El ballet ( francés: [balɛ] ) es un tipo de danza escénica que se originó durante el Renacimiento italiano en el siglo XV y luego se convirtió en una forma de danza de concierto en Francia y Rusia. Desde entonces se ha convertido en una forma de danza muy extendida y altamente técnica con su propio vocabulario . El ballet ha tenido influencia a nivel mundial y ha definido las técnicas fundamentales que se utilizan en muchos otros géneros de danza y culturas. Varias escuelas alrededor del mundo han incorporado sus propias culturas. Como resultado, el ballet ha evolucionado de distintas maneras.
Un ballet como obra unificada comprende la coreografía y la música de una producción de ballet. Los ballets son coreografiados y realizados por bailarines de ballet capacitados . Los ballets clásicos tradicionales generalmente se representan con acompañamiento de música clásica y utilizan trajes y puesta en escena elaborados, mientras que los ballets modernos a menudo se representan con trajes simples y sin decorados ni escenarios elaborados.
Ballet es una palabra francesa que tuvo su origen en el italiano balletto , diminutivo de ballo (danza) que proviene del latín ballo , ballare , que significa "bailar", [1] [2] que a su vez proviene del griego "βαλλίζω" ( ballizo ), "bailar, saltar". [2] [3] La palabra entró en uso en inglés desde los franceses alrededor de 1630.
El ballet se originó en las cortes del Renacimiento italiano de los siglos XV y XVI. Bajo la influencia de Catalina de Medici como reina, se extendió a Francia, donde se desarrolló aún más. [4] Los bailarines de estos primeros ballets de la corte eran en su mayoría aficionados nobles. Los trajes ornamentados estaban destinados a impresionar a los espectadores, pero restringían la libertad de movimiento de los artistas. [5]
Los ballets se representaban en grandes salas con espectadores en tres lados. La implementación del arco del proscenio de 1618 distanció a los artistas del público, quienes así pudieron ver y apreciar mejor las hazañas técnicas de los bailarines profesionales en las producciones. [6] [7]
El ballet de la corte francesa alcanzó su apogeo bajo el reinado del rey Luis XIV . Louis fundó la Académie Royale de Danse (Real Academia de Danza) en 1661 para establecer estándares y certificar a los instructores de danza. [8] En 1672, Luis XIV nombró a Jean-Baptiste Lully director de la Académie Royale de Musique ( Ópera de París ) de la que surgió la primera compañía de ballet profesional , el Ballet de la Ópera de París . [9] Pierre Beauchamp fue el maestro de ballet de Lully . Juntos, su asociación influiría drásticamente en el desarrollo del ballet, como lo demuestra el crédito que se les atribuye por la creación de las cinco posiciones principales de los pies. En 1681, las primeras "bailarinas" subieron al escenario tras años de formación en la Academia. [5]
El ballet comenzó a decaer en Francia después de 1830, pero continuó desarrollándose en Dinamarca, Italia y Rusia. La llegada a Europa de los Ballets Rusos dirigidos por Sergei Diaghilev en vísperas de la Primera Guerra Mundial revivió el interés por el ballet y dio inicio a la era moderna. [10]
En el siglo XX, el ballet tuvo una amplia influencia en otros géneros de danza, [11] También en el siglo XX, el ballet dio un giro dividiéndolo del ballet clásico hasta la introducción de la danza moderna , dando lugar a movimientos modernistas en varios países. [12]
Entre los bailarines famosos del siglo XX se incluyen Anna Pavlova , Galina Ulanova , Rudolf Nureyev , Maya Plisetskaya , Margot Fonteyn , Rosella Hightower , Maria Tall Chief , Erik Bruhn , Mikhail Baryshnikov , Suzanne Farrell , Gelsey Kirkland , Natalia Makarova , Arthur Mitchell y Jeanne Devereaux. . [13] Jeanne Devereaux actuó como primera bailarina durante tres décadas y estableció un récord mundial al poder ejecutar 16 fouettes triples. [14]
Las variaciones estilísticas y los subgéneros han evolucionado con el tiempo. Las primeras variaciones clásicas se asocian principalmente con el origen geográfico. Ejemplos de ello son el ballet ruso , el ballet francés y el ballet italiano . Las variaciones posteriores, como el ballet contemporáneo y el ballet neoclásico, incorporan tanto el ballet clásico como técnicas y movimientos no tradicionales. Quizás el estilo de ballet más conocido e interpretado sea el ballet romántico tardío (o Ballet blanc ).
El ballet clásico se basa en la técnica y el vocabulario del ballet tradicional . [15] Han surgido diferentes estilos en diferentes países, como el ballet francés , el ballet italiano , el ballet inglés y el ballet ruso . Varios de los estilos de ballet clásico están asociados con métodos de entrenamiento específicos, que generalmente llevan el nombre de sus creadores (ver más abajo). El método de la Royal Academy of Dance es un sistema de entrenamiento y técnica de ballet fundado por un grupo diverso de bailarines de ballet. Fusionaron sus respectivos métodos de danza (italiano, francés, danés y ruso) para crear un nuevo estilo de ballet que es exclusivo de la organización y reconocido internacionalmente como el estilo de ballet inglés. [10] Algunos ejemplos de producciones de ballet clásico son: El lago de los cisnes , La bella durmiente y El cascanueces .
El ballet romántico fue un movimiento artístico del ballet clásico y varias producciones permanecen en el repertorio clásico actual. La era romántica estuvo marcada por el surgimiento del trabajo de puntas , el predominio de las bailarinas y los tutús más largos y fluidos que intentan ejemplificar la suavidad y un aura delicada. [5] Este movimiento se produjo entre principios y mediados del siglo XIX (la era romántica ) y presentó temas que enfatizaban la emoción intensa como fuente de experiencia estética . Las tramas de muchos ballets románticos giraban en torno a mujeres espirituales (sílfides, wilis y fantasmas) que esclavizaban los corazones y los sentidos de los hombres mortales. El ballet La Sylphide de 1827 se considera ampliamente como el primero, y el ballet Coppélia de 1870 se considera el último. [4] Entre los bailarines de ballet famosos de la época romántica se incluyen Marie Taglioni , Fanny Elssler y Jules Perrot . Jules Perrot es también conocido por sus coreografías, especialmente la de Giselle , a menudo considerada el ballet romántico más famoso. [5]
El ballet neoclásico suele ser abstracto, sin una trama, vestuario ni escenografía claras. La elección musical puede ser diversa y a menudo incluirá música que también sea neoclásica (por ejemplo, Stravinsky , Roussel ). Tim Scholl, autor de De Petipa a Balanchine , considera que el Apolo de George Balanchine de 1928 es el primer ballet neoclásico. Apollo representó un retorno a la forma en respuesta a los ballets abstractos de Sergei Diaghilev . Balanchine trabajó con la coreógrafa de danza moderna Martha Graham e incorporó a su compañía bailarines modernos como Paul Taylor , quien en 1959 actuó en Episodios de Balanchine . [dieciséis]
Si bien Balanchine es ampliamente considerado el rostro del ballet neoclásico, hubo otros que hicieron contribuciones significativas. Las Variaciones sinfónicas de Frederick Ashton (1946) son una obra fundamental para el coreógrafo. Ambientada en la partitura del mismo título de César Franck , es una interpretación de pura danza de la partitura. [5]
Otra forma, el ballet moderno , también surgió como una rama del neoclasicismo. Entre los innovadores en esta forma se encontraban Glen Tetley , Robert Joffrey y Gerald Arpino . Si bien es difícil separar el ballet moderno del neoclasicismo, el trabajo de estos coreógrafos favoreció un mayor atletismo que se alejaba de la delicadeza del ballet. El aspecto físico era más atrevido, con el estado de ánimo, el tema y la música más intensos. Un ejemplo de esto sería Astarte (1967) de Joffrey, que presentaba una partitura de rock y connotaciones sexuales en la coreografía. [10]
Este estilo de ballet se realiza a menudo descalzo. Los ballets contemporáneos pueden incluir mimo y actuación , y generalmente tienen música (normalmente orquestal pero ocasionalmente vocal). Puede resultar difícil diferenciar esta forma del ballet neoclásico o moderno. El ballet contemporáneo también está cerca de la danza contemporánea porque muchos conceptos del ballet contemporáneo provienen de las ideas e innovaciones de la danza moderna del siglo XX, incluido el trabajo de piso y el giro de las piernas. La principal distinción es que la técnica del ballet es fundamental para realizar un ballet contemporáneo.
Se considera que George Balanchine fue un pionero del ballet contemporáneo. Otra de las primeras coreógrafas de ballet contemporáneo, Twyla Tharp , coreografió Push Comes To Shove para el American Ballet Theatre en 1976, y en 1986 creó In The Upper Room para su propia compañía. Ambas piezas fueron consideradas innovadoras por su combinación de movimientos claramente modernos con el uso de zapatillas de punta y bailarines de formación clásica.
Hoy en día existen muchas compañías y coreógrafos de ballet contemporáneo. Estos incluyen a Alonzo King y su compañía LINES Ballet ; Matthew Bourne y su compañía New Adventures ; Ballet Contemporáneo Complexiones ; Nacho Duato y su Compañía Nacional de Danza ; William Forsythe y la compañía Forsythe ; y Jiří Kylián del Nederlands Dans Theatre . Compañías tradicionalmente "clásicas", como el Ballet Mariinsky (Kirov) y el Ballet de la Ópera de París, también representan regularmente obras contemporáneas.
El término ballet ha evolucionado para incluir todas las formas asociadas con él. Ahora se espera que alguien que se esté formando como bailarín de ballet realice trabajos neoclásicos, modernos y contemporáneos. Se espera que un bailarín de ballet pueda ser majestuoso y majestuoso en el trabajo clásico, libre y lírico en el trabajo neoclásico y modesto, duro o vulgar en el trabajo moderno y contemporáneo. Además, existen varias variedades de danza moderna que fusionan la técnica del ballet clásico con la danza contemporánea, como el hiplet , que requiere que los bailarines practiquen estilos de danza no occidentales. [17]
Existen seis métodos ampliamente utilizados y reconocidos internacionalmente para enseñar o estudiar ballet. Estos métodos son la Escuela Francesa , el Método Vaganova , el Método Cecchetti , el método Bournonville , el método Royal Academy of Dance (estilo inglés) y el método Balanchine (estilo americano). [18] [19] Existen muchas más escuelas de técnica en varios países.
Aunque los niños en edad preescolar son una fuente lucrativa de ingresos para un estudio de ballet, la instrucción de ballet generalmente no es apropiada para niños pequeños. [20] [ verificación fallida ] La instrucción inicial requiere permanecer quieto y concentrarse en la postura, en lugar de bailar. Debido a esto, muchos programas de ballet históricamente no han aceptado estudiantes hasta aproximadamente los 8 años. Se recomiendan movimientos creativos y clases de pre-ballet no exigentes como alternativas para los niños. [21] [22]
El método francés es la base de todo entrenamiento de ballet. Cuando Luis XIV creó la Académie Royale de Danse en 1661, ayudó a crear la técnica codificada que todavía utilizan hoy en día quienes ejercen la profesión, independientemente del método de formación que sigan. La escuela francesa se revitalizó particularmente bajo Rudolf Nureyev , en los años 1980. Su influencia revitalizó y renovó el aprecio por este estilo y ha dado forma drásticamente al ballet en su conjunto. [23] De hecho, la escuela francesa ahora a veces se conoce como escuela Nureyev. El método francés se caracteriza a menudo por la precisión técnica, la fluidez y la gracia, y por unas líneas elegantes y limpias. Para este estilo, a menudo se utiliza un juego de pies rápido para dar la impresión de que los artistas se mueven ligeramente por el escenario. [24] Dos marcas importantes de esta técnica son la forma específica en la que se realizan el port de bras y el épaulement, más redondeado que cuando se baila en un estilo ruso, pero no tan redondeado como el estilo danés. [25]
El método Vaganova es un estilo de formación de ballet surgido del ballet ruso , creado por Agrippina Vaganova . Después de retirarse de la danza en 1916, Vaganova se dedicó a la enseñanza en la Escuela Coreográfica de Leningrado en 1921. Su método de formación es ahora reconocido internacionalmente y su libro, Los fundamentos de la danza clásica (1934), es una referencia clásica. Este método está marcado por la fusión del estilo clásico francés, específicamente elementos de la época romántica, con el atletismo del método italiano y la pasión conmovedora del ballet ruso. [24] Desarrolló un método de instrucción extremadamente preciso en su libro Principios básicos de la danza clásica rusa (1948). Esto incluye delinear cuándo enseñar componentes técnicos a los estudiantes en sus carreras de ballet, durante cuánto tiempo concentrarse en ello y la cantidad adecuada de concentración en cada etapa de la carrera del estudiante. Estos libros de texto siguen siendo extremadamente importantes para la instrucción del ballet en la actualidad.
El método enfatiza el desarrollo de la fuerza, la flexibilidad y la resistencia para la realización adecuada del ballet. Ella abrazó la creencia de que se debe dar igual importancia a los brazos y las piernas al realizar ballet, ya que esto traerá armonía y mayor expresión al cuerpo en su conjunto. [26]
Desarrollado por Enrico Cecchetti (1850-1928), este método es conocido internacionalmente por su intensa dependencia de la comprensión de la anatomía en relación con el ballet clásico. El objetivo de este método es inculcar características importantes para la interpretación de ballet en los estudiantes para que no tengan que depender de imitaciones de los profesores. Los componentes importantes de este método son el énfasis en el equilibrio, las elevaciones, el impulso , el aplomo y la fuerza.
Este método defiende la importancia de reconocer que todas las partes del cuerpo se mueven juntas para crear líneas hermosas y elegantes y, como tal, advierte contra pensar en el ballet en términos de brazos, piernas, cuello y torso como partes separadas. Este método es bien conocido por los ocho port de bras que se utilizan. [24]
El método Bournonville es un método danés ideado por primera vez por August Bournonville . Bournonville estuvo fuertemente influenciado por el método de ballet francés temprano debido a su formación con su padre, Antoine Bournonville y otros importantes maestros de ballet franceses. Este método tiene muchas diferencias de estilo que lo diferencian de otros métodos de ballet que se enseñan en la actualidad. [27] Un componente clave es el uso de épaulements diagonales, con la parte superior del cuerpo girando típicamente hacia el pie de trabajo. Este método también incorpora el uso muy básico de brazos, piruetas desde una posición de desarrollo bajo a segunda y el uso de bras en bas de quinta posición para el inicio y el final de los movimientos.
El método Bournonville produce bailarines que tienen un hermoso balón ("la ilusión de una ligereza imponderable" [28] ).
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El método de la Royal Academy of Dance , también conocido como estilo de ballet inglés, fue establecido en 1920 por Genee, Karsavina, Bedells, E Espinosa y Richardson. El objetivo de este método es promover la formación académica en ballet clásico en toda Gran Bretaña. Este estilo también se extendió a los Estados Unidos y todavía se utiliza ampliamente en la actualidad. Hay niveles de grado específicos por los que un estudiante debe avanzar para completar la capacitación en este método. [29] El principio clave detrás de este método de instrucción es que la técnica básica del ballet debe enseñarse a un ritmo lento, con una progresión de la dificultad a menudo mucho más lenta que el resto de los métodos. La idea detrás de esto es que si un estudiante debe esforzarse mucho para perfeccionar los pasos básicos, la técnica aprendida en estos pasos le permitirá utilizar los más difíciles a un ritmo mucho más fácil. [24]
Desarrollado por George Balanchine en el New York City Ballet . Su método se basa en gran medida en su propia formación como bailarín en Rusia. La técnica es conocida por su extrema velocidad en las rutinas, el énfasis en las líneas y los pliés profundos. Quizás una de las diferencias más conocidas de este estilo es la posición poco ortodoxa del cuerpo. [24] Los bailarines de este estilo a menudo tienen las manos e incluso los pies flexionados y se colocan en posiciones desequilibradas. Importantes estudios de ballet que enseñan este método son el Miami City Ballet , la compañía Ballet Chicago Studio y la School of American Ballet de Nueva York. [30]
Los trajes de ballet juegan un papel importante en la comunidad del ballet. A menudo son los únicos restos de una producción y representan una imagen viva e imaginaria de la escena. [31]
Las raíces del ballet se remontan al Renacimiento en Francia e Italia, cuando la vestimenta de la corte fue el comienzo de los trajes de ballet. Los trajes de ballet existen desde principios del siglo XV. Se mezclaron algodón y seda con lino y se tejieron en una gasa semitransparente [31] para crear exquisitos trajes de ballet.
Durante el siglo XVII se utilizaron diferentes tipos de tejidos y diseños para hacer los trajes más espectaculares y llamativos. La vestimenta de la corte siguió siendo para las mujeres durante este siglo. Sedas, rasos y telas bordadas con oro auténtico y piedras preciosas aumentaron el nivel de decoración espectacular asociada a los trajes de ballet. [31] Los trajes de las mujeres también consistían en prendas pesadas y faldas hasta las rodillas que les dificultaban crear mucho movimiento y gesto.
Durante el siglo XVIII, los trajes escénicos todavía eran muy similares a los de la corte, pero progresaron con el tiempo, principalmente gracias al bailarín y maestro de ballet francés Jean-Georges Noverre (1727-1810), cuyas propuestas para modernizar el ballet están contenidas en sus revolucionarias Lettres sur. La danza y los ballets (1760). El libro de Noverre alteró el énfasis en una producción alejándose del vestuario hacia los movimientos físicos y las emociones de los bailarines.
El ballet europeo se centró en la Ópera de París . [31] Durante esta época, las faldas se levantaban unos centímetros del suelo. Flores, volantes, cintas y encajes enfatizaron este opulento estilo femenino, mientras suaves tonos pastel como cidra, melocotón, rosa y pistacho dominaban la gama de colores. [31]
A principios del siglo XIX se utilizaban trajes corporales ajustados, coronas florales, ramilletes y joyas. Los ideales del romanticismo se reflejaron a través de los movimientos femeninos. [31]
Los disfraces se volvieron mucho más ajustados cuando comenzaron a usarse los corsés, para mostrar las curvas de una bailarina. Las joyas y los trajes deslumbrantes se hicieron mucho más populares.
Durante el siglo XX, los trajes de ballet volvieron a la influencia del ballet ruso. Las faldas de bailarina se convirtieron en tutús hasta la rodilla, más tarde para mostrar su preciso trabajo de puntas. Los colores utilizados en el vestuario escénico también se volvieron mucho más vibrantes. Los diseñadores utilizaron colores como rojo, naranja, amarillo, etc. para crear expresión visual cuando los bailarines de ballet actúan en el escenario.
Los bailarines profesionales generalmente no están bien remunerados y ganan menos dinero que un trabajador típico. [32] A partir de 2020, los bailarines estadounidenses (incluido el ballet y otras formas de danza) cobraban un promedio de 19 dólares estadounidenses por hora, y el salario era algo mejor para los profesores que para los artistas. [32]
Las perspectivas laborales no son sólidas y la competencia para conseguir un empleo es intensa, con un número de solicitantes que supera ampliamente el número de puestos vacantes. [32] La mayoría de los trabajos implican la enseñanza en escuelas de danza privadas . [32]
A los coreógrafos se les paga mejor que a los bailarines. [32] Los músicos y cantantes ganan mejor por hora que los bailarines o coreógrafos, alrededor de 30 dólares estadounidenses por hora; sin embargo, el trabajo a tiempo completo es inusual para los músicos. [33]
Las bailarinas de ballet adolescentes son propensas a sufrir fracturas por estrés en la primera costilla . [34] El síndrome de pinzamiento posterior del tobillo (PAIS) afecta con mayor frecuencia a personas que realizan flexión plantar repetitiva , como los bailarines de ballet. [35] Se cree que los trastornos alimentarios son comunes, y un metanálisis de 2014 sugiere que los estudios indican que los bailarines de ballet tienen un mayor riesgo que la población general de sufrir varios tipos de trastornos alimentarios. [36] Además, algunos investigadores han observado que el entrenamiento intensivo en ballet da como resultado una menor densidad mineral ósea en los brazos. [37]
La mayoría de las coreografías de ballet están escritas para que sólo puedan ser interpretadas por un bailarín relativamente joven. [38] La estructura del ballet, en la que un coreógrafo o director (generalmente) masculino utiliza (principalmente) cuerpos de mujeres para expresar su visión artística, ha sido criticada por dañar a las mujeres. [ ¿ por quién? ] [39]
Es a partir de esta institución que evolucionó el ballet francés y no la Académie Royale de Danse.
