Un sistema de estudios es un método de realización cinematográfica en el que la producción y distribución de películas está dominada por un pequeño número de grandes estudios cinematográficos . Se utiliza con mayor frecuencia en referencia a los estudios cinematográficos de Hollywood durante los primeros años de la Edad de Oro de Hollywood desde 1927 (la introducción de las películas sonoras ) hasta 1948 (el comienzo de la desaparición del sistema de estudios), en el que los estudios producían películas principalmente en sus propios estudios cinematográficos con personal creativo bajo contratos a menudo de largo plazo, y dominaban la exhibición a través de la integración vertical , es decir, la propiedad o el control efectivo de los distribuidores y la exhibición , garantizando ventas adicionales de películas a través de técnicas de reserva manipuladoras como la reserva en bloque .
Durante la Edad de Oro de Hollywood, ocho compañías constituyeron los principales estudios que promulgaron el sistema de estudios de Hollywood. De estos ocho, cinco eran conglomerados completamente integrados conocidos como los Big Five originales, que combinaban la propiedad de un estudio de producción, una división de distribución y una importante cadena de cines, y la contratación de artistas y personal de realización cinematográfica: Metro-Goldwyn-Mayer (propiedad de Loews Incorporated , propietario de la cadena de cines más grande de Estados Unidos), Paramount Pictures , Warner Bros. , 20th Century-Fox (posteriormente rebautizada como 20th Century Studios después de que su adquisición por parte de Disney trajera de vuelta a los Big Five por primera vez desde entonces) y RKO Radio Pictures . También en esta época, dos de los Little Three ( Columbia Pictures y Universal Pictures ) estaban organizadas de manera similar, aunque sin más que pequeños circuitos de cines, y el tercero ( United Artists ) poseía un pequeño número de cines y tenía acceso a dos instalaciones de producción propiedad de miembros de su grupo de socios controlador, pero funcionaba principalmente como patrocinador-distribuidor, financiando producciones independientes y estrenando sus películas.
El sistema de estudios fue impugnado en virtud de las leyes antimonopolio en un fallo de la Corte Suprema de 1948 que pretendía separar la producción de la distribución y exhibición y puso fin a esas prácticas, acelerando así el fin del sistema de estudios. En 1954, cuando la televisión competía por la audiencia y se rompieron los últimos vínculos operativos entre un gran estudio de producción y una cadena de cines, la era histórica del sistema de estudios había terminado.
Los años 1927 y 1928 se consideran generalmente como el comienzo de la Edad de Oro de Hollywood y los pasos finales importantes para establecer el control del sistema de estudios del negocio cinematográfico estadounidense. El éxito de The Jazz Singer de 1927 , el primer largometraje " sonoro " (de hecho, la mayoría de sus escenas no tenían sonido grabado en vivo) dio un gran impulso al entonces estudio de tamaño mediano Warner Bros. El año siguiente vio tanto la introducción general del sonido en toda la industria como dos éxitos más para Warners: The Singing Fool , la continuación aún más rentable de The Jazz Singer , y el primer largometraje "solo hablado" de Hollywood, Lights of New York . Igualmente significativos fueron una serie de desarrollos fuera de la pantalla. Warner Bros., ahora con abundantes ingresos, adquirió la extensa cadena de cines Stanley en septiembre de 1928. Un mes después, compró una participación mayoritaria en la productora First National , más importante que la propia Warners no mucho antes. Con la adquisición de First National no sólo se incorporó un estudio y un patio trasero de 135 acres (55 ha), sino también otra gran cadena de salas de cine.
En 1928 surgió el último de los "cinco grandes" conglomerados de Hollywood de la Edad de Oro: RKO Pictures . La Radio Corporation of America ( RCA ), dirigida por David Sarnoff , buscaba formas de explotar las patentes de sonido cinematográfico, recién registradas como RCA Photophone , propiedad de su empresa matriz, General Electric . Mientras las principales compañías de producción cinematográfica se preparaban para firmar acuerdos exclusivos con Western Electric para su tecnología, RCA se adentró en el negocio del cine. En enero, General Electric adquirió una participación considerable en Film Booking Offices of America (FBO), una distribuidora y pequeña productora propiedad de Joseph P. Kennedy , padre del futuro presidente John F. Kennedy . En octubre, a través de una serie de transferencias de acciones , RCA obtuvo el control tanto de FBO como de la cadena de cines Keith-Albee-Orpheum ; fusionándolas en una sola empresa, creó la Radio-Keith-Orpheum Corporation, con Sarnoff presidiendo la junta directiva. Con RKO y Warner Bros. (que pronto se convertiría en Warner Bros.–First National) uniéndose a Fox, Paramount y Loew's/MGM como actores principales, los Cinco Grandes que permanecerían durante treinta años ahora estaban en su lugar.
Aunque RKO fue una excepción, los jefes de los estudios de la costa oeste, los "magnates del cine", en su mayoría llevaban algunos años en el cargo: Louis B. Mayer en MGM, Jack L. Warner en Warner Bros., Adolph Zukor en Paramount, William Fox y Darryl F. Zanuck (en 20th Century Fox desde 1935), Carl Laemmle en Universal y Harry Cohn en Columbia.
La clasificación de los cinco grandes en términos de rentabilidad (estrechamente relacionada con la cuota de mercado) fue bastante consistente durante la Edad de Oro: MGM fue el número uno durante once años consecutivos, de 1931 a 1941. Paramount, el estudio más rentable de la era del sonido inicial (1928-30), se desvaneció durante la mayor parte de la década siguiente, y Fox fue el número dos durante la mayor parte del reinado de MGM. Paramount comenzó un ascenso constante en 1940, superando finalmente a MGM dos años más tarde; desde entonces hasta su reorganización en 1949 fue nuevamente el más exitoso financieramente de los cinco grandes. Con la excepción de 1932, cuando todas las compañías excepto MGM perdieron dinero y RKO perdió algo menos que sus competidores, RKO fue penúltima o (generalmente) última todos los años de la Edad de Oro, con Warner generalmente manteniéndose a la cola del grupo. De las tres grandes discográficas más pequeñas, United Artists se mantuvo confiablemente a la cola, con Columbia siendo la más fuerte en la década de 1930 y Universal a la cabeza durante la mayor parte de la década de 1940. [1]
El éxito de Hollywood creció durante la Gran Depresión , posiblemente porque las películas ayudaron al público a escapar de sus dificultades personales. El presidente Franklin Delano Roosevelt dijo de Shirley Temple : "Cuando el espíritu de la gente está más bajo que en cualquier otro momento durante esta Depresión, es una cosa espléndida que por sólo quince centavos un estadounidense pueda ir al cine y mirar la cara sonriente de un bebé y olvidar sus problemas". [2] En 1939 había 15.000 salas de cine en los Estados Unidos, más que bancos; el número de salas per cápita era el doble que a mediados de la década de 1980. La industria del cine era más grande que la de las máquinas de oficina. Si bien sólo era la decimocuarta más grande por ingresos, era la segunda en el porcentaje de ganancias que recibían sus ejecutivos. Las principales estrellas como Bing Crosby y Claudette Colbert ganaban más de 400.000 dólares al año (8.761.722 dólares en la actualidad [3] ). [4]
Una de las técnicas utilizadas para apoyar el sistema de estudios era la venta de películas en bloque , un sistema de venta de varias películas a un cine como una unidad. Dicha unidad (cinco películas fue la práctica habitual durante la mayor parte de la década de 1940) normalmente incluía solo una película particularmente sobresaliente, el resto una mezcla de películas de bajo presupuesto de menor calidad y películas de serie B. [5] Como escribió la revista Life en 1957 en una retrospectiva sobre el sistema de estudios: "No era un buen entretenimiento ni un arte, y la mayoría de las películas producidas tenían una mediocridad uniforme, pero también eran uniformemente rentables... La mediocridad de un millón de dólares era la columna vertebral de Hollywood". [6]
El 4 de mayo de 1948, en una demanda federal antimonopolio conocida como el caso Paramount interpuesta contra las cinco grandes empresas, la Corte Suprema de Estados Unidos prohibió específicamente la reserva de bloques. Al sostener que los conglomerados efectivamente estaban violando las leyes antimonopolio, los jueces se abstuvieron de tomar una decisión final sobre cómo debía remediarse esa falta , pero el caso fue devuelto al tribunal inferior del que había salido con un lenguaje que sugería que el divorcio (la separación completa de los intereses de exhibición de las operaciones de producción y distribución) era la solución. Las cinco grandes, sin embargo, parecían unidas en su determinación de seguir luchando y prolongar los procedimientos legales durante años, como ya habían demostrado ser expertos en ello; después de todo, la demanda contra Paramount se había presentado originalmente el 20 de julio de 1938.
Sin embargo, entre bastidores en RKO, durante mucho tiempo el conglomerado financieramente más inestable, la decisión del tribunal llegó a ser vista como un avance que podría ser utilizado en beneficio del estudio. El mismo mes en que se dictó la decisión, el multimillonario Howard Hughes adquirió una participación mayoritaria en la empresa. Como RKO controlaba la menor cantidad de salas de cine de todos los grandes cinco, Hughes decidió que iniciar un efecto dominó de divorcio en realidad podría ayudar a poner a su estudio en una posición más igualitaria con sus competidores. Hughes señaló su disposición al gobierno federal para firmar un decreto de consentimiento que obligara a la división de su negocio cinematográfico. Según el acuerdo, Hughes dividiría su estudio en dos entidades, RKO Pictures Corporation y RKO Theatres Corporation, y se comprometería a vender su participación en una u otra en una fecha determinada. La decisión de Hughes de aceptar el divorcio socavó de manera terminal el argumento de los abogados del resto de los grandes cinco de que tales divisiones eran inviables.
Aunque hoy muchos señalan la sentencia del tribunal de mayo, en realidad fue el acuerdo de Hughes con el gobierno federal (firmado el 8 de noviembre de 1948) lo que supuso la verdadera sentencia de muerte para la Edad de Oro de Hollywood. Paramount no tardó en capitular y firmó un decreto de consentimiento similar el siguiente febrero. El estudio, que había luchado contra el divorcio durante tanto tiempo, se convirtió en el primero de los grandes estudios en separarse, antes de lo previsto, y finalizó la desinversión el 31 de diciembre de 1949. En ese momento, había 19.000 salas de cine en Estados Unidos. [7]
Gracias al acuerdo de Hughes con las autoridades federales y a los acuerdos de los demás estudios que le siguieron poco después, el sistema de estudios sobrevivió durante otra media década. El estudio principal que se adaptó a las nuevas circunstancias con el éxito más inmediato fue el más pequeño, United Artists; bajo un nuevo equipo de gestión que tomó el control en 1951, se redujeron los gastos generales al rescindir su contrato de arrendamiento con la planta de producción de Pickford-Fairbanks y se forjaron nuevas relaciones con productores independientes, que ahora a menudo implicaban inversión directa, un modelo de negocio que Hollywood emularía cada vez más en los años siguientes. El sistema de estudios en torno al cual se había organizado la industria durante tres décadas finalmente expiró en 1954, cuando Loew's, el último que se resistía, cortó todos los vínculos operativos con MGM.
La táctica de Hughes ayudó a romper el sistema de los estudios, pero no hizo mucho por la RKO. Su liderazgo disruptivo, junto con la pérdida de audiencias hacia la televisión que estaba afectando a toda la industria, afectó al estudio de forma evidente para los observadores de Hollywood. Cuando Hughes intentó deshacerse de su participación en la RKO en 1952, tuvo que recurrir a un sindicato con sede en Chicago dirigido por distribuidores turbios sin experiencia en el cine. El acuerdo fracasó, por lo que Hughes volvió a estar al mando cuando la cadena de cines RKO finalmente se vendió como se había ordenado en 1953. Ese año, General Tire and Rubber Company, que estaba expandiendo su pequeña división de transmisión de una década de antigüedad, se acercó a Hughes en relación con la disponibilidad de la biblioteca de películas de la RKO para la programación. Hughes adquirió la propiedad casi completa de RKO Pictures en diciembre de 1954 y consumó una venta con General Tire por todo el estudio el verano siguiente.
Los nuevos propietarios recuperaron rápidamente parte de su dinero vendiendo los derechos televisivos de la biblioteca que tanto apreciaban a C&C Television Corp., una subsidiaria de la compañía de bebidas (RKO conservó los derechos de las pocas estaciones de televisión que General Tire había traído). Según el acuerdo, las películas fueron despojadas de su identidad RKO antes de ser enviadas por C&C a las estaciones locales; el famoso logotipo de apertura, con su globo y torre de radio, fue eliminado, al igual que las otras marcas registradas del estudio.
De vuelta en Hollywood, los nuevos propietarios de RKO no estaban teniendo mucho éxito en el negocio cinematográfico y en 1957 General Tire cerró la producción y vendió las principales instalaciones de RKO a Desilu , la productora de Lucille Ball y Desi Arnaz . Al igual que United Artists, el estudio ya no tenía un estudio; a diferencia de UA, apenas poseía sus películas antiguas y no veía ganancias en la producción de nuevas. En 1959 abandonó por completo el negocio cinematográfico.
Si bien el sistema de estudios se identifica en gran medida como un fenómeno estadounidense, las compañías de producción cinematográfica de otros países lograron y mantuvieron en ocasiones una integración total de manera similar a las cinco grandes de Hollywood. Como describe el historiador James Chapman:
En Gran Bretaña, sólo dos empresas lograron una integración vertical completa (la Rank Organization y la Associated British Picture Corporation ). Otros países donde se produjo cierto nivel de integración vertical fueron Alemania durante la década de 1920 (Universum Film Aktiengesellschaft, o Ufa ), Francia durante la década de 1930 ( Gaumont -Franco-Film-Aubert y Pathé -Natan) y Japón ( Nikkatsu , Shochiku y Toho ). En Hong Kong, Shaw Brothers adoptó el sistema de estudios para sus películas wuxia a lo largo de la década de 1950 y 1960. India, que representa quizás el único rival serio de la industria cinematográfica estadounidense debido a su dominio tanto de su propio mercado como de los mercados de la diáspora asiática, en contraste, nunca ha logrado ningún grado de integración vertical. [8]
Por ejemplo, en 1929 casi el 75 por ciento de los cines japoneses estaban conectados con Nikkatsu o Shochiku, los dos estudios más grandes en ese momento. [9]
Nos encontramos tratando con corporaciones en lugar de con individuos.
—Harry Cohn de Columbia Pictures, 1957 [6]
En la década de 1950, Hollywood se enfrentó a tres grandes desafíos: el caso Paramount , que puso fin al sistema de estudios, la nueva popularidad de la televisión y el gasto de los consumidores , que ofrecía a su audiencia muchas otras opciones de ocio. La escala de éxitos y fracasos de taquilla aumentó, con un "peligroso medio" formado por películas que en la era anterior habrían generado dinero. Un cineasta afirmó en 1957 que "el único desastre absoluto hoy en día es hacer una mediocridad de un millón de dólares. Con una de estas, puedes perder no solo la inversión total, sino también la camisa". En ese año, Hollywood solo estaba haciendo alrededor de 300 largometrajes al año, en comparación con los aproximadamente 700 durante la década de 1920. [6] Darryl F. Zanuck , director de 20th Century Fox, no tuvo ninguna relación directa con el estudio entre 1956 y 1962, [10] y Louis B. Mayer , despedido en 1951 de MGM, murió en 1957. [11] Harry Cohn de Columbia, que murió al año siguiente, [12] informó a los inversores en el informe anual del estudio de 1957 que:
Nos encontramos en un mercado altamente competitivo para estos talentos [estrellas, directores, productores, guionistas]. Bajo las estructuras impositivas actuales, el salario para aquellos con quienes tratamos es menos atractivo que la oportunidad de obtener ganancias de capital . Por lo tanto, nos encontramos tratando con corporaciones en lugar de con individuos. También nos vemos obligados a negociar en términos de un porcentaje de las ganancias de la película, en lugar de un salario garantizado como en el pasado. Esto es más notable entre las principales estrellas. [6]
La mayoría de los actores se convirtieron en trabajadores independientes después del fin del sistema de estudios. [13] Los patrocinadores financieros exigieron cada vez más actores, directores y guionistas estrella para los proyectos con el fin de reducir el riesgo de fracaso. La creciente importancia del mercado extranjero (entre el 40 y el 50 % de los ingresos totales de Hollywood en 1957) también enfatizó los nombres de las estrellas como atracciones de taquilla. Con su nuevo poder, "trabajar por nada" (recibir un porcentaje de las ganancias en lugar de un salario) se convirtió en un símbolo de estatus para las estrellas. Un actor destacado podía esperar el 50 % de las ganancias, con una garantía mínima, o el 10 % de los ingresos brutos. Cary Grant , por ejemplo, recibió más de 700 000 dólares (equivalentes a 6,2 millones de dólares en 2023) de su 10 % de las ganancias brutas por Atrapa a un ladrón (1955), mientras que el director y productor Alfred Hitchcock recibió menos de 50 000 dólares. En un caso extremo, Paramount prometió a Marlon Brando el 75% de las ganancias de lo que se convertiría en One-Eyed Jacks (1961). (Debido a la contabilidad de Hollywood , los estudios todavía recibían gran parte de los ingresos antes de cualquier reparto de ganancias; por lo tanto, prefirieron el 50% de las ganancias al 10% de los ingresos brutos). Los cheques de pago más grandes también aumentaron el poder de los agentes de talentos como Lew Wasserman de MCA , cuya oficina ahora era apodada " Fort Knox ". [6]
En 1957, los productores independientes producían el 50% de las películas estadounidenses de larga duración. Además de trabajar para otros, actores de primera línea como Gregory Peck y Frank Sinatra crearon sus propias compañías de producción y compraron guiones. Los directores independientes de primera línea George Stevens , Billy Wilder y William Wyler también vieron aumentar sus salarios, en parte porque su participación atrajo a actores estrella. Los estudios proporcionaron cada vez más financiación e instalaciones a los productores independientes en lugar de hacer sus propias películas o, al igual que United Artists, se centraron en la distribución. Si bien la televisión había dañado a Hollywood, las compañías de producción de televisión como Desilu y las divisiones de televisión de los propios estudios cinematográficos ayudaron a salvar la industria al utilizar instalaciones que de otro modo no se utilizarían. [6]
A principios de la década de 1960, los grandes estudios comenzaron a reeditar películas antiguas para su distribución y se transformaron en productores principalmente de telefilmes y películas de serie B para satisfacer la demanda de programación de la televisión. [14] : 17 La industria atravesó una severa recesión, debido en parte a los fracasos de gran presupuesto, pero pronto se recuperó artísticamente con películas como El Padrino (1972) y Chinatown (1974).
Tiburón (1975) de Steven Spielberg [15] [16] y La guerra de las galaxias (1977) de George Lucas se convirtieron en el prototipo del éxito de taquilla moderno . [14] : 19 Antes de Tiburón , la mayoría de las películas se estrenaban inicialmente en unas pocas ciudades clave y luego se extendían a "mercados secundarios" en todo el país en función de la respuesta en esos mercados, un sistema llamado "plataformas". [16] En cambio, Tiburón se estrenó de inmediato y simultáneamente en todo el país, y estuvo respaldada por un presupuesto de publicidad televisiva de 700.000 dólares (la primera vez que se lanzaron tráilers en la televisión en cadena), junto con una amplia comercialización promocional. [16] El estreno de películas en cientos de salas se convirtió en la norma, con éxitos como las secuelas de La guerra de las galaxias de Lucas , El imperio contraataca y El regreso del Jedi , los éxitos consecutivos de Spielberg con En busca del arca perdida y E.T. el extraterrestre , y el desarrollo del vídeo doméstico y la televisión por cable. Mientras tanto, el presupuesto descontrolado de La puerta del cielo (1980) y sus limitados ingresos de taquilla llevaron a la venta de United Artists.
De 1990 a 1995, New Hollywood se convirtió en un conglomerado de Hollywood y rápidamente dominó toda la industria mundial del entretenimiento. [14] : 25–26 Hoy en día, tres de las principales empresas de la Edad de Oro (Universal, Paramount y Warner Bros.) junto con Sony Pictures (formada por una fusión entre Columbia y TriStar) siguen existiendo como importantes entidades de estudio de Hollywood, todas las cuales fueron absorbidas por muchas empresas diferentes que fueron adquiridas y fusionadas con conglomerados de medios más grandes. Además, hasta la fecha, Walt Disney Studios ha surgido como una de las principales, lo que resultó en un "Big Six" hasta que su adquisición de 20th Century Fox a principios de 2019 resultó en un "Big Five" una vez más. Con excepción de Disney, los otros cuatro grandes estudios actuales (Paramount, Sony Pictures, Universal y Warner Bros.) se basan esencialmente en el modelo, no de los cinco grandes clásicos (en aquel momento Paramount y Warner Bros., además de 20th Century Fox, MGM y RKO), sino de la antigua United Artists: es decir, son principalmente patrocinadores-distribuidores (y arrendatarios de estudios físicos) más que compañías de producción propiamente dichas.
En 1996, Time Warner adquirió la otrora independiente New Line Cinema a través de su compra de Turner Broadcasting System . En 2008, New Line se fusionó con Warner Bros., donde sigue existiendo como filial. Cada una de las cinco grandes actuales controla divisiones " arthouse " cuasi independientes, como Paramount Vantage . Miramax Films (que originalmente era un estudio independiente) fue propiedad de Disney hasta 2010. La mayoría también tiene divisiones que se centran en películas de género, películas B, ya sea literalmente en virtud de sus bajos presupuestos, o espiritualmente, por ejemplo, Screen Gems de Sony . Una de las llamadas divisiones independientes, Focus Features de Universal , lanza películas de autor bajo esa marca principal. Tanto Focus como la división arthouse de Disney, Searchlight Pictures , son lo suficientemente grandes como para calificar como mini-majors. Dos grandes firmas independientes también califican como mini-majors, Lionsgate y la mencionada MGM (adquirida por Amazon en 2022). Se encuentran en algún punto intermedio entre las versiones modernas del viejo "mayor-menor" (como lo fueron Columbia y Universal en los años 1930 y 1940, excepto que Lionsgate tiene aproximadamente la mitad de su participación de mercado) y las principales productoras independientes de la Edad de Oro, como Samuel Goldwyn Inc. y las compañías de David O. Selznick .
A mediados de la década de 2010, los grandes estudios se orientaron hacia la producción de películas convencionales que atrajeran a la audiencia (películas de género, secuelas, películas en 3D y de superhéroes). Muchas de estas películas corren el riesgo de perder dinero en taquilla (y algunas, de hecho, lo han hecho). Esto precipitó en parte la Segunda Decadencia, ya que el público comenzó a alejarse de las salas de cine. Con este nuevo declive, se abrió una oportunidad para que las empresas independientes produjeran películas que superaron a las películas de los grandes estudios en la contienda por el Premio de la Academia a la Mejor Película . La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas (que produce los Premios de la Academia anuales ) suele otorgar los Oscar a la Mejor Película a películas de mérito artístico y científico en lugar de a las películas de franquicia. En los últimos años, los múltiples premios ganados por películas independientes como Spotlight ( Open Road , 2015), Moonlight ( A24 , 2016), Parásitos ( CJ / Neon , 2019) y CODA ( Apple TV+ , 2021) han tenido un impacto notable en los ingresos de taquilla de otras películas de grandes estudios. El continuo elogio del cine independiente implica que el éxito no depende del formato de la película, ya sea en 3D, una exclusiva de streaming o un formato grande como IMAX . Los resultados contemporáneos del Festival de Cine de Cannes y la falta de películas estadounidenses que ganen estos premios también pueden haber afectado al predominio del cine independiente. [ cita requerida ]
La crisis del COVID-19 contribuyó a una mayor disminución, ya que el público comenzó a cambiar de las salas de cine a servicios de transmisión como Netflix , Hulu y Apple TV+ .
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