El noh (能, Nō , derivado de la palabra chino-japonesa para "habilidad" o "talento") es una forma importante de danza- teatro japonés clásico que se ha representado desde el siglo XIV. Desarrollado por Kan'ami y su hijo Zeami , es el arte teatral más antiguo que todavía se representa regularmente en la actualidad. [1] Aunque los términos noh y nōgaku a veces se usan indistintamente, nōgaku abarca tanto el noh como el kyōgen . Tradicionalmente, un programa completo de nōgaku incluía varias obras de noh con obras cómicas de kyōgen en el medio; un programa abreviado de dos obras de noh con una pieza de kyōgen se ha vuelto común hoy en día. Opcionalmente, la actuación ritual Okina puede presentarse al comienzo de la presentación de nōgaku .
El noh se basa a menudo en cuentos de la literatura tradicional con un ser sobrenatural transformado en forma humana como un héroe que narra una historia. El noh integra máscaras, disfraces y diversos accesorios en una actuación basada en la danza, que requiere actores y músicos altamente capacitados. Las emociones se transmiten principalmente mediante gestos convencionales estilizados, mientras que las máscaras icónicas representan los roles como fantasmas, mujeres, deidades y demonios. Escrito en japonés medio tardío , el texto "describe vívidamente a la gente común de los siglos XII al XVI". [ atribución necesaria ] [2] Al tener un fuerte énfasis en la tradición en lugar de la innovación, el noh está extremadamente codificado y regulado por el sistema iemoto .
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El kanji para Noh (能) significa "habilidad", "arte" o "talento", particularmente en el campo de las artes escénicas en este contexto. La palabra Noh puede usarse sola o con gaku (楽; entretenimiento, música) para formar la palabra nōgaku . Noh es una tradición clásica muy valorada por muchos hoy en día. Cuando se usa sola, Noh se refiere al género histórico de teatro que se originó a partir del sarugaku a mediados del siglo XIV y que continúa representándose en la actualidad. [3]
Uno de los precursores más antiguos del Noh y el kyōgen es el sangaku , que se introdujo en Japón desde China en el siglo VIII. En esa época, el término sangaku se refería a varios tipos de actuaciones con acróbatas, canciones y danzas, así como sketches cómicos. Su posterior adaptación a la sociedad japonesa condujo a su asimilación de otras formas de arte tradicional". [2] Varios elementos de las artes escénicas del sangaku , así como elementos del dengaku (celebraciones rurales realizadas en relación con la plantación de arroz), sarugaku (entretenimiento popular que incluye acrobacias, malabarismos y pantomima), shirabyōshi (bailes tradicionales interpretados por bailarinas en la Corte Imperial en el siglo XII), gagaku (música y danza interpretadas en la Corte Imperial a partir del siglo VII) y kagura (antiguas danzas sintoístas en cuentos populares) evolucionaron en Noh y kyōgen . [1]
Los estudios sobre la genealogía de los actores de Noh en el siglo XIV indican que eran miembros de familias especializadas en las artes escénicas. Según la leyenda, la escuela Konparu, que se considera la tradición más antigua del Noh, fue fundada por Hata no Kawakatsu en el siglo VI. Sin embargo, el fundador de la escuela Konparu, que es ampliamente aceptada entre los historiadores, fue Bishaō Gon no Kami (Komparu Gonnokami) durante el período Nanboku-chō en el siglo XIV. Según el cuadro genealógico de la escuela Konparu, Bishaō Gon no Kami es descendiente después de 53 generaciones de Hata no Kawakatsu. La escuela Konparu descendía de la compañía sarugaku que había desempeñado papeles activos en Kasuga-taisha y Kofuku-ji en la provincia de Yamato . [4] [5] [6]
Otra teoría, de Shinhachirō Matsumoto, sugiere que el Noh se originó a partir de los parias que luchaban por reclamar un estatus social más alto al complacer a los que estaban en el poder, es decir, la nueva clase gobernante samurái de la época. La transferencia del shogunato de Kamakura a Kioto a principios del período Muromachi marcó el aumento del poder de la clase samurái y fortaleció la relación entre el shogunato y la corte. A medida que el Noh se convirtió en la forma de arte favorita del shōgun , el Noh pudo convertirse en una forma de arte cortesano a través de esta relación recién formada. En el siglo XIV, con un fuerte apoyo y patrocinio del shōgun Ashikaga Yoshimitsu , Zeami pudo establecer el Noh como la forma de arte teatral más destacada de la época. [3]
En el siglo XIV, durante el periodo Muromachi (1336 a 1573), Kan'ami Kiyotsugu y su hijo Zeami Motokiyo reinterpretaron varias artes escénicas tradicionales y completaron el Noh en una forma significativamente diferente de la tradicional, trayendo esencialmente el Noh a la forma actual. [7] Kan'ami era un actor reconocido con gran versatilidad interpretando papeles que iban desde mujeres elegantes y niños de 12 años hasta hombres fuertes. Cuando Kan'ami presentó por primera vez su trabajo a Ashikaga Yoshimitsu , de 17 años , Zeami era un actor infantil en su obra, alrededor de los 12 años. Yoshimitsu se enamoró de Zeami y su posición de favor en la corte hizo que el Noh se representara con frecuencia para Yoshimitsu a partir de entonces. [3]
Konparu Zenchiku , bisnieto de Bishaō Gon no Kami, el fundador de la escuela Konparu y esposo de la hija de Zeami, incorporó elementos de waka (poesía) al Noh de Zeami y lo desarrolló aún más. [8] [6]
En este período, entre las cinco escuelas principales de Noh, se establecieron cuatro: la escuela Kanze , establecida por Kan'ami y Zeami; la escuela Hōshō establecida por el hermano mayor de Kan'ami; la escuela Konparu; y la escuela Kongō. Todas estas escuelas eran descendientes de la troupe sarugaku de la provincia de Yamato. El shogunato Ashikaga apoyó solo a la escuela Kanze de las cuatro escuelas. [5] [9]
Durante el período Edo , el Noh siguió siendo una forma de arte aristocrático apoyado por el shōgun , los señores feudales ( daimyōs ), así como por plebeyos ricos y sofisticados. Mientras que el kabuki y el joruri, populares entre la clase media, se centraban en el entretenimiento nuevo y experimental, el Noh se esforzó por preservar sus altos estándares establecidos y su autenticidad histórica y se mantuvo prácticamente sin cambios a lo largo de la era. Para capturar la esencia de las actuaciones de los grandes maestros, cada detalle de los movimientos y las posiciones fue reproducido por otros, lo que generalmente dio como resultado un ritmo ceremonial cada vez más lento con el tiempo. [3]
En esta era, el shogunato Tokugawa designó a la escuela Kanze como la cabeza de las cuatro escuelas. Kita Shichidayū (Shichidayū Chōnō), un actor de Noh de la escuela Konparu que sirvió a Tokugawa Hidetada , fundó la escuela Kita, que fue la última establecida de las cinco escuelas principales. [5] [9]
La caída del shogunato Tokugawa en 1868 y la formación de un nuevo gobierno modernizado dieron como resultado el fin del apoyo financiero del estado, y todo el campo del Noh experimentó una importante crisis financiera. Poco después de la Restauración Meiji , tanto el número de intérpretes como de escenarios de Noh disminuyeron considerablemente. El apoyo del gobierno imperial finalmente se recuperó en parte debido al atractivo del Noh para los diplomáticos extranjeros. Las compañías que permanecieron activas durante la era Meiji también ampliaron significativamente el alcance del Noh al atender al público en general, actuando en teatros de las principales ciudades como Tokio y Osaka . [10]
En 1957, el gobierno japonés designó al nōgaku como un Bien Cultural Inmaterial Importante , lo que otorga un grado de protección legal a la tradición, así como a sus practicantes más destacados. El Teatro Nacional Noh , fundado por el gobierno en 1983, presenta representaciones regulares y organiza cursos para capacitar a los actores en los papeles principales del nōgaku . El Noh fue inscrito en 2008 en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO como teatro Nōgaku. [2]
Aunque los términos nōgaku y noh se usan a veces indistintamente, la definición del gobierno japonés de teatro " nōgaku " abarca tanto las obras de noh como las de kyōgen . [11] El kyōgen se representa entre las obras de noh en el mismo espacio. En comparación con el noh, " el kyōgen depende menos del uso de máscaras y se deriva de las obras humorísticas del sangaku , como se refleja en su diálogo cómico". [2]
Durante el periodo Edo , el sistema gremial se fue endureciendo gradualmente, lo que excluyó en gran medida a las mujeres del Noh, a excepción de algunas mujeres (como las cortesanas ) que interpretaban canciones en situaciones marginales. [12] Más tarde, en la era Meiji , los intérpretes de Noh enseñaban a personas adineradas y nobles, y esto generó más oportunidades para las intérpretes porque las mujeres insistían en tener maestras. [12] A principios de la década de 1900, después de que se permitiera a las mujeres unirse a la Escuela de Música de Tokio , se relajaron las reglas que prohibían a las mujeres unirse a varias escuelas y asociaciones en Noh. [12] En 1948, las primeras mujeres se unieron a la Asociación de Intérpretes de Nohgaku. [12] [13] En 2004, las primeras mujeres se unieron a la Asociación de Obras Japonesas de Noh. [13] En 2007, el Teatro Nacional de Noh comenzó a presentar anualmente programas regulares de intérpretes femeninas. [13] En 2009, había alrededor de 1200 intérpretes profesionales de Noh masculinos y 200 femeninos. [14]
El concepto de jo-ha-kyū dicta prácticamente todos los elementos del Noh, incluida la compilación de un programa de obras, la estructuración de cada obra, las canciones y danzas dentro de las obras y los ritmos básicos dentro de cada actuación de Noh. Jo significa comienzo, ha significa ruptura y kyū significa rápido o urgente. El término se originó en gagaku , música cortesana antigua, para indicar un ritmo que aumenta gradualmente y fue adoptado en varias tradiciones japonesas, incluido el Noh, la ceremonia del té, la poesía y los arreglos florales. [15]
Jo-ha-kyū está incorporado en el programa tradicional de cinco obras del Noh. La primera obra es jo , la segunda, tercera y cuarta obras son ha , y la quinta obra es kyū . De hecho, las cinco categorías que se analizan a continuación se crearon para que el programa representara jo-ha-kyū cuando se selecciona una obra de cada categoría y se interpreta en orden. Cada obra se puede dividir en tres partes: la introducción, el desarrollo y la conclusión. Una obra comienza con un ritmo lento en jo , se vuelve ligeramente más rápida en ha y luego culmina en kyū . [16]
Los actores comienzan su formación cuando son niños, tradicionalmente a la edad de tres años.
Zeami aisló nueve niveles o tipos de actuación Noh desde los grados inferiores que ponen énfasis en el movimiento y la violencia hasta los grados superiores que representan la apertura de una flor y la destreza espiritual. [17]
En 2012, existen cinco escuelas de actuación Noh llamadas Kanze (観世), Hōshō (宝生), Komparu (金春), Kongō (金剛) y Kita (喜多) que capacitan a los actores shite . Cada escuela tiene su propia familia iemoto que lleva el nombre de la escuela y se considera la más importante. El iemoto tiene el poder de crear nuevas obras o modificar letras y modos de interpretación. [18] Los actores de waki se capacitan en las escuelas Takayasu (高安), Fukuou (福王) y Hōshō (宝生). Hay dos escuelas que capacitan a los actores de kyōgen , Ōkura (大蔵) e Izumi (和泉). Once escuelas capacitan a instrumentistas, cada escuela se especializa en uno a tres instrumentos. [19]
La Asociación de Intérpretes de Nohgaku ( Nōgaku Kyōkai ), en la que están registrados todos los profesionales, protege estrictamente las tradiciones transmitidas de sus antepasados (véase iemoto ). Sin embargo, varios documentos secretos de la escuela Kanze escritos por Zeami, así como materiales de Konparu Zenchiku , se han difundido entre la comunidad de estudiosos del teatro japonés. [19]
Hay cuatro categorías principales de intérpretes de Noh: shite , waki , kyōgen y hayashi . [5] [20] [21]
Una obra Noh típica siempre involucra al coro, la orquesta y al menos un actor shite y uno waki . [22]
La interpretación del Noh combina una variedad de elementos en un todo estilístico, siendo cada elemento particular el producto de generaciones de refinamiento de acuerdo con los aspectos centrales budistas, sintoístas y minimalistas de los principios estéticos del Noh.
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Las máscaras Noh (能面nō-men o 面omote ) se tallan a partir de bloques de ciprés japonés (檜 " hinoki ") y se pintan con pigmentos naturales sobre una base neutra de pegamento y conchas marinas trituradas. Hay aproximadamente 450 máscaras diferentes, en su mayoría basadas en sesenta tipos, [23] : 14 todas las cuales tienen nombres distintivos. Algunas máscaras son representativas y se usan con frecuencia en muchas obras diferentes, mientras que otras son muy específicas y solo se pueden usar en una o dos obras. Las máscaras Noh significan el género, la edad y el rango social de los personajes, y al usar máscaras, los actores pueden representar jóvenes, ancianos, mujeres o personajes no humanos ( divinos o demoníacos ). [23] : 13 Solo el shite , el actor principal, usa una máscara en la mayoría de las obras, aunque el tsure también puede usar una máscara en algunas obras. [23] : 13, 260
Aunque la máscara cubre las expresiones faciales del actor, su uso en el Noh no implica abandonar por completo las expresiones faciales. Más bien, su intención es estilizar y codificar las expresiones faciales mediante el uso de la máscara y estimular la imaginación del público. Al usar máscaras, los actores pueden transmitir emociones de una manera más controlada a través de movimientos y lenguaje corporal. Algunas máscaras utilizan efectos de iluminación para transmitir diferentes emociones a través de una ligera inclinación de la cabeza. Si se mira ligeramente hacia arriba, o se "ilumina", la máscara capturará más luz, revelando más rasgos que parecen reír o sonreír. Si se mira hacia abajo, o se "nubla", la máscara parecerá triste o enojada. [16]
Las máscaras Noh son apreciadas por las familias e instituciones Noh, y las poderosas escuelas Noh tienen las máscaras Noh más antiguas y valiosas en sus colecciones privadas, rara vez vistas por el público. La máscara más antigua supuestamente se guarda como un tesoro escondido por la escuela más antigua, Konparu. Según el actual director de la escuela Konparu, la máscara fue tallada por el legendario príncipe regente Shōtoku (572-622) hace más de mil años. Si bien la precisión histórica de la leyenda de la máscara del príncipe Shōtoku puede ser discutida, la leyenda en sí es antigua, ya que se registró por primera vez en El estilo y la flor de Zeami escrito en el siglo XIV. [23] : 11 Algunas de las máscaras de la escuela Konparu pertenecen al Museo Nacional de Tokio y se exhiben allí con frecuencia. [24]
El escenario tradicional del Noh ( butai ) tiene una apertura total que proporciona una experiencia compartida entre los intérpretes y el público durante toda la representación. Sin ningún proscenio o cortinas que obstruyan la vista, el público ve a cada actor incluso durante los momentos antes de que entren (y después de que salgan) del "escenario" central ( honbutai , "escenario principal"). El teatro en sí mismo se considera simbólico y es tratado con reverencia tanto por los intérpretes como por el público. [16]
Una de las características más reconocibles del teatro Noh es su techo independiente que cuelga sobre el escenario incluso en los teatros interiores. Sostenido por cuatro columnas, el techo simboliza la santidad del escenario, con su diseño arquitectónico derivado del pabellón de adoración ( haiden ) o pabellón de danza sagrada ( kagura-den ) de los santuarios sintoístas . El techo también unifica el espacio del teatro y define el escenario como una entidad arquitectónica. [16]
Los pilares que sostienen el techo se denominan shitebashira (pilar del personaje principal), metsukebashira (pilar de la mirada), wakibashira (pilar del personaje secundario) y fuebashira (pilar de la flauta), en el sentido de las agujas del reloj desde el fondo del escenario a la derecha, respectivamente. Cada pilar está asociado con los intérpretes y sus acciones. [25]
El escenario está hecho enteramente de hinoki , ciprés japonés, sin terminar, y casi sin elementos decorativos. El poeta y novelista Tōson Shimazaki escribe que "en el escenario del teatro Noh no hay decorados que cambien con cada obra. Tampoco hay telón. Sólo hay un panel sencillo ( kagami-ita ) con una pintura de un pino verde . Esto crea la impresión de que todo lo que pudiera proporcionar sombras ha sido desterrado. Romper esa monotonía y hacer que algo suceda no es cosa fácil". [16]
Otra característica única del escenario es el hashigakari , un puente estrecho en la parte superior derecha del escenario que utilizan los actores para entrar al escenario. Hashigakari significa "puente colgante", lo que significa algo aéreo que conecta dos mundos separados en un mismo nivel. El puente simboliza la naturaleza mítica de las obras de Noh en las que aparecen con frecuencia fantasmas y espíritus de otro mundo. En contraste, el hanamichi en los teatros Kabuki es literalmente un camino ( michi ) que conecta dos espacios en un solo mundo, por lo que tiene un significado completamente diferente. [16]
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Los actores de Noh visten trajes de seda llamados shozoku (túnicas) junto con pelucas, sombreros y accesorios como el abanico. Con colores llamativos, textura elaborada y tejido y bordado intrincados, las túnicas de Noh son verdaderas obras de arte por derecho propio. Los trajes para el shite en particular son extravagantes y brillantes brocados de seda, pero son progresivamente menos suntuosos para el tsure, el wakizure y el aikyōgen . [16]
Durante siglos, de acuerdo con la visión de Zeami, los trajes de Noh emulaban la ropa que los personajes usarían genuinamente, como las túnicas formales de un cortesano y la ropa de calle de un campesino o plebeyo. Pero a fines del siglo XVI, los trajes se estilizaron con ciertas convenciones simbólicas y estilísticas. Durante el período Edo (Tokugawa), las elaboradas túnicas que los nobles y samuráis les daban a los actores en el período Muromachi se desarrollaron como disfraces. [26]
Los músicos y el coro suelen llevar un kimono formal montsuki (negro y adornado con cinco escudos familiares) acompañado de un hakama (una prenda similar a una falda) o un kami-shimo , una combinación de hakama y un chaleco con hombros exagerados. Por último, los asistentes del escenario visten prendas negras prácticamente sin adornos, de forma muy similar a los tramoyistas del teatro occidental contemporáneo. [10]
El uso de accesorios en el Noh es minimalista y estilizado. El accesorio más comúnmente usado en el Noh es el abanico , ya que lo llevan todos los intérpretes independientemente del papel. Los cantantes de coro y los músicos pueden llevar su abanico en la mano cuando entran al escenario, o llevarlo escondido en el obi (la faja). El abanico generalmente se coloca al lado del intérprete cuando toma posición, y a menudo no se vuelve a tomar hasta que abandona el escenario. Durante las secuencias de baile, el abanico se usa típicamente para representar todos y cada uno de los accesorios que se sostienen con la mano, como una espada, una jarra de vino, una flauta o un pincel para escribir. El abanico puede representar varios objetos a lo largo de una sola obra. [16]
Cuando se utilizan otros accesorios manuales que no sean abanicos, normalmente son introducidos o recuperados por kuroko , que cumplen una función similar a la del personal de escena en el teatro contemporáneo. Al igual que sus homólogos occidentales, los asistentes de escena del Noh se visten tradicionalmente de negro, pero a diferencia del teatro occidental pueden aparecer en el escenario durante una escena o pueden permanecer en el escenario durante toda una actuación, en ambos casos a la vista del público. El traje completamente negro de las kuroko implica que no son parte de la acción en el escenario y son efectivamente invisibles. [10]
Los elementos decorativos del Noh, como los barcos, los pozos, los altares y las campanas, suelen llevarse al escenario antes del comienzo del acto en el que se necesitan. Estos elementos de utilería normalmente son solo contornos que sugieren objetos reales, aunque la gran campana, una excepción perenne a la mayoría de las reglas del Noh para los elementos de utilería, está diseñada para ocultar al actor y permitir un cambio de vestuario durante el interludio del kyōgen . [23] [ página necesaria ]
El teatro Noh está acompañado por un coro y un conjunto de hayashi ( Noh-bayashi能囃子). El Noh es un drama cantado, y algunos comentaristas lo han denominado " ópera japonesa ". Sin embargo, el canto en Noh implica un rango tonal limitado, con pasajes largos y repetitivos en un rango dinámico estrecho. Los textos son poéticos, apoyándose en gran medida en el ritmo japonés siete por cinco común a casi todas las formas de poesía japonesa , con una economía de expresión y una abundancia de alusiones. Las partes cantadas del Noh se llaman " Utai " y las partes habladas " Kataru ". [27] La música tiene muchos espacios en blanco ( ma ) entre los sonidos reales, y estos espacios en blanco negativos de hecho se consideran el corazón de la música. Además de utai , el conjunto Noh hayashi consta de cuatro músicos, también conocidos como "hayashi-kata", incluidos tres bateristas, que tocan el shime-daiko , ōtsuzumi (tambor de cadera) y kotsuzumi (tambor de hombro) respectivamente, y un flautista nohkan . [16]
El canto no siempre se interpreta "dentro del personaje"; es decir, a veces el actor dice líneas o describe eventos desde la perspectiva de otro personaje o incluso de un narrador desinteresado. Lejos de romper el ritmo de la actuación, esto en realidad está en consonancia con la sensación sobrenatural de muchas obras de Noh, especialmente en aquellas caracterizadas como mugen .
De las aproximadamente 2000 obras de teatro creadas para el Noh que se conocen hoy en día, unas 240 conforman el repertorio actual interpretado por las cinco escuelas de Noh existentes. El repertorio actual está fuertemente influenciado por el gusto de la clase aristocrática del período Tokugawa y no necesariamente refleja la popularidad entre la gente común. [3] Hay varias formas de clasificar las obras de Noh.
Todas las obras Noh pueden clasificarse en tres grandes categorías. [10]
Mientras que el Genzai Noh utiliza conflictos internos y externos para impulsar las historias y provocar emociones, el Mugen Noh se centra en utilizar flashbacks del pasado y de los fallecidos para invocar emociones. [10]
Además, todas las obras Noh pueden clasificarse por su estilo.
Todas las obras de Noh se dividen según sus temas en las siguientes cinco categorías. Esta clasificación se considera la más práctica y todavía se utiliza en la programación formal en la actualidad. [3] Tradicionalmente, un programa formal de cinco obras se compone de una selección de cada uno de los grupos. [10]
Además de los cinco anteriores, Okina (翁) (o Kamiuta ) se realiza con frecuencia al comienzo del programa, especialmente en Año Nuevo, días festivos y otras ocasiones especiales. [28] Combinando la danza con el ritual sintoísta , se considera el tipo más antiguo de obra Noh. [10]
La siguiente categorización es la de la escuela Kanze . [18]
Muchos artistas occidentales han sido influenciados por el Noh.
Zeami y Zenchiku describen una serie de cualidades distintivas que se consideran esenciales para la adecuada comprensión del Noh como forma de arte.
Hoy en día, el Noh se sigue representando con regularidad en teatros públicos y privados, la mayoría de ellos ubicados en las grandes ciudades. Hay más de 70 teatros Noh en todo Japón, que presentan producciones tanto profesionales como amateurs. [53]
Los teatros públicos incluyen el Teatro Nacional Noh (Tokio), el Teatro Noh de Nagoya , el Teatro Noh de Osaka y el Teatro Noh de Fukuoka. Cada escuela de Noh tiene su propio teatro permanente, como el Teatro Noh Kanze (Tokio), el Teatro Noh Hosho (Tokio), el Teatro Noh Kongo ( Kioto ), el Teatro Noh Komparu de Nara ( Nara ) y el Taka no Kai ( Fukuoka ). Además, hay varios teatros prefecturales y municipales ubicados en todo Japón que presentan compañías profesionales itinerantes y compañías amateurs locales. En algunas regiones, se han desarrollado teatros regionales únicos como el Noh Ogisai Kurokawa para formar escuelas independientes de cinco escuelas tradicionales. [16]
La etiqueta del público es generalmente similar a la del teatro occidental formal: el público observa en silencio. No se utilizan subtítulos , pero algunos miembros del público siguen el libreto . Como no hay cortinas en el escenario, la actuación comienza con la entrada de los actores y termina con su salida. Las luces del teatro suelen permanecer encendidas durante las actuaciones, lo que crea una sensación íntima que proporciona una experiencia compartida entre los intérpretes y el público. [10]
Al final de la obra, los actores salen lentamente (lo más importante primero, con espacios entre los actores), y mientras están en el puente ( hashigakari ), el público aplaude moderadamente. Entre los actores, los aplausos cesan, luego comienzan de nuevo cuando el siguiente actor se va. A diferencia del teatro occidental, no hay reverencias, ni los actores regresan al escenario después de haber salido. Una obra puede terminar con el personaje shite abandonando el escenario como parte de la historia (como en Kokaji, por ejemplo), en lugar de terminar con todos los personajes en el escenario, en cuyo caso se aplaude cuando el personaje sale. [18]
Durante el intervalo, se puede servir té , café y wagashi (dulces japoneses) en el vestíbulo. En el período Edo, cuando el Noh duraba todo el día, se servían bentō makunouchi (幕の内弁当, "fiambrera para entre actos") más sustanciosos. En ocasiones especiales , cuando termina la actuación, se puede servir お神酒 ( o-miki, sake ceremonial ) en el vestíbulo a la salida, como sucede en los rituales sintoístas .
El público se sienta delante del escenario, en el lado izquierdo del escenario y en la esquina delantera izquierda del escenario; estos lugares están en orden decreciente de conveniencia. Si bien el pilar metsuke-bashira obstruye la vista del escenario, los actores están principalmente en las esquinas, no en el centro, y por lo tanto los dos pasillos están ubicados donde la vista de los dos actores principales quedaría obstruida, lo que garantiza una vista generalmente clara independientemente del asiento. [10]
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