo capitalista", ofrecieron una crítica irónica del consumismo en la Alemania de posguerra. Utilizaron fotografías preexistentes y las transformaron. Las obras más conocidas de Polke fueron sus collages de imágenes de la cultura pop y la publicidad, como su escena "Supermercados" de superhéroes comprando en una tienda de comestibles. [32]
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Mientras que en épocas pasadas la apropiación utilizaba formas como el "lenguaje", la apropiación contemporánea ha sido simbolizada por la fotografía como un medio de "modelos semióticos de representación". [33] The Pictures Generation fue un grupo de artistas, influenciados por el arte conceptual y pop , que utilizaron la apropiación y el montaje para revelar la naturaleza construida de las imágenes. [34] Una exposición llamada The Pictures Generation, 1974-1984 se llevó a cabo en el Museo Metropolitano de Arte (The Met) en la ciudad de Nueva York del 29 de abril al 2 de agosto de 2009 que incluyó, entre otros artistas, a John Baldessari , Barbara Kruger y Sherrie Levine. , Richard Prince , David Salle , Cindy Sherman .
Sherrie Levine , quien abordó el acto de apropiarse de sí mismo como tema en el arte. [35] Levine a menudo cita obras enteras en su propio trabajo, por ejemplo, fotografiando fotografías de Walker Evans . Desafiando las ideas de originalidad, llamando la atención sobre las relaciones entre poder , género y creatividad , el consumismo y el valor de las mercancías, las fuentes sociales y los usos del arte, Levine juega con el tema de "casi lo mismo".
Durante las décadas de 1970 y 1980, Richard Prince volvió a fotografiar anuncios como los de cigarrillos Marlboro [36] o fotografías de fotoperiodismo . Su trabajo retoma campañas publicitarias anónimas y ubicuas en vallas publicitarias de cigarrillos, eleva el estatus y centra nuestra mirada en las imágenes.
Los artistas de apropiación comentan todos los aspectos de la cultura y la sociedad. Joseph Kosuth se apropió de imágenes para abordar la epistemología y la metafísica .
Otros artistas que trabajaron con la apropiación durante este tiempo incluyeron a Greg Colson y Malcolm Morley . [ cita necesaria ]
A finales de los años 1970, Dara Birnbaum trabajaba con la apropiación para producir obras de arte feministas . [37] En 1978-79 produjo una de las primeras asignaciones de vídeo. Tecnología/Transformación: Wonder Woman utilizó videoclips de la serie de televisión Wonder Woman . [38]
Richard Pettibone comenzó a replicar en miniatura obras de artistas recientemente famosos como Andy Warhol, y más tarde también de maestros modernistas, firmando el nombre del artista original además del suyo propio. [39] [32]
Jeff Koons obtuvo reconocimiento en los años 1980 creando esculturas conceptuales The New series , una serie de aspiradoras , a menudo seleccionadas por marcas que atraían al artista como la icónica Hoover , y en la línea de los readymades de Duchamp. Posteriormente creó esculturas en acero inoxidable inspiradas en juguetes inflables como conejitos o perros. [40] [41]
En la década de 1990, los artistas continuaron produciendo arte de apropiación, usándolo como medio para abordar teorías y cuestiones sociales, en lugar de centrarse en las obras mismas. Este es típicamente el caso del pintor peruano Herman Braun-Vega , en quien la apropiación de las obras de los viejos maestros es casi sistemática [42] y quien, después de comenzar a hacer comentarios pintados de la pintura de otros a finales de los años 1960, [ 43] termina poniendo los personajes tomados de la iconografía de la pintura occidental en presencia de la realidad social y política de su tiempo. [44] El gran tríptico de la colección permanente del Museo Ralli Marbella La Familia Informal (Velázquez, Goya, Picasso) [45] es un ejemplo de apropiaciones múltiples que conviven dentro de una misma obra con las contemporáneas del pintor en escenas que describen la Situación social en los países del tercer mundo donde la familia en sentido amplio es un círculo de economía de subsistencia. [46] Braun-Vega recontextualiza obras apropiadas y les da un nuevo significado. [47] Por su parte, Damian Loeb utilizó el cine y el cine para comentar temas de simulacro y realidad. Otros artistas de alto perfil que trabajaron en este momento incluyeron a Christian Marclay , Deborah Kass y Genco Gulan . [48]
Yasumasa Morimura es un artista de apropiación japonés que toma prestadas imágenes de artistas históricos (como Édouard Manet o Rembrandt ) a artistas modernos como Cindy Sherman , e inserta en ellas su propio rostro y cuerpo. [49]
El artista de las Primeras Naciones de Saulteaux, Robert Houle, ganó prominencia por su apropiación de imágenes y documentos históricos para criticar la violencia histórica contra los pueblos indígenas en Canadá . [50] La obra de Houle, Kanata (1992), utilizó imágenes de La muerte del general Wolfe (1770) de Benjamin West , renunciando al color en la mayor parte del encuadre para resaltar las imágenes de un guerrero de Delaware insertadas por West. [50]
Sherrie Levine se apropió de lo apropiado cuando hizo urinarios de bronce fundido pulido llamados Fountain . Se consideran un "homenaje al renombrado ready-made de Duchamp". Sumándose al movimiento audaz de Duchamp, Levine vuelve a convertir su gesto en un "objeto de arte" elevando su materialidad y acabado. Como artista feminista, Levine rehace obras específicamente de artistas masculinos que Se apoderó del dominio patriarcal en la historia del arte". [51]
La apropiación es utilizada con frecuencia por artistas contemporáneos que a menudo reinterpretan obras de arte anteriores, como el artista francés Zevs , que reinterpretó logotipos de marcas como Google o obras de David Hockney. [52] Muchos artistas urbanos y callejeros también utilizan imágenes de la cultura popular como Shepard Fairey o Banksy , [53] que se apropió de obras de arte de Claude Monet o Vermeer con su chica con el tímpano perforado. [54]
El artista canadiense cree Kent Monkman se apropia de pinturas icónicas de la historia del arte europeo y norteamericano y las puebla con visiones indígenas de resistencia. [55]
En 2014, Richard Prince lanzó una serie de obras tituladas New Portraits apropiándose de fotografías de personajes anónimos y famosos (como Pamela Anderson ) que habían publicado un selfie en Instagram. Las modificaciones de las imágenes por parte del artista son los comentarios que Prince añadió debajo de las fotos. . [56] [57]
Damien Hirst fue acusado en 2018 de apropiarse del trabajo de Emily Kngwarreye y otros de la comunidad pictórica en Utopia, Territorio del Norte, con las pinturas Veil, que según Hirst estaban "inspiradas en técnicas puntillistas y pintores impresionistas y postimpresionistas como Bonnard y Seurat". [58] [59] [60] [61]
Mr. Brainwash [62] es un artista urbano que se hizo famoso gracias a Banksy y cuyo estilo fusiona imágenes pop históricas e iconografía cultural contemporánea para crear su versión de un híbrido de arte pop y graffiti popularizado por primera vez por otros artistas callejeros. [63]
Brian Donnelly, conocido como Kaws , utilizó la apropiación en su serie, The Kimpsons, y pintó The Kaws Album inspirado en el álbum amarillo de los Simpson , que a su vez era una parodia de la portada del álbum de los Beatles Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band reemplazada por personajes de Los Simpson . [64] El 1 de abril de 2019, en Sotheby's en Hong Kong, The Kaws Album (2005), se vendió por 115,9 millones de dólares de Hong Kong, o alrededor de 14,7 millones de dólares estadounidenses. [65] Además, ha reelaborado otros personajes familiares como Mickey Mouse , el Hombre Michelin , los Pitufos , Snoopy y Bob Esponja . [66]
Desde la década de 1990, la explotación de los precursores históricos es tan variada como poco claro el concepto de apropiación. Una cantidad incomparable de créditos impregna no sólo el campo de las artes visuales, sino también todos los ámbitos culturales. La nueva generación de apropiadores se considera "arqueólogos del tiempo presente". [67] Algunos hablan de "postproducción", que se basa en obras preexistentes, para reeditar "el guión de la cultura". [68] La anexión de obras realizadas por otros o de productos culturales disponibles sigue principalmente el concepto de uso. Los llamados "prosumidores" [69] —aquellos que consumen y producen al mismo tiempo— navegan por el omnipresente archivo del mundo digital (más raramente a través del analógico), para probar las siempre accesibles imágenes, palabras y sonidos. a través de 'copiar y pegar' o 'arrastrar y soltar' para 'piratearlos', 'mashup' o 'remezclarlos' como a uno le guste. El curador francés Nicolas Bourriaud acuñó el neologismo Semionauta , un acrónimo de semiótica y astronauta , para describir esto. Escribe: "Los DJ, los internautas y los artistas de postproducción implican una configuración similar de conocimiento, que se caracteriza por la invención de caminos a través de la cultura. Los tres son "seminautas" que producen caminos originales a través de signos". [70] Los créditos se han convertido hoy en día en un fenómeno cotidiano.
La nueva "generación remix" [71] —que ha subido a los escenarios no sólo de las artes visuales, sino también de la música, la literatura, la danza y el cine— provoca, por supuesto, debates muy controvertidos. Los estudiosos de los medios Lawrence Lessig acuñaron aquí a principios de la década de 2000 el término cultura del remix . [72] Por un lado, están los celebrantes que prevén una nueva era de formas innovadoras, útiles y entretenidas para el arte del siglo XXI digitalizado y globalizado. Los nuevos apropiacionistas no sólo harán realidad la máxima de Joseph Beuys de que todo el mundo es artista, sino que también "construirán sociedades libres". [73] Al liberar finalmente el arte de conceptos tradicionales como aura, originalidad y genio, conducirán a nuevos términos de comprensión y definición del arte. Los observadores más críticos ven esto como el punto de partida de un enorme problema. Si la creación se basa nada más que en procesos despreocupados de encontrar, copiar, recombinar y manipular medios, conceptos, formas, nombres, etc. preexistentes de cualquier fuente, la comprensión del arte se desplazará a su modo de ver hacia un nivel trivializado y de bajo nivel. Actividad exigente y regresiva. En vista de la limitación del arte a referencias a conceptos y formas preexistentes, prevén un sinfín de productos recompilados y reutilizados. Los escépticos llaman a esto una cultura del reciclaje con adicción al pasado [74]
Algunos dicen que sólo los perezosos que no tienen nada que decir se dejan inspirar de esta manera por el pasado. [75] Otros temen que esta nueva tendencia de apropiación sea causada nada más que por el deseo de embellecerse con una genealogía atractiva. [76] El término apropiacionismo [77] refleja la sobreproducción de reproducciones, remakes, recreaciones, recreaciones, revisiones, reconstrucciones, etc. mediante la copia, imitación, repetición, citación, plagio, simulación y adaptación de nombres, conceptos y formas preexistentes. . Se analiza el apropiacionismo, en comparación con las formas y conceptos de apropiación del siglo XX que ofrecen nuevas representaciones del conocimiento establecido [78] , como una especie de "parada de carrera", [79] en referencia a la aceleración de operaciones aleatorias e incontrolables en países altamente movilizados. Sociedades occidentales fluidas y gobernadas cada vez más por formas abstractas de control. El acceso ilimitado al archivo digital de creaciones y a tecnologías digitales fácilmente viables, así como la prioridad de nuevas ideas y procesos creativos sobre una obra maestra perfecta, conduce a un ajetreo hiperactivo en torno al pasado en lugar de lanzar nuevas expediciones a territorios inexplorados que podrían dar visibilidad a los fantasmas olvidados y a los fantasmas ignorados de nuestros mitos e ideologías comunes.
La apropiación del arte ha dado lugar a cuestiones polémicas sobre derechos de autor con respecto a su validez según la ley de derechos de autor. Estados Unidos ha sido particularmente litigioso a este respecto. Han surgido varios ejemplos de jurisprudencia que investigan la división entre obras transformadoras y obras derivadas . [80]
La Ley de Derechos de Autor de 1976 en los Estados Unidos proporciona una defensa contra la infracción de derechos de autor cuando un artista puede demostrar que su uso de la obra subyacente es "justo".
La Ley establece cuatro factores que deben considerarse para determinar si un uso particular es un uso legítimo:
Andy Warhol enfrentó una serie de demandas de fotógrafos de cuyo trabajo se apropió y serigrafió . Patricia Caulfield, una de esas fotógrafas, había tomado una fotografía de flores para una demostración fotográfica para una revista de fotografía. Sin su permiso, Warhol cubrió las paredes de la galería neoyorquina de Leo Castelli con sus reproducciones serigrafiadas de la fotografía de Caulfield en 1964. Después de ver un cartel de las reproducciones no autorizadas de Warhol en una librería, Caulfield demandó a Warhol por violar sus derechos de autor. propietario, y Warhol llegó a un acuerdo en efectivo fuera de los tribunales. [81]
En 2021, el Segundo Circuito sostuvo que el uso por parte de Warhol de una fotografía de Prince para crear una serie de 16 serigrafías e ilustraciones a lápiz no era un uso legítimo . La fotografía, tomada por la fotógrafa de celebridades Lynn Goldsmith , fue encargada en 1981 como referencia artística para la revista Newsweek . En 1984, Warhol utilizó la fotografía como fuente para crear una obra para Vanity Fair junto con 15 piezas adicionales. Goldsmith no conoció la serie hasta después de la muerte del músico en 2016, cuando Condé Nast publicó un homenaje con una de las obras de Warhol. En su opinión, el Tribunal sostuvo que cada uno de los cuatro factores de "uso legítimo" favorecía a Goldsmith, y concluyó además que las obras eran sustancialmente similares desde el punto de vista jurídico, dado que "cualquier espectador razonable... no tendría dificultad para identificar el [ Fotografía de Goldsmith] como material fuente para la serie Prince de Warhol". [82] La Corte Suprema afirmó en una decisión de 7 a 2, sosteniendo que la licencia del Príncipe Naranja para su uso como portada de revista no calificaba como uso legítimo de una fotografía protegida por derechos de autor tomada para su uso en una revista, dejando para otro día si la pintura en sí podría calificarse como uso legítimo. [83]
Por otro lado, las famosas latas de sopa Campbell de Warhol generalmente se consideran un uso legítimo no infractor de la marca registrada del fabricante de sopa , a pesar de estar claramente apropiadas, porque "es poco probable que el público vea la pintura como patrocinada por la empresa de sopa". o que representen un producto competidor. Las pinturas y las latas de sopa no son en sí mismos productos competidores", según el experto abogado en marcas Jerome Gilson . [84]
Jeff Koons también ha enfrentado problemas de derechos de autor debido a su trabajo de apropiación (ver Rogers v. Koons ). El fotógrafo Art Rogers presentó una demanda contra Koons por infracción de derechos de autor en 1989. La obra de Koons, String of Puppies, reproducía escultóricamente la fotografía en blanco y negro de Rogers que había aparecido en una tarjeta de felicitación del aeropuerto que había comprado Koons. Aunque alegó uso legítimo y parodia en su defensa, Koons perdió el caso, en parte debido al tremendo éxito que tuvo como artista y la forma en que fue retratado en los medios. [ cita necesaria ] El argumento de la parodia también fracasó, ya que el tribunal de apelaciones trazó una distinción entre crear una parodia de la sociedad moderna en general y una parodia dirigida a una obra específica, encontrando también la parodia de una obra específica, especialmente de una muy oscura. débil para justificar el uso legítimo del original.
En octubre de 2006, Koons defendió con éxito otra obra alegando " uso legítimo ". Para un encargo de siete pinturas para el Deutsche Guggenheim de Berlín, Koons se basó en parte de una fotografía tomada por Andrea Blanch titulada Silk Sandals by Gucci y publicada en la edición de agosto de 2000 de la revista Allure para ilustrar un artículo sobre maquillaje metálico. Koons tomó la imagen de las piernas y las sandalias de diamantes de esa foto (omitiendo otros detalles del fondo) y la usó en su pintura Niágara , que también incluye otros tres pares de piernas de mujeres colgando de manera surrealista sobre un paisaje de tartas y pasteles.
En su decisión, el juez Louis L. Stanton del Tribunal de Distrito de Estados Unidos concluyó que Niagara fue en realidad un "uso transformador" de la fotografía de Blanch. "El uso de la pintura no 'reemplaza' ni duplica el objetivo del original", escribió el juez, "sino que la utiliza como materia prima de una manera novedosa para crear nueva información, nueva estética y nuevos conocimientos. Tal uso, ya sea exitoso o No artísticamente, es transformador."
Los detalles de la fotografía de Blanch utilizados por Koons están protegidos por derechos de autor sólo marginalmente. Blanch no tiene derechos sobre las sandalias Gucci, "quizás el elemento más llamativo de la fotografía", escribió el juez. Y sin las sandalias, sólo queda una representación de las piernas de una mujer, lo que se consideró "no lo suficientemente original como para merecer mucha protección de derechos de autor".
En 2000, la escultura Hymn de Damien Hirst (que Charles Saatchi había comprado por un millón de libras esterlinas) se exhibió en Ant Noises en la Galería Saatchi. Hirst fue demandado por incumplimiento de los derechos de autor de esta escultura. El tema era un 'Conjunto de anatomía para jóvenes científicos' perteneciente a su hijo Connor, del cual Hull (Emms) Toy Manufacturer vende 10.000 al año. Hirst creó una ampliación de 20 pies y seis toneladas de la figura del Science Set, cambiando radicalmente la percepción del objeto. Hirst pagó una suma no revelada a dos organizaciones benéficas, Children Nationwide y Toy Trust, en un acuerdo extrajudicial. La donación caritativa fue menor de lo que Emms esperaba. Hirst vendió tres copias más de su escultura por cantidades similares a las de la primera. [85]
Apropiarse de un objeto familiar para hacer una obra de arte puede impedir que el artista reclame la propiedad de los derechos de autor. Jeff Koons amenazó con demandar a una galería por derechos de autor, alegando que la galería infringió sus derechos de propiedad al vender sujetalibros con forma de perros globo. [86] Koons abandonó ese reclamo después de que la galería presentó una demanda de reparación declaratoria afirmando: "Como prácticamente cualquier payaso puede atestiguar, nadie es dueño de la idea de hacer un perro con globo, y la forma creada al girar un globo en forma de perro forma es parte del dominio público." [87]
En 2008, el fotoperiodista Patrick Cariou demandó al artista Richard Prince , a la Galería Gagosian y a los libros Rizzoli por infracción de derechos de autor. Prince se había apropiado de 40 de las fotografías de Cariou de Rastafari de un libro, creando una serie de pinturas conocida como Zona del Canal . Prince alteró de diversas formas las fotografías, pintó objetos, manos de gran tamaño, mujeres desnudas y torsos masculinos sobre las fotografías, y posteriormente vendió las obras por valor de más de 10 millones de dólares. En marzo de 2011, un juez falló a favor de Cariou, pero Prince y Gargosian apelaron sobre varios puntos. Tres jueces de la Corte de Apelaciones de Estados Unidos confirmaron el derecho a apelar. [88] El abogado de Prince argumentó que "el arte de apropiación es una forma de arte moderno y posmoderno bien reconocida que ha desafiado la forma en que la gente piensa sobre el arte, ha desafiado la forma en que la gente piensa sobre los objetos, las imágenes, los sonidos y la cultura". [89] El 24 de abril de 2013, el tribunal de apelaciones anuló en gran medida la decisión original, al decidir que muchas de las pinturas habían transformado suficientemente las imágenes originales y, por lo tanto, eran un uso permitido. [90] Véase Cariou contra Prince . [91]
En noviembre de 2010, Chuck Close amenazó con emprender acciones legales contra el artista informático Scott Blake por crear un filtro de Photoshop que creaba imágenes a partir de pinturas diseccionadas de Chuck Close. [92] [93] La historia fue reportada por primera vez por la revista de arte en línea Hyperallergic , se reimprimió en la portada de Salon.com y se extendió rápidamente a través de la web. [94] Kembrew McLeod , autor de varios libros sobre muestreo y apropiación, dijo en Wired que el arte de Scott Blake debería caer bajo la doctrina del uso justo . [95]
En septiembre de 2014, el Tribunal de Apelaciones del Séptimo Circuito de Estados Unidos cuestionó la interpretación del Segundo Circuito de la doctrina del uso justo en el caso Cariou . Es de destacar que el Séptimo Circuito señaló que el "uso transformador" no es uno de los cuatro factores de uso legítimo enumerados, sino que es simplemente parte del primer factor de uso legítimo que tiene en cuenta el "propósito y el carácter" del uso. La crítica del Séptimo Circuito da crédito al argumento de que existe una división entre los tribunales estadounidenses en cuanto al papel que debe desempeñar la "transformatividad" en cualquier investigación sobre uso legítimo. [91]
En 2013, Andrew Gilden y Timothy Greene publicaron un artículo de revisión de leyes en The University of Chicago Law Review que analiza las similitudes fácticas y las diferencias legales entre el caso Cariou y el caso Salinger v. Colting , articulando preocupaciones de que los jueces puedan estar creando un uso justo ". privilegio reservado en gran medida a los ricos y famosos". [96]
Los siguientes son artistas notables conocidos por su uso de objetos o imágenes preexistentes a los que se les aplica poca o ninguna transformación:
'Apropiación' es el primer término que aparece al querer categorizar o clasificar la obra de Herman Braun-Vega. [...] Efectivamente, el autor se 'apropia' de las imágenes que otros crearán. Pero se trata de una utilización que no busca el reemplazo, la reedición o el acoplamiento, sino que ejerce su libertad de darle un contenido nuevo en un contexto creado por él.
Que un pintor utiliza como temas de sus cuadros obras de otros pintores no es una novedad.
Lo novedoso es ahondar este procedimiento y hacer de él, forzando un poco el término, un sistema.
Tal es el caso de Herman Braun.
[...] Se podría pues hablar de una metapintura, en la medida en que sus cuadros son comentarios pictóricos de otros cuadros.
Pero esta definición resulta estrecha, si se tiene en cuenta la evolución de su obra.
[...] a lo largo de estos quince años, trabajó con la iconografía de occidente, tratando de ofrecer un testimonio de la situación social.
la pieza central de la muestra es "La familia informal", un gran tríptico que [Braun-Vega] preparó para las celebraciones españolas del V Centenario del llamado encuentro entre dos Mundos, aludiendo tanto a las economías de subsistencia en que viven los habitantes más pobres del tercer mundo, como al mestizaje cultural que este intercambio posibilita
la apropiación de la imagen otorga un nuevo significado a la obra, a la vez que es recontextualizada y reinterpretada, porque las apropiaciones en la obra de este artista tienen la intención de hacer una rearticulación de la memoria (individual, sociopolítica e histórica).