Indonesia es un país con muchas tribus y grupos étnicos diferentes , y su música también es muy diversa, con cientos de formas y estilos diferentes. Cada región tiene su propia cultura y arte, y como resultado, la música tradicional de una zona a otra también difiere de forma única entre sí. Por ejemplo, cada tipo de música tradicional suele ir acompañado de su propia danza y teatro . La escena musical contemporánea también ha estado muy influenciada por diversas influencias extranjeras, como Estados Unidos, Gran Bretaña, Japón, Corea e India. [1]
La música de Java , Sumatra , Bali , Flores ( Islas Menores de la Sonda ) y otras islas ha sido bien documentada y registrada, y también se están realizando más investigaciones por parte de académicos indonesios e internacionales. La música en Indonesia es anterior a los registros históricos, varias tribus nativas de Indonesia a menudo incorporan cantos y canciones acompañadas de instrumentos musicales en sus rituales. La música contemporánea de Indonesia hoy también es popular entre los países vecinos, como Malasia , Singapur y Brunei . [2]
En general, la música y las canciones tradicionales de Indonesia tienen un ritmo y una armonía fuertes, con una fuerte influencia de la música clásica india, javanesa, árabe, china y malaya. La influencia es muy visible en el género musical tradicional popular del Dangdut . [3] [4] [5]
La identidad musical de Indonesia tal como la conocemos hoy comenzó cuando la cultura de la Edad de Bronce migró al archipiélago indonesio en el siglo II-III a. C. [6] Las músicas tradicionales de las tribus indonesias a menudo utilizan instrumentos de percusión, especialmente gongs y gendang ( tambores ). Algunas de ellas desarrollaron instrumentos musicales elaborados y distintivos, como el instrumento de cuerda sasando de la isla de Rote , el angklung de los sundaneses y la compleja y sofisticada orquesta gamelan de Java y Bali .
Indonesia es el hogar del gong chime , un término genérico para un conjunto de gongs pequeños, agudos y con protuberancias. Los gongs se colocan normalmente en orden de tono, con la protuberancia hacia arriba sobre cuerdas sostenidas en un marco bajo de madera. Los marcos pueden ser rectangulares o circulares (a estos últimos a veces se les llama "círculos de gong"), y pueden tener una o dos filas de gongs. Los tocan de uno a cuatro músicos, cada uno usando dos palos acolchados para golpearlos. Son un instrumento importante en muchos conjuntos musicales indonesios, como el gamelan , el kulintang y el talempong .
La forma más popular y famosa de música indonesia es probablemente el gamelan , un conjunto de instrumentos de percusión afinados que incluyen metalófonos , tambores , gongs y violines de púas junto con flautas de bambú . Conjuntos similares prevalecen en toda Indonesia , Singapur y Malasia , sin embargo, el gamelan tiene su origen en Java , Bali y Lombok .
En Java Central, el gamelan es intrincado y está diseñado meticulosamente. La melodía central se toca en un metalófono en el centro de la orquesta, mientras que la elaboración y ornamentación frontal de la melodía y, en la parte posterior, los gongs marcan lentamente la música. Hay dos sistemas de afinación. Cada gamelan está afinado a sí mismo, y los intervalos entre las notas de la escala varían entre conjuntos. Los metalófonos cubren cuatro octavas e incluyen tipos como el slenthem , el demung , el saron panerus y el balungan . Se cree que el alma del gamelan reside en el gran gong, o gong ageng . Otros gongs están afinados a cada nota de la escala e incluyen ketuk , kenong y kempul . La sección frontal de la orquesta es diversa e incluye rebab , suling , siter , bonang y gambang . Son comunes los coros masculinos ( gerong ) y las vocalistas solistas femeninas ( pesindhen ) . Con la llegada de los colonizadores holandeses , se desarrolló un sistema numérico llamado kepatihan para registrar la música. La música y la danza de la época se dividían en varios estilos según las principales cortes de la zona: Surakarta , Yogyakarta , Pakualaman y Mangkunegaran .
El gamelan de Java oriental es menos conocido que el de las partes central u occidental de la isla. Tal vez lo más distintivo de la zona sea el enorme tambor gamyak. En Java Occidental, antiguamente Sunda , hay varios tipos de gamelan. Gamelan Degung , gamelan salendro y tembang sunda son los tres tipos principales. La minoría javanesa Osing en Java oriental es conocida por la música social para bodas y otras celebraciones llamada gandrung , así como por el angklung , tocado por jóvenes aficionados, que es muy similar al gamelan balinés .
En Indonesia, el gamelan suele acompañar la danza, las representaciones de marionetas wayang o los rituales y ceremonias. Normalmente, los intérpretes del gamelan están familiarizados con los movimientos de baile y la poesía, mientras que los bailarines pueden tocar en el conjunto. [7] En el wayang , el dalang (titiritero) debe tener un conocimiento profundo del gamelan, ya que da las señales para la música. El gamelan puede interpretarse solo, en estilo " klenengan ", o para transmisiones de radio, y las presentaciones en conciertos son comunes en los conservatorios nacionales de arte fundados a mediados del siglo XX. [8]
El papel del gamelan en los rituales es tan importante que hay un dicho javanés que dice: "No es oficial hasta que se cuelga el gong". [9] Algunas representaciones están asociadas con la realeza, como las visitas del sultán de Yogyakarta . Ciertos gamelans están asociados con rituales específicos, como el Gamelan Sekaten , que se utiliza en la celebración de Mawlid an-Nabi ( el cumpleaños de Mahoma ). En Bali , casi todos los rituales religiosos incluyen la interpretación de gamelan. El gamelan también se utiliza en las ceremonias de la iglesia católica en Indonesia . [10] Ciertas piezas están designadas para iniciar y finalizar representaciones o ceremonias. Cuando se comienza una pieza de "final" (como " Udan Mas "), el público sabrá que el evento está casi terminado y comenzará a irse. También se cree que ciertas piezas poseen poderes mágicos y pueden usarse para alejar a los malos espíritus. [9]
El talempong es un instrumento tradicional de los Minangkabau de Sumatra Occidental . La forma es casi la misma que la del instrumento bonang del dispositivo gamelan. Los talempongs pueden estar hechos de latón, pero algunos están hechos de madera y piedra. Los talempongs se tocan golpeándolos con una varilla de madera o un palo. El talempong se suele utilizar para acompañar bailes o actuaciones de bienvenida, como el típico Tari Piring , Tari Pasambahan , Tari Alang, Tari Suntiang Pangulu y Tari Gelombang. El talempong suele interpretarse con un acompañamiento de acordeón, un tipo de órgano sostenido y tocado con la mano derecha por el intérprete. Además del acordeón, también se suelen tocar con talempong instrumentos como el saluang , el gandang , el serunai y otros instrumentos tradicionales de Minangkabau.
El kolintang o kulintang es un instrumento de percusión de bronce y madera originario del este de Indonesia y también de Filipinas . En Indonesia se asocia particularmente con el pueblo Minahasa del norte de Sulawesi , aunque también es popular en Maluku y Timor . El instrumento consta de una fila/conjunto de 5 a 9 gongs graduados, colocados horizontalmente sobre un marco organizados en orden de tono con el gong más bajo ubicado a la izquierda de los intérpretes. [11] Los gongs se colocan en el instrumento con la cara frontal hacia arriba sobre dos cuerdas/cordones que corren paralelos a toda la longitud del marco, con palos/barras de bambú/madera que descansan perpendicularmente a lo largo del marco, creando un conjunto completo de kulintang llamado "pasangan". [12]
El objetivo principal de la música kulintang en la comunidad es funcionar como entretenimiento social a un nivel folclórico profesional. [13] Esta música es única en el sentido de que se considera una música pública en el sentido de que todos pueden participar. [14] No solo tocan los intérpretes, sino que también se espera que participen los miembros de la audiencia. [15] Estas actuaciones son importantes porque unen a la gente de la comunidad y las regiones adyacentes, lo que ayuda a unificar comunidades que de otro modo no habrían interactuado entre sí. Tradicionalmente, cuando los intérpretes tocan música kulintang, su participación es voluntaria. [16] Los músicos ven las actuaciones como una oportunidad para recibir reconocimiento, prestigio y respeto de la comunidad y nada más. [17] La música kulintang difiere en muchos aspectos de la música gamelan, principalmente en la forma en que esta última construye melodías dentro de un marco de tonos esqueléticos e intervalos de tiempo prescritos de entrada para cada instrumento. El marco de la música kulintang es más flexible y los intervalos de tiempo son inexistentes, lo que permite que cosas como las improvisaciones sean más frecuentes.
El angklung es un instrumento musical de bambú originario de los habitantes de Sundanese, en Java Occidental . Está hecho de tubos de bambú unidos a un marco de bambú. Los tubos están tallados de manera que tengan un tono resonante distintivo cuando se hacen vibrar. Cada angklung solo toca una nota. [18] Este instrumento musical hecho de bambú se toca agitándolo. El sonido del angklung se genera a partir del impacto de los tubos de bambú. Tiene un sonido distintivo que vibra en una composición de 2, 3 o 4 notas en cada tamaño.
El angklung existía antes de la era hindú en Indonesia. En la época del reino de Sundanese (siglos XII al XVI), el angklung se convirtió en un instrumento musical que siempre se utilizaba en diversos eventos o celebraciones, especialmente en eventos tradicionales relacionados con la agricultura. En esa época, el angklung se tocaba como forma de adoración a " Dewi Sri ", es decir, la diosa del arroz o la diosa de la fertilidad, para que se le dieran bendiciones a las plantas que plantara y también para prosperar en la vida. No solo eso, durante el reino de Sundanese, el angklung también se utilizaba como detonante del espíritu de guerra.
Los tipos de bambú que se utilizan habitualmente como instrumentos musicales son el bambú negro (awi wulung) y el bambú ater (awi temen), que cuando están secos son de color amarillo blanquecino. Cada nota (barril) se produce a partir del sonido del tubo de bambú en forma de hoja (wilahan) para cada segmento de bambú, desde el pequeño hasta el grande. Cada tamaño de bambú tiene un tono diferente. La UNESCO designó al angklung como Obra Maestra del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad el 18 de noviembre de 2010. [19]
Suling es la palabra sundanesa para seruling, la palabra del indonesio , que significa 'flauta'. Fabricadas de bambú, las flautas indonesias siempre se soplan por el extremo y varían en tamaño. La posición de los dedos cambia la longitud de onda de la resonancia del sonido dentro del cuerpo del suling. Dependiendo de la distancia del orificio más cercano a la cabeza del suling, se pueden producir diferentes notas. La velocidad del flujo de aire también puede modificar la frecuencia del tono. Una nota con el doble de frecuencia se puede producir principalmente soplando el aire en el orificio de la cabeza del suling con el doble de velocidad. Generalmente, cuanto más corto es el suling, más alto es el tono. Este simple suling produce melodías que tradicionalmente se han interpretado como el sonido del aprendizaje alegre. Hay muchas regiones en Indonesia que usan el suling como un instrumento tradicional y tienen diferentes nombres locales para él. En Java , Sunda y Bali , este instrumento se denomina comúnmente suling, en Minang se denomina saluang , en Toraja se denomina flauta Lembang, en Halmahera se denomina bangsil y en Nusa Tenggara Occidental se denomina silu. Suling es una flauta de aro de bambú de Indonesia que se utiliza en diversas interpretaciones de conjuntos musicales tradicionales, como gamelan , gambus y dangdut . Esta flauta está hecha de un tubo de bambú largo y de paredes delgadas llamado tamiang y una fina banda de ratán rodea la boquilla.
El kacapi suling es un tipo de música instrumental muy improvisada y popular en algunas partes de Java Occidental que emplea dos instrumentos, el kacapi (cítara) y el suling (flauta de bambú). Está relacionado con el tembang sunda . Las notas rítmicas del kecapi tienen un tempo lento, producidas por cuerdas que se mezclan en una música suave cuando se combinan con la melodía del suling o las voces melismáticas. El kacapi es una cítara tradicional de un instrumento musical sundanés derivado del guzheng chino , y similar al koto japonés , el yatga mongol, el gayageum coreano , el đàn tranh vietnamita y el jetigen kazajo , y el suling es una flauta de bambú .
Kendang o Gendang es un tambor de dos cabezas utilizado por los pueblos del archipiélago de Indonesia . Entre los pueblos javaneses , sundaneses o balineses , el kendang tiene un lado más grande que el otro, con el lado más grande y de tono más bajo generalmente ubicado a la derecha, y generalmente se colocan en soportes horizontales y se golpean con las manos de cada lado mientras se está sentado en el suelo. Entre grupos como los balineses, ambos lados son del mismo tamaño y se tocan en uno o ambos lados usando una combinación de manos y/o palos. Entre los makasareses , los tambores ganrang tienen mucha más importancia, ya que se los considera el más sagrado de todos los instrumentos musicales, comparable a los gongs en Java.
Una de las variantes más conocidas del Kendang es el Gendang beleq. El Gendang beleq es una música tradicional de la isla de Lombok , Indonesia . El nombre gendang beleq es un término del idioma Sasak , que significa " tambor grande (gran gendang ) ", [20] ya que la actuación trata sobre un grupo de músicos que tocan, bailan y marchan con sus instrumentos tradicionales, centrados en dos tambores grandes ( gendang ). El tambor está hecho de un marco de madera con un parche de piel de cabra . La madera se selecciona de maderas que son duras pero ligeras. En una actuación de Gendang beleq, los bateristas llevan y tocan gendang y bailan un dúo dramático y confrontativo. Los bateristas tocan melodías entrelazadas con sus grandes tambores. Además de poder tocar sus instrumentos, los músicos deben tener la agilidad y la resistencia para realizar la danza y marchar con su instrumento.
El sasando es un instrumento de cuerda pulsada originario de la isla de Rote , en el este de Nusa Tenggara . Las partes del sasando son un cilindro de bambú rodeado de varias cuñas donde se estiran las cuerdas, rodeado por un abanico con forma de bolsa hecho de hojas secas de lontar o palmira ( Borassus flabellifer ), que funciona como resonador del instrumento.
Representación musical de la zona de Tapanuli, en el norte de Sumatra . El ogong de Tapanuli es una forma de música bailable que se toca con un tipo de laúd , trompeta y flauta .
El sapeʼ ( sampek , sampeʼ , sapek ) es un laúd tradicional de las comunidades keniana y kayan , que viven en las casas comunales que bordean los ríos de Kalimantan Oriental , Kalimantan Occidental y Kalimantan del Norte . Los sape' se tallan a partir de un solo tronco de madera, y muchos instrumentos modernos alcanzan más de un metro de longitud. Técnicamente, el sape es un instrumento relativamente simple, con una cuerda que lleva la melodía y las cuerdas que la acompañan como drones rítmicos. En la práctica, la música es bastante compleja, con muchas ornamentaciones y variaciones temáticas.
El variado mundo de los géneros musicales de Indonesia es el resultado de la creatividad musical de su gente y también de los posteriores encuentros culturales con influencias musicales extranjeras en el archipiélago. Además de las distintivas formas de música nativas, varios géneros pueden rastrear su origen a influencias extranjeras; como el gambus y el qasidah de la música islámica de Oriente Medio, el keroncong de influencias portuguesas y el dangdut con una notable influencia musical hindi.
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La música pop folclórica regional de Indonesia refleja la diversidad de la cultura y la etnia indonesias , y utiliza principalmente idiomas locales y una mezcla de música e instrumentos de estilo occidental y regional. La música folclórica de Indonesia es bastante diversa y hoy en día abarca el pop, el rock, el house, el hip hop y otros géneros, así como distintas formas indonesias. Hay varios tipos de música pop "étnica", generalmente agrupadas como Pop Daerah (pop regional). Entre ellas se incluyen Pop sunda , Pop Minang, Pop Batak, Pop Melayu, Pop Ambon, Pop Minahasa y otras. Además de presentar el legado de Lagu Daerah (canciones tradicionales regionales) de cada cultura regional, el músico también puede crear algunas composiciones nuevas en su propia lengua materna.
El tembang sunda , también llamado "seni mamaos cianjuran", o simplemente cianjuran, es una forma de poesía cantada que surgió en la era colonial de Cianjur . Primero se lo conoció como un arte aristocrático; un compositor de cianjuran fue RAA Kusumahningrat (Dalem Pancaniti), gobernante de Cianjur (1834-1862). Los instrumentos del cianjuran son el kacapi indung, el kacapi rincik y el suling o flauta de bambú, y el rebab para las composiciones de salendro . Las letras se cantan típicamente en verso libre, pero existe una versión más moderna, el panambih , que es métrica. Suelen ser tambores.
El jaipongan es una música de baile rítmica muy compleja del pueblo sundanés del oeste de Java. El ritmo tiende a cambiar aparentemente de forma aleatoria, lo que dificulta el baile para la mayoría de los oyentes. Sus instrumentos son completamente sundaneses, sin ningún instrumento importado. Fue inventado por artistas como Gugum Gumbira después de que Sukarno prohibiera el rock and roll y otros géneros occidentales en la década de 1960.
Gambus, que literalmente significa oud , hace referencia a un tipo de laúd o guitarra de doce cuerdas con forma de pera , es una música vocal e instrumental islámica de origen del Medio Oriente. Estas tradiciones comenzaron a incorporarse en muchas zonas de Indonesia en el siglo XVI.
Qasidah es una antigua palabra árabe que designa la poesía religiosa acompañada de cánticos y percusión. La qasidah moderna la adapta para el público pop. Se utiliza para designar un tipo de orquesta y la música que toca, que se cree fue introducida por colonos musulmanes de Yemen . La qasidah moderna se deriva del pop islámico, al que se le añaden dialectos locales y letras que abordan cuestiones contemporáneas de Indonesia. Aunque es popular entre los árabes de Indonesia, ha ganado poca popularidad en otros lugares. Uno de los grupos musicales de qasidah moderna más antiguos de Indonesia es Nasida Ria . [21]
La forma contemporánea de música islámica con influencia del Medio Oriente en Indonesia está ejemplificada por la banda Debu , que presenta un enfoque sufista en la música para difundir su mensaje.
El kroncong (ortografía alternativa: keroncong ) ha ido evolucionando desde la llegada de los portugueses , que trajeron instrumentos europeos . A principios del siglo XX, se consideraba una música urbana de clase baja. Esto cambió en la década de 1930, cuando la creciente industria cinematográfica indonesia comenzó a incorporar el kroncong. Y luego, aún más a mediados y fines de la década de 1940, se asoció con la lucha por la independencia .
Tal vez la canción más famosa del estilo kroncong sea " Bengawan Solo ", escrita en 1940 por Gesang Martohartono , un músico solonés . Escrita durante la ocupación de la isla por el Ejército Imperial Japonés en la Segunda Guerra Mundial , la canción (sobre el río Bengawan Solo , el río más largo e importante de Java) se hizo muy popular entre los javaneses, y luego a nivel nacional cuando las grabaciones se transmitieron por las estaciones de radio locales. La canción también se hizo bastante popular entre los soldados japoneses, y cuando regresaron a Japón al final de la guerra, las regrabaciones de la misma (por artistas japoneses) se convirtieron en éxitos de ventas. A lo largo de los años ha sido reeditada muchas veces por artistas notables, principalmente dentro de Asia, pero también más allá (como Anneke Grönloh ), y en algunos lugares se la considera un ejemplo típico de la música indonesia. El propio Gesang sigue siendo el exponente más reconocido de este estilo, que aunque ahora se considera una forma algo rígida y "anticuada", sigue siendo popular entre grandes segmentos de la población, particularmente entre la generación mayor.
Después de la Segunda Guerra Mundial y durante la Revolución Nacional de Indonesia (1945-1949) y posteriormente, el kroncong se asoció con el patriotismo, ya que muchos de los poetas y autores de canciones patrióticas indonesios utilizan el kroncong y algo de jazz fusión como género de sus obras. El tema patriótico y el romance romántico en tiempos de guerra eran evidentes en las obras de Ismail Marzuki , como " Rayuan Pulau Kelapa ", " Indonesia Pusaka ", "Sepasang Mata Bola", "Keroncong Serenata" y "Juwita Malam". Estas canciones patrióticas pueden cantarse en himnos o incluso en orquesta, pero la mayoría de las veces se cantaban en estilo kroncong conocido como kroncong perjuangan (kroncong de lucha). Las divas del kroncong; Waldjinah, Sundari Sukoco y Hetty Koes Endang , fueron fundamentales para revivir el estilo en la década de 1980.
Hay un estilo de kroncong originario de Surakarta (Solo) llamado langgam jawa , que fusiona el kroncong con la escala de siete notas del gamelan .
A principios del siglo XX, el kroncong se utilizaba en un tipo de teatro llamado Komedi Stambul ; la música adaptada para este fin se denominaba gambang kromong. El gambang kromong es muy común en la cultura betawi de Yakarta.
Tanjidor es un conjunto musical tradicional Betawi de Yakarta. [22] Los instrumentos utilizados son casi los mismos que los de una banda militar de marcha y/o un cuerpo de tambores / cuerpo de tambores y cornetas , normalmente consta de tuba o sousafón , trompeta , clarinete , pandereta y tambores. [23] El término tanjidor se deriva del portugués tanger (tocar música) y tangedor (tocar música al aire libre), posteriormente adoptado en lengua Betawi como tanji (música). [23] Además de Yakarta, el conjunto musical tanjidor también se puede encontrar en Pontianak , Kalimantan Occidental . [24]
Estilo musical de fusión de música tradicional javanesa y dangdut que prevalece en la esfera cultural javanesa , principalmente en Java Central , Yogyakarta y Java Oriental . Tal vez su artista actual más importante sea Didi Kempot . En la parte occidental de Java, el dangdut sundanés o la versión campursari del sundanés nació y se desarrolló a partir de la música tradicional de Jaipong con un ritmo de tambor distintivo .
El dangdut es un género musical tradicional popular de Indonesia que se deriva en parte de la música india, árabe y malaya. Consiste en música melodiosa y armónica con la tabla como ritmo de percusión, especialmente en las versiones clásicas del dangdut. Originalmente era una música de baile indonesia que se ha extendido por todo el sudeste asiático y se convirtió en el estilo pop dominante a mediados de la década de 1970. Famoso por su ritmo palpitante y las letras ligeramente moralistas que atraen a los jóvenes, las estrellas del dangdut dominan la escena pop moderna. Sin embargo, el dangdut, especialmente interpretado por cantantes femeninas, también presenta a menudo movimientos de baile sugerentes y letras traviesas para atraer a un público más amplio. Este desarrollo fue firmemente rechazado por los artistas de dangdut de la generación anterior, conservadores.
Dangdut se basa en los cantantes y las estrellas incluyen a Rhoma Irama y Elvy Sukaesih (el rey y la reina de Dangdut), Mansyur S. , A. Rafiq , Camelia Malik y Fahmy Shahab; junto con Cici Paramida, Evie Tamala , Inul Daratista , Julia Perez y Dewi Perssik de la generación más joven.
La música contemporánea de Indonesia es diversa y vibrante. [ ¿según quién? ] A lo largo de su historia, los músicos indonesios estuvieron abiertos a las influencias extranjeras de varios géneros musicales del mundo. El jazz estadounidense se comercializó intensamente en Asia, y los músicos indonesios imitaron los foxtrots, los tangos, las rumbas, el blues y los estilos de guitarra hawaiana. [25] Como resultado, se desarrollaron varios géneros dentro del marco de la música indonesia: pop indonesio, rock, gospel, jazz, R&B y hip hop.
La música indonesia también juega un papel vital en la cultura pop creativa indonesia, [ ¿según quién? ] especialmente como bandas sonoras o canciones temáticas del cine indonesio y sinetrons (dramas de televisión indonesios). La película indonesia Badai Pasti Berlalu (1977) también produjo un éxito de banda sonora con el mismo título en el mismo año, la banda sonora fue rehecha en 1999 con Chrisye como cantante principal e interpretada por Erwin Gutawa en estilo orquesta. En 2007, la película fue rehecha nuevamente con una nueva banda sonora que aún presenta las mismas canciones interpretadas por artistas de la generación más joven. Otra popular película indonesia sobre la mayoría de edad de adolescentes, Ada Apa Dengan Cinta (2002), también produjo éxitos de banda sonora exitosos con la mayoría de las canciones escritas e interpretadas por Melly Goeslaw .
En la actualidad, la industria musical de Indonesia goza de popularidad a nivel nacional. Gracias a la cultura común y a los idiomas inteligibles entre el indonesio y el malayo , la música indonesia gozó de popularidad regional en países vecinos como Malasia , Singapur y Brunei . Sin embargo, la abrumadora popularidad de la música indonesia en Malasia había alarmado a la industria musical malasia. En 2008, la industria musical malasia exigió la restricción de las canciones indonesias en las emisiones de radio malasias. [26]
La música clásica occidental llegó a Indonesia en la era de las Indias Orientales Holandesas ya en el siglo XVIII, pero solo la disfrutaban un puñado de ricos propietarios de plantaciones holandesas y oficiales en clubes sociales de élite y salones de baile como la Societeit Harmonie en Batavia y la Societeit Concordia en Bandung . De Schouwburg van Batavia (hoy Gedung Kesenian Jakarta) fue diseñado como sala de conciertos en el siglo XIX. La música clásica ha estado restringida a los ciudadanos refinados, ricos y educados de clase alta, y nunca penetró en el resto de la población durante la era colonial de las Indias Orientales. [ cita requerida ] El tipo de música de origen occidental que trascendió la barrera social en ese momento fue el Kroncong, conocida como música de clase baja.
En la época colonial holandesa se creó un grupo amateur llamado Orquesta Filarmónica de Bataviasche . Se convirtió en la orquesta NIROM cuando nació la emisora de radio Nederlandsch-Indische Radio Omroep Maatschappij en 1912. Hoy se la conoce como la Orquesta Sinfónica de Yakarta y ha existido en el mundo musical del país durante casi un siglo a través de sus formatos cambiantes para adaptarse a las tendencias y necesidades predominantes. En 1950, una fusión de la Orquesta Cosmopolita bajo la dirección de Joel Cleber y la Orquesta del Estudio de Yakarta bajo la dirección de Sutedjo e Iskandar surgió como la Orquesta de la Radio de Yakarta bajo la dirección de Henkie Strake para repertorios clásicos, y la Orquesta del Estudio de Yakarta dirigida por Syaiful Bachri se especializó en piezas indonesias. En 2010, la Orquesta Sinfónica de Yakarta realizó un regreso después de una ausencia bastante larga. [27]
En la década de 1960 a 1980, la música clásica en Indonesia se transmitió principalmente por el servicio de radiodifusión nacional Radio Republik Indonesia ( RRI ) y la estación de televisión nacional Televisi Republik Indonesia ( TVRI ) a través de sus programas. Durante estas décadas, la orquesta clásica se desarrolló principalmente en las universidades como una actividad extracurricular para estudiantes que incluía el coro . En la década de 1990, el grupo de orquesta sinfónica profesional comenzó a tomar forma, en particular la Orquesta Twilite dirigida por Adie MS, fundada en junio de 1991, inicialmente un conjunto con 20 músicos. El conjunto se ha desarrollado desde entonces en una orquesta sinfónica completa con 70 músicos, un Coro Twilite de 63 miembros y un repertorio que va desde Beethoven hasta The Beatles . [28] La orquesta ha jugado un papel en la promoción de la música indonesia, especialmente en la preservación de canciones nacionales de compositores indonesios y canciones tradicionales. Con la ayuda de la Orquesta Filarmónica de Victoria y el Coro Twilite, Addie MS volvió a grabar el himno nacional de Indonesia, Indonesia Raya , de WR Supratman en su arreglo orquestal original de Jos Cleber , así como otras canciones nacionales populares de Indonesia en el álbum Simfoni Negeriku .
El compositor indonesio considerado más destacado y conocido en todo el mundo en el campo de la música clásica y contemporánea es Ananda Sukarlan (nacido en 1968), con numerosas obras orquestales, de cámara e instrumentales. Sus obras más famosas son una serie de Rapsodia Nusantara virtuosa para piano solo, con motivos musicales basados en melodías populares indonesias. Ha escrito obras para músicos como la Orquesta Sinfónica de Boston , el violinista Midori Goto, etc., y sus obras se interpretan ampliamente en todo el mundo.
Hoy en día, ciudades importantes como Yakarta , Bandung , Yogyakarta , Surabaya , Medan y Batam no son ajenas a la música orquestal, ya que cuentan con sus propios grupos sinfónicos. Yakarta, por ejemplo, cuenta con la Orquesta Sinfónica Nusantara, la Orquesta Twilite y la Orquesta de Cámara de Yakarta.
Indonesia también tiene muchas canciones patrióticas que la población usa, toca y memoriza. Algunas de estas canciones nacionales se usaron durante la era colonial de las Indias Orientales Holandesas , la ocupación japonesa y la Indonesia actual . Muchas de estas canciones se han grabado utilizando grabaciones orquestales en diferentes álbumes, como 'Simfoni Negeriku' dirigida por Addie MS .
La música pop indonesia actual, conocida simplemente como "pop indonesio", a veces está influenciada por tendencias y grabaciones de la música occidental. [25] Aunque las influencias que van desde el pop estadounidense , el pop británico y también el J-pop asiático son obvias, el fenómeno pop indonesio no es completamente derivado; expresa los sentimientos y estilos de la vida indonesia contemporánea.
Koes Bersaudara, que más tarde se formó como Koes Plus , es considerado uno de los pioneros de la música pop y rock and roll de Indonesia en los años 1960 y 1970. Las influencias musicales estadounidenses y británicas eran obvias en la música de Koes Bersaudara; se sabía que The Beatles eran las principales influencias de esta banda. Varios músicos indonesios sobrevivieron a lo largo de las décadas y se convirtieron en leyendas de la música indonesia, como los cantantes de pop y baladas Iwan Fals y Chrisye ; la leyenda del rock God Bless , Panbers y D'Lloyd; el maestro del dangdut Rhoma Irama . Una de las cantantes indonesias más influyentes en la escena de la música pop, especialmente a principios de 2000, es Agnes Monica, que más tarde se conocería como Agnez Mo.
Desde finales de los 90 hasta los 2000, las bandas populares incluyen Slank , Dewa 19 , Peterpan , Gigi , Sheila on 7 , Jamrud , Padi , Ungu , Radja , Letto , D'Masiv y Nidji , todas las cuales realizan giras regulares por Indonesia, Singapur y Malasia. y apareció en MTV Asia .
Algunas bandas pop indonesias han recuperado sus raíces malayas y han revivido un género llamado "Band Pop Melayu" ( Banda Pop Malaya ) que se hizo popular a finales de los años 2000. Las bandas pop malayas incluyen Kangen Band , WALI , Hijau Daun, Armada, Angkasa y ST 12 .
La música pop indonesia de los años 1980 y 1990 se conoce comúnmente como " pop urbano indonesio ", debido a sus similitudes percibidas con el género japonés. El pop urbano japonés ganó popularidad entre los jóvenes y los músicos aficionados a fines de la década de 2010 a través de Internet .
Las influencias extranjeras más recientes en la música pop indonesia provienen del pop japonés. Varias bandas como J-Rocks emulan la cultura pop japonesa. Los grupos de chicas también se están extendiendo entre las bandas de chicos, como 7icons y Cherrybelle , así como JKT48 , que es una rama de la japonesa AKB48 .
Al igual que la música pop, la escena del rock indonesio también estuvo fuertemente influenciada por el desarrollo de la música rock en Estados Unidos. Las bandas de rock indonesias más influyentes fueron probablemente Panbers y God Bless , que fueron populares en los años 1970 y 1980. A fines de la década de 1980 y mediados de la década de 1990, varias cantantes de rock conocidas popularmente como "Lady Rockers" fueron famosas en Indonesia, como Nicky Astria , Nike Ardilla y Anggun , quien comenzó su carrera como cantante de pop-rock en Indonesia antes de mudarse a Francia y seguir su carrera internacional. Otras bandas de rock notables incluyen Slank y Jamrud . También existen bandas de metal, como la banda de metalcore Killing Me Inside , la banda de death metal / grindcore Jasad y la banda de groove metal / metalcore Burgerkill . La escena de la música punk también tuvo un éxito underground constante, con bandas como Pee Wee Gaskins , Superman Is Dead y Netral que llegaron a la corriente principal. Un acto notable de la música ska es Tipe-X .
En Indonesia se ha desarrollado una importante escena musical experimental , con muchos grupos que combinan técnicas vocales e instrumentación tradicionales indonesias con géneros metaleros y electrónicos como el gabber y el ambient . La banda experimental Senyawa ha logrado un éxito internacional con estas fusiones. Sellos como Yes No Wave en Yogyakarta han estado a la vanguardia de la promoción de la escena experimental indonesia.
La música gospel también tiene una gran influencia en Indonesia. La música gospel comenzó a entrar en Indonesia en la década de 1980 cuando fue traída por figuras evangélicas de los Estados Unidos ( Movimiento Evangélico ). La música gospel en sí experimentó su pico de popularidad en Indonesia en la década de 1991, momento en el que Franky Sihombing creó muchas canciones espirituales cristianas . La entrada de la música gospel en Indonesia no fue muy buscada por los amantes de la música en Indonesia, pero trajo muchos cambios a la música de la iglesia . Actualmente, muchas iglesias en Indonesia usan la música gospel como un medio de su adoración. Aparte de eso, también hay muchos músicos gospel indonesios famosos que lanzan canciones para las congregaciones indonesias como un medio de evangelización y discipulado. Aparte de eso, también hay muchos músicos gospel indonesios conocidos como Joy Tobing , Sidney Mohede, Sari Simorangkir y Franky Sihombing, así como músicos de equipos de alabanza y adoración de la iglesia como JPCC Worship. La música gospel en Indonesia ahora se ha expandido a todo un género de música espiritual cristiana.
En los últimos años, la música gospel también se ha vuelto cada vez más popular entre los indonesios, especialmente entre los cristianos. Los conciertos de música gospel que se celebran en Indonesia siempre están repletos de fanáticos de la música gospel de varios círculos, especialmente las reuniones de avivamiento cristiano. Aparte de eso, la música gospel de Indonesia también es popular en las iglesias de los países vecinos, como Malasia , lo cual es común porque el malayo se usa en ese país como idioma oficial y como idioma de instrucción para el culto, que tiene idiomas similares como el indonesio, por lo que está estrechamente relacionado y, en parte, es mutuamente comprensible.
Algunos músicos y bandas indonesios exploraron la música jazz . Entre los músicos de jazz indonesios más destacados se encuentran Jack Lesmana, Benny Likumahuwa, Benny Mustafa, Maryono, Bubi Chen Maliq y D'Essentials . Otros grupos fusionan la música jazz fusión occidentalizada contemporánea con las tradiciones musicales étnicas tradicionales de su ciudad natal. En el caso de Krakatau y SambaSunda , bandas de Java Occidental, se toca el tradicional kacapi suling y la orquesta gamelan de Sundanese junto con la batería, el teclado y las guitarras. El Festival Internacional de Jazz de Java de Yakarta se celebra anualmente. El último desarrollo del jazz en Indonesia se refleja en la celebración de numerosos festivales de jazz cada año.
En la actualidad, el R&B es uno de los géneros musicales más populares desarrollados por los músicos en Indonesia. Tanto los músicos que ya tienen una gran reputación como los recién llegados presentan sus propios matices musicales, lo que es suficiente para ayudar a introducir el R&B de manera más amplia y lograr su aceptación por parte de diversos grupos de la sociedad indonesia.
En Indonesia, la música hip-hop fue introducida por primera vez por Benyamin Sueb y Farid Hardja. Luego, otros músicos de hip-hop también introdujeron la música hip-hop al público, como Iwa-K y otros músicos de hip-hop.
En los años 80, cuando los jóvenes todavía amaban la música rock, Iwa-K comenzó a involucrarse con la música rap, un género musical que pone más énfasis en las técnicas de charla que en el uso de instrumentos musicales.
A finales de la década de 2000, varias bandas indie como Mocca , White Shoes & the Couples Company y Efek Rumah Kaca surgieron en la cultura mainstream, proporcionando bandas sonoras para películas y giras posteriores en territorios extranjeros. Al entrar en la nueva década (2010), la música indie irrumpió en la cultura mainstream con su atractivo mucho mayor entre los adolescentes debido a sus sonidos minimalistas y melancólicos y letras relacionadas con la edad. El avance comercial de su género fue liderado por Payung Teduh, Fourtwenty, Stars and Rabbit, Danilla, Banda Neira, Barasuara y Fiersa Besari .
El angklung se ha convertido en un auténtico símbolo de la cultura sondanesa.
