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La escultura griega clásica ha sido considerada durante mucho tiempo como el punto más alto en el desarrollo de la escultura griega antigua . La Grecia clásica cubre sólo un período corto de la historia de la Antigua Grecia , pero uno de logros notables en varios campos. Corresponde a la mayor parte de los siglos V y IV a.C.; las fechas más comunes van desde la caída del último tirano ateniense en el 510 a.C. hasta la muerte de Alejandro Magno en el 323 a.C. En este sentido, el período clásico sigue a la Edad Media griega y al período arcaico y, a su vez, es sucedido por el período helenístico . [1]
La escultura de la Grecia clásica desarrolló una estética que combinaba valores idealistas con una representación fiel de la naturaleza, evitando al mismo tiempo caracterizaciones demasiado realistas y la representación de extremos emocionales, manteniendo en general una atmósfera formal de equilibrio y armonía. Incluso cuando el personaje está inmerso en escenas de batalla, su expresión apenas se ve afectada por la violencia de los acontecimientos. [2] [3]
El clasicismo elevó al Hombre a un nivel de dignidad sin precedentes, al mismo tiempo que le confió la responsabilidad de crear su propio destino, ofreciéndole un modelo de vida armoniosa, en un espíritu de educación integral para una ciudadanía ejemplar. Estos valores, junto con su tradicional asociación de la belleza con la virtud , encontraron en la escultura del período clásico, con su retrato idealizado del ser humano, un vehículo de expresión especialmente apto y un eficaz instrumento de educación cívica , ética y estética . Con él se inició una nueva forma de representación del cuerpo humano -influyente hasta nuestros días-, siendo uno de los núcleos del nacimiento de una nueva rama filosófica, la Estética, y fundamento estilístico de posteriores movimientos revivalistas de importancia, como el Renacimiento y Neoclasicismo . Así, el Clasicismo tuvo un enorme impacto en la cultura occidental y se convirtió en un referente para el estudio de la historia del arte occidental . Aparte de su valor histórico, la calidad artística intrínseca del Clasicismo ha tenido un gran impacto: la gran mayoría de los críticos antiguos y modernos lo elogian con vehemencia y los museos que lo conservan son visitados por millones de personas cada año. La escultura del clasicismo griego, aunque en ocasiones es blanco de críticas que relacionan su base ideológica con prejuicios raciales, dogmatismo estético y otras particularidades, sigue desempeñando un papel positivo y renovador en el arte y la sociedad contemporáneos. [4] [5] [6]
El clasicismo en la escultura griega deriva principalmente de la evolución cultural ateniense en el siglo V aC. En Atenas , la principal figura artística fue Fidias , pero el clasicismo debe una contribución estética igualmente importante a Policleto , activo en Argos . Sin embargo, en aquellos tiempos Atenas era una ciudad mucho más influyente, de ahí su mayor papel como difusora de la nueva tendencia. Hacia mediados del siglo V a.C., Grecia vivía un momento de gloria; tras la victoria contra los persas , Atenas había asumido el liderazgo de las ciudades griegas, encabezando la Liga de Delos y siendo custodia de su tesoro.
Pericles dominó la política local entre el 460 y el 429 a. C., con el objetivo de convertir la ciudad en un modelo para todo el mundo griego. Fomentó el imperialismo , reduciendo a sus antiguos aliados al estatus de afluentes, pero protegió a los artistas y filósofos, que dieron forma y voz a sus ideales. Su papel en la historia de la escultura griega surge de su decisión de reconstruir la ciudad rompiendo el voto de los atenienses de dejar en ruinas los monumentos destruidos por los persas, como perenne recordatorio de la barbarie. Utilizando en parte sus propios recursos y en parte los excedentes del tesoro de la Liga, Pericles empleó una multitud de trabajadores y artesanos, lo que dinamizó la economía y dejó un testimonio monumental del nuevo estatus político y cultural de la ciudad. El principal legado del vasto emprendimiento fue la renovación de la Acrópolis de Atenas , con Fidias como director artístico de las obras. [7] [8] Plutarco describió más tarde el entusiasmo que se desbordó:
A medida que avanzaban las obras, resplandecientes en grandeza y poseyendo una gracia inimitable en las formas, y mientras los artesanos se esforzaban por superarse unos a otros en la belleza de su trabajo, era maravilloso lo rápido que se ejecutaban las nuevas estructuras...Había un aspecto de novedad en cada obra, y parecían atemporales. Es como si una vida en continuo florecimiento y un espíritu de eterna juventud hubieran sido infundidos en su creación. [9]
La filosofía cambió su enfoque del mundo natural a la sociedad humana, creyendo que el hombre podía ser el autor de su propio destino . Más que eso, el hombre ahora era considerado el centro de la Creación. Sófocles expresa este nuevo pensamiento en Antígona ( c. 442 a. C. ), diciendo:
Hay muchas maravillas, pero ninguna tan admirable como el Hombre.
Al otro lado del mar tormentoso en las tormentas de invierno
esta criatura se abre camino
a través de las gigantescas olas.
Y la tierra, la más antigua de las diosas,
el que es inmortal e inmune a la vejez, trabaja
arando de un lado a otro, año tras año
removiendo la tierra con los caballos que ha alimentado. (...)
"Con sus inventos somete a las fieras de las montañas,
al caballo salvaje le pone bozal y cabestro,
como lo hace con el infatigable toro montañés.
Aprendió por sí mismo el lenguaje, veloz como el viento,
y aprendió por sí mismo cómo vivir en sociedad,
cómo escapar del ímpetu de las tormentas
y el frío penetrante de los días blancos.
Puede afrontar cualquier cosa, nunca está desprevenido,
lo que sea que traiga el futuro. Sólo de la muerte no sabe escapar,
porque incluso para las enfermedades más graves ha encontrado una cura. [10]
Así, el clasicismo nació de un sentimiento de confianza en las habilidades y logros de un pueblo en particular, y del deseo de gloria y eternidad para ellos mismos. Este orgullo se puede ver en el discurso político y la literatura de la época, y poetas y filósofos ya eran conscientes de las implicaciones de esta nueva forma de ver el mundo. El hombre se convirtió en la nueva medida del mundo, que debía ser juzgado basándose en la experiencia humana. Esto está presente, por ejemplo, en la irregularidad matemática de las dimensiones del Partenón , que se desvían de la ortogonalidad estricta para lograr efectos de regularidad puramente óptica. También se expresa en el rápido y creciente naturalismo de la representación escultórica de las formas humanas. [11] [12]
En cuanto a la elaboración de la forma clásica típica, su naturalismo debe mucho a los logros de los escultores del período anterior al clásico. Los cincuenta años anteriores habían sido un periodo de rápido cambio social y estético radical, que determinó el abandono del patrón Arcaico por otro que se denominó Severo . El estilo arcaico hacía uso de varias convenciones heredadas de los egipcios , y su género más importante, el desnudo masculino (el kouros ), tenía una fórmula fija: una imagen de líneas estilizadas que conservaba del cuerpo humano real sólo los rasgos más básicos, que mostraba un rostro invariablemente sonriente y la misma actitud corporal.
Este modelo prevaleció con pocas variaciones durante más de doscientos años, pero los artistas del período Severo le introdujeron un nuevo sentido de naturalismo, abriendo el camino al estudio de la anatomía y a la expresión de las emociones de una manera más realista y variada. . Hacia el 455 a. C., Mirón , escultor de la transición, creó su Discóbolo , obra que ya muestra un grado más avanzado de naturalismo, y poco después, hacia el 450 a. C., Policleto consolidó un nuevo canon de proporciones, una síntesis que expresaba de manera convincente la belleza, armonía y vitalidad del cuerpo y le dio un aspecto de eternidad y perenne juventud. Casi al mismo tiempo, en el 446 a.C. Fidias, al frente del grupo de escultores que decoraban la Acrópolis, dejó en los relieves y estatuarias del Partenón la primera serie de obras clasicistas de escala monumental, estableciendo modelos temáticos y narrativos que perdurarían durante un siglo. largo tiempo. Con ellos se sentaron las bases de la escultura del llamado Alto Clasicismo (c. 450-420 a.C.). [13] [14] [8] [2]
Desde el período Severo, el esfuerzo de los artistas se dirigió a obtener una verosimilitud cada vez mayor de las formas escultóricas respecto del modelo vivo, pero también a buscar trascender la mera semejanza para expresar sus virtudes interiores. Para los antiguos griegos, la belleza física se identificaba con la perfección moral, en un concepto conocido como kalokagathia . Según éste, la educación y el cultivo del cuerpo eran tan importantes como el perfeccionamiento del carácter, siendo ambos esenciales para la formación de un individuo feliz y de un ciudadano integrado y útil a la sociedad. En este panorama filosófico, que encontró expresión en un modelo educativo altamente organizado conocido comopaideia , el arte tuvo un espacio privilegiado como creador de símbolos con potencial educativo, entendido como una actividad de utilidad pública. Dado que el arte tenía la función de educar y no sólo de agradar, el hombre que representaba debía lucir bueno, virtuoso y bello, para que tales cualidades, visiblemente consagradas en innumerables estatuas, impregnaran la conciencia colectiva y determinaran la adopción de una vida sana y saludable. forma de vida armoniosa y positiva, que en última instancia garantice la felicidad de todos. La fusión del naturalismo con el idealismo, propia de la escultura del Clasicismo, fusión tan exitosa e influyente que llegó a denominarse "clásica" (en el sentido de ser el modelo definitivo), fue, en definitiva, un cauce adecuado para la manifestación artística del la ideología dominante. [15] [16] [17]
Un importante aporte que cristalizó la asociación entre arte y ética lo dio en el período Arcaico Pitágoras , a partir de sus investigaciones en el campo de las matemáticas aplicadas a la música y la psicología . Considerando que los distintos géneros musicales impresionan el alma de diferentes maneras y son capaces de inducir estados psicológicos y comportamientos definidos, según él, si la música no imitara la armonía matemáticamente expresada del cosmos , podría causar perturbaciones en el alma de las personas y, por tanto, en la sociedad en su conjunto. Esta asociación pronto se amplió a las demás artes, atribuyéndoles poderes similares de transformación individual y, en consecuencia, colectiva. Su pensamiento tendría una profunda influencia en el de Platón , quien llevaría la discusión estética aún más lejos, explorando a fondo sus repercusiones morales y sociales. [18]
Policleto fue, hasta donde se sabe, el primero en sistematizar estos valores y conceptos aplicados a la escultura en una obra teórica, el Canon . En él, el autor mostraba un modelo de representación idealmente bello y "real"; ideal porque evitaba la caracterización individual al sintetizar a todos los hombres en uno solo, y real porque era muy similar a la verdadera forma humana, permitiendo la identificación inmediata y personal por parte del público. La obra se ha perdido, pero comentarios posteriores demuestran la idea de su contenido. Galeno afirmó que según el Canon, la belleza: [19]
No reside en la simetría de los elementos del cuerpo, sino en la adecuada proporción entre las partes, como por ejemplo, de un dedo a otro, de los dedos juntos a las manos y a las muñecas, de éstas al antebrazo, de allí al brazo, y de todos a todos, tal como está escrito en el Canon de Policleto. Habiendonos enseñado en este tratado todas las simetrías del cuerpo, Policleto ratificó el texto con una obra, habiendo hecho una estatua de un hombre según los postulados de su tratado, y llamando a la estatua, como al tratado, Canon . Desde entonces, todos los filósofos y médicos aceptan que la belleza reside en la adecuada proporción de las partes del cuerpo. [19]
La estatua de la que habla Galeno se identifica hoy como probablemente el Doríforo , [15] y Arnold Hauser ha sugerido, casi sin objeciones, que representa a Aquiles . [20] Andrew Stewart menciona que la intención del autor con él era polemizar, criticando el estilo de predecesores como Pitágoras –no confundir con el filósofo– que estaban más preocupados por la simetría y el ritmo . Su expresión neutra y desapasionada, su equilibrio entre estática y movimiento (el contrapposto ), su cuidado en establecer un estricto sistema de proporciones que definía toda la composición de la figura corporal y las relaciones de las partes entre sí, aparecieron como una gran novedad. en su tiempo. Representaba una perfecta ilustración visible de Sofrosina , el autocontrol y la moderación, una de las virtudes básicas que conformaban la areté , y la doctrina apolínea de "nada en exceso", que caracterizaba al verdadero héroe. Aunque muy apreciado, el sistema de Policleto no fue aprobado en todos los casos. Se criticó su inadecuación para contextos narrativos y violentos, como escenas de batalla, y escritores como Quintiliano dijeron más tarde que este sistema no lograba expresar la autoridad de los dioses, lo que puede reflejar una opinión más antigua. Aún así, el éxito del modelo queda evidenciado por la gran cantidad de copias que tuvo y su profunda influencia en las generaciones posteriores. Los escritores modernos también han encontrado analogías entre el equilibrio de Doríforo (basado en un delicado equilibrio de fuerzas opuestas) y las formulaciones de la medicina de Hipócrates y, por tanto, creen que el pensamiento del famoso médico fue asimilado deliberadamente por el escultor. [21] [22] [23]
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Es posible que Policleto se haya inspirado en la investigación anterior sobre proporciones realizada por el escultor Pitágoras. Aún así, sus ideas fueron parte de la búsqueda de sus contemporáneos para descubrir la estructura regular y armoniosa (el modelo básico) subyacente a las infinitas variaciones del mismo tipo de cosas en el mundo físico y para establecer relaciones numéricas definidas para replicar esta regularidad y armonía en arte, continuando la teoría del filósofo Pitágoras de que el universo estaba estructurado por números. Otras dos de sus composiciones ahora también se llaman "canónicas": El Discophoros y el Diadumenos , ya que son variaciones del modelo básico. [24]
En cuanto a Fidias, su obra heredó la austeridad del estilo Severo al combinarla con los logros de Policleto, y fue apreciada por el alto idealismo y el espíritu que expresaba. Como director de la decoración del Partenón , supervisó a un grupo de varios maestros con diversa preparación y tendencias, lo que hizo que el resultado global fuera heterogéneo, mostrando tanto rasgos severos como otros más avanzados, naturalistas y una calidad técnica no siempre considerada la ideal. Este conjunto es el logro escultórico más ambicioso del Alto Clasicismo.
El éxito de Fidia entre sus contemporáneos y su perdurable memoria se derivan principalmente de sus colosales estatuas de culto de Atenea y Zeus , que solían instalarse respectivamente en el Partenón de Atenas y en el templo de Zeus en Olimpia . Ambos estaban cubiertos de oro y marfil y tuvieron un gran impacto en la época. De la Estatua de Zeus en Olimpia , considerada una de las Siete Maravillas del mundo antiguo, sólo quedan descripciones literarias y toscas imágenes grabadas en monedas de la época. Pero de la Atenea Partenos , creada en 438 a. C., sobrevivieron varias copias reducidas y de peor calidad. Otras obras que perseveraron a través de copias y que se le atribuyen, sin mucha seguridad, son La Atenea lemna , el Apolo de Cassel, Una amazona herida y un Hermes Ludovisi . [25] [26] [27]
Otros escultores que trabajan en torno a la propuesta de Policleto en el período del Alto Clasicismo son Alcamenes , Kresilas y Paeonius . Calímaco , maestro muy apreciado por el refinamiento de sus obras, es considerado el inventor del capitel corintio , y Calamis , otro nombre relevante, fue asistente de Fidias y se le atribuye el diseño de las metopas del Partenón . Sin embargo, su estilo todavía tenía cierta influencia del período Severo, del que fue uno de los mayores representantes. [ fuente obsoleta ]
El estilo impersonal, equilibrado y austero de Policleto y Fidias, que tipifica el alto clasicismo, no duró mucho. En sus Memorabilia , Jenofonte dejó más información sobre el estado de la crítica de arte en la transición al Clasicismo Tardío. En el texto, que recuerda la carrera de Sócrates , se muestra que en esta época existía un debate sobre las capacidades y límites de la mimesis (imitación). Discute con Kleitos, un escultor desconocido a quien algunos consideran Policleto, diciendo que sus estatuas de atletas ganadores deberían mostrar no sólo un ideal de belleza sino también lo que estaba sucediendo en la psique , el alma. La interpretación de este pasaje es controvertida, pero plantea una cuestión sobre la relación entre las apariencias y la verdad, y admite la posibilidad de que el arte exprese patetismo , emoción individual y drama, en directa oposición a la neutralidad y moderación de Policleto. Para un público acostumbrado a ver en las estatuas conmemorativas no un homenaje al individuo que sirvió de modelo, sino un retrato del heroísmo colectivo, un ejemplo a seguir por todos los ciudadanos y un servicio prestado a toda la sociedad, este concepto surgió como un shock, debilitando el carácter absoluto e invariable de la areté . [28] [29] Respecto al problema de la representación imitativa de la naturaleza en el arte, Stephen Halliwell dice:
Incluso dentro de los límites de las conversaciones relatadas por Jenofonte en Memorabilia , podemos discernir una tensión –una tensión que se volvería central para todo el legado de la mimesis– entre visiones divergentes sobre el arte representacional que es, por un lado, una ilusión ficticia, el producto de un artefacto "engañoso" y, por el otro, un reflejo y un compromiso con la realidad. [30]
Esta paradoja anunció el fin de la primacía del ideal. Cada vez fue adquiriendo mayor importancia la esfera de interés individual, que sería la esencia del arte del siglo IV a.C., cuando Platón y Aristóteles profundizarían extraordinariamente lo que Sócrates había esbozado, sentando las bases para el desarrollo de una rama filosófica enteramente nueva: la Estética . [31]
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A finales del siglo V a.C., la hegemonía de Atenas estaba en declive, debilitada por los disturbios internos y las guerras externas, y pronto Esparta , Corinto y Tebas adquirieron prominencia. Sin embargo, a principios del siglo IV a. C., Atenas recuperó parte de su poder y prestigio, restableció su democracia y su riqueza volvió a crecer. Aun así, la política se volvió cada vez más compleja, habiéndose desarrollado lo que se llama el "aparato estatal", y la polis perdió su carácter comunitario. Al mismo tiempo, las colonias griegas alrededor del Mediterráneo se multiplicaron, alcanzando algunas un gran desarrollo, con economías diversificadas y rentables que imitaban el modelo social de las polis metropolitanas . La descentralización de la cultura en estas regiones y el surgimiento de una clase mercantil rica, consumidora de arte pero con valores propios, abrió el camino a la apreciación del gusto individual y a la influencia de elementos culturales extranjeros, disolviendo la rigidez y austeridad del Alto Clasicismo. . [32] [33]
En la escultura, la preocupación por la verosimilitud se hizo aún más pronunciada. Las innovaciones en la técnica del tallado en piedra permitieron un mayor control en el acabado de los detalles, en la representación de túnicas y vestidos, y en el pulido de las superficies para obtener sutiles efectos de luces y sombras. Los escultores de la nueva generación introdujeron una relajación general del canon de Policleto, desarrollando un nuevo repertorio de actitudes más dinámicas del cuerpo y dejando de lado las proporciones matemáticamente establecidas para crear imágenes convincentes a los sentidos, más similares a los cuerpos del mundo real con su físico. idiosincrasias y afectos personales. Así comenzó el período llamado Clasicismo Inferior o Clasicismo Tardío.
Las estatuas adquieren una "presencia" aún más enfática, también como resultado del nuevo tratamiento detallado y realista dado al rostro, el cabello y la barba. Nació el retrato individualizado , innovación atribuida a Lisístrato , el primero, según Plinio el Viejo , en realizar moldes del rostro del modelo. El objetivo se trasladaba del embellecimiento a la semejanza, invitando al espectador a meditar sobre las posibles discrepancias entre el valor moral y la apariencia exterior. Los retratos realistas de Sócrates de esta época, cuyo aspecto era notorio tanto como su virtud, ejemplifican la nueva dimensión en la que comenzó a penetrar el arte de la representación corporal. [34]
Mientras las preferencias del mercado en expansión se iban abriendo cada vez más al gusto individual, los cuestionamientos tradicionalistas e idealistas de Platón sobre el papel de la mimesis en el arte, más su condena de lo trágico, plantearon problemas para la validación del producto artístico que aún no han sido plenamente resueltos. resuelto. [35] [36] [37] El debate teórico en la transición al Clasicismo Inferior fue impulsado por Aristóteles, cuya teoría de la catarsis contribuyó a la formulación de un nuevo concepto de arte evitando liberalmente la condena de la cultura popular y su típico emocionalismo. También defendió la representación de objetos "no bellos" basándose en el supuesto de que la fealdad en el arte podía ser fuente de enseñanza y placer estético, superando el dolor que causaría su contemplación en la vida real. Aún así, Aristóteles no dejó de aconsejar a los jóvenes que prefirieran obras de artistas que calificaba de éticos, aquellos cuyas creaciones ejemplificaban mejor el buen carácter humano, porque su influencia sería beneficiosa para toda la polis .
Tales ideas contribuyeron a que la producción escultórica siguiera floreciendo, satisfaciendo nuevas necesidades, pero un acercamiento más cercano a lo natural no significó un abandono total del ideal. El realismo como tendencia dominante sólo aparecería en la escultura griega con la sucesiva escuela helenística . Lisipo todavía criticaba a los escultores que creaban obras a partir de lo natural y se enorgullecía de modelar a los hombres como "debían" ser. [38] [39] [40] [41] En el ámbito de la estatuaria sagrada, también hubo aspectos nuevos. En los mitos, todos los mortales que veían a los dioses en su gloria morían, quedaban ciegos, locos o sufrían de otras maneras. La cultura de la época supo aceptar representaciones parciales e imperfectas de los dioses. Incluso las piedras, los árboles y los lugares informes podían ser reconocidos como receptáculos de lo divino, y las estatuas de culto antropomórficas podían permanecer escondidas o semi-ocultas por velos, túnicas y diversos adornos, lo que requería que el devoto ejerciera una contemplación espiritual que no requería semejanza con lo divino. tener lugar, aunque podría ser facilitado por un ídolo que pareciera hermoso o majestuoso, o que evocara más directamente los atributos del dios.
Sin embargo, pensadores como Platón consideraban que la antropomorfización de una deidad era impropia y engañosa, ya que no sólo tergiversaba su objeto sino que también lo degradaba en un intento de llevarlo demasiado a la esfera de lo humano. Para afrontar estas dificultades, los escultores posteriores se valieron de recursos especiales para mantener clara la distancia entre dioses y hombres, rescatando rasgos estilísticos arcaicos como la frontalidad, la postura hierática, los rasgos impasibles y sobrenaturales, que, en contraste con el estilo cada vez más naturalista y expresivo de estatuaria profana, delimitaba bien las esferas de lo sagrado y lo mundano y obligaba al devoto a respetar el ídolo, como recordatorio de que lo divino permanece para siempre esencialmente incognoscible. Cuando la representación de las deidades no estaba directamente ligada al culto, como en los monumentos y relieves arquitectónicos decorativos, hubo mayor libertad formal, aunque se observaron algunas de las mismas convenciones y se intentó mantener rasgos que identificaran bien el aspecto divino. del personaje. [42] [43] [44]
El énfasis en el naturalismo en las estatuas también tuvo consecuencias en el ámbito afectivo. No era inusual que, en su función como sustitutos de una persona o un dios, las estatuas fueran objeto de un amor intenso, lo que podía llevar al deseo de obtener gratificación emocional y/o sexual de las estatuas. De Pandora a Pigmalión , los mitos relatan diversas interacciones íntimas de las estatuas con los humanos, y los registros históricos muestran que los mortales también podían caer en la tentación de buscar en los simulacros . Aristófanes advirtió contra el riesgo de que los humanos cedan a las pasiones frente a las estatuas o se apeguen demasiado a ellas, y se vean condenados a vivir como muertos vivientes alimentando un amor cada vez más incompleto, aunque consideraba que de la inevitable frustración podría nacer la oportunidad para que el individuo se descubra a sí mismo. [45]
La escultura griega del siglo IV a.C. estuvo dominada por tres grandes figuras: Praxíteles , Escopas y Lisipo . Es probable que Praxíteles haya sido el primero en explorar plenamente las posibilidades sensuales del mármol. El atractivo erótico de su Afrodita de Cnidos –la primera estatua femenina completamente desnuda del arte griego– la hizo famosa en su época y dio origen a la prolífica familia tipológica de la Venus Púdica. Su Hermes y el niño Dioniso ilustra su maestría al representar la expresión facial y la gracia de cuerpos flexibles y sinuosos.
Scopas se hizo conocido por el sentido de dramatismo, violencia, dinamismo y pasión con el que impregnó sus obras, especialmente las que dejó en el Mausoleo de Halicarnaso , el logro arquitectónico griego más importante de este período, aunque en otras mostró su capacidad para retratar tranquilidad y armonía. Lisipo reformuló el canon de Policleto reduciendo las dimensiones de la cabeza y haciendo la figura más alargada, aunque más masiva. También se le atribuye la primera estatua cuyo acabado se realizó por igual en todas las direcciones, el Apoxiomenon , permitiendo al espectador apreciarla no sólo desde un único y privilegiado punto de vista, como todavía era el uso de Policleto.
Estos maestros, junto con otras figuras notables de su generación como Leocares , Bryaxis , Cephisodotus el Viejo , Euphranor y Timoteo , resolvieron todas las dificultades básicas pendientes en cuanto a forma y técnica que aún pudieran obstaculizar la libre expresión de la idea en la materia. Así, contribuyeron con grandes logros en el proceso de exploración de la anatomía humana , la representación de la vestimenta y la resolución de problemas de composición, siendo el nexo en el paso de la tradición clásica a la helenística, además de acercar la técnica del tallado en piedra y modelado de bronce a un nivel de calidad sin precedentes. Las siguientes generaciones tendrían poco que añadir a la esencia del arte clásico, pero profundizarían su investigación en la representación de lo emocional y lo prosaico, llevando la escultura de mármol a un nivel de verdadero virtuosismo técnico. [32] [46] [47]
El estudio de las funciones y significados de la escultura clásica sigue avanzando. Las interacciones e influencias recíprocas en varios niveles que las categorías, usos y atribuciones podrían haber establecido no se conocen completamente, y queda mucho por dilucidar sobre cómo la representación influyó en la construcción de conceptos y prácticas sobre género , estatus , inclusión social , afecto y sexualidad. , estética , ideología, política, religión, ética y evolución histórica de la sociedad griega. Parte de tal dificultad se debe a que muchas obras sólo se conocen a través de referencias literarias, copias posteriores, se encuentran en estado incompleto y dañado, o porque su datación y atribución de autoría son muchas veces inciertas y las biografías de sus creadores tienen múltiples lagunas. e inconsistencias. [48]
En el campo puramente técnico no se produjeron avances radicales respecto a lo que ya habían logrado los escultores del período Arcaico y Severo . Los mármoles arcaicos ya mostraban un altísimo dominio de la piedra, visible especialmente en sus relieves arquitectónicos. En el caso del bronce, la principal innovación de su historia para la escultura griega fue el desarrollo de la técnica de la cera perdida pero sus principios ya eran manejados con maestría en el período Severo, con una aplicación diversificada. Por tanto, el Clasicismo se benefició del hecho de que las principales técnicas escultóricas ya habían sido lo suficientemente refinadas como para que el interés principal se desplazara hacia los aspectos de forma y significado, aunque siempre con algunos avances en el refinamiento. [49]
Entre los usos de la escultura, se encontraba la composición de monumentos funerarios, donde en términos generales compartía las características de la escultura decorativa en templos y edificios públicos. La tradición de construir monumentos a los muertos existía desde la época Arcaica cuando los kouros cumplían esta función. Con la llegada de la democracia a principios del siglo V a. C., las costumbres empezaron a cambiar y aparecieron estelas funerarias (placas en relieve con inscripciones).
Tras un desarrollo irregular, al desaparecer en algunas épocas, en el período Clásico se convirtieron en una práctica habitual en el Ática , mientras que en otras regiones sólo se popularizarían en el helenismo. Una de las primeras estelas importantes del Clasicismo es la Estela de Eufero , fechada c. 430 a. C., y su estilo muestra una conexión con la escultura decorativa del Partenón que se estaba creando al mismo tiempo. Tradicionalmente se pensaba que tales monumentos eran donación de los ricos, pero estudios recientes han indicado que su costo habría sido mucho menor de lo que se pensaba, lo que significa que las clases bajas podrían encargar una placa votiva, aunque había claras diferencias en lujo y sofisticación entre los entierros del pueblo llano y los de las grandes familias. Los museos de arqueología clásica exponen un gran número de ejemplares. Destacan las del Clasicismo Tardío, que muestran retratos del difunto junto a sus familiares en escenas a veces de gran sensibilidad y poesía. [50] [51]
La fabricación de objetos de terracota es una técnica antigua; sin embargo, su aplicación ha sido más común en la cerámica , limitándose los usos escultóricos a objetos decorativos y pequeñas estatuillas de uso popular, figurando actores, animales y tipos de personas. Por lo general, no tenían un gran refinamiento técnico y repetían crudamente los principios formales de la gran escultura. Las piezas más grandes y refinadas eran raras y aparecerían con mayor frecuencia en las escuelas helenísticas desde finales del siglo IV a. C. en adelante. Vale la pena mencionar una rica obra de arte del Ática en el Museo del Louvre , que sugiere prácticas avanzadas en este campo ya durante el Clasicismo.
Los elementos de terracota en la decoración arquitectónica tuvieron un gran uso en períodos anteriores y posteriores, pero en el Clasicismo rara vez aparecieron. Un tipo de terracota que destaca son las estatuillas con miembros articulados. Es probable que este grupo haya desempeñado funciones específicas. Se han encontrado en muchas tumbas, lo que sugiere una asociación con deidades cthónicas . También se especula que servían como estatuas para el culto doméstico, como ofrendas a los dioses y como protección mágica contra las fuerzas del mal. Muchos de ellos tienen agujeros en la parte posterior de la cabeza, lo que indica que podían llevarse suspendidos, lo que permitía el libre movimiento de sus extremidades. Se ha pensado que eran muñecos de niños, pero su fragilidad, que impide su manipulación repetida, no respalda esta suposición. En cuanto a las estatuas votivas, se observa un gran sincretismo de estilos, especialmente en el Clasicismo tardío, cuando siguen apareciendo en cantidad rasgos arcaicos, al lado de elementos estilísticos más progresistas, siguiendo las convenciones de la estatuaria monumental de culto. [52] [53] [54] [55]
La orfebrería estuvo presente como técnica de escultura miniaturizada, donde hubo producción importante principalmente en las colonias de la Magna Grecia , Chipre y el sur del Mar Negro , siendo raros los hallazgos en la Grecia continental. La mayor parte de las joyas de esta fase están relacionadas con contextos religiosos, decorando estatuas de culto, siendo exvotos o de celebración, como es el caso de las coronas de oro utilizadas en las apoteosis de los políticos. El uso de joyas personales no era infrecuente. Su calidad, aunque alta, se muestra inferior a la de las joyas del período Arcaico. Los motivos representados son en general abstractos, animales y vegetales, y la popularización de las formas humanas se produce a finales del período Clásico, junto con la aparición de los primeros camafeos . [56]
La práctica común de los antiguos griegos era cubrir sus estatuas y relieves arquitectónicos con pintura, ya sea parcial o totalmente, buscando un parecido aún más sorprendente que el que su simple forma y estructura podían lograr. Durante siglos se pensó que sus obras tenían el mismo aspecto que hoy en día, pero en realidad estaban ricas en color. Los estudios sugieren que en el Clasicismo el uso del color en la escultura fue más discreto que en épocas anteriores. Recientemente, los investigadores han intentado reconstruir la policromía de las estatuas en copias especialmente hechas, causando fascinación y sorpresa porque el uso del color difiere del común hoy en día. [57] [58] [59] [49]
De gran valor para reconstruir el paisaje de la escultura griega son las copias en miniatura, que fueron extremadamente populares y replicaban en menor escala prácticamente todos los modelos formales y todas las obras importantes de estatuaria monumental, una práctica que no se limitó al período clásico. Aún así, algunos temas de gran éxito que fueron copiados varias veces en su tamaño original no se encuentran en miniaturas, como es el caso del Doríforo de Policleto. Es probable que la ausencia de hallazgos se deba a que estos estaban cargados de una significación tan fuerte que su reducción hubiera parecido inapropiada.
Los materiales utilizados para la miniaturización fueron bronce, mármol, marfil y, finalmente, otras piedras. La terracota, a pesar de su versatilidad, no parece haber sido considerada un material digno para la reproducción de obras célebres, al menos no durante el Clasicismo. [60]
El arte clásico ha ejercido una enorme influencia a lo largo de la historia de Occidente, como lo demuestra el consenso entre los especialistas. El legado escultórico de los clásicos sigue interesando a multitudes incluso hoy. El propio nombre – "clásico" – indica el prestigio incomparable que han adquirido, pues en el lenguaje actual "clásico" es aquello que establece una medida con la que se juzgan otras cosas de ese tipo. [61]
La escultura clásica fue en su origen una de las palancas para el nacimiento de la Estética como rama autónoma de la Filosofía. A lo largo de la historia, sus modelos formales fueron utilizados para los más variados fines, algunos de alta inspiración humanista, pero a veces en oposición a ello, celebrando regímenes totalitarios y personalismos de diversa índole, como ocurrió durante el nazismo y el fascismo .
En la apreciación moderna, la ideología subyacente a la escultura del clasicismo griego no queda libre de críticas, ya que se dice que glorifica una forma de vida y un pueblo en detrimento de otros, y lo colectivo en detrimento del individuo, suprimiendo el cuestionamiento de lo instituido. orden bajo la apariencia de homogeneidad y consenso. La ejecución de Sócrates , acusado de impiedad y corrupción de la juventud, por la misma sociedad que cultivó el Clasicismo, muestra cómo la perversión y la mala interpretación pueden ocurrir con los propósitos positivos de mejora y educación de la colectividad para una ciudadanía más plena, una vida más pura y armoniosa, y una ética más avanzada (principios que la escultura clásica ilustraba bien). Por otro lado, la crítica señala facetas de una realidad social compleja y contradictoria que fueron deliberadamente eliminadas de la vista del arte de ese período. [62] [63] [64] [65] [66] [67] [68] [69] [47]
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El clasicismo comenzó su expansión por el mundo a través de las colonias griegas repartidas por todo el Mediterráneo y el Mar Negro . Alejandro Magno fue más allá y llegó a la India. En estas regiones, los principios de la escultura griega se presentaron a las poblaciones locales y, mezclándose con sus tradiciones, dieron lugar a interpretaciones estilísticas que reproducían con mayor o menor éxito la estética metropolitana. Esta síntesis ecléctica y cosmopolita se llamó helenismo . [70] La antigua Roma , a su vez, fue otro ávido receptor de la cultura griega clásica. Sus escultores se enorgullecían de trabajar bajo inspiración griega, y al multiplicar copias de originales griegos que luego se perdieron, fueron transmisores a la posteridad de una parte importante de la cultura que imitaban. [71]
Del legado transmitido por los romanos, el cristianismo primitivo tomó los modelos para iniciar su propio arte, pero a partir del siglo VI su política cambió. Hasta ese momento, habían sobrevivido inmensas cantidades de esculturas en templos y monumentos antiguos, pero a partir de entonces, su omnipresente desnudez comenzó a verse como una ofensa a la moral cristiana, además de ser condenada como imágenes de culto diabólico y malos recordatorios del paganismo . Al perder su valor anterior, las obras antiguas comenzaron a ser destruidas. Por otro lado, durante el Renacimiento , la cultura clásica volvió a caer en el favor de las élites y fue el núcleo de una recuperación de la dignidad del cuerpo y del placer puramente estético. El propio cristianismo, después de proscribir durante siglos el patrimonio escultórico pagano, lo recuperó, transformándolo y adaptándolo para servirlo y alabar a los héroes del nuevo orden: los santos y mártires de la fe. La concepción renacentista del arte reproduce en gran medida la idea formulada por los filósofos clásicos. [64] [63] El prestigio que conoció la estatuaria clásica en este período llegó a los límites de la pasión, como se puede comprobar en este extracto de Giovanni Pietro Bellori :
Pintores y escultores, eligiendo entre las más elegantes bellezas del mundo natural, perfeccionan la idea, y sus obras superan y se sitúan por encima de la Naturaleza, que es el alcance último de estas artes. [...] Este es el origen de la veneración y el asombro que tenemos por las estatuas y pinturas, y de ahí se deriva la recompensa y el honor de los Artistas; ésta fue la gloria de Timantes, Apeles, Fidias y Lisipo, y de tantos otros famosos por su fama, todos los cuales, elevándose por encima de las formas humanas, alcanzaron con sus ideas y obras una perfección admirable. Esta Idea puede entonces llamarse la perfección de la Naturaleza, el milagro del arte, la clarividencia del intelecto, el ejemplo de la mente, la luz de la imaginación, el sol naciente que desde el este inspira la estatua de Menón e inflama el monumento de Prometeo. [72]
Para los románticos , especialmente en Alemania, Grecia seguía siendo vista como un modelo de vida y de cultura. Nietzsche exclamó: "¡Oh, los griegos! ¡Sabían vivir!". Otros eruditos, igualmente, despreciando el filtro romano, comenzaron a cultivar los ideales del clasicismo griego hasta tal punto que se creó una auténtica grecomanía que influyó en todas las humanidades y formas artísticas. [73] [74] En el Neoclasicismo , el humanismo clásico fue un impulso significativo para la consolidación de los conceptos democráticos y republicanos . Según Winckelmann , uno de los mentores del movimiento, sólo los griegos habían logrado producir la Belleza, y para él y sus colegas, el Apolo Belvedere fue el logro de escultura más perfecto de todos los tiempos. A Winckelmann también se le atribuye la distinción entre alto y bajo clasicismo, etiquetando al primero como "grandioso y austero" y al segundo como "hermoso y fluido". Mientras tanto, el Clasicismo cruzó el Atlántico e inspiró la formación del Estado norteamericano y su escuela de escultura. [75] [76] [77] [78]
A principios del siglo XX, los estudios académicos se multiplicaron y se perfeccionaron a niveles sin precedentes con el desarrollo de nuevos métodos de investigación arqueológica y la mejora del aparato teórico e instrumental. [79] Al mismo tiempo, oficializando en cierto modo el intenso amor por los clásicos que desde el siglo XVIII habían cultivado los intelectuales alemanes, el clasicismo fue cooptado por los nazis , que vieron en sus modelos formales la imagen glorificada del Raza aria . Vieron en sus valores la base para la formación de una sociedad pura, una raza sana y un Estado fuerte, estableciéndolo como estándar de referencia para el arte patrocinado por el Estado y usándolo para justificar la erradicación de razas y culturas consideradas "degeneradas". como los judíos y el arte modernista . [80] [81] Mussolini intentó proponer un modelo similar para la Italia fascista , pero no tuvo mucho impacto práctico. [74]
El modelo educativo clásico comenzó a perder vigor bajo el impacto de la revolución modernista , y la capacidad de la escultura clásica para inspirar a nuevos artistas entró en un declive fulminante, aunque nunca desapareció del todo. Esta recuperación fue muy alentada por los posmodernistas , para quienes no tenía sentido destruir la tradición, como había propuesto el Modernismo ya que esto equivalía a una pérdida de la memoria y del pasado, equivalía a la creación de un vacío inútil. Por tanto, sería mejor apropiarse de él y actualizarlo mediante una crítica consciente, que se presente en forma de citas, alegorías, relecturas y paráfrasis, que ofrezcan una mirada retrospectiva y un comentario sobre la antigua tradición. [74]
Hoy los patrones formales de la escultura griega clásica, su humanismo y énfasis en el desnudo han encontrado una nueva forma de impresionar a la sociedad, influyendo en la concepción de la belleza y las prácticas respecto del cuerpo, resucitando un cultivo de lo físico que nació con los griegos e influencias. diversas costumbres relacionadas con la sexualidad y el concepto de cuerpo en la cultura mediática .
Al mismo tiempo, comienza a fortalecerse entre los críticos de arte una tendencia a disminuir el prestigio prácticamente unánime que el Modernismo alcanzó y mantuvo durante casi un siglo, con sus valores individualistas, herméticos, irracionales, abstractos, antihistóricos e informales que comenzaron a funcionar. para ser cuestionado. En este sentido, el modelo clásico puede tener un nuevo atractivo para los artistas y la sociedad en un contexto de actualización de lapaideia , rescatando una línea de trabajo inspirada en el humanismo clásico, centrada en el bien común y la educación ética e integral del público al que Se dirigen sus obras, en un momento histórico en el que el énfasis en la tecnología, junto con el consumismo , la excesiva especialización de los oficios, la vida urbana salvaje, los problemas ecológicos, la superficialidad de la cultura de masas y la pérdida de fuertes referencias morales, se han vuelto amenazantes. aspectos para el bienestar y la propia supervivencia de la raza humana.
El turismo cultural a museos y sitios arqueológicos ha sido visto como una fuerza positiva para la difusión de la cultura y el arte clásicos entre el público en general, aunque puede sufrir manipulación política y degradación mercantilista, lo que posiblemente fortalezca visiones simplistas, pasteurizadas y acríticas de la cultura. el pasado. [82] [83] [84] [85] [86] [87] [88] [89] [90]
En cualquier caso, la presencia de la escultura clásica sigue siendo sorprendente en la cultura occidental y, con la amplia penetración occidental en todo el mundo, ha llegado a ser conocida y apreciada globalmente. Al menos en lo que respecta a Occidente, el atractivo que el modelo clásico ha tenido a lo largo de su historia y que todavía tiene hoy atestigua su persistente capacidad para estimular la imaginación popular y ser incorporado a una variedad de contextos culturales, éticos, sociales y ideologías políticas. [63] [91]
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