Randolph Denard Ornette Coleman (9 de marzo de 1930 - 11 de junio de 2015) [1] fue un saxofonista, trompetista, violinista y compositor de jazz estadounidense. Es mejor conocido como uno de los principales fundadores del género free jazz , término derivado de su álbum de 1960 Free Jazz: A Collective Improvisation . Sus obras pioneras a menudo abandonaron la composición basada en la armonía , la tonalidad , los cambios de acordes y el ritmo fijo que se encontraban en los modismos del jazz anteriores. [2] En cambio, Coleman enfatizó un enfoque experimental de la improvisación , arraigado en la interpretación en conjunto y el fraseo de blues . [3] AllMusic lo llamó "una de las figuras más queridas y polarizadoras en la historia del jazz", y señaló que, si bien "ahora es celebrado como un innovador intrépido y un genio, inicialmente fue considerado por sus pares y críticos como rebelde, disruptivo e incluso un fraude." [3]
Nacido y criado en Fort Worth, Texas , Coleman aprendió por sí mismo a tocar el saxofón cuando era un adolescente. [1] Comenzó su carrera musical tocando en grupos locales de R&B y bebop , y finalmente formó su propio grupo en Los Ángeles con miembros como Ed Blackwell , Don Cherry , Charlie Haden y Billy Higgins . En noviembre de 1959, su cuarteto inició una controvertida residencia en el club de jazz Five Spot de la ciudad de Nueva York y lanzó el influyente álbum The Shape of Jazz to Come , su LP debut en Atlantic Records . Los posteriores lanzamientos de Coleman en Atlantic a principios de la década de 1960 influirían profundamente en la dirección del jazz en esa década, y sus composiciones " Lonely Woman " y " Broadway Blues " se convirtieron en estándares del género que se citan como importantes obras tempranas del free jazz. [4]
A mediados de la década de 1960, Coleman dejó Atlantic por sellos como Blue Note y Columbia Records , y comenzó a actuar con su pequeño hijo Denardo Coleman en la batería. Exploró las composiciones sinfónicas con su álbum de 1972 Skies of America , con la Orquesta Sinfónica de Londres . A mediados de la década de 1970, formó el grupo Prime Time y exploró el jazz-funk eléctrico y su concepto de música armolódica . [3] En 1995, Coleman y su hijo Denardo fundaron el sello discográfico Harmolodic . Su álbum Sound Grammar de 2006 recibió el Premio Pulitzer de Música , lo que convirtió a Coleman en el segundo músico de jazz en recibir ese honor. [5]
Coleman nació el 9 de marzo de 1930 en Fort Worth, Texas , [6] donde se crió. [7] [8] [9]
Asistió a IM Terrell High School , donde participó en la banda hasta que fue despedido por improvisar durante la marcha de " The Washington Post ". Comenzó a tocar R&B y bebop con saxofón tenor y fundó The Jam Jivers con Prince Lasha y Charles Moffett . [9]
Ansioso por dejar la ciudad, aceptó un trabajo en 1949 con un espectáculo itinerante de Silas Green de Nueva Orleans y luego con espectáculos itinerantes de ritmo y blues. Después de un espectáculo en Baton Rouge, Luisiana, fue agredido y su saxofón fue destruido. [10]
Cambió al saxofón alto, que siguió siendo su instrumento principal, y lo tocó por primera vez en Nueva Orleans después del incidente de Baton Rouge. Luego se unió a la banda de Pee Wee Crayton y viajó con ellos a Los Ángeles. Trabajó en varios trabajos, incluso como ascensorista, mientras seguía su carrera musical. [11]
En California encontró músicos con ideas afines como Ed Blackwell , Bobby Bradford , Don Cherry , Charlie Haden , Billy Higgins y Charles Moffett . [3] [12] Grabó su álbum debut, Something Else!!!! (1958), con Cherry, Higgins, Walter Norris y Don Payne . [13] Durante el mismo año perteneció brevemente a un quinteto liderado por Paul Bley que actuó en un club de la ciudad de Nueva York (esa banda está grabada en Live at the Hilcrest Club 1958 ). [3] ¡ Para cuando mañana sea la cuestión! fue grabado poco después con Cherry, los bajistas Percy Heath y Red Mitchell , y la baterista Shelly Manne , el mundo del jazz había sido sacudido por la música alienígena de Coleman. Algunos músicos de jazz lo tildaron de fraude, mientras que el director Leonard Bernstein lo elogió. [12]
En 1959 Atlantic lanzó The Shape of Jazz to Come . Según el crítico musical Steve Huey, el álbum "fue un hito en la génesis del jazz de vanguardia, que marcó profundamente su rumbo futuro y arrojó un desafío que algunos todavía no han asumido". [14] Jazzwise lo incluyó en el puesto número 3 en su lista de los 100 mejores álbumes de jazz de todos los tiempos. [15] Cuando el filósofo francés Jacques Derrida lo entrevistó, Ornette dijo que "Lonely Woman" del álbum fue el resultado de ver a una mujer rica que se encontraba en tal soledad. [dieciséis]
El cuarteto de Coleman recibió un compromiso largo, y a veces controvertido, en el club de jazz Five Spot de la ciudad de Nueva York. Leonard Bernstein , Lionel Hampton y el Modern Jazz Quartet quedaron impresionados y ofrecieron aliento. Hampton pidió actuar con el cuarteto; Bernstein ayudó a Haden a obtener una beca de composición de la Fundación en Memoria de John Simon Guggenheim . Pero el trompetista Miles Davis dijo que Coleman estaba "todo jodido por dentro", [17] [18] aunque más tarde se convirtió en un defensor de las innovaciones de Coleman. [19]
El sonido inicial de Coleman se debió en parte al uso de un saxofón de plástico . Compró una trompeta de plástico en Los Ángeles en 1954 porque no podía permitirse un saxofón de metal, aunque al principio no le gustó el sonido del instrumento de plástico. [9]
En las grabaciones de Atlantic, los acompañantes de Coleman en el cuarteto son Cherry en corneta o trompeta de bolsillo ; Charlie Haden, Scott LaFaro y luego Jimmy Garrison al bajo; y Higgins o su reemplazo Ed Blackwell en la batería. Las grabaciones completas para el sello se recopilaron en la caja Beauty Is a Rare Thing . [20]
En 1960, Coleman grabó Free Jazz: A Collective Improvisation , que incluía un cuarteto doble, que incluía a Don Cherry y Freddie Hubbard a la trompeta, Eric Dolphy al clarinete bajo, Haden y LaFaro al bajo, y Higgins y Blackwell a la batería. [21] El álbum fue grabado en estéreo con un cuarteto de lengüeta, metales, bajo y batería aislado en cada canal estéreo. Free Jazz fue, con 37 minutos, la interpretación de jazz continua más larga registrada hasta la fecha [22] y fue uno de los álbumes más controvertidos de Coleman. La música presenta un pulso regular pero complejo, un baterista toca "directamente" mientras el otro toca a doble tiempo; el material temático es una serie de fanfarrias breves y disonantes. Una serie de funciones en solitario para cada miembro de la banda, pero los demás solistas son libres de intervenir como quieran. [23] En el número del 18 de enero de 1962 de la revista Down Beat , en una reseña titulada "Double View of a Double Quartet", Pete Welding le dio al álbum cinco estrellas, mientras que John A. Tynan lo calificó con cero estrellas. [24] Sin embargo, el tiempo ha sido más amable con el álbum, y AllMusic lo incluye como uno de los "20 álbumes esenciales de Free Jazz". [21]
Coleman pretendía que el "free jazz" fuera simplemente el título de un álbum. Pero su creciente reputación lo colocó a la vanguardia de la innovación del jazz, y el free jazz pronto fue considerado un nuevo género, aunque Coleman ha expresado su malestar con el término. Entre las razones por las que pudo haber desaprobado el término está que su música contiene composición . Su material melódico, aunque esquelético, recuerda melodías que Charlie Parker escribió sobre armonías estándar . La música está más cerca del bebop anterior de lo que a veces se imagina popularmente. [25]
Después del período atlántico y principios de la década de 1960, la música de Coleman se volvió más angular y comprometida con el jazz de vanguardia que se había desarrollado en parte alrededor de sus innovaciones. [20] Después de que su cuarteto se disolvió, formó un trío con David Izenzon al bajo y Charles Moffett a la batería. Amplió el sonido de su música, introduciendo instrumentos de cuerda y empezó a tocar la trompeta y el violín, que pasó tres años aprendiendo por su cuenta, además del saxofón alto. Tenía poca técnica musical convencional y utilizaba los instrumentos para realizar gestos grandes y desenfrenados. Su amistad con Albert Ayler influyó en su desarrollo con la trompeta y el violín. Charlie Haden se unía en ocasiones a este trío para formar un cuarteto de dos bajos.
Coleman firmó con Blue Note y grabó At the Golden Circle Stockholm . [26] En 1966, grabó The Vacuum Foxhole con su hijo, Denardo Coleman , que tenía diez años. [27] Freddie Hubbard y Shelly Manne consideraron esto como una publicidad desacertada por parte de Coleman. [28] [29] A pesar de su juventud, Denardo Coleman había estudiado batería durante varios años. Su técnica era poco refinada pero entusiasta, y se debía más a los bateristas de free jazz orientados al pulso como Sunny Murray que a los bateristas de bebop. [26] Se convirtió en el baterista principal de su padre a finales de la década de 1970.
Coleman formó otro cuarteto. Aparecieron Haden, Garrison y Elvin Jones , y Dewey Redman se unió al grupo, normalmente tocando el saxofón tenor. El 29 de febrero de 1968, en un grupo con Haden, Ed Blackwell y David Izenzon , Coleman actuó en vivo con Yoko Ono en el Albert Hall . Se incluyó una canción en el álbum Yoko Ono/Plastic Ono Band (1970). [30]
Continuó explorando su interés por las texturas de cuerdas, desde Town Hall, 1962 , que culminó con el álbum Skies of America en 1972. (A veces esto tuvo un valor práctico, ya que facilitó la aparición de su grupo en el Reino Unido en 1965, donde los músicos de jazz estaban bajo un acuerdo de cuotas, pero los intérpretes clásicos estaban exentos.)
Coleman, como Miles Davis antes que él, empezó a tocar con instrumentos electrificados . El álbum funk de 1976 Dancing in Your Head , la primera grabación de Coleman con el grupo que más tarde se conoció como Prime Time , incluía de manera destacada guitarras eléctricas. Si bien esto marcó un cambio estilístico para Coleman, la música mantuvo ciertas similitudes con su trabajo anterior. Estas actuaciones tenían las mismas melodías angulares e improvisaciones grupales simultáneas - lo que Joe Zawinul llamó "nadie hace solos, todos hacen solos" y lo que Coleman llamó armolódicos - y aunque la naturaleza del pulso fue alterada, el enfoque rítmico de Coleman no.
En la década de 1980, álbumes como Virgin Beauty y Of Human Feelings continuaron utilizando ritmos de rock y funk , a veces llamados free funk . [31] [32] Jerry García tocó la guitarra en tres pistas del álbum Virgin Beauty de Coleman de 1988 : "Three Wishes", "Singing in the Shower" y "Desert Players". Coleman se unió a Grateful Dead en el escenario en 1993 durante "Space" y permaneció en "The Other One", "Stella Blue", "Turn on Your Lovelight" de Bobby Bland y el bis "Brokedown Palace". [33] [34] Otra colaboración fue con el guitarrista Pat Metheny , con quien Coleman grabó Song X (1985); Aunque el álbum fue lanzado bajo el nombre de Metheny, Coleman fue esencialmente co-líder (contribuyó con todas las composiciones).
En 1990, la ciudad de Reggio Emilia en Italia celebró un "Retrato del artista" de tres días de duración con un cuarteto de Coleman con Cherry, Haden y Higgins. El festival también presentó actuaciones de su música de cámara y de la sinfónica Cielos de América . [35] En 1991, Coleman tocó en la banda sonora de la película Naked Lunch de David Cronenberg ; la orquesta fue dirigida por Howard Shore . [36] Es notable, entre otras cosas, por incluir un raro avistamiento de Coleman tocando un estándar de jazz: " Misterioso " de Thelonious Monk . Dos grabaciones de Coleman de 1972 (preeléctricas), "Happy House" y "Foreigner in a Free Land", se utilizaron en Finding Forrester de 2000 de Gus Van Sant . [37] Coleman lanzó cuatro discos en 1995 y 1996, y por primera vez en muchos años trabajó regularmente con pianistas (ya sea Geri Allen o Joachim Kühn ).
En septiembre de 2006 lanzó un álbum en vivo titulado Sound Grammar con su hijo, Denardo Coleman, y dos bajistas, Greg Cohen y Tony Falanga. Este fue su primer álbum con material nuevo en diez años y fue grabado en Alemania en 2005. Ganó el Premio Pulitzer de música en 2007, siendo Coleman el segundo músico de jazz en ganar el premio. [38] Aunque Wynton Marsalis ganó el Premio Pulitzer de Música en 1997 por Blood on the Fields , que es un oratorio sobre la esclavitud, Sound Grammar es el primer álbum de jazz en ganar el premio.
La pianista de jazz Joanne Brackeen declaró en una entrevista con Marian McPartland que Coleman fue su mentora y le dio lecciones de música. [39]
Coleman se casó con la poeta Jayne Cortez en 1954. La pareja se divorció en 1964. [40] Tuvieron un hijo, Denardo , nacido en 1956. [41]
Coleman murió de un paro cardíaco a la edad de 85 años en la ciudad de Nueva York el 11 de junio de 2015. [1] Su funeral fue un evento de tres horas con actuaciones y discursos de varios de sus colaboradores y contemporáneos. [42]
McClintic Sphere , un personaje ficticio de la novela debut de Thomas Pynchon, V. (1963), es un saxofonista innovador inspirado en Ornette Coleman. [49] [50] [51]
Ornette Coleman desde el 19 de marzo de 1930, cuando nació en Fort Worth, Texas
Ornette Coleman, nacida en Fort Worth, Texas, el 19 de marzo de 1930
En la novela V. de Thomas Pynchon hay un personaje llamado McClintic Sphere, que toca un saxofón alto de marfil tallado a mano (el de Coleman estaba hecho de plástico blanco) en un club llamado V Note.
De toda la tinta derramada sobre el impacto de Coleman, quizás la más memorable provino de la novela debut de Thomas Pynchon de 1963, V., en la que el personaje McClintic Sphere (con un apellido que hace referencia al segundo nombre de Thelonious Monk) pone de punta al mundo del jazz en un club llamado V-Note.
En la novela 'V' de Thomas Pynchon de 1963, aparece un personaje apenas velado llamado McClintic Sphere, tocando un saxofón de 'marfil blanco' en el 'V Spot'. La parodia maravillosamente concisa que hace Pynchon del portentoso debate en torno a la música de Coleman es la siguiente: "Toca todas las notas que Bird se perdió", susurró alguien delante de Fu. Fu hizo en silencio los movimientos de romper una botella de cerveza en el borde de la mesa, clavarla en la espalda del orador y retorcerla.
Medios de los comunes
Citas de Wikiquote