Un productor discográfico o productor musical es el supervisor general de un proyecto de creación musical cuyas responsabilidades pueden involucrar una variedad de roles de liderazgo creativo y técnico. Normalmente, el trabajo implica la supervisión práctica de las sesiones de grabación; garantizar que los artistas ofrezcan actuaciones aceptables y de calidad, supervisar la ingeniería técnica de la grabación y coordinar el equipo y el proceso de producción. La participación del productor en un proyecto musical puede variar en profundidad y alcance. A veces, en los géneros populares, el productor puede crear todo el sonido y la estructura de la grabación. [1] [2] [3] Sin embargo, en la grabación de música clásica, por ejemplo, el productor actúa más como un enlace entre el director y el equipo de ingeniería. El papel a menudo se compara con el de un director de cine, aunque existen diferencias importantes. [1] [3] Es distinto del rol de un productor ejecutivo , que participa principalmente en el proyecto de grabación a nivel administrativo, y del ingeniero de audio que opera la tecnología de grabación.
Variando según el proyecto, el productor puede elegir o no a todos los artistas. [4] [3] Si se emplea únicamente instrumentación sintetizada o sampleada , el productor puede ser el único artista. [3] Por el contrario, algunos artistas hacen su propia producción. [3] Algunos productores son sus propios ingenieros, [5] operando la tecnología en todo el proyecto: preproducción, grabación, mezcla y masterización . Los precursores de los productores discográficos fueron los "hombres A&R", que también podían combinar roles empresariales, creativos y técnicos, [2] pero a menudo ejercían escasa influencia creativa, [6] ya que la producción discográfica todavía se centraba, en la década de 1950, simplemente en mejorar el rendimiento del disco. combinación sonora con la propia actuación en vivo de los artistas. [3]
Los avances en la tecnología de grabación, especialmente la llegada de la grabación en cinta en la década de 1940 , que Les Paul rápidamente innovó aún más para desarrollar la grabación multipista [7] , y el auge de los instrumentos electrónicos en la década de 1950, convirtieron la producción discográfica en una especialidad. [3] En la música popular, entonces, productores como George Martin , Phil Spector y Brian Eno lideraron su evolución hasta el uso actual de técnicas elaboradas y sonidos poco realistas, creando canciones imposibles de originar en vivo. [1] [8] Después de la década de 1980, el paso de la producción analógica a la digital amplió aún más las posibilidades. [3] Actualmente, las DAW o estaciones de trabajo de audio digital , como Logic Pro , Pro Tools y Studio One , convierten una computadora común y corriente en una consola de producción, [9] [10] por lo que un principiante solitario puede convertirse en un productor experto de manera económica. Estudio en casa. [11] [12] En la década de 2010, comenzaron los esfuerzos para aumentar la prevalencia de productores e ingenieros que eran mujeres, muy superadas en número por los hombres y destacadamente elogiadas solo en la música clásica. [11] [13]
Como proyecto amplio, la creación de una grabación musical puede dividirse entre tres especialistas: el productor ejecutivo , que supervisa las asociaciones comerciales y la financiación; el productor vocal o arreglista vocal, que ayuda a la interpretación vocal a través de la crítica experta y el entrenamiento de la técnica vocal, y el productor discográfico o productor musical, quien, a menudo llamado simplemente productor, dirige el proceso creativo general de grabación de la canción en su mezcla final.
Las funciones del productor pueden incluir recopilar ideas, componer música, elegir músicos de sesión , proponer cambios en los arreglos de las canciones, entrenar a los intérpretes, controlar las sesiones, supervisar la mezcla de audio y, en algunos casos, supervisar la masterización de audio . Un productor puede ceder el control creativo a los propios artistas, asumiendo en su lugar un papel de supervisión o asesoramiento. En cuanto a calificar para una nominación al Grammy , la Academia de la Grabación define a un productor: [2]
La persona que tiene el control creativo y técnico general de todo el proyecto de grabación y de las sesiones de grabación individuales que forman parte de ese proyecto. Él o ella está presente en el estudio de grabación o en el lugar de grabación y trabaja directamente con el artista y el ingeniero. El productor toma decisiones creativas y estéticas que logran los objetivos tanto del artista como del sello en la creación de contenido musical. Otras tareas incluyen, entre otras: mantener presupuestos y cronogramas; cumplir con los plazos; contratar músicos, cantantes, estudios e ingenieros; supervisar otras necesidades de personal; y edición (proyectos clásicos).
El productor a menudo selecciona y colabora con un ingeniero de mezcla, que se centra en los aspectos especialmente tecnológicos del proceso de grabación, es decir, operar el equipo electrónico y mezclar las pistas grabadas en bruto de las interpretaciones elegidas, ya sean vocales o instrumentales, en una mezcla . ya sea sonido estéreo o envolvente. Luego, un ingeniero de masterización ajusta aún más esta grabación para distribuirla en el medio elegido. Un productor puede trabajar solo en una o dos canciones o en el álbum completo de un artista, lo que ayuda a desarrollar la visión general del álbum. Los productores discográficos también pueden asumir el papel de productores ejecutivos, gestionando el presupuesto, los cronogramas, los contratos y las negociaciones.
(Artistas y Repertorios)
En la década de 1880, la industria discográfica comenzó simplemente haciendo que el artista actuara frente a un fonógrafo . [14] En 1924, la revista especializada Talking Machine World , que cubría la industria discográfica y la fonografía, informó que Eddie King, gerente de Victor Records del " departamento de artistas y repertorio de Nueva York ", había planeado una serie de grabaciones en Los Ángeles. [15] Más tarde, el folclorista Archie Green llamó a este quizás el primer uso impreso de A&R man . [15] En realidad, no dice ni "A&R man" ni siquiera "A&R", una sigla quizás acuñada por la revista Billboard en 1946 y que entró en uso generalizado a finales de la década de 1940. [15]
En las décadas de 1920 y 1930, los ejecutivos de A&R, como Ben Selvin en Columbia Records , Nathaniel Shilkret en Victor Records y Bob Haring en Brunswick Records se convirtieron en los precursores de los productores discográficos, supervisando las grabaciones y, a menudo, dirigiendo orquestas de sesión. [6] Durante la década de 1940, los principales sellos discográficos abrieron cada vez más departamentos oficiales de A&R, cuyas funciones incluían la supervisión de la grabación. [15] Mientras tanto, se abrieron estudios de grabación independientes, lo que ayudó a crear el productor discográfico como especialidad. [ cita necesaria ] Pero a pesar de la tradición de que algunos hombres de A&R escriban música, la producción discográfica todavía se refería solo a la fabricación de discos. [6]
Después de la Segunda Guerra Mundial , los gerentes pioneros de A&R que hicieron una transición influyente a la producción discográfica como se entiende ahora, aunque a veces poseían sellos independientes, incluyen a J. Mayo Williams y John Hammond . [6] Al pasar de Columbia Records a Mercury Records , Hammond nombró a Mitch Miller para dirigir las populares grabaciones de Mercury en Nueva York. [6] Miller luego produjo éxitos cruzados de country-pop de Patti Page y Frankie Laine , se mudó de Mercury a Columbia y se convirtió en un destacado hombre de A&R de la década de 1950. [6]
Durante la década, los ejecutivos de A&R dirigieron cada vez más las firmas sonoras de las canciones, aunque muchos todavía simplemente unían a los cantantes con los músicos, mientras que otros prácticamente no ejercían ninguna influencia creativa. [6] El término productor discográfico en su significado actual (director creativo de producción de canciones), que apareció en una edición de 1953 de la revista Billboard , se generalizó en la década de 1960. [6] Aún así, una distinción formal fue difícil de alcanzar durante algún tiempo más. [6] Los gerentes de A&R podrían seguir siendo directores creativos, como William "Mickey" Stevenson , contratado por Berry Gordy , en el sello discográfico Motown . [dieciséis]
En 1947, el mercado americano ganó la grabación de audio en cinta magnética. [17] En los albores de la industria discográfica en la década de 1880, más bien, la grabación se realizaba mediante fonógrafo , grabando la forma de onda sónica verticalmente en un cilindro. [18] En la década de 1930, un gramófono lo grabó lateralmente en un disco. [19] Restringidos en el rango tonal, ya sean graves o agudos, y en el rango dinámico , los discos hacían que un piano de cola sonara como un piano vertical pequeño, y la duración máxima era de cuatro minutos y medio. [14] [19] Las selecciones y la interpretación a menudo se modificaban en consecuencia, y reproducir este disco, el maestro de cera, lo destruía. [19] La finalidad a menudo causaba ansiedad que restringía el desempeño para evitar errores. [19] En la década de 1940, durante la Segunda Guerra Mundial, los alemanes refinaron la grabación de audio en cinta magnética, liberando la duración de la grabación y permitiendo la reproducción, regrabación y edición inmediatas, una tecnología que supuso el surgimiento de los productores de discos en sus roles actuales. [19]
Al principio de la industria discográfica, se lograba un récord simplemente haciendo que todos los artistas actuaran juntos en vivo en una sola toma. [18] En 1945, [7] al grabar un elemento musical mientras reproducía un disco previamente grabado, Les Paul desarrolló una técnica de grabación llamada "sonido sobre sonido". [18] De esta manera, la grabación final podría construirse pieza por pieza y adaptarse, efectuando un proceso de edición. [18] En un caso, Paul produjo una canción a través de 500 discos grabados. [18] Pero, además del tedio de este proceso, degradó en serie la calidad del sonido de elementos previamente grabados, regrabados como sonido ambiental. [18] Sin embargo, en 1948, Paul adoptó la grabación en cinta, permitiendo una grabación verdaderamente multipista mediante una nueva técnica, la " sobregrabación ". [18]
Para permitir la sobregrabación, Paul revisó la propia grabadora añadiendo un segundo cabezal de reproducción y denominándolo cabezal de vista previa . [7] Al unirse al cabezal de grabación, al cabezal de borrado y al cabezal de reproducción preexistentes, el cabezal de vista previa permite al artista escuchar la grabación existente a través de auriculares reproduciéndola en sincronía, "sincronizada", con la interpretación actual grabada sola en una pista aislada. . [7] Este aislamiento de múltiples pistas permite innumerables posibilidades de mezcla. Los productores comenzaron a grabar inicialmente sólo las "pistas básicas" (la sección rítmica , incluida la línea de bajo , la batería y la guitarra rítmica), mientras que las voces y los solos de instrumentos se podrían agregar más adelante. Una sección de trompeta , por ejemplo, podría grabar una semana después, y una sección de cuerdas otra semana después. Una cantante podría realizar sus propios coros o un guitarrista podría tocar 15 capas.
A lo largo de la década de 1960, la música popular pasó cada vez más de instrumentos acústicos, como piano, contrabajo , guitarra acústica e instrumentos de metal , a instrumentos electrónicos, como guitarras eléctricas , teclados y sintetizadores , empleando amplificadores de instrumentos y parlantes. Estos podrían imitar instrumentos acústicos o crear sonidos completamente nuevos. Pronto, al combinar las capacidades de la cinta, la grabación multipista y los instrumentos electrónicos, productores como Phil Spector , George Martin y Joe Meek produjeron sonidos inalcanzables en vivo. [8] De manera similar, en el jazz fusión , Teo Macero , que produjo el álbum Bitches Brew de Miles Davis de 1970 , empalmó secciones de extensas sesiones de improvisación.
En la década de 1960, grupos de rock como los Beatles , los Rolling Stones y los Kinks produjeron algunas de sus propias canciones, aunque muchas de esas canciones están oficialmente acreditadas a productores especializados. Sin embargo, fueron especialmente influyentes los Beach Boys, cuyo líder Brian Wilson reemplazó a su padre Murry un par de años después del avance comercial de la banda. En 1964, Wilson había llevado las técnicas de Spector a una sofisticación invisible. Solo Wilson produjo todas las grabaciones de Beach Boys entre 1963 y 1967. Utilizando múltiples estudios y múltiples intentos de pistas instrumentales y vocales, Wilson seleccionó las mejores combinaciones de interpretación y calidad de audio, y utilizó la edición de cintas para ensamblar una interpretación compuesta.
La llegada de los procesos y formatos digitales en la década de 1980 reemplazó rápidamente a los procesos y formatos analógicos, es decir, la cinta y el vinilo. Aunque la grabación en cinta de calidad, de al menos media pulgada de ancho y con un desplazamiento de 15 pulgadas por segundo, había limitado el "silbido de cinta" a las secciones silenciosas, la relación señal-ruido más alta del sistema digital , SNR, lo abolió. [20] Lo digital también impartió a la música una calidad de sonido percibida "prístina", aunque también una pérdida de la calidad percibida "cálida" y los graves más redondeados de las grabaciones analógicas. [20] Sin embargo, mientras que la edición de medios en cinta requiere ubicar físicamente el audio de destino en la cinta, cortarlo allí y empalmar piezas, la edición de medios digitales ofrece ventajas indiscutibles en cuanto a facilidad, eficiencia y posibilidades.
En la década de 1990, la producción digital llegó a ordenadores domésticos asequibles a través del software de producción. Actualmente, la grabación y la mezcla suelen estar centralizadas en DAW, estaciones de trabajo de audio digital (por ejemplo, Pro Tools , Logic Pro , Ableton , Cubase , Reason y FL Studio ), para las cuales los complementos , de terceros, aplican la tecnología de estudio virtual . [9] Los DAW bastante estándar en la industria son Logic Pro y Pro Tools. [10] Los dispositivos físicos involucrados incluyen el mezclador principal, controladores MIDI para comunicarse entre los equipos, el dispositivo de grabación en sí y quizás el equipo de efectos externo. Sin embargo, la grabación literal a veces sigue siendo analógica, en cinta, después de lo cual la grabación sin procesar se convierte en una señal digital para su procesamiento y edición, ya que algunos productores todavía encuentran ventajas de audio en la grabación en cinta. [20]
Convencionalmente, la cinta es más indulgente con la sobremodulación , por lo que los picos dinámicos exceden el nivel máximo de señal grabable: la limitación de la cinta, una propiedad física, es la capacidad magnética, que disminuye, suavizando la forma de onda sobremodulada incluso con una señal de casi 15 decibelios demasiado "caliente". mientras que una grabación digital se arruina por la fuerte distorsión del " recorte " en cualquier exceso. [20] Sin embargo, en la grabación digital, un avance reciente, el flotante de 32 bits , permite a los DAW deshacer el recorte. [21] Aun así, algunos critican los instrumentos y flujos de trabajo digitales por su exceso de automatización, lo que supuestamente perjudica el control creativo o sonoro. [22] En cualquier caso, a medida que la tecnología de producción ha cambiado drásticamente, también lo han hecho las demandas de conocimiento, [23] aunque los DAW permiten a los principiantes, incluso a los adolescentes en casa, aprender a producir de forma independiente. [11] Algunos han alcanzado la competencia profesional antes de trabajar con un artista. [12]
En la década de 2000, con la llegada de la tecnología que hizo accesible la producción discográfica tradicional, especialmente con la creación de ritmos de hip hop y la música electrónica. Dentro de estos géneros, el término productor se aplica a una serie de roles y ha popularizado el uso de términos y créditos más especializados, incluidos productor ejecutivo, coproductor, asistente de producción y producción adicional y miscelánea para diferenciar las contribuciones. [24]
Entre las productoras discográficas, Sylvia Moy fue la primera en Motown , Gail Davies la primera en Music Row de Nashville , y Ethel Gabriel , con RCA , la primera en un sello discográfico importante . Lillian McMurry , propietaria de Trumpet Records , produjo influyentes discos de blues . Mientras tanto, Wilma Cozart Fine produjo cientos de discos para la división clásica de Mercury Records . Por producción clásica, tres mujeres ganaron premios Grammy, y la victoria de Judith Sherman en 2015 fue la quinta. [12] Sin embargo, en música no clásica, ninguna mujer ha ganado el premio Productor del Año , otorgado desde 1975 y sólo una fue nominada por un disco que no es el suyo, Linda Perry. [25] Después de la nominación de Lauren Christy en 2004, la nominación de Linda Perry en 2019 fue la siguiente para una mujer. [25] Sobre por qué ninguna mujer lo había ganado nunca, Perry comentó: "Simplemente no creo que haya tantas mujeres interesadas". [12] En el Reino Unido, Lynsey de Paul fue una de las primeras productoras discográficas, habiendo producido sus dos canciones ganadoras del premio Ivor Novello. [26]
A lo largo de las décadas, muchas artistas femeninas han producido su propia música. Por ejemplo, las artistas Kate Bush , Madonna , Mariah Carey , Janet Jackson , Beyoncé (incluso la de Destiny's Child y los Carters ), Lana Del Rey , Taylor Swift y Lorde han producido o coproducido [11] [27] y Ariana Grande , quien produce y arregla su voz, además de ser ingeniera de audio. [28] [29] [30] Aún entre los especialistas, a pesar de algunas mujeres destacadas, incluidas Missy Elliott en hip hop y Sylvia Massy en rock, la gran mayoría han sido hombres. [11] A principios de la década de 2010, cuando se le pidió información que ella misma había obtenido como mujer que se había especializado con éxito en la industria, Wendy Page comentó: "Las dificultades suelen ser de muy corta duración. Una vez que la gente se da cuenta de que puedes hacer tu trabajo, , el sexismo tiende a bajar su fea cabeza". [11] Aún así, cuando se le asignó la tarea de explicar la disparidad de género en su profesión, Page razonó en parte que los sellos discográficos, dominados por hombres, han sido, dijo, "desconfiados a la hora de darle a una mujer las riendas de un proyecto inmenso y creativo como hacer un disco". " [11] En última instancia, las razones son múltiples y no del todo claras, aunque los factores destacados incluyen tipos de sexismo y escasez de modelos femeninos en la profesión. [12]
Las productoras conocidas por producir discos que no son propios incluyen a Sonia Pottinger, Sylvia Robinson y Carla Olson.
En enero de 2018, un equipo de investigación dirigido por Stacy L. Smith, fundadora y directora de la Iniciativa de Inclusión Annenberg , [31] con sede en la Escuela Annenberg de Comunicación y Periodismo de la USC , [32] emitió un informe, [33] estimando que en En los años anteriores, alrededor del 2% de los productores de canciones populares eran mujeres. [13] También ese mes, la revista Billboard preguntó: "¿Dónde están todas las productoras musicales?" [12] Tras el segundo informe anual de la Iniciativa de Inclusión Annenberg, publicado en febrero de 2019, [34] su departamento en la USC informó: "2018 vio una protesta de artistas, ejecutivos y otros profesionales de la industria musical por la falta de mujeres en la música" y " la difícil situación de las mujeres en la música", donde supuestamente las mujeres eran "estereotipadas, sexualizadas y excluidas". [32] También en febrero de 2019, el Grupo de Trabajo sobre Diversidad e Inclusión de la Academia de la Grabación anunció una iniciativa mediante la cual más de 200 artistas y productores, desde Cardi B y Taylor Swift hasta Maroon 5 y Quincy Jones , acordaron considerar al menos dos mujeres. para cada puesto de productor o ingeniero. [13] El sitio web de la academia, Grammy.com , anunció: "Esta iniciativa es el primer paso en un esfuerzo más amplio para mejorar esas cifras y aumentar la diversidad y la inclusión para todos en la industria de la música". [13]
Con flotación de 32 bits, ya no tendrás que preocuparte por el recorte durante tus mejores tomas vocales o solos de instrumentos. Cualquier momento grabado que supere los 0
dBFS
se puede reducir a un nivel aceptable, después de grabar, en su DAW.
