La escultura helenística representa una de las expresiones más importantes de la cultura helenística , y la etapa final en la evolución de la escultura griega antigua. La definición de su duración cronológica, así como sus características y significado, han sido objeto de mucha discusión entre los historiadores del arte, y parece que está lejos de alcanzarse un consenso. [1] Se suele considerar que el período helenístico comprende el intervalo entre la muerte de Alejandro Magno en el 323 a. C. y la conquista de Egipto por los romanos en el 30 a. C. [2] Sus características genéricas están definidas por el eclecticismo , el secularismo y el historicismo , basándose en la herencia de la escultura griega clásica y asimilando influencias orientales. [3]
Entre sus aportaciones originales a la tradición griega de la escultura se encuentran el desarrollo de nuevas técnicas, el refinamiento de la representación de la anatomía humana y la expresión emocional, y un cambio en los objetivos y planteamientos del arte, abandonando lo genérico por lo específico. Esto se tradujo en el abandono del idealismo clásico de carácter ético y pedagógico a cambio de un énfasis en los aspectos humanos cotidianos y la dirección de la producción hacia fines puramente estéticos y, ocasionalmente, propagandísticos. La atención prestada al hombre y su vida interior, sus emociones, sus problemas y anhelos comunes, dio como resultado un estilo realista que tendía a reforzar lo dramático, lo prosaico y lo conmovedor, y con ello aparecieron los primeros retratos individualizados y verosímiles en el arte occidental. Al mismo tiempo, se produjo una gran expansión de la temática, con la inclusión de representaciones de la vejez y la infancia, de deidades menores no olímpicas y personajes secundarios de la mitología griega , y de figuras del pueblo en sus actividades. [4] [5]
El gusto por el historicismo y la erudición que caracterizó al periodo helenístico se reflejó en la escultura de tal manera que se fomentó la producción de nuevas obras de carácter deliberadamente retrospectivo, y también de copias literales de obras antiguas, sobre todo en vista de la ávida demanda de composiciones clasicistas famosas por parte del gran mercado consumidor romano. Como consecuencia, la escultura helenística se convirtió en una influencia central en toda la historia de la escultura en la Antigua Roma . A través de la Roma helenizada se conservó para la posteridad una inestimable colección de modelos formales y copias de piezas importantes de autores griegos famosos, cuyos originales acabaron desapareciendo en épocas posteriores, y sin las cuales nuestro conocimiento de la escultura griega antigua sería mucho más pobre. [6] Por otra parte, el imperialismo de Alejandro hacia Oriente llevó el arte griego a regiones lejanas de Asia , influyendo en las producciones artísticas de varias culturas orientales, dando lugar a una serie de derivaciones estilísticas híbridas y a la formulación de nuevas tipologías escultóricas, entre las que quizá la más seminal en Oriente fue la fundación de la iconografía de Buda , hasta entonces prohibida por la tradición budista . [7]
Para el Occidente moderno, la escultura helenística fue importante como una fuerte influencia en la producción renacentista , barroca y neoclásica . [8] En el siglo XIX la escultura helenística cayó en desuso y pasó a ser vista como una mera degeneración del ideal clásico, prejuicio que penetró en el siglo XX y solo recientemente ha comenzado a dejarse de lado, a través de la multiplicación de investigaciones actuales más exhaustivas sobre este tema, y aunque su valor aún es cuestionado por núcleos resistentes de la crítica y su estudio se dificulta por una serie de razones técnicas, parece que la rehabilitación completa de la escultura helenística entre los estudiosos es solo una cuestión de tiempo, porque para el público en general ya se ha revelado como de gran interés, garantizando el éxito de las exposiciones donde se muestra. [9] [10] [11] [12]
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La escultura del Clasicismo, periodo inmediatamente anterior al helenístico, se construyó sobre un potente marco ético que tenía sus bases en la tradición arcaica de la sociedad griega, donde la aristocracia gobernante había formulado para sí misma el ideal de la areté , un conjunto de virtudes que debían cultivarse para la formación de una moral fuerte y un carácter socialmente apto, versátil y eficiente. Paralelamente, se formuló el concepto de kalokagathia , que afirmaba la identidad entre Virtud y Belleza . Expresando estos conceptos en formas plásticas, nació un nuevo canon formal, desarrollado por Poliqueto y el grupo de Fidias , que buscaba la creación de formas humanas que fueran a la vez naturalistas e ideales, a través de cuya belleza perfecta y equilibrada pudieran percibirse las virtudes del espíritu. [13] [14] [15]
Estas ideas habían sido reforzadas por la aportación de filósofos como Pitágoras , quien decía que el arte era un poder eficaz, capaz de influir en las personas para bien o para mal, según obedecieran o violaran ciertos principios de equilibrio y forma. También decía que el arte debía imitar el orden divino, que se basaba en relaciones numéricas definidas, y se expresaba en la armonía, coherencia y simetría de los objetos naturales. Había elaborado sus ideas a partir de sus investigaciones con las matemáticas y la música , pero no tardó en aplicarlas a las demás artes, fomentando un uso eminentemente ético de la creación artística y fomentando los valores colectivos más que los individuales, lo que la filosofía idealista de Platón corroboraba elocuentemente. [16]
El espíritu de la cultura helenística comenzó a formarse con la conquista macedonia de Grecia y las expediciones militares de Alejandro Magno a Oriente , que llevaron la cultura griega clásica a las orillas del río Indo y dieron lugar al establecimiento de varios reinos grecoorientales. La cultura de la Grecia clásica, de la que Macedonia dependía, se definió dentro de una cosmovisión relativamente limitada, circunscrita a la ciudad-estado, la polis . Aunque los griegos fundaron varias colonias alrededor del Mediterráneo y el mar Negro , y mantuvieron contacto con varios otros países, su referencia cultural siguió siendo la metrópoli, cuya sociedad se basaba en la experiencia de grupos definidos que vivían en las ciudades más importantes. Según Jerome Pollitt , "un griego clásico podía viajar voluntariamente para buscar aventuras, pero una vez que la aventura había terminado su intención era regresar a la sociedad pequeña, segura y familiar donde se había establecido su identidad". [17]
Con la presencia macedonia en suelo griego, y con el espíritu imperialista de Alejandro, este mundo más o menos estático sufre una profunda sacudida y comienza a experimentar una transformación que hará de aquella vida tradicional y comunitaria algo del pasado. Alejandro funda varias ciudades en sus campañas, fomentando importantes migraciones de poblaciones griegas, entre ellas miles de artistas, [18] que acuden a probar suerte en un entorno étnico y cultural totalmente ajeno, construyendo nuevas sociedades cuya nota dominante es la inseguridad y la movilidad, a todos los niveles. Tras su muerte, sus sucesores se enzarzan en una serie de luchas de poder, provocando el hundimiento del imperio en medio de intensas turbulencias y una pérdida generalizada de las antiguas referencias y expectativas de la sociedad greco-macedonia. [19] [20]
En sentido contrario, Roma inició su expansión belicosa y depredadora, y decayeron la autoconfianza, el idealismo y los viejos valores colectivos sociales y religiosos, generando un retraimiento y desencanto en los individuos ante la pobreza moral, el cinismo político y la violencia de la época, aspectos que se enmascararon con la búsqueda del mero placer y se formalizaron artísticamente a través de un realismo a veces lleno de dramatismo. La diversa procedencia de los colonos y la notoria xenofobia greco-macedonia dificultaron alianzas sociales duraderas y fiables en las tierras conquistadas, y para los artistas el mecenazgo quedó sujeto a caprichos personales y a frecuentes oscilaciones del gusto de la élite gobernante a medida que cambiaban las inclinaciones políticas. No es extraño entonces que Plinio , un clasicista, dijera que el siglo III a.C. fue una época de desaparición de las artes. Para algunos, estos tiempos pueden haber tenido un atractivo apasionante, pero los filósofos de la época apuntan a una aguda conciencia de que la fase era de gran inestabilidad, [19] [20] con incluso un velado sentido de culpa por el colapso de los viejos valores morales ante el nuevo paisaje urbano mundano y corrupto, que sería la fuente de una larguísima tradición de búsqueda de un retorno a la vida sencilla, primitiva y auténtica vida campesina, incluso si este retorno nunca podría realizarse de hecho excepto simbólicamente, en los periódicos revivalismos clasicistas - el primero de los cuales ocurriría al final del período helenístico - y dentro de los sueños de pastoralismo poético que pueblan la historia del arte desde aquellos tiempos hasta nuestros días. [21]
La filosofía del periodo helenístico llevó adelante el debate sobre la estética que había sido inaugurado por Sócrates y Platón en años anteriores. La ética de Platón predicaba que el arte en el mejor de los casos era solo un simulacro imperfecto de verdades abstractas, y por lo tanto carecía de valor y credibilidad profundos, y debía en todos los casos servir a una causa moral y pedagógica . Sócrates antes que él había sugerido que el arte podía expresar el patetismo individual , y Aristóteles , tomando este lema y oponiéndose a las líneas generales del pensamiento idealista platónico sobre la estética, abordó la cuestión empíricamente, tratando de descubrir otros usos y significados para las creaciones de los artistas. Desarrolló el concepto de catarsis , suponiendo que el arte podía educar el espíritu simulando las propias debilidades emocionales humanas, ensanchó el camino para que se cultivaran el emocionalismo y las visiones individuales, y con ello relativizó la función y la lectura del arte y prestigiaba la creatividad individual. Al mismo tiempo, favoreció la secularización de su carácter, dando cabida al uso de la escultura como forma de propaganda política y personal. [22]
En el pasado, las élites se dedicaban principalmente a la función sagrada y a la conmemoración pública de héroes y atletas , y su fundamento era fundamentalmente ético, didáctico e idealista; ahora deseaban obras que tuvieran una motivación principalmente personalista y un carácter fundamentalmente decorativo. Incluso las estatuas de dioses pasaron a ser vistas más como «obras de arte» que como instrumentos simbólicos de comunicación con los mundos invisibles. Con ello, el gusto privado —que no siempre fue el más refinado y culto— empezó a prevalecer sobre las convenciones colectivas, favoreciendo una práctica puramente estética que abría ampliamente su abanico temático para incluir lo pintoresco, lo trivial, lo doloroso, lo cómico, lo aterrador, lo sensual, lo informe y lo grotesco. [23] [24] Acompañando estos cambios aparece por primera vez en el arte occidental una inclinación definida a leer las obras alegóricamente . La pérdida de credibilidad de los mitos antiguos hace que los principios morales se personifiquen de otras maneras, y mientras que en el arte anterior los dioses encarnaban una serie de atributos inmateriales, ahora, por el contrario, las abstracciones mismas, como el coraje, el perdón, la sabiduría, la combatividad, toman forma humana y son deificadas individualmente. [25]
Formalmente las características generales de la escultura helenística derivan principalmente de la obra de tres grandes artistas, Escopas , Praxíteles y Lisipo , quienes lideran la transición del Clasicismo a la tradición helenística a mediados del siglo IV a.C. [26] En términos de expresividad y carácter narrativo su producción tiene mucho más que ver con el helenismo que con el alto clasicismo que lo precedió, aunque en el terreno del estilo mismo su origen clásico sigue siendo evidente. Comienzan el proceso de abandono de la idealización para rebajar la representación al nivel humano, incluso cuando se trata de la imagen de deidades. No sin una pizca de ironía, Jerome Pollitt comenta una obra atribuida a Praxítheles, el Apolo Sauroctono , y ve en ella una imagen burlesca de la decadencia del estatus desde un dios viril que mata dragones a un afeminado y decadente que apenas puede asustar a un lagarto común, en un período en el que los antiguos mitos comenzaban a perder su aura divina y su verdadero poder de inspiración, y comenzaban a ser desacreditados en una sociedad que era fuertemente profana y urbana, pero que, por lo tanto, podía dirigir su atención más intensamente al retrato del hombre, a sus problemas y éxitos específicos, y a su universo interior. [27]
Por otra parte, al propio Alejandro Magno se le atribuye una importante influencia en la introducción de nuevos modos de representación escultórica. En el retrato de gobernantes se preferían figuras jóvenes, atléticas y sin afeitar, cuando antes este género se tipificaba por figuras maduras y barbudas. Los diversos retratos del general se convirtieron también en modelos para la representación de los dioses Apolo y Helios, y de las deidades fluviales, incluyendo su mirada vuelta hacia arriba y su cabello denso, largo y suelto, rasgos típicos de esos retratos. Con una personalidad centralizadora, el carisma de Alejandro promovió una reorganización en las escenas de batallas y cacerías, pasando a destacar la figura de un líder, cuando antes era habitual tratar a todos los personajes con la misma importancia visual en composiciones sin un foco principal. Finalmente, la fama de su caballo Bucéfalo produjo una tendencia a magnificar el tamaño de las representaciones de estos animales en relación con periodos anteriores. [28]
La descripción de la escultura helenística, tema de gran complejidad que sigue siendo fuente de muchas controversias e incertidumbres, sólo puede hacerse, en un resumen como éste, de manera genérica. La multiplicidad de centros de producción, la gran movilidad de los escultores entre ellos y la libertad estilística imperante han creado un panorama poliédrico y multifocal, donde conviven y se entrecruzan diversas tendencias, [29] pero la mentalidad de los helenistas, y sus repercusiones en el arte de la escultura, pueden definirse más o menos a través de cinco líneas dominantes:
I. Una obsesiva preocupación por el destino y su carácter impredecible y cambiante, visible en la proliferación de escritos filosóficos e iconográficos sobre Tique , la diosa que encarnaba la Suerte o Fortuna -concebida en una interpretación asociada al destino- y en los retratos de Alejandro, una personalidad que siempre se consideró protegida por la Fortuna, pues incluso cuando la mala suerte parecía amenazarlo, era capaz de revertir la situación a su favor. Asimismo, reflejaba este interés la representación de acontecimientos en los que la fortuna individual cambiaba drásticamente, como en momentos de gran éxito o gran fracaso. [30]
II. Un sentido de la teatralidad de la vida, reflejado en el gusto por lo espectacular, por las grandes manifestaciones públicas de pompa regia, por los pronunciamientos dramáticos y vehementes de los oradores, por los festivales profanos y religiosos suntuosos y estimulantes para los sentidos, [31] y por las esculturas donde el sentido del drama, de la exaltación, del movimiento, del tumulto, del arrebato, de lo extraordinario se buscaba intencionadamente en un estilo cuyo tenor era narrativo y retórico . Incluso había una terminología técnica tomada prestada de la retórica literaria para describir los elementos formales favorecidos en la escultura helenística: auxesis (amplificación), makrology (expansión), dilogia (repetición), pallilogia (recapitulación), megaloprepeia (grandeza), deinosis (intensidad), ekplexis (conmoción), enargeia (vivacidad), anthitesis (contraste) y pathos (drama emocional). [32]
III. Tendencia a la erudición, manifestada en el interés expandido por la geografía y la historia de otros países, por los libros que describían rasgos étnicos extranjeros y sus maravillas culturales, por la lingüística, con la elaboración de gramáticas, diccionarios y compendios de palabras cultas y difíciles. Fue la época en que se fundaron grandes bibliotecas y museos, como el de Alejandría , se formaron colecciones de arte planificadas y sistematizadas, y se cultivaron arcaísmos en las diversas artes, incluida la escultura, que evidenciaban el conocimiento de autores renombrados y la posesión de un espíritu ilustrado. Así, se imitaron estilos de fases anteriores en copias literales de obras antiguas, o se asimilaron sus principios para componer piezas nuevas, yuxtaponiendo muchas veces en una misma obra trazos de diferentes escuelas y épocas, o integrando elementos estilísticos exóticos traídos de Oriente, lo que dio a la producción un carácter ecléctico e historicista. Al mismo tiempo los escultores rivalizaron en demostraciones de virtuosismo técnico en el extremo refinamiento de la talla en piedra, visible en muchos ejemplares. [33] La herencia clásica siguió siendo el patrón de referencia original, el lenguaje común a todos, sobre el que se podían identificar y apreciar mejor las innovaciones, incluso cuando adquirían un carácter decididamente anticlásico. Aunque este historicismo nació de una mirada al pasado, trabajó sobre temas que todavía eran válidos, y el eclecticismo resultante, aunque estéticamente ambiguo, creó un repertorio de formas nuevas y de antiguas actualizadas que contribuyeron a una mayor riqueza y variedad artística del período, formulando un nuevo lenguaje que era esencialmente actual y cosmopolita para ellos [34] [35]
IV. El carácter individualista , a partir de la noción de autarquía , concepto que predicaba la autonomía e independencia individual como base de la felicidad, y fomentaba indirectamente el desarrollo de un espíritu errante y adaptable, contrario a los convencionalismos y ligado a su naturaleza única y esencial, capaz de adaptarse a cualquier situación, tipificado por el mercenario aventurero y sintetizado en el culto a la personalidad . Este individualismo, que impregnó toda la filosofía y la religión de la época, influyó también en la literatura, con la aparición de biografías y memorias de personajes ilustres, y en la escultura, en el sentido de que ahora se buscaba la representación realista de tipos pintorescos y del mundo interior de los personajes, expresado a través de las emociones estampadas en sus rostros y actitudes corporales. Este afán de realismo artístico, unido al elogio de la personalidad, dio lugar a los primeros retratos realistas en el arte occidental, que representan en opinión de Jerome Pollitt el logro más importante de todo el arte helenístico. [36]
V. Una visión cosmopolita, corolario de las características invocadas anteriormente y marca de un mundo expandido y en perpetua transformación, sujeto a una multiplicidad de fuerzas, donde las diferentes naciones eran vistas por los filósofos como participantes fraternales en una comunidad universal y los individuos como agentes únicos de su evolución y responsables de sus propias vidas, ya no privilegiados por el nacimiento o la nacionalidad, sintetizando un humanismo que con el tiempo disolvió gran parte de la antigua aversión griega por los bárbaros , abrió espacio para la creación de una burguesía liberal, pragmática y autosuficiente -un nuevo mercado sustancial para la escultura- e hizo posible la producción de obras donde incluso la decadencia física, el vicio y la pobreza podían ser representados de manera empática y comprensiva. [37] [38]
Uno de los primeros estudios importantes sobre el tema de la escultura helenística, Stilphasen der hellenistischen Plastik (1924), de Gerhard Krahmer, la dividió en tres fases, que influyeron enormemente en la metodología de análisis posterior:
Estudios posteriores han propuesto divisiones alternativas, pero la investigación moderna, sin embargo, tiende a considerar que una apreciación simplemente cronológica tiende a ser engañosa, llevando a creer que el estilo evolucionó linealmente, cuando la evidencia indica que el proceso fue más bien acumulativo, en lugar de sucesivo. [40]
Grecia siguió siendo una región productiva durante todo el periodo helenístico. Aunque Atenas perdió su antigua primacía, siguió activa -y de hecho inició un movimiento neoclásico a través de la Escuela Neoática, de gran influencia en la escultura romana- junto con Olimpia , Argos , Delfos y Corinto , mientras se establecían varios centros nuevos, por ejemplo en Mesenia , Mileto , Priene , Chipre , Samotracia y Magnesia . Sin embargo, merecen especial atención Rodas y la Magna Grecia . Tangra también merece cierta atención, pero se tratará en la sección de Terracotas, y Pérgamo , aunque desarrolló la tipología de guerreros heridos y amazonas, muy apreciada y con ejemplares del más alto nivel, aparecerá en la sección de Escultura arquitectónica por la gran importancia de su Altar de Zeus.
La isla de Rodas fue durante la mayor parte del periodo helenístico un centro bastante activo de producción escultórica, atrayendo a maestros de diversos orígenes. Después de 167 a. C. su importancia como centro comercial sufrió un declive, enfrentándose a la competencia del puerto libre de Delos , pero en esta etapa los mecenas locales parecen haber hecho un esfuerzo especial para alentar a los artistas nativos. Durante bastante tiempo se juzgó a Rodas como un semillero de innovaciones en escultura, asociándola con la formulación del estilo "barroco" del periodo helenístico, pero estudios recientes han revisado esta opinión y han situado la producción de la isla dentro de un perfil más modesto de originalidad, habiendo recibido posiblemente la influencia de otro gran centro, Pérgamo . Aun así, allí florecieron muchos talleres, y escritores antiguos como Plinio el Viejo dicen que Rodas contaba con tres mil estatuas, y cerca de mil de ellas de enormes dimensiones, que habrían bastado para hacer famosa a la isla de no haber sido eclipsadas por el famoso Coloso, una gigantesca imagen de bronce que representa a Helios , el dios patrón local, diseñada alrededor del año 304 por Cares de Lindos , discípulo de Lisipo. Plinio aún menciona el nombre de Briaxis como autor de algunas piezas importantes, y el de Lisipo como creador de otro Helios colosal, representado en una cuadriga . También es posible que se trate de una copia de un original de Rodas, realizado por Taurisik y Apolonio de Trales , el famoso Toro Farnesio , hoy en Nápoles . Atenodoro , Polidoro y Agesandro , tres oriundos de Rodas, son los autores de una de las obras más paradigmáticas de la fase barroca del periodo helenístico, el Laocoonte y sus hijos , y de otro notable conjunto escultórico hallado en la cueva de la Villa de Tiberio en Sperlonga , que representa escenas de las aventuras de Odiseo . Por último, se ha sugerido que otra obra de gran fama, la Victoria de Samotracia , es una producción de Rodas, pero no hay pruebas concluyentes. [41]
Siracusa era, antes de ser devastada por los romanos, una de las ciudades más ricas de la Magna Grecia, con una floreciente actividad escultórica. Tras el paso romano, que la privó de toda su colección, la ciudad recuperó cierto prestigio artístico a través de la producción de estatuaria de terracota procedente de las tradiciones locales. Otras ciudades en las que hay un legado significativo son Taranto, una de las zonas mejor conservadas en cuanto a escultura del siglo III a. C., y Agrigento . [42]
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Desde los orígenes de Roma, su escultura estuvo bajo la influencia griega. Primero a través del arte etrusco , que era una interpretación del arte del Periodo Arcaico en Grecia, y luego con el contacto con las colonias griegas en la Magna Grecia , al sur de la península itálica . Iniciada su expansión hacia el Mediterráneo, en sus campañas militares los romanos saquearon varias ciudades donde había grandes colecciones de escultura helenística, entre ellas la próspera Siracusa, dominada en el 212 a. C. Según relatos, el botín de guerra fue fantástico, y, llevado a Roma, comenzó a adornar la capital, desplazando inmediatamente en el favor público a la escultura de tradición greco-etrusca. A este expolio siguieron varios más, el de Tarento en el 209, el de Eretria en el 198, el del Peloponeso en el 196, el de Siria y Anatolia en el 187, el de Corinto en el 146, el de Atenas en el 86 y el de Sicilia en el 73-71, confiscaciones tan cuantiosas que en ocasiones provocaron indignación entre los propios senadores romanos . El resultado, sin embargo, fue cubrir Roma de arte helenístico, y atraer al nuevo poder a varios artesanos, como Polícles , Sósicles y Pasitles , que comenzaron a crear una escuela local de escultura, que se fundó sobre los principios del arte helenístico y se encargó de transmitir a la posteridad, mediante copias, una ingente cantidad de célebres obras griegas y de prototipos formales cuyos originales acabarían después perdiéndose, al tiempo que formulaba nuevas tipologías típicamente romanas. Más tarde, la escultura helenístico-clásica romana sería el eslabón de transición hacia el arte bizantino y proporcionaría la base para el desarrollo de la iconografía cristiana . [43] [44] [45] [46]
El contacto entre las civilizaciones griega y etrusca está documentado desde el siglo VIII a.C., y a lo largo de la historia del arte etrusco la influencia griega se mantuvo fuerte. A finales del siglo IV a.C., cuando comienza el helenístico etrusco, la presencia romana ya empezaba a predominar sobre la región, y su cultura entró en decadencia. Aun así, en este periodo se creó una nueva tipología escultórica, la de los sarcófagos con retratos, de la que se hablará en el apartado Sarcófagos y urnas cinerarias. Otra aportación etrusca a la escultura helenística es la formulación del tipo de la madre sedente con su hijo en el regazo, conocida como koiné , cuyo ejemplar más conocido es la Mater Matuta del Museo Arqueológico Nacional de Florencia . [47] Típica de la tradición etrusca es la preferencia por el uso de la terracota en la producción de exvotos , sofisticadas piezas decorativas, jarrones -algunos en forma de cabeza humana- y en la decoración arquitectónica, con ejemplares de alta calidad en varios templos de Luni , Tarquinia y otros lugares, que exhiben rastros de la influencia helenística oriental. [48] Finalmente, los etruscos también demostraron ser expertos artesanos del bronce, creando una colección de retratos de cuerpo entero y en bustos que en su naturalismo se acercan al estilo de la escultura romana en estos géneros. [25]
Tras la fundación de Alejandría , la ciudad se convirtió pronto en un importante centro de la cultura helenística. Allí se construyó la famosa Biblioteca , que incluía uno de los primeros museos del mundo , y en torno a ella floreció un importante grupo de filósofos, literatos y científicos, que hicieron una aportación muy relevante a la cultura helenística en su conjunto, pero en el campo de la escultura, al contrario de lo que se había pensado durante mucho tiempo, las investigaciones recientes indican que el resultado fue mucho más pobre. Egipto contaba con una larga y brillante tradición escultórica, y los faraones macedonios , al encontrar una cultura firmemente asentada, desarrollaron una práctica artística dual. Para la élite helenística, que vivía principalmente en Alejandría y tenía poca conexión con la realidad del resto del país, se producía un arte helenístico, y para el pueblo un arte que seguía las antiguas tradiciones faraónicas, y poco podía hacerse entre ellos. [49] Incluso en el campo del retrato oficial se mantuvo la duplicidad, aunque en casos raros se observa una mezcla significativa de estos dos estilos contrastantes, con cambios en los rasgos tradicionales de los peinados y los trajes, y en la apariencia de las insignias del poder, mostrando una adaptación cuidadosamente selectiva del estilo helenístico. [50] [51]
Tras la partición del imperio alejandrino, se formó en Oriente Próximo el imperio helenístico de los seléucidas , con varias ciudades nuevas fundadas por Alejandro y sus sucesores. Con la disolución gradual de las antiguas instituciones persas , muchas otras ciudades más antiguas adoptaron un modelo administrativo similar a la polis griega, y en pocas décadas la élite persa se helenizó, y todo aspirante a una posición social importante necesitaba ahora saber griego y estar versado en la cultura helénica. Pero el impacto de la helenización, si alcanzó diversas formas culturales, no prevaleció entre la masa del pueblo y, a lo largo de la historia local, resultó fugaz. A mediados del siglo III a. C. el Imperio seléucida se fragmentó, dando lugar al Imperio arsácida , que pronto inició una expansión y acabó suplantando a su estado madre. En este período comenzó un proceso de vuelta a las tradiciones antiguas, cuyo efecto se extendió más allá de las fronteras y determinó una reacción antihelenística también en la India , Siria , Arabia , Anatolia y otras regiones, disminuyendo el interés local por la escultura. [52] Mientras duró la presencia greco-macedonia, hubo un importante intercambio de influencias con la cultura indígena, y parece que incluso Platón absorbió elementos de la religión zoroástrica en su filosofía. En escultura sobreviven en varios yacimientos reliquias de gran calidad del período seléucida, especialmente en bronce, imágenes de figuras reales y diversos dioses y estatuas, y de la fase arsácida hay relieves grabados en rocas, de gran interés y de estilo claramente híbrido. [53]
El arte helenístico supo influir en la cultura de países tan lejanos como la India y Afganistán , que en la época de las conquistas de Alejandro ya poseían una antigua tradición artística. Al fundar colonias helenísticas en el Punjab y en Bactria , dieron origen a la llamada Escuela de Ghandara . Los helenistas fueron los responsables de la inauguración de una nueva tipología escultórica, de inmensa importancia para la religión budista , a saber, la propia imagen de Buda , cuando hasta entonces su representación era tabú . En ella conservaron en gran medida los cánones artísticos hindúes, pero en otros géneros, menos cargados de simbolismo, son más evidentes los rasgos occidentales en la estatuaria. Esta Escuela floreció hasta el siglo V d.C. [54]
Los templos y edificios públicos del periodo helenístico no siguen en general la práctica de la decoración profusa en sus fachadas como en fases anteriores, con grandes grupos escultóricos en los frontones , metopas , acroterías y frisos en relieve. Al parecer en este periodo los trabajos se concentraron más en el mantenimiento y restauración de edificios antiguos que en la erección de otros nuevos. Hay varios edificios helenísticos decorados, pero la mayoría de ellos son de escaso interés, ya sea por la baja calidad intrínseca de la escultura o por su escasa cantidad, o bien su estado actual es tan ruinoso y empobrecido que impide una evaluación precisa de su valor. Algunas excepciones a esta regla, sin embargo, son preciosas y merecen una nota. Data del periodo helenístico temprano el templo de Artemisa en Epidauro . Tenía Niké acroteria alada , de la que quedan cuatro, ahora sin sus alas. Su estilo muestra un rico ingenio en el manejo de su indumentaria, que consigue efectos de transparencia en su movimiento ondeante. [55] Posiblemente del mismo período, y más rico, es el templo de Atenea en Ilion , la antigua Troya . La fecha del templo se ha estimado en torno al 300 a. C., pero la de su decoración escultórica es más problemática. Tenía 64 metopas, pero no se sabe cuántas fueron talladas. De las que sobreviven, la más importante, y prácticamente intacta, es la que muestra a Helios y su carro. Otras son fragmentarias y representan escenas de batalla, y posiblemente uno de los conjuntos trate sobre la Gigantomaquia . Su estilo ecléctico sugiere influencias extranjeras. [56] [57]
También del año 300 a. C. es la decoración de la Casa de los Toros de Delos , un edificio inusual, largo y estrecho, con columnatas y profusa ornamentación escultórica, dividida entre metopas, un friso continuo y acroterios en el exterior, que lamentablemente están bastante erosionados, y en el interior otro gran friso con escenas marinas y capiteles zoomorfos. En el mismo sitio se han encontrado esculturas que decoran varios otros edificios, como el teatro , la estoa de Antígono Gônatas , el monumento a Mitrídates VI Eupátor y la Casa del Tridente, esta última con una inusual decoración de relieves de estuco . [58] De datación incierta, pero posiblemente otro ejemplo de esta fase es el Hierón del Santuario de los Grandes Dioses de Samotracia , con varios relieves de centauros en el pórtico y varias estatuas en el frontón norte, junto con Niceas acroteriales, pero estos deben ser de una fecha muy posterior, posiblemente de mediados del siglo II a. C. [59]
Entre los siglos III y II a.C. Pérgamo surgió como uno de los centros más activos de producción escultórica, debido al generoso mecenazgo de sus reyes Atalo I y Eumenes II . Bajo el primero, se desarrolló el tipo de guerreros heridos, celebrado en los Gálatas y Amazonas moribundos , y bajo el segundo, se construyó el gran Altar de Zeus , decorado con frisos y estatuas de gran expresividad. El Altar es el monumento más ricamente decorado de todo el período y el logro más importante de la tendencia "barroca", cuyo potencial Epígono de Pérgamo , el escultor jefe del monumento, fue uno de los primeros en comprender y explotar plenamente. [60] Allí se representan una Gigantomaquia y la historia de Thelephus , el legendario fundador de la ciudad. En términos técnicos y temáticos, el friso de la Gigantomaquia introdujo varias innovaciones, minimizando la importancia del fondo, llevando al extremo el preciosismo en la descripción de los detalles, presentando deidades menores junto a los dioses olímpicos, y traspasando los límites del friso para situar personajes avanzando en las gradas del monumento, subvirtiendo las convenciones tradicionales que regían la relación entre estatuaria y arquitectura . Por otro lado, el friso de Telefeo rescató la importancia del fondo pero añadió detalles inéditos de escenas paisajísticas. [61] [62]
Otro monumento importante de la primera mitad del siglo II es el gran templo de Artemisa Leucofriene en Magnesia . Entre sus decoraciones hay un friso con animales y un largo friso que muestra la Amazonomaquia , con 340 figuras talladas. Su calidad no es de las más altas, pero su interés reside en la gran diversidad de soluciones plásticas, que evitan cualquier monotonía. En la misma ciudad hay un altar de Artemisa con una decoración significativa, con muchos fragmentos restantes de figuras humanas y animales. Un friso entero con bucráneos , sin embargo, se perdió durante la Segunda Guerra Mundial . Un poco más tarde es el Altar de Dioniso en Cos , donde sobrevive la mayor parte de un gran friso que muestra una procesión dionisíaca y escenas de batalla. [63]
Ya mencionada anteriormente, la práctica de la decoración arquitectónica etrusca merece algunas líneas adicionales por ser uno de los logros más típicos de su arte y por su carácter único en el panorama helenístico. Esta tradición nació ya en el período Arcaico, pero continuó a lo largo de su historia. A diferencia de las otras culturas helenísticas, que favorecían la piedra, los etruscos prefirieron la terracota, y la aplicaron para la decoración de toda la serie de elementos arquitectónicos - frontones , metopas , acroterias , capiteles , frisos , etc. Las composiciones se caracterizan por una relativa independencia formal de la estructura que las sostiene, y muestran motivos que mezclan la imaginería griega y local. En un punto en el que coinciden con la práctica de todo el mundo helenístico fue el hecho de que toda esta escultura estaba vivamente coloreada. Entre los ejemplos más ricos de esta aplicación están los frontones de un templo en Talamone , del siglo II a.C., que muestran varias escenas de la historia de los Siete contra Tebas . [64] [65]
Las estatuillas de terracota formaban parte de la vida cotidiana griega desde los periodos prehistóricos, pero en el periodo helenístico se inició una tradición diferenciada, de estatuillas creadas en serie a partir de moldes que trabajaban en estilo naturalista una variedad de temas y que servían para diversos fines -decoración, exvoto , ofrenda funeraria- en una práctica de bajo coste que se extendió rápidamente por todo el mundo helénico. Tanagra , junto con otras ciudades de Beocia , se hizo conocida desde finales del siglo IV a. C. en adelante por su vasta producción de estatuillas policromadas que representaban sobre todo a mujeres y niñas vestidas con ropas sofisticadas, luciendo abanicos, espejos, sombreros y otros aparatos de moda, creando un nuevo repertorio formal en la larga tradición de la estatuaria cerámica , que se cree que se inspiró en la comedia de Menandro . [66] [67] Estas estatuas son especialmente atractivas por la variedad de gestos y posturas y la refinada factura, pero aunque Tanagra sobresalió en este tipo de producción y prestó su nombre a todo este género de estatuaria -llamadas figurillas de Tanagra- hay evidencia de que el estilo típico comenzó a desarrollarse en Atenas, extendiéndose desde allí a otros centros. Pero también se desarrollaron otras escuelas de terracota, que se encontraban fuera del género de Tanagras, no siempre utilizando moldes, que presentan una variedad mucho más amplia de tipos, incluyendo esclavos, bailarines, hombres, ancianos, caballeros, niños, deidades, personajes teatrales, muñecos, animales, jarrones miniaturizados, platos en relieve y cabezas sueltas. Su nivel de calidad, sin embargo, es muy desigual. [68]
Hacia finales del siglo III aparecen los tipos de figuras sedentes y de maestros y filósofos, que presentan rasgos serios y contemplativos, con un tratamiento simplificado y un acabado más tosco, aunque expresivo. Los colores también se diversifican, encontrándose tonos más claros. Relativamente pocos hallazgos están relacionados con contextos sagrados, lo que evidencia un uso esencialmente profano de las estatuillas. De las diversas deidades encontradas anteriormente en abundancia, solo Eros sigue siendo un tipo realmente común, y los otros dioses que se identifican ocasionalmente muestran rasgos tan humanizados que su propósito meramente decorativo parece bien establecido. La producción en masa de esta fase gana en variedad por la adición de detalles individualizados después de que la pieza se extrae del molde y antes de la cocción, y no se encuentran dos piezas idénticas. [69]
La relativa escasez de reliquias, su estado general menos intacto y la presencia en muchos yacimientos de figuras de estilo retrospectivo complican el estudio de las terracotas del siglo II a. C., y la frecuente mezcla de objetos de diferentes períodos en el mismo estrato arqueológico, quizá causada por descartes masivos, complica el trabajo de datación. El número de figuras desnudas disminuye y aumenta el de imágenes aladas y detalles individualizados en las piezas creadas en serie, lo que da en muchos casos la apariencia de piezas modeladas a mano. Este grupo de piezas se ha denominado "aditivo" debido a estos añadidos, pero su acabado tiende a ser más basto. Las formas de las figuras y las vestimentas tienden a perder su organización en espiral y dar paso a composiciones más estáticas, en una época en la que se desvanecía la tradición sofisticada y fluida de los tangagras. En la transición hacia el siglo I a.C. los tipos antiguos ya han perdido su vitalidad y la producción se estandariza, posiblemente adquiriendo incluso un carácter de souvenir turístico, ya que en esa época Grecia no era más que una provincia romana y, como resultado del saqueo romano de las grandes ciudades, el material restante es escaso y a menudo muy dañado. En cuanto a las demás regiones, el gusto romano se vuelve predominante a medida que el imperio se expande, aparecen influencias bárbaras y la producción de terracota helenística llega a su fin a finales del siglo I a.C. [70]
Entre los griegos la costumbre del enterramiento en sarcófagos era rara en los periodos prehelenísticos. Los muertos eran incinerados o enterrados en receptáculos discretos. Pero a partir de finales del siglo IV, con la mayor penetración de las influencias orientales, donde se apreciaba la pompa funeraria, junto al ejemplo etrusco, se multiplicaron los ataúdes para cuerpos enteros y las urnas destinadas a recibir las cenizas de los incinerados, en piedra y terracota, a menudo con suntuosos trabajos en relieve y de grandes dimensiones, ostentando elementos arquitectónicos como columnatas y tapas en forma de tejado con acroterías, repitiendo el modelo del templo, lo que les daba el carácter de monumento autónomo, y en estos casos podían salir de los ambientes cerrados de las tumbas e instalarse al aire libre en necrópolis . [71] Tales formas artísticas cobrarían gran importancia en el universo religioso helenístico, y seguirían después, en el mundo romano y luego en toda la cristiandad , siendo muy honradas. No sólo se expandió esta tipología, sino que también comenzó a reflejar, en la iconografía elegida para la decoración, cambios en las concepciones griegas sobre la vida más allá de la tumba, como el motivo de los niños retratados como héroes victoriosos, que simbolizan la pureza y la inmortalidad . [25] [72]
La tradición funeraria de los etruscos fue importante en la popularización de los sarcófagos y las urnas cinerarias durante el periodo helenístico. Desarrollaron una práctica del arte mortuorio que alcanzó en algunos casos un gran refinamiento, aunque la mayoría de las piezas están más o menos estandarizadas y presentan una calidad media o inferior. El tipo consiste en una caja decorada con diversos grados de complejidad, cerrada por una tapa sobre la que se representan retratos de cuerpo entero del difunto, solo o en pareja, reclinados como si estuvieran en un banquete, o como si estuvieran dormidos. Las urnas cinerarias adoptaron el mismo esquema, solo que en dimensiones más pequeñas. Se han realizado importantes hallazgos arqueológicos en Arezzo , Perugia , Cortona , Volterra , Cerveteri y Chiusi , entre otras ciudades. [73]
De Oriente llegó una marcada tendencia al naturalismo en las escenas figurativas y un gusto por la decoración abstracta o que utilizaba profusamente motivos fito y zoomorfos, algunos muy típicos como la hoja de palma, los elefantes y la caza del león. En Líbano , en el cementerio real de Sidón , se encontraron varios ejemplos de fina factura, entre ellos el famoso Sarcófago de Alejandro, llamado así porque muestra escenas de la vida del conquistador en sus relieves, aunque estaba destinado a recibir el cuerpo de un potentado local. [74] [75] Esta pieza es de especial interés porque se encontró en excelente estado de conservación, mostrando aún muchos rastros de su policromía original, lo que permitió construir una copia moderna con la reconstitución de sus colores primitivos (ilustrada a la derecha), presentada durante la exposición Dioses en color , un evento internacional enteramente dedicado a difundir el tema del tratamiento pictórico de la escultura antigua, tan poco conocido por el gran público, pero que era una práctica muy extendida. [25] En el Egipto ptolemaico se desarrolló un estilo propio, en el que el principal interés escultórico estaba en la figura estilizada del hombre muerto tendido sobre la tapa, adaptando la tradición faraónica a las clases sociales más bajas. [76]
Aunque han pasado casi doscientos años desde que el término helenístico fue identificado en su sentido moderno y recibió una mayor difusión, y casi cien desde que comenzaron los análisis de su arte en líneas más científicas, se puede decir que hasta ahora sólo se han sentado las bases para una comprensión de este tema, y éstas son todavía extremadamente precarias. En las últimas décadas, la investigación se ha intensificado enormemente, pero aunque aporta mucha información nueva e importante, la mayoría de las veces su interpretación se produce entre interminables polémicas y disputas, derribando uno tras otro conceptos aparentemente establecidos, despertando así vivas oposiciones de otros sectores críticos y arrojando más confusión en un estudio que, según François Chamoux, está lejos de definir incluso su punto de partida. [77]
La comprensión y justa apreciación de la escultura helenística se ve dificultada por varios factores. La datación y atribución de autoría de las obras están llenas de dudas e inconsistencias; su procedencia, función e identificación temática son a menudo meramente hipotéticas; la mayor parte de los originales han desaparecido y sólo se conocen a través de copias romanas cuya fidelidad al original es siempre una incertidumbre; las fuentes literarias primarias son pobres y contradictorias; los nombres conocidos de escultores son pocos, no hay grandes directores de escuela con personalidades estilísticas destacadas que pudieran establecer parámetros definidos para la cronología del estilo y el rastreo geográfico de sus cursos y derivaciones; la distinción entre originales y copias puede ser problemática, y casi todo el siglo III a. C. está sorprendentemente despoblado de reliquias. Añadamos que todos los recientes progresos de la crítica tuvieron -y tienen todavía- que enfrentarse a un fuerte prejuicio histórico contra la escultura helenística, que no ve en ella más que una degeneración insípida del clasicismo griego, visión que hace apenas unas décadas empezó a disolverse para dar paso a visiones más positivas y comprensivas de sus méritos intrínsecos, [9] [78] aunque algunos todavía consideran, con sus razones, que el virtuosismo técnico puede haber sustituido al contenido, que la libertad estética y la privatización del gusto han llevado a una disminución de la calidad general, y que las obras a menudo adolecen de trivialidad y excesos sentimentales, que fácilmente descienden al melodrama y dan lugar a un énfasis en el lado patológico de la realidad. [79]
Pero parece que a medida que pasan los años, la escultura helenística, junto con las demás expresiones culturales del período, se encamina hacia una rehabilitación completa. Ya en 1896, Frank Bigelow Tarbell escribió que el público en general se sentía más cómodo con la inmediatez, la espontaneidad, la variedad y el atractivo emocional popular del estilo helenístico que con las "creaciones más severas y sublimes de la era fidiana" (aunque dejó en evidencia que entre los críticos expertos las cosas eran diferentes), [80] Arnold Hauser dijo en 1951 que el arte helenístico, debido a su hibridez internacionalista, tenía relaciones directas con la modernidad, [81] y Brunilde Ridgway , escribiendo en 2000, afirmó que la aceptación general se confirma hoy, cuando las exposiciones de arte helenístico han atraído "hordas de visitantes". [82] Cada vez resulta más evidente que el período ya no puede considerarse simplemente como una transición confusa y desdichada entre las civilizaciones clásica griega y romana imperial, ni analizarse mediante simplificaciones y comparaciones con otras épocas, que merece una atención específica, que sus artistas han demostrado su importancia al preservar viva una tradición venerable al tiempo que se mantienen abiertos a las innovaciones, a la vida del hombre común y al futuro, han dado testimonio de su erudición en el manejo creativo de un gran repertorio formal heredado de sus predecesores, han demostrado su competencia desarrollando nuevas técnicas y modos narrativos, y han producido, en sus mejores momentos, obras de extraordinario refinamiento y poderoso efecto plástico. [83] [84] [85] Los preconceptos más acertados deben dejarse de lado cuando recordamos la importancia del legado helenístico en la inmensa repercusión que las obras helenísticas causaron al ser redescubiertas en el Renacimiento , como fue el caso del Laocoonte, que influyó en la obra del propio Miguel Ángel y de generaciones posteriores a él, [86] y cuando nos damos cuenta de la enorme popularidad de piezas como la Victoria de Samotracia y sobre todo la Venus de Milo, que pudo convertirse en un icono incluso de la cultura popular , hazaña que muy pocas creaciones cultas, antiguas o modernas, han conseguido. [87]
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