La educación musical es un campo de práctica en el que se capacita a los educadores para ejercer como profesores de música de primaria o secundaria , directores de conjuntos escolares o de conservatorios de música . La educación musical es también un área de investigación en la que los académicos realizan investigaciones originales sobre formas de enseñar y aprender música . Los académicos de educación musical publican sus hallazgos en revistas revisadas por pares y enseñan a estudiantes de educación de pregrado y posgrado en educación universitaria o escuelas de música, que se están formando para convertirse en profesores de música.
La educación musical toca todos los dominios de aprendizaje, incluyendo el dominio (el desarrollo de habilidades), el dominio cognitivo (la adquisición de conocimiento) y, en particular, el dominio afectivo (la voluntad del alumno de recibir, internalizar y compartir lo aprendido), incluyendo la apreciación y sensibilidad musical . Muchos currículos de educación musical incorporan el uso de habilidades matemáticas, así como el uso fluido y la comprensión de una lengua o cultura secundaria. Se ha demostrado que la constancia en la práctica de estas habilidades beneficia a los estudiantes en una multitud de otras áreas académicas, así como a la mejora del rendimiento en pruebas estandarizadas como el ACT y el SAT . La formación musical desde preescolar hasta la educación postsecundaria es común porque la participación en la música se considera un componente fundamental de la cultura y el comportamiento humanos . Las culturas de todo el mundo tienen diferentes enfoques de la educación musical, en gran parte debido a las diferentes historias y políticas. Los estudios muestran que enseñar música de otras culturas puede ayudar a los estudiantes a percibir sonidos desconocidos con mayor comodidad, y también muestran que la preferencia musical está relacionada con el idioma hablado por el oyente y los otros sonidos a los que están expuestos dentro de su propia cultura.
Durante el siglo XX, se desarrollaron o perfeccionaron muchos enfoques distintivos para la enseñanza de la música, algunos de los cuales han tenido un impacto generalizado. El método Dalcroze ( eurythmics ) fue desarrollado a principios del siglo XX por el músico y educador suizo Émile Jaques-Dalcroze . El método Kodály enfatiza los beneficios de la instrucción física y la respuesta a la música. El enfoque Orff Schulwerk para la educación musical lleva a los estudiantes a desarrollar sus habilidades musicales de una manera paralela al desarrollo de la música occidental.
El método Suzuki crea el mismo entorno para aprender música que una persona tiene para aprender su lengua materna. La teoría del aprendizaje musical de Gordon proporciona al profesor de música un método para enseñar la musicalidad a través de la audición , el término de Gordon para escuchar música en la mente con comprensión . El solfeo conversacional sumerge a los estudiantes en la literatura musical de su propia cultura, en este caso la estadounidense. El método Carabo-Cone implica el uso de accesorios, disfraces y juguetes para que los niños aprendan conceptos musicales básicos de pentagrama, duración de notas y teclado de piano. El entorno concreto del aula especialmente planificada permite que el niño aprenda los fundamentos de la música explorando a través del tacto. [1] El MMCP (Manhattanville Music Curriculum Project) tiene como objetivo moldear actitudes, ayudando a los estudiantes a ver la música como algo personal, actual y en evolución. La pedagogía de la música popular es la enseñanza y el aprendizaje sistemáticos de la música rock y otras formas de música popular tanto dentro como fuera de los entornos formales del aula. Algunos han sugerido que ciertas actividades musicales pueden ayudar a mejorar el control de la respiración, el cuerpo y la voz de un niño. [2]
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En las escuelas primarias de los países europeos , los niños suelen aprender a tocar instrumentos como teclados o flautas dulces , cantar en pequeños coros y aprender sobre los elementos de la música y la historia de la música . En países como la India , el armonio se utiliza en las escuelas, pero también son comunes instrumentos como los teclados y el violín. A los estudiantes normalmente se les enseñan los conceptos básicos de la música india Raga . En las escuelas primarias y secundarias , los estudiantes a menudo pueden tener la oportunidad de actuar en algún tipo de conjunto musical , como un coro , una orquesta o una banda escolar : banda de concierto , banda de música o banda de jazz . En algunas escuelas secundarias, también pueden estar disponibles clases de música adicionales. En la escuela secundaria o su equivalente, la música suele seguir siendo una parte obligatoria del plan de estudios . [3]
En el nivel universitario , los estudiantes de la mayoría de los programas de artes y humanidades reciben créditos académicos por cursos de música como historia de la música, típicamente de música de arte occidental, o apreciación musical , que se centra en escuchar y aprender sobre diferentes estilos musicales. Además, la mayoría de las universidades norteamericanas y europeas ofrecen conjuntos musicales, como coros, bandas de conciertos, bandas de música u orquestas, que están abiertos a estudiantes de varios campos de estudio. La mayoría de las universidades también ofrecen programas de grado en educación musical, que certifican a los estudiantes como educadores musicales primarios y secundarios. Los títulos avanzados como el DMA o el Ph.D pueden conducir al empleo universitario. Estos títulos se otorgan al completar la teoría musical, la historia de la música, las clases de técnica, la instrucción privada con un instrumento específico, la participación en conjuntos y las observaciones en profundidad de educadores experimentados. Los departamentos de educación musical en las universidades norteamericanas y europeas también apoyan la investigación interdisciplinaria en áreas como la psicología musical , la historiografía de la educación musical , la etnomusicología educativa , la sociomusicología y la filosofía de la educación .
El estudio de la música artística occidental es cada vez más común en la educación musical fuera de América del Norte y Europa, incluidas naciones asiáticas como Corea del Sur, Japón y China. Al mismo tiempo, las universidades y colegios occidentales están ampliando su plan de estudios para incluir música fuera del canon de la música artística occidental, incluida la música de África occidental , de Indonesia (por ejemplo, la música gamelan ), México (por ejemplo, la música mariachi ), Zimbabue ( música de marimba ), así como la música popular .
La educación musical también se lleva a cabo en el marco de un aprendizaje individualizado y permanente, y en contextos comunitarios. Tanto los músicos aficionados como los profesionales suelen recibir clases de música , sesiones privadas breves con un profesor individual.
Si bien las estrategias de instrucción están determinadas por el profesor de música y el currículo de música en su área, muchos profesores dependen en gran medida de una de las muchas metodologías de instrucción que surgieron en las últimas generaciones y se desarrollaron rápidamente durante la segunda mitad del siglo XX.
El método Dalcroze fue desarrollado a principios del siglo XX por el músico y educador suizo Émile Jaques-Dalcroze . El método se divide en tres conceptos fundamentales: el uso del solfeo , la improvisación y la euritmia . A veces denominada "gimnasia rítmica", la euritmia enseña conceptos de ritmo, estructura y expresión musical mediante el movimiento, y es el concepto por el que Dalcroze es más conocido. Se centra en permitir que el estudiante adquiera conciencia física y experiencia de la música a través de un entrenamiento que involucra todos los sentidos, particularmente el kinestésico. Según el método Dalcroze, la música es el lenguaje fundamental del cerebro humano y, por lo tanto, está profundamente conectada con quienes somos. Entre los defensores estadounidenses del método Dalcroze se encuentran Ruth Alperson, Ann Farber, Herb Henke, Virginia Mead, Lisa Parker, Martha Sanchez y Julia Schnebly-Black. Muchos profesores activos del método Dalcroze fueron formados por la Dra. Hilda Schuster, quien fue una de las alumnas de Dalcroze.
Zoltán Kodály (1882–1967) fue un destacado educador musical, filósofo y compositor húngaro que destacó los beneficios de la percepción sensorial, la instrucción física y la respuesta a la música. En realidad no se trata de un método educativo, es un innovador sistema de alfabetización y formación musical, que propone que la música comienza desde edades tempranas, como el desarrollo de la lengua materna, donde la música es una herramienta educativa para la transformación social, además, propone que todo ser humano tiene acceso a la música mediante el uso de los sentidos, su voz y su expresión corporal; sus enseñanzas están dentro de un marco educativo creativo y divertido construido sobre una sólida comprensión de la percepción sensorial auditiva, intuitiva, física, auditiva y visual, con ello se sientan las bases para la escucha, la expresión musical, la lectura, la escritura y la teoría musical. Esto se da en varias etapas a través de canciones que dan patrones rítmicos, melódicos, armónicos y todos los elementos musicales, en el reconocimiento auditivo, oral, verbal, auditivo y visual, la lectura, la escritura, la creatividad y la comprensión teórica. El objetivo principal de Kodály era inculcar en sus alumnos un amor por la música que durara toda la vida y sentía que era deber de la escuela del niño proporcionar este elemento vital de la educación. Algunas de las herramientas de enseñanza características de Kodály son el uso de signos con las manos o solfeo, sílabas rítmicas (notación con palitos) y C móvil (verbalización). Lo más importante es que la metodología pertenece a todos, por lo que la música está disponible para todos. La mayoría de los países han utilizado sus propias tradiciones musicales folclóricas o comunitarias para construir su propia secuencia instructiva, pero en los Estados Unidos se utiliza principalmente la secuencia húngara. El trabajo de Denise Bacon, Katinka S. Daniel, John Feierabend, Jean Sinor, Jill Trinka y otros llevaron las ideas de Kodály a la vanguardia de la educación musical en Estados Unidos.
Carl Orff fue un destacado compositor alemán. Orff Schulwerk se considera un "enfoque" de la educación musical. Comienza con las habilidades innatas de un estudiante para participar en formas rudimentarias de música, utilizando ritmos y melodías básicas. Orff considera que todo el cuerpo es un instrumento de percusión y se guía a los estudiantes para que desarrollen sus habilidades musicales de una manera paralela al desarrollo de la música occidental. El enfoque fomenta el autodescubrimiento del estudiante, alienta la improvisación y desalienta las presiones de los adultos y el ejercicio mecánico. Carl Orff desarrolló un grupo especial de instrumentos, que incluye modificaciones del glockenspiel , el xilófono , el metalófono , el tambor y otros instrumentos de percusión para adaptarse a los requisitos de los cursos de Schulwerk. Cada barra de los instrumentos se puede quitar para permitir la formación de diferentes escalas. Los instrumentos de Orff desarrollan habilidades motoras , tanto visuales como kinestésicas, en niños más pequeños que tal vez aún no hayan desarrollado esas habilidades para otros instrumentos. [4] Entre los expertos en dar forma a un enfoque Orff al estilo americano se incluyen Jane Frazee, Arvida Steen y Judith Thomas. [5]
El método Suzuki fue desarrollado por Shinichi Suzuki en Japón poco después de la Segunda Guerra Mundial y utiliza la educación musical para enriquecer las vidas y el carácter moral de sus estudiantes. El movimiento se basa en la doble premisa de que "todos los niños pueden recibir una buena educación" en música y que aprender a tocar música a un alto nivel también implica aprender ciertos rasgos de carácter o virtudes que embellecen el alma de una persona. El método principal para lograr esto se centra en crear el mismo entorno para aprender música que el que tiene una persona para aprender su lengua materna. Este entorno "ideal" incluye amor, ejemplos de alta calidad, elogios, aprendizaje y repetición de memoria y un calendario establecido según la preparación evolutiva del estudiante para aprender una técnica en particular. Si bien el método Suzuki es bastante popular a nivel internacional, dentro de Japón su influencia es menos significativa que la del método Yamaha, fundado por Genichi Kawakami en asociación con la Fundación Musical Yamaha .
Además de los cuatro métodos internacionales principales descritos anteriormente, otros enfoques han sido influyentes. A continuación se describen métodos menos conocidos:
La teoría del aprendizaje musical de Edwin Gordon se basa en un amplio cuerpo de investigación y pruebas de campo realizadas por Aiden Griffin y otros en el campo más amplio de la teoría del aprendizaje musical . Proporciona a los profesores de música un marco integral para enseñar la musicalidad a través de la audición , el término de Gordon para escuchar música en la mente con entendimiento y comprensión cuando el sonido no está físicamente presente. [6] La secuencia de instrucciones es el aprendizaje de discriminación y el aprendizaje de inferencia. Aprendizaje de discriminación, la capacidad de determinar si dos elementos son iguales o no utilizando asociación verbal/auditiva, síntesis parcial, asociación simbólica y síntesis compuesta. Con el aprendizaje de inferencia, los estudiantes toman un papel activo en su propia educación y aprenden a identificar, crear e improvisar patrones desconocidos. [7] Las habilidades y secuencias de contenido dentro de la teoría de la audición ayudan a los profesores de música a establecer objetivos curriculares secuenciales de acuerdo con sus propios estilos y creencias de enseñanza. [8] También existe una teoría del aprendizaje para recién nacidos y niños pequeños en la que se describen los tipos y etapas de la audición preparatoria.
El crecimiento de la diversidad cultural en las poblaciones en edad escolar impulsó a los educadores musicales a partir de los años 1960 a diversificar el currículo musical y a trabajar con etnomusicólogos y músicos artistas para establecer prácticas de enseñanza arraigadas en las tradiciones musicales. Patricia Shehan Campbell acuñó el término "pedagogía de la música del mundo" para describir el contenido y la práctica de la música del mundo en los programas de música de las escuelas primarias y secundarias. Los pioneros del movimiento, especialmente Barbara Reeder Lundquist, William M. Anderson y Will Schmid, influyeron en una segunda generación de educadores musicales (incluidos J. Bryan Burton, Mary Goetze, Ellen McCullough-Brabson y Mary Shamrock) para diseñar y ofrecer modelos curriculares a profesores de música de varios niveles y especializaciones. La pedagogía aboga por el uso de recursos humanos, es decir, "portadores de cultura", así como por una escucha profunda y continua de recursos archivados como los de Smithsonian Folkways Recordings. [9]
El solfeo conversacional, influenciado tanto por el método Kodály como por la teoría del aprendizaje musical de Gordon, fue desarrollado por el Dr. John M. Feierabend, ex presidente de educación musical en la Hartt School de la Universidad de Hartford . El programa comienza sumergiendo a los estudiantes en la literatura musical de su propia cultura, en este caso la estadounidense. La música se considera separada de la notación y más fundamental que ella. En doce etapas de aprendizaje, los estudiantes pasan de escuchar y cantar música a decodificar y luego crear música utilizando sílabas habladas y luego notación escrita estándar. En lugar de implementar el método Kodály directamente, este método sigue las instrucciones originales de Kodály y se basa en las propias canciones folclóricas estadounidenses en lugar de en las canciones folclóricas húngaras.
Este enfoque para la primera infancia, a veces denominado enfoque sensoriomotor de la música, fue desarrollado por la violinista Madeleine Carabo-Cone. Este enfoque implica el uso de accesorios, disfraces y juguetes para que los niños aprendan los conceptos musicales básicos del pentagrama, la duración de las notas y el teclado del piano. El entorno concreto del aula especialmente planificada permite que el niño aprenda los fundamentos de la música explorando a través del tacto. [1]
La "pedagogía de la música popular", también llamada pedagogía de la música rock, banda moderna, educación de la música popular o educación de la música rock, es un desarrollo de la década de 1960 en la educación musical que consiste en la enseñanza y el aprendizaje sistemáticos de la música rock y otras formas de música popular tanto dentro como fuera de los entornos formales del aula. La pedagogía de la música popular tiende a enfatizar la improvisación grupal [10] y se asocia más comúnmente con actividades musicales comunitarias que con conjuntos musicales escolares totalmente institucionalizados [11] .
El Proyecto de Currículo de Música de Manhattanville se desarrolló en 1965 como respuesta al declive del interés de los estudiantes en la música escolar. Este enfoque creativo tiene como objetivo moldear actitudes, ayudando a los estudiantes a ver la música no como un contenido estático que debe dominarse, sino como algo personal, actual y en evolución. En lugar de impartir conocimientos fácticos, este método se centra en el estudiante, que aprende a través de la investigación, la experimentación y el descubrimiento. El profesor le da a un grupo de estudiantes un problema específico para resolver juntos y les permite la libertad de crear, interpretar, improvisar, dirigir, investigar e investigar diferentes facetas de la música en un currículo en espiral. El MMCP se considera el precursor de los proyectos de composición musical creativa y actividades de improvisación en las escuelas. [12] [13]
Los estándares de rendimiento son declaraciones curriculares que se utilizan para orientar a los educadores a la hora de determinar los objetivos de su enseñanza. El uso de estándares se convirtió en una práctica común en muchas naciones durante el siglo XX. Durante gran parte de su existencia, el currículo de educación musical en los Estados Unidos se determinaba localmente o por profesores individuales. En las últimas décadas ha habido un movimiento significativo hacia la adopción de estándares regionales y/o nacionales. MENC: La Asociación Nacional para la Educación Musical , creó nueve estándares de contenido voluntarios, llamados Estándares Nacionales para la Educación Musical . [1] Estos estándares exigen:
Algunas escuelas y organizaciones promueven la integración de clases de arte, como música, con otras materias, como matemáticas, ciencias o inglés, creyendo que la integración de los diferentes currículos ayudará a que cada materia se complemente con las demás, mejorando la calidad general de la educación.
Un ejemplo es el programa "Cambiando la educación a través de las artes" del Centro Kennedy . CETA define la integración de las artes como la búsqueda de una conexión natural entre una o más formas de arte (danza, drama/teatro, música, artes visuales, narración de cuentos, títeres y/o escritura creativa) y una o más áreas curriculares (ciencias, estudios sociales, lengua y literatura inglesa, matemáticas y otras) para enseñar y evaluar objetivos tanto en la forma de arte como en la otra área temática. Esto permite un enfoque simultáneo en la creación, la interpretación y/o la respuesta a las artes mientras se sigue abordando el contenido de otras áreas temáticas. [14]
La música en la educación es una forma de incorporar la música en la enseñanza de una materia. La música puede ser útil en la educación porque, para tocarla, se utilizan habilidades de pensamiento crítico y resolución de problemas. [15] [16] Dependiendo de la materia, ofrece una nueva forma de aprender información. Por ejemplo, en alfabetización, puede explicar diferentes elementos como metáforas, personajes y escenarios. [16] La música enseña repetición, lo que a su vez beneficia las habilidades matemáticas. Para aprender matemáticas, los componentes de la música son muy útiles, ya que simplifican conceptos como fracciones y proporciones. [15] Esto se debe a la forma en que funciona la música. La música también involucra frecuencias y ondas sonoras que son beneficiosas para comprender conceptos científicos. [16] La comprensión de los diferentes tonos de las palabras y los patrones de la estructura coinciden con la forma en que se entiende y se lee la estructura musical. [16]
El Programa de Aprendizaje Permanente de la Unión Europea 2007-2013 ha financiado tres proyectos que utilizan la música para apoyar el aprendizaje de idiomas: Lullabies of Europe (para preescolares y primeros alumnos), [17] FolkDC (para primaria) [18] y el reciente PopuLLar (para secundaria). [19] Además, el proyecto ARTinED también utiliza música para todas las áreas temáticas. [20]
Varios investigadores y defensores de la educación musical han argumentado que estudiar música mejora el rendimiento académico , [21] como William Earhart, ex presidente de la Conferencia Nacional de Educadores Musicales, quien afirmó que "la música mejora el conocimiento en las áreas de matemáticas, ciencias, geografía, historia, lengua extranjera, educación física y formación vocacional". [22] Investigadores de la Universidad de Wisconsin sugirieron que los estudiantes con experiencia en piano o teclado obtuvieron un rendimiento un 34% superior en pruebas que miden la actividad del lóbulo espacio-temporal, que es la parte del cerebro que se utiliza al hacer matemáticas, ciencias e ingeniería. [23] Un estudio a largo plazo durante doce años en la Universidad de Graz también encontró un cambio en la materia gris en el cerebro de los niños con lecciones de música. [24]
Un experimento de Wanda T. Wallace en el que puso un texto a melodía sugirió que un poco de música puede ayudar a recordar el texto. [25] Creó una canción de tres versos con una melodía no repetitiva; cada verso con una música diferente. Un segundo experimento creó una canción de tres versos con una melodía repetitiva; cada verso tenía exactamente la misma música. Un tercer experimento estudió el recuerdo del texto sin música. Encontró que la música repetitiva producía la mayor cantidad de recuerdo del texto, lo que sugiere que la música puede servir como un dispositivo mnemotécnico. [25]
Smith (1985) estudió la música de fondo con listas de palabras. En un experimento, los participantes memorizaron una lista de palabras con música de fondo; los participantes recordaron las palabras 48 horas después. En otro experimento, los participantes memorizaron una lista de palabras sin música de fondo; los participantes también recordaron las palabras 48 horas después. Los participantes que memorizaron listas de palabras con música de fondo recordaron más palabras, lo que demuestra que la música proporciona pistas contextuales. [26]
Citando estudios que apoyan la participación de la educación musical en el desarrollo intelectual y el rendimiento académico, el Congreso de los Estados Unidos aprobó una resolución que declara que: "La educación musical mejora el desarrollo intelectual y enriquece el entorno académico de los niños de todas las edades; y los educadores musicales contribuyen en gran medida al desarrollo artístico, intelectual y social de los niños estadounidenses y desempeñan un papel clave para ayudar a los niños a tener éxito en la escuela". [27]
Bobbett (1990) sugiere que la mayoría de los programas de música de las escuelas públicas no han cambiado desde su inicio a principios del siglo pasado. "... el clima educativo no es propicio para su continuidad tal como se concibió históricamente y las necesidades y los hábitos sociales de las personas requieren un tipo de programa de banda completamente diferente". [28] Un estudio de 2011 realizado por Kathleen M. Kerstetter para el Journal of Band Research descubrió que el aumento de los requisitos de graduación no musicales, la programación por bloques, el aumento del número de programas no tradicionales como las escuelas magnet y el énfasis en las pruebas creado por la Ley No Child Left Behind son solo algunas de las preocupaciones que enfrentan los educadores musicales. Tanto los maestros como los estudiantes están sujetos a mayores restricciones de tiempo" [29]
Patricia Powers afirma: "No es inusual ver recortes en los programas de música y arte cuando surgen problemas económicos. Es realmente lamentable perder apoyo en esta área, especialmente porque los programas de música y arte contribuyen a la sociedad de muchas maneras positivas". [22] Los programas integrales de educación musical cuestan en promedio 187 dólares por alumno, según un estudio de 2011 financiado por la Fundación NAMM . [30] El Informe de la Comisión de Texas sobre Abuso de Drogas y Alcohol señaló que los estudiantes que participaban en la banda u orquesta informaron el menor consumo actual y de por vida de todas las sustancias, incluido el alcohol, el tabaco y las drogas ilícitas. [31]
Los estudios han demostrado que la educación musical puede utilizarse para mejorar el rendimiento cognitivo de los estudiantes. En los Estados Unidos, se estima que el 30% de los estudiantes tienen dificultades con la lectura, mientras que el 17% presenta una discapacidad específica de aprendizaje relacionada con la lectura. [32] Utilizando un plan de estudios intensivo de música como intervención junto con actividades regulares en el aula, la investigación muestra que los estudiantes que participan en el plan de estudios de música muestran aumentos en la comprensión lectora, el conocimiento de palabras, el recuerdo de vocabulario y la decodificación de palabras. [33] Según la Asociación Nacional de Educación Musical, en un estudio realizado en 2012, aquellos que participaron en actividades musicales obtuvieron puntuaciones más altas en el SAT. Estos estudiantes obtuvieron una media de 31 puntos más en lectura y escritura, y 23 puntos más en matemáticas. [34] Cuando un estudiante canta una melodía con texto, utiliza múltiples áreas de su cerebro para realizar varias tareas a la vez. La música afecta al desarrollo del lenguaje, aumenta el coeficiente intelectual, las habilidades espacio-temporales y mejora las puntuaciones de los exámenes. También se ha demostrado que la educación musical mejora las habilidades de los niños disléxicos en áreas similares a las mencionadas anteriormente, centrándose en las habilidades visuales, auditivas y motoras finas como estrategias para combatir su discapacidad. [35] Dado que la investigación en esta área es escasa, no podemos concluir de manera convincente que estos hallazgos sean ciertos, sin embargo, los resultados de la investigación realizada muestran un impacto positivo tanto en los estudiantes con dificultades de aprendizaje como en aquellos que no están diagnosticados. Será necesario realizar más investigaciones, pero no se puede olvidar la forma positiva y atractiva de llevar la música al aula, y los estudiantes generalmente muestran una reacción positiva a esta forma de instrucción. [36]
También se ha observado que la educación musical tiene la capacidad de aumentar el coeficiente intelectual general de una persona, especialmente en niños durante los años de máximo desarrollo. [37] Se ha observado que la capacidad espacial, la memoria verbal, la lectura y la capacidad matemática aumentan junto con la educación musical (principalmente a través del aprendizaje de un instrumento). [37] Los investigadores también señalan que es evidente una correlación entre la asistencia general y los aumentos del coeficiente intelectual y, debido a la participación de los estudiantes en la educación musical, las tasas de asistencia general aumentan junto con su coeficiente intelectual.
La música y la educación musical también pueden mejorar la motricidad fina, las conductas sociales y el bienestar emocional. El aprendizaje de un instrumento mejora la motricidad fina en los estudiantes con discapacidades físicas. El bienestar emocional puede aumentar a medida que los estudiantes encuentran significado en las canciones y las conectan con su vida cotidiana. [38] A través de las interacciones sociales al tocar en grupos como bandas de jazz y de conciertos, los estudiantes aprenden a socializar y esto puede vincularse con el bienestar emocional y mental.
Existe evidencia de impactos positivos de la participación en orquestas juveniles en el rendimiento académico y la resiliencia en Chile. [39] Según la Asociación Internacional para la Evaluación del Rendimiento Educativo (IAEEA), [40] "los mejores países académicos del mundo otorgan un alto valor a la educación musical. Hungría, los Países Bajos y Japón han exigido formación musical en los niveles de educación primaria y secundaria, tanto instrumental como vocal, durante varias décadas".
A diferencia de estudios experimentales anteriores, un metaanálisis publicado en 2020 encontró una falta de evidencia para respaldar la afirmación de que el entrenamiento musical impacta positivamente en las habilidades cognitivas y los logros académicos de los niños, y los autores concluyeron que "el optimismo de los investigadores sobre los beneficios del entrenamiento musical es empíricamente injustificado y se deriva de una mala interpretación de los datos empíricos y, posiblemente, de un sesgo de confirmación ". [41] [42]
En algunas comunidades –e incluso en sistemas educativos nacionales enteros– la música recibe poco apoyo como materia académica, y los profesores de música sienten que deben buscar activamente un mayor respaldo público a la educación musical como materia legítima de estudio. Esta necesidad percibida de cambiar la opinión pública ha dado lugar al desarrollo de una variedad de enfoques comúnmente denominados "defensa de la música". La defensa de la música se presenta de muchas formas, algunas de las cuales se basan en argumentos académicos legítimos y hallazgos científicos, mientras que otros ejemplos se basan de manera controvertida en la emoción, anécdotas o datos poco convincentes.
Entre los proyectos de promoción de la música de alto perfil recientes se incluyen el " Efecto Mozart ", el Proyecto del Himno Nacional y el movimiento de Pedagogía de la Música Mundial (también conocido como Diversidad Cultural en la Educación Musical) que busca medios de pedagogía equitativa entre los estudiantes independientemente de su raza, etnia o circunstancia socioeconómica. El efecto Mozart es particularmente controvertido ya que, si bien el estudio inicial sugirió que escuchar a Mozart impacta positivamente en el razonamiento espacio-temporal , estudios posteriores no lograron replicar los resultados, [43] [44] sugirieron que no tenía efecto en el coeficiente intelectual o la capacidad espacial, [45] o sugirieron que la música de Mozart podría sustituir a cualquier música que disfruten los niños en un término llamado "excitación del disfrute". [46] Otro estudio sugirió que incluso si escuchar a Mozart puede mejorar temporalmente las habilidades espacio-temporales de un estudiante, es mucho más probable que aprender a tocar un instrumento mejore el rendimiento y el logro del estudiante. [47] Los educadores criticaron de manera similar el Proyecto del Himno Nacional no sólo por promover el uso educativo de la música como herramienta para objetivos no musicales, sino también por sus vínculos con el nacionalismo y el militarismo . [48]
Los estudiosos de la música contemporánea afirman que la defensa eficaz de la música utiliza argumentos empíricamente sólidos que trascienden las motivaciones políticas y las agendas personales. Los filósofos de la educación musical como Bennett Reimer , Estelle Jorgensen, David J. Elliott , John Paynter y Keith Swanwick apoyan esta visión, pero muchos profesores de música, organizaciones y escuelas de música no aplican esta línea de razonamiento en sus argumentos de defensa de la música. Investigadores como Ellen Winner concluyen que los defensores de las artes han hecho afirmaciones falsas en detrimento de la defensa del estudio de la música, [49] su investigación desacredita las afirmaciones de que la educación musical mejora las matemáticas, por ejemplo. [50] Los investigadores Glenn Schellenberg y Eugenia Costa-Giomi también critican a los defensores que asocian incorrectamente la correlación con la causalidad , Giomi señala que si bien existe una "fuerte relación entre la participación musical y el rendimiento académico, la naturaleza causal de la relación es cuestionable". [50] [51] Los filósofos David Elliott y Marissa Silverman sugieren que una defensa más eficaz implica evitar " embrutecer " los valores y objetivos mediante eslóganes y datos engañosos, y concentrar mejor la energía en involucrar a los posibles seguidores en la creación musical activa y en experiencias afectivo-musicales, [52] acciones que reconocen que la música y la creación musical son inherentes a la cultura y el comportamiento humanos, que distinguen a los humanos de otras especies. [53] El enfoque también se centra en la defensa de la educación musical como algo importante, a pesar de las disparidades en ingresos y estatus social. Woodrow Wilson dijo: "Queremos que una clase de personas tenga una educación liberal, y queremos que otra clase de personas, una clase de necesidad mucho más grande en cada sociedad, renuncie al privilegio de una educación liberal y se capacite para realizar tareas manuales difíciles específicas". [54]
La música, los idiomas y los sonidos a los que estamos expuestos en nuestras propias culturas determinan nuestros gustos musicales y afectan la forma en que percibimos la música de otras culturas. Muchos estudios han demostrado diferencias claras en las preferencias y habilidades de los músicos de todo el mundo. Un estudio intentó ver las distinciones entre las preferencias musicales de los hablantes de inglés y japonés, proporcionando a ambos grupos de personas la misma serie de tonos y ritmos. El mismo tipo de estudio se realizó para hablantes de inglés y francés. Ambos estudios sugirieron que el idioma hablado por el oyente determinaba qué grupos de tonos y ritmos eran más atractivos, en función de las inflexiones y los grupos de ritmos naturales de su idioma. [55]
En otro estudio, europeos y africanos intentaron tocar el ritmo siguiendo ciertos ritmos. Los ritmos europeos son regulares y se basan en proporciones simples, mientras que los ritmos africanos suelen basarse en proporciones irregulares. Si bien ambos grupos de personas podían tocar los ritmos con cualidades europeas, el grupo europeo tuvo dificultades con los ritmos africanos. Esto tiene que ver con la ubicuidad de la polirritmia compleja en la cultura africana y su familiaridad con este tipo de sonido. [55]
Si bien cada cultura tiene sus propias cualidades y atractivos musicales, la incorporación de programas interculturales en nuestras aulas de música puede ayudar a enseñar a los estudiantes a percibir mejor la música de otras culturas. Los estudios muestran que aprender a cantar canciones folclóricas o música popular de otras culturas es una forma eficaz de comprender una cultura, en lugar de simplemente aprender sobre ella. Si en las aulas de música se discuten las cualidades musicales e incorporan estilos de otras culturas, como las raíces brasileñas de la bossa nova, la clave afrocubana y los tambores africanos, los estudiantes se expondrán a nuevos sonidos y les enseñarán a comparar la música de sus culturas con la música diferente y comenzarán a sentirse más cómodos con la exploración de sonidos. [56]
Mientras que los críticos musicales argumentaban en la década de 1880 que "... las mujeres [compositoras] carecían de la creatividad innata para componer buena música" debido a una "predisposición biológica", [57] más tarde, se aceptó que las mujeres tendrían un papel en la educación musical, y se involucraron en este campo "... a tal grado que las mujeres dominaron la educación musical durante la segunda mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo XX". [57] "Los relatos tradicionales de la historia de la educación musical [en los EE. UU.] a menudo han descuidado las contribuciones de las mujeres, porque estos textos han enfatizado las bandas y los principales líderes en las organizaciones musicales jerárquicas". [58] Al mirar más allá de estos directores de bandas y líderes principales, las mujeres tenían muchos roles en la educación musical en el "... hogar, la comunidad, las iglesias, las escuelas públicas y las instituciones de formación de maestros" y "... como escritoras, mecenas y a través de su trabajo voluntario en organizaciones". [58]
A pesar de las limitaciones impuestas a los roles de las mujeres en la educación musical en el siglo XIX, las mujeres fueron aceptadas como maestras de jardín de infantes, porque se consideraba que era una "esfera privada". Las mujeres también enseñaban música en forma privada, en escuelas de niñas, escuelas dominicales, y formaban a músicos en programas de música escolares. A principios del siglo XX, las mujeres comenzaron a ser empleadas como supervisoras musicales en escuelas primarias, maestras en escuelas normales y profesoras de música en universidades. Las mujeres también se volvieron más activas en organizaciones profesionales en educación musical, y presentaron ponencias en conferencias. Una mujer, Frances Clarke (1860-1958), fundó la Conferencia Nacional de Supervisores Musicales en 1907. Si bien un pequeño número de mujeres se desempeñó como Presidenta de la Conferencia Nacional de Supervisores Musicales (y las siguientes versiones renombradas de la organización durante el siglo siguiente) a principios del siglo XX, solo hubo dos Presidentas entre 1952 y 1992, lo que "posiblemente refleja discriminación".
Sin embargo, después de 1990, se abrieron puestos de liderazgo para mujeres en la organización. De 1990 a 2010, hubo cinco presidentas de esta organización. [59] Las mujeres educadoras musicales "superan en número a los hombres dos a uno" en la enseñanza de música general, coro, lecciones privadas e instrucción de teclado. [59] Se tiende a contratar a más hombres para la educación de bandas, la administración y los trabajos de jazz, y más hombres trabajan en colegios y universidades. [59] Según la Dra. Sandra Wieland Howe, todavía hay un " techo de cristal " para las mujeres en las carreras de educación musical, ya que existe un "estigma" asociado con las mujeres en puestos de liderazgo y "los hombres superan en número a las mujeres como administradores". [59]
Entre los aztecas , se utilizaba una gran variedad de instrumentos para dos propósitos principales: para curar y tocar música religiosa (competencia de sacerdotes especializados); y para interpretar música de la corte (tocada diariamente para la clase dominante azteca). [60] La educación de los aztecas de todos los rangos sociales se llevaba a cabo en escuelas llamadas calmecac, telpochcalli y cuicacalli . [61] y era un requisito para todas las personas. Esto enfatiza la gran importancia que la música y la danza jugaban en la vida de los aztecas. [60] En la cultura maya , los músicos ocupaban un espacio entre la élite y la gente común. La música jugaba un papel destacado y los músicos profesionales usaban una variedad de instrumentos de viento, tambores y sonajeros para celebrar las victorias militares. La música también jugaba un papel destacado en los ritos funerarios de la élite. [62]
Con la colonización española y portuguesa , la música comenzó a verse influenciada por las ideas y principios europeos. La Iglesia Católica utilizó la educación musical como un medio para difundir el cristianismo entre las poblaciones indígenas locales. [63] Un ejemplo de un educador temprano es Esteban Salas , considerado el primer compositor de música artística nacido en Cuba, que convirtió a Santiago de Cuba en un centro de excelencia musical en el país. [64] La influencia de Salinas en el desarrollo de la música cubana incluye una colección de más de 100 composiciones musicales que lo establecieron como el iniciador de la tradición de la música artística cubana. [64] Su legado continúa en la Cuba moderna, donde cada año se celebra en La Habana el Festival de Música Antigua Esteban Salas. El festival atrae a artistas de música clásica de todo el mundo para interpretar y enseñar música siguiendo la tradición de Esteban Salinas. [65]
Como la música se enseñaba al público en general de memoria, hasta los siglos XIX y XX, muy pocas personas sabían leer música, salvo quienes tocaban instrumentos. [63] El desarrollo de la música en América Latina siguió principalmente el desarrollo europeo: [63] Se formaron coros para cantar misas, cantos, salmos; la música secular también se hizo más frecuente en los siglos XVII y XVIII y más allá. [66]
Hoy en día, [ ¿ cuándo? ] la educación musical en América Latina pone un gran énfasis en la música folclórica, las misas y la música orquestal. Muchas escuelas enseñan a sus coros a cantar en su lengua materna, así como en inglés. Varias escuelas latinoamericanas, específicamente en Puerto Rico y Haití , creen que la música es una materia importante y están trabajando para ampliar sus programas. En Puerto Rico, no existe una política oficial de educación musical que rija la instrucción musical en la primera infancia. [67] Fuera de la escuela, muchas comunidades forman sus propios grupos y organizaciones musicales y sus actuaciones son muy populares entre el público local. Hay algunos grupos corales latinoamericanos muy conocidos, como "El Coro de Madrigalistas" de México. Este famoso grupo coral realiza giras por México, mostrando a los estudiantes de todo el país cómo suena un conjunto coral profesional. [68] También hay evidencia del impacto positivo de la participación en orquestas juveniles y el rendimiento académico y la resiliencia en Chile . [69]
La educación musical puede mejorar los resultados académicos de los niños. [70] En Colombia, la red de Escuelas de Música de Medellín funciona desde hace más de dos décadas. Se ha demostrado que los estudiantes que participan en este programa de música tienen un mejor rendimiento académico y son menos propensos a participar en actos de violencia. El programa de música aumenta las posibilidades de graduación de los participantes. [71]
Más allá de la música coral tradicional, los jóvenes artistas latinoamericanos están utilizando ahora el hip-hop como una forma de promover la revitalización de las lenguas indígenas y celebrar las tradiciones que se originaron antes de la conquista española. [72] El hip-hop en América Latina ahora actúa como una voz de los oprimidos, estableciendo esta forma de música como una expresión de revolución social. [ 73] En toda América Latina, los jóvenes artistas indígenas están utilizando ahora el hip hop como una forma de expresar su lucha contra la pobreza y la injusticia. [73] La nueva música que surge de América Latina muestra influencias que se remontan a las antiguas tradiciones indígenas. [72] Uchpa y Alborada son dos exitosas bandas peruanas que han celebrado sus raíces indígenas. [74] Desde Chile, la canción "Inche Kay Che" de Jaas Newen llama a la defensa de la cultura indígena tradicional. La canción "Koangagu" del grupo brasileño Brô MC's examina cómo las culturas indígenas y brasileñas modernas pueden unirse en la música. "Presente y Combativo" de Parce MC, Mugre Sur, Sapín celebra la vida de un rapero boliviano que fue asesinado en 2009. [72]
Después de la predicación del reverendo Thomas Symmes, en 1717 se creó en Boston la primera escuela de canto con el fin de mejorar el canto y la lectura musical en la iglesia. Estas escuelas de canto se extendieron gradualmente por las colonias. La educación musical continuó floreciendo con la creación de la Academia de Música en Boston. El reverendo John Tufts publicó An Introduction to the Singing of Psalm Tunes Using Non-Traditional Notation , que se considera el primer libro de texto de música en las colonias. Entre 1700 y 1820, se publicarían más de 375 libros de melodías de autores como Samuel Holyoke, Francis Hopkinson, William Billings y Oliver Holden. [75]
La música comenzó a extenderse como materia curricular a otros distritos escolares. Poco después, la música se expandió a todos los niveles y se mejoró la enseñanza de la lectura musical hasta que el plan de estudios de música se expandió para incluir varias actividades además de la lectura musical. A fines de 1864, la música en las escuelas públicas se había extendido por todo el país.
En 1832, Lowell Mason y George Webb formaron la Academia de Música de Boston con el propósito de enseñar canto y teoría, así como métodos de enseñanza de la música. Mason publicó su Manual de Instrucción en 1834, que se basaba en las obras de educación musical del Sistema de Educación Pestalozziano, fundado por el educador suizo Johann Heinrich Pestalozzi . Este manual fue gradualmente utilizado por muchos profesores de escuelas de canto. De 1837 a 1838, el Comité Escolar de Boston permitió a Lowell Mason enseñar música en la Escuela Hawes como demostración. Esta se considera la primera vez que la educación musical se introdujo en las escuelas públicas de los Estados Unidos. En 1838, el Comité Escolar de Boston aprobó la inclusión de la música en el plan de estudios y Lowell Mason se convirtió en el primer supervisor reconocido de música elemental. En años posteriores, Luther Whiting Mason se convirtió en el Supervisor de Música en Boston y difundió la educación musical en todos los niveles de educación pública (gramática, primaria y secundaria).
A mediados del siglo XIX, Boston se convirtió en el modelo al que muchas otras ciudades de los Estados Unidos incorporaron y dieron forma a sus programas de educación musical en las escuelas públicas. [76] La metodología musical para profesores como curso se introdujo por primera vez en la Escuela Normal de Potsdam. El concepto de profesores de aula en una escuela que enseñaban música bajo la dirección de un supervisor musical fue el modelo estándar para la educación musical en las escuelas públicas durante este siglo. (Véase también: Educación musical en los Estados Unidos ) Aunque en el siglo XIX se desalentaba a las mujeres a componer, "más tarde, se aceptó que las mujeres tendrían un papel en la educación musical , y se involucraron en este campo... hasta tal punto que las mujeres dominaron la educación musical durante la segunda mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo XX". [57]
En los Estados Unidos, las escuelas normales se convirtieron en escuelas de formación docente con programas de cuatro años de duración y abarcaron la música. El Conservatorio de Oberlin fue el primero en ofrecer la licenciatura en Educación Musical. Osbourne G. McCarthy, un educador musical estadounidense, introdujo los detalles para estudiar música con fines académicos en la escuela secundaria Chelsea High School. Entre los acontecimientos notables de la historia de la educación musical a principios del siglo XX se incluyen los siguientes:
El siguiente cuadro ilustra algunos acontecimientos notables de este período:
La oferta de cursos de música e incluso programas completos de grado en educación musical en línea se desarrolló en la primera década del siglo XXI en varias instituciones, y los campos de la pedagogía de la música mundial y la pedagogía de la música popular también han experimentado una notable expansión.
A finales del siglo XX y principios del XXI, los aspectos sociales de la enseñanza y el aprendizaje de la música cobraron protagonismo. Esto surgió como educación musical praxial, [80] teoría crítica [81] y teoría feminista. [82] Son importantes los coloquios y las publicaciones del MayDay Group, "un grupo de expertos internacional de educadores musicales que tiene como objetivo identificar, criticar y cambiar los patrones de actividad profesional que se dan por sentados, los enfoques polémicos de los métodos y la filosofía, y las políticas educativas y las presiones públicas que amenazan la práctica eficaz y la comunicación crítica en la educación musical". [83] Con un nuevo enfoque en los aspectos sociales de la educación musical, los académicos han analizado aspectos críticos como la música y la raza, [84] el género, [85] la clase, [86] la pertenencia institucional [87] y la sostenibilidad. [88]
La música ha sido una materia destacada en las escuelas y otras instituciones de aprendizaje en Europa durante muchos siglos. Instituciones tan tempranas como el Coro de la Capilla Sixtina y los Niños Cantores de Viena ofrecieron importantes modelos tempranos de aprendizaje coral, mientras que el Conservatorio de París más tarde se volvió influyente para la formación en instrumentos de banda de viento. Se desarrollaron varios métodos de instrucción en Europa que luego impactarían otras partes del mundo, incluidos aquellos afiliados a Zoltan Kodaly , Carl Orff , Émile Jaques-Dalcroze y ABRSM , por nombrar solo algunos. Las organizaciones profesionales notables en el continente ahora incluyen la rama regional europea de la Sociedad Internacional de Educación Musical y la Asociación Europea de Conservatorios . En las últimas décadas, Europa Central, Meridional y Oriental han tendido a enfatizar con éxito el patrimonio de la música clásica , mientras que los países nórdicos han promovido especialmente la música popular en las escuelas. [89]
La educación musical institucional fue iniciada en la India colonial por Rabindranath Tagore después de fundar la Universidad Visva-Bharati . En la actualidad, la mayoría de las universidades tienen una facultad de música con algunas universidades especialmente dedicadas a las bellas artes, como la Universidad Indira Kala Sangeet , el Colegio de Música Swathi Thirunal , Prayag Sangeet Samiti o la Universidad Rabindra Bharati . La música clásica india se basa en el sistema Guru-Shishya parampara . El maestro , conocido como Guru , transmite el conocimiento musical al estudiante, o shyshya. Este sigue siendo el principal sistema utilizado en la India para transmitir el conocimiento musical. Aunque la música artística europea se popularizó en las escuelas de gran parte del mundo durante el siglo XX (Asia Oriental, América Latina, Oceanía, África), la India sigue siendo una de las pocas naciones densamente pobladas en las que las tradiciones musicales indígenas no europeas han recibido de manera constante un énfasis relativamente mayor. Dicho esto, ciertamente hay mucha influencia occidental en la música popular asociada con las bandas sonoras de las películas de Bollywood .
La isla indonesia de Java es conocida por su rica cultura musical, centrada en la música gamelan . Los dos conjuntos de instrumentos de gamelan más antiguos, que datan del siglo XII, se encuentran en los kratons (palacios) de las ciudades de Yogyakarta y Surakarta . La música gamelan es una parte integral de la cultura javanesa: forma parte de ceremonias religiosas, bodas, funerales, actividades palaciegas, fiestas nacionales y reuniones de la comunidad local. En los últimos años, ha habido un mercado creciente para el turismo asociado al gamelan: varias empresas organizan visitas para turistas que desean participar y aprender gamelan. [90]
La música gamelan tiene un enfoque pedagógico distintivo. El término maguru panggul , traducido significa "enseñar con el mazo", describe el enfoque maestro-aprendiz que se utiliza con más frecuencia al enseñar música. El profesor muestra largos pasajes de música a la vez, sin detenerse para que el estudiante demuestre su comprensión del pasaje, como en una pedagogía musical occidental. Un profesor y un estudiante se sentarán con frecuencia en lados opuestos de un tambor o instrumento de mazo, para que ambos puedan tocarlo. Esto proporciona al profesor una forma fácil de demostrar, y el estudiante puede estudiar e imitar las acciones del profesor. El profesor entrena al intérprete de kendang, que es el líder del conjunto. El profesor trabaja uno a uno con ellos y repite las partes tantas veces como sea necesario hasta que la pieza sea rítmica y estilísticamente precisa. A veces se confía en el intérprete de kendang para transmitir la música a sus compañeros de gamelan. [91]
El Departamento de Educación de Sudáfrica y el Proyecto de Patrimonio Musical del ILAM en Sudáfrica enseñan música africana utilizando el marco musical occidental. El programa Listen and Learn del ILAM para estudiantes de 11 a 14 años es "único" en la enseñanza de los requisitos curriculares para la música occidental utilizando grabaciones de música africana tradicional. [92]
Desde la colonización de África hasta 1994, la enseñanza de música y artes indígenas en las escuelas era algo poco frecuente. El Congreso Nacional Africano (CNA) intentó reparar el descuido del conocimiento indígena y el énfasis abrumador en la alfabetización musical escrita en las escuelas. No es muy conocido que el aprendizaje de la música indígena en realidad tiene una filosofía y un procedimiento de enseñanza que es diferente de la formación “formal” occidental. Implica a toda la comunidad porque las canciones indígenas tratan de la historia de su pueblo. Después de la colonización de África, la música se centró más en las creencias cristianas y las canciones populares europeas, en lugar de la música indígena más improvisada y fluida. Antes de los grandes cambios que atravesó la educación entre 1994 y 2004, durante la primera década del gobierno democrático, los maestros fueron capacitados como maestros de aula y se les dijo que tendrían que incorporar la música en otras áreas temáticas. Las pocas universidades con programas de enseñanza que incluían programas instrumentales hacían mayor hincapié en la teoría musical, la historia de la música occidental, la notación musical occidental y menos en la creación musical. Hasta 1999, la mayoría de los programas de estudios universitarios no incluían formación en música indígena sudafricana. [93]
En las culturas africanas, la música se considera una experiencia comunitaria y se utiliza en ocasiones sociales y religiosas. En cuanto los niños muestran algún signo de que pueden tocar la música o un instrumento musical, se les permite participar con los adultos de la comunidad en eventos musicales. Las canciones tradicionales son más importantes para muchas personas porque son historias sobre los pueblos indígenas. [94]
Aunque el currículo nacional para escuelas incluye la música en su componente de artes, [95] las investigaciones publicadas en 2005 y 2020 han demostrado que varía ampliamente de un estado a otro y de una escuela a otra, y que algunos estudiantes no reciben ninguna. Por estado y territorio: las escuelas primarias estatales de Queensland han disfrutado de buenos programas de música desde la década de 1980; la estrategia y el fondo de educación musical de Australia del Sur se formaron en 2019; Victoria tiene un marco de mejores prácticas; Tasmania , Australia Occidental y el ACT emplean maestros especialistas en algunas escuelas primarias; en Nueva Gales del Sur , los maestros generalistas son responsables de enseñar todo el currículo de la escuela primaria en las escuelas estatales. [96]
En noviembre de 2018, ABC Television emitió Don't Stop The Music , una serie de tres partes que documentó el lanzamiento y el progreso de un programa de música en una escuela primaria en un área desfavorecida de Perth , Australia Occidental. Mostró los efectos positivos del programa en los estudiantes y sus familias, así como en los maestros. Un proyecto más amplio alentó a los miembros del público a donar instrumentos musicales a escuelas desfavorecidas, lo que llevó a que Musica Viva Australia recibiera más de 4500 instrumentos para procesar. [97] La serie contó con el popular músico Guy Sebastian y la investigadora y educadora musical Anita Collins, y también fue apoyada por el Ejército de Salvación . [98]
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Medios relacionados con Educación musical en Wikimedia Commons