La música minimalista (también llamada minimalismo ) [2] [3] es una forma de música artística u otra práctica compositiva que emplea materiales musicales limitados o mínimos. Las características destacadas de la música minimalista incluyen patrones o pulsos repetitivos , zumbidos constantes , armonía consonántica y reiteración de frases musicales o unidades más pequeñas. Puede incluir características como el cambio de fase , lo que da como resultado lo que se denomina música de fase , o técnicas de proceso que siguen reglas estrictas, generalmente descritas como música de proceso . El enfoque se caracteriza por un enfoque no narrativo, no teleológico y no representativo , y llama la atención sobre la actividad de escuchar centrándose en los procesos internos de la música. [4]
El enfoque se originó en la escena del centro de Nueva York de la década de 1960 y fue visto inicialmente como una forma de música experimental llamada Escuela Hipnótica de Nueva York. [5] En la tradición de la música artística occidental , a los compositores estadounidenses Moondog , La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich y Philip Glass se les atribuye estar entre los primeros en desarrollar técnicas de composición que explotan un enfoque minimalista. [6] [2] [7] [8] [9] El movimiento originalmente involucró a docenas de compositores, aunque solo cinco (Young, Riley, Reich, Glass y más tarde John Adams ) surgieron para asociarse públicamente con la música minimalista estadounidense; otros pioneros menos conocidos incluyeron a Dennis Johnson , Terry Jennings , Richard Maxfield , Pauline Oliveros , Phill Niblock y James Tenney . En Europa, la música de Louis Andriessen , Karel Goeyvaerts , Michael Nyman , Howard Skempton , Éliane Radigue , Gavin Bryars , Steve Martland , Henryk Górecki , Arvo Pärt y John Tavener exhibe rasgos minimalistas.
No está claro de dónde proviene el término música minimalista . Steve Reich ha sugerido que se puede atribuir a Michael Nyman, una afirmación que dos académicos, Jonathan Bernard y Dan Warburton, también han hecho por escrito. Philip Glass cree que Tom Johnson acuñó la frase. [10] [11] [12]
La palabra "minimal" fue utilizada por primera vez en relación con la música en 1968 por Michael Nyman , quien "dedujo una receta para el éxito de la 'música minimalista' a partir del entretenimiento presentado por Charlotte Moorman y Nam June Paik en el ICA ", que incluyó una interpretación de Springen de Henning Christiansen y una serie de piezas de arte escénico no identificadas. [13] Nyman luego amplió su definición de música minimalista en su libro de 1974 Experimental Music: Cage and Beyond . Tom Johnson, uno de los pocos compositores que se autoidentifica como minimalista, también afirma haber sido el primero en usar la palabra como crítico de nueva música para The Village Voice . Describe el "minimalismo":
La idea del minimalismo es mucho más amplia de lo que mucha gente cree. Incluye, por definición, cualquier música que funcione con materiales limitados o mínimos: piezas que utilicen sólo unas pocas notas, piezas que utilicen sólo unas pocas palabras de texto o piezas escritas para instrumentos muy limitados, como platillos antiguos, ruedas de bicicleta o vasos de whisky. Incluye piezas que mantengan un ruido electrónico básico durante mucho tiempo. Incluye piezas hechas exclusivamente a partir de grabaciones de ríos y arroyos. Incluye piezas que se muevan en círculos infinitos. Incluye piezas que construyan una pared inamovible de sonido de saxofón. Incluye piezas que tarden mucho tiempo en pasar gradualmente de un tipo de música a otro. Incluye piezas que permitan todos los tonos posibles, siempre que estén entre C y D. Incluye piezas que reduzcan el tempo a dos o tres notas por minuto. [14]
Ya en 1965 la historiadora del arte Barbara Rose había nombrado Dream Music de La Monte Young , la dinámica característicamente suave de Morton Feldman y varios compositores anónimos "todos, en mayor o menor grado, en deuda con John Cage " como ejemplos de "arte minimalista", [15] pero no utilizó específicamente la expresión "música minimalista".
Los compositores minimalistas más destacados son John Adams , Louis Andriessen , Philip Glass , Steve Reich , Terry Riley y La Monte Young . [16] Otros que se han asociado con este enfoque compositivo incluyen a Gavin Bryars , Terry Jennings , Tom Johnson , Michael Nyman , Michael Parsons , Howard Skempton , Dave Smith , James Tenney y John White . [17] [18] Entre los compositores afroamericanos, la estética minimalista fue adoptada por figuras como el músico de jazz John Lewis y el artista multidisciplinario Julius Eastman . [19] [20]
Las primeras composiciones de Glass y Reich son algo austeras, con pocos adornos en el tema principal . Se trata de obras para pequeños conjuntos instrumentales, de los que los compositores eran a menudo miembros. En el caso de Glass, estos conjuntos comprenden órganos, instrumentos de viento (en particular saxofones) y vocalistas, mientras que las obras de Reich hacen más hincapié en los instrumentos de percusión y de mazo. La mayoría de las obras de Adams están escritas para instrumentación de música clásica europea más tradicional, incluida orquesta completa , cuarteto de cuerdas y piano solo.
La música de Reich y Glass obtuvo el patrocinio temprano de galerías de arte y museos, y se presentó en conjunto con minimalistas de artes visuales como Robert Morris (en el caso de Glass), y Richard Serra , Bruce Nauman y el cineasta Michael Snow (como intérpretes, en el caso de Reich). [11]
La música de Moondog de los años 40 y 50, que se basaba en un contrapunto que se desarrollaba estáticamente sobre pulsos constantes en compases a menudo inusuales, influyó tanto en Philip Glass como en Steve Reich. Glass ha escrito que él y Reich se tomaron el trabajo de Moondog "muy en serio y lo comprendieron y apreciaron mucho más que lo que estuvimos expuestos a él en Juilliard". [21]
La composición Trio for Strings de La Monte Young de 1958 se compone casi en su totalidad de notas largas y silencios . [22] Se ha descrito como un punto de origen para la música minimalista. [22]
Una de las primeras composiciones minimalistas fue November de Dennis Johnson, escrita en 1959. Se trataba de una obra para piano solo que duraba unas seis horas y que mostraba muchas características que acabarían asociándose al minimalismo, como la tonalidad diatónica, la repetición de frases, el proceso aditivo y la duración. La Monte Young atribuye a esta pieza la inspiración para su propia obra maestra, The Well-Tuned Piano. [23]
En 1960, Terry Riley escribió un cuarteto de cuerdas en do mayor puro y sin inflexiones. [ aclaración necesaria ] En 1963, Riley hizo dos obras electrónicas utilizando retardo de cinta, Mescalin Mix y The Gift , que inyectó la idea de repetición en el minimalismo. En 1964, In C de Riley creó texturas persuasivamente atractivas a partir de la interpretación en capas de frases melódicas repetidas. La obra está compuesta para cualquier grupo de instrumentos y/o voces. Keith Potter escribe "sus cincuenta y tres módulos anotados en una sola página, esta obra ha sido vista con frecuencia como el comienzo del minimalismo musical". [24] En 1965 y 1966, Steve Reich produjo tres obras: It's Gonna Rain y Come Out para cinta, y Piano Phase para intérpretes en vivo, que introdujeron la idea del cambio de fase, o permitir que dos frases idénticas o muestras de sonido tocadas a velocidades ligeramente diferentes se repitan y se desfasen lentamente entre sí. A partir de 1968 con 1 + 1 , Philip Glass escribió una serie de obras que incorporaron el proceso aditivo (forma basada en secuencias como 1, 1 2, 1 2 3, 1 2 3 4) al repertorio de técnicas minimalistas; estas obras incluyeron Two Pages , Music in Fifths , Music in Contrary Motion y otras. Glass estuvo influenciado por Ravi Shankar y la música india desde el momento en que se le asignó una transcripción de la banda sonora de una película de música de Ravi Shankar en notación occidental. Se dio cuenta de que en Occidente el tiempo se divide como una rebanada de pan ; los indios y otras culturas toman pequeñas unidades y las unen. [25]
Según Richard E. Rodda, " la música 'minimalista' se basa en la repetición de acordes comunes que cambian lentamente [acordes que son diatónicos en más de una tonalidad, o bien tríadas, ya sea mayor o mayor y menor—ver: tono común ] en ritmos constantes, a menudo superpuestos con una melodía lírica en frases largas y arqueadas... [Utiliza] patrones melódicos repetitivos, armonías consonánticas, ritmos motores y un esfuerzo deliberado por la belleza auditiva". [26] Timothy Johnson sostiene que, como estilo, la música minimalista es principalmente continua en su forma, sin secciones disjuntas. Una consecuencia directa de esto es una textura ininterrumpida compuesta de patrones y pulsos rítmicos entrelazados. Además, se caracteriza por el uso de timbres brillantes y un estilo enérgico. Sus sonoridades armónicas son distintivamente simples, generalmente diatónicas, a menudo consisten en tríadas familiares y acordes de séptima, y se presentan en un ritmo armónico lento. Sin embargo, Johnson no está de acuerdo con Rodda al considerar que la característica más distintiva de la música minimalista es la ausencia total de líneas melódicas extensas. En cambio, sólo hay breves segmentos melódicos, que ponen en primer plano la organización, la combinación y las características individuales de patrones rítmicos breves y repetitivos. [27]
Leonard B. Meyer describió la música minimalista en 1994:
Como hay poca sensación de movimiento dirigido a un objetivo, la música [minimalista] no parece moverse de un lugar a otro. Dentro de cualquier segmento musical, puede haber algún sentido de dirección, pero con frecuencia los segmentos no se conducen ni se implican entre sí. Simplemente se suceden uno a otro. [28]
Como dice Kyle Gann , la tonalidad utilizada en la música minimalista carece de "asociaciones europeas orientadas a objetivos". [29]
David Cope enumera las siguientes cualidades como posibles características de la música minimalista: [30]
Las piezas famosas que utilizan esta técnica son la sección de números de Einstein on the Beach de Glass, las piezas de bucle de cinta de Reich Come Out y It's Gonna Rain y Shaker Loops de Adams .
Robert Fink ofrece un resumen de algunas reacciones críticas notables a la música minimalista:
... tal vez pueda entenderse como una especie de patología social, como un signo auditivo de que el público estadounidense es primitivo y sin educación ( Pierre Boulez ); de que los niños de hoy en día sólo quieren drogarse ( Donal Henahan y Harold Schonberg en el New York Times); de que los valores culturales occidentales tradicionales se han erosionado en la estela liberal de los años 1960 ( Samuel Lipman ); de que la repetición minimalista es una propaganda peligrosamente seductora, similar a los discursos y la publicidad de Hitler ( Elliott Carter ); incluso de que el fetichismo de la mercancía del capitalismo moderno ha atrapado fatalmente al yo autónomo en el narcisismo minimalista ( Christopher Lasch ). [31]
Elliott Carter mantuvo una postura crítica constante contra el minimalismo y en 1982 llegó a compararlo con el fascismo al afirmar que "uno también escucha una repetición constante en los discursos de Hitler y en la publicidad. Tiene sus aspectos peligrosos". [32] Cuando en 2001 le preguntaron qué pensaba sobre la música minimalista, respondió que "estamos rodeados por un mundo de minimalismo. Todo ese correo basura que recibo todos los días se repite; cuando miro la televisión veo el mismo anuncio, e intento seguir la película que están poniendo, pero me hablan de comida para gatos cada cinco minutos. Eso es minimalismo". [33] Fink señala que el desprecio general de Carter por la música es representativo de una forma de esnobismo musical que rechaza la repetición en general. Carter ha llegado a criticar el uso de la repetición en la música de Edgard Varèse y Charles Ives , afirmando que "no puedo entender la popularidad de ese tipo de música, que se basa en la repetición. En una sociedad civilizada, las cosas no necesitan decirse más de tres veces". [32]
Ian MacDonald afirmó que el minimalismo es la "banda sonora sin pasión, sin sexo y emocionalmente vacía de la Era de las Máquinas , y su egoísmo utópico no es más que una expresión de la pasividad humana frente a la producción en masa y La Bomba ". [34]
Steve Reich ha sostenido que esa crítica es infundada. En 1987, afirmó que su producción compositiva reflejaba la cultura popular de la sociedad de consumo estadounidense de posguerra porque la " música serial de élite al estilo europeo " simplemente no era representativa de su experiencia cultural. Reich afirmó que
Stockhausen , Berio y Boulez retrataban en términos muy honestos cómo era la vida después de la Segunda Guerra Mundial. Pero para algunos estadounidenses en 1948, 1958 o 1968 —en el contexto real de las aletas traseras, Chuck Berry y millones de hamburguesas vendidas— pretender que en lugar de eso realmente vamos a tener la angustia marrón oscura de Viena es una mentira, una mentira musical. [35]
Kyle Gann , un compositor minimalista, ha argumentado que el minimalismo representó un retorno predecible a la simplicidad después de que el desarrollo de un estilo anterior hubiera seguido su curso hacia una complejidad extrema e insuperable. [36] Los paralelismos incluyen el advenimiento del estilo simple del continuo barroco después de la elaborada polifonía renacentista y la simple sinfonía clásica temprana después de los avances monumentales de Bach en el contrapunto barroco . Además, los críticos a menudo han exagerado la simplicidad incluso del minimalismo temprano. Michael Nyman ha señalado que gran parte del encanto de la música temprana de Steve Reich tenía que ver con fenómenos perceptivos que en realidad no se tocaban, sino que eran resultado de sutilezas en el proceso de cambio de fase. [37] En otras palabras, la música a menudo no suena tan simple como parece.
En un análisis más profundo de Gann, durante la década de 1980 el minimalismo evolucionó hacia estilos menos estrictos y más complejos, como el posminimalismo y el totalismo , rompiendo con la repetición y el estancamiento fuertemente enmarcados del minimalismo temprano y enriqueciéndolo con una confluencia de otras influencias rítmicas y estructurales. [38]
La música minimalista ha tenido cierta influencia en los desarrollos de la música popular. [39] El grupo de rock experimental The Velvet Underground tenía una conexión con la escena del centro de Nueva York de la que surgió la música minimalista, arraigada en la estrecha relación de trabajo de John Cale y La Monte Young , este último influyendo en el trabajo de Cale con la banda. [40] El álbum de Terry Riley A Rainbow in Curved Air (1969) fue lanzado durante la era de la psicodelia y el flower power , convirtiéndose en el primer trabajo minimalista en tener éxito cruzado, atrayendo al público del rock y el jazz. [39] El teórico musical Daniel Harrison acuñó Smiley Smile (1967) de los Beach Boys como un trabajo experimental de "rock protominimalista", y explicó: "[El álbum] casi puede considerarse una obra de arte musical en la tradición clásica occidental , y sus innovaciones en el lenguaje musical del rock pueden compararse con las que introdujeron técnicas atonales y otras técnicas no tradicionales en esa tradición clásica". [41] El desarrollo de géneros específicos de rock experimental como el krautrock , el space rock (de los años 1980), el noise rock y el post-rock estuvo influenciado por la música minimalista. [42] [43] [44] [45]
Philip Sherburne ha sugerido que las similitudes observadas entre las formas minimalistas de música electrónica de baile y la música minimalista estadounidense podrían ser fácilmente accidentales. Gran parte de la tecnología musical utilizada en la música de baile ha sido diseñada tradicionalmente para adaptarse a los métodos de composición basados en bucles, lo que puede explicar por qué ciertas características estilísticas de estilos como el minimal techno suenan similares a la música minimalista artística. [46] Un grupo que claramente tenía conciencia de la tradición minimalista estadounidense es el grupo de ambient británico The Orb . Su producción de 1990 " Little Fluffy Clouds " presenta una muestra de la obra de Steve Reich, Electric Counterpoint (1987). [47] Un mayor reconocimiento de la posible influencia de Steve Reich en la música electrónica de baile llegó con el lanzamiento en 1999 del álbum tributo Reich Remixed [48] que incluía reinterpretaciones de artistas como DJ Spooky , Mantronik , Ken Ishii y Coldcut , entre otros. [47]
22 Strickland, Edward, El nuevo diccionario Grove de música y músicos (2001)
35 Strickland, Edward, Compositores estadounidenses: diálogos sobre música contemporánea (Indiana University Press, 1991), pág. 46, citado en Fink (2005), 118.