La impresión en madera en Japón (木版画, mokuhanga ) es una técnica más conocida por su uso en el género artístico ukiyo-e [1] de hojas sueltas, pero también se utilizó para imprimir libros en el mismo período. Inventada en China durante la dinastía Tang , la impresión con bloques de madera fue ampliamente adoptada en Japón durante el período Edo (1603-1868) y, similar a la xilografía en el grabado occidental en algunos aspectos, la técnica mokuhanga se diferencia en que utiliza tintas a base de agua, en lugar de hasta la xilografía occidental, que normalmente utiliza tintas a base de aceite. Las tintas japonesas a base de agua proporcionan una amplia gama de colores vivos, veladuras y transparencias.
La impresión en madera se inventó en China durante la dinastía Tang y finalmente emigró a Japón a finales del siglo VII, donde se utilizó por primera vez para reproducir literatura extranjera. [2] En 764, la emperatriz Kōken encargó un millón de pequeñas pagodas de madera, cada una de las cuales contenía un pequeño rollo de madera impreso con un texto budista ( Hyakumantō Darani ). Estos se distribuyeron en templos de todo el país como agradecimiento por la represión de la rebelión Emi de 764. Estos son los primeros ejemplos de impresión en madera conocidos o documentados en Japón . [3]
En el siglo XI, los templos budistas de Japón produjeron libros impresos de sutras , mandalas y otros textos e imágenes budistas. Durante siglos, la imprenta estuvo restringida principalmente a la esfera budista, ya que era demasiado costosa para la producción en masa y no tenía como mercado un público receptivo y alfabetizado. Sin embargo, un importante conjunto de abanicos de finales del período Heian (siglo XII), que contienen imágenes pintadas y sutras budistas, revelan, por la pérdida de pintura, que el dibujo subyacente de las pinturas se imprimió a partir de bloques. [4] En el período Kamakura , del siglo XII al siglo XIII, muchos libros se imprimieron y publicaron mediante impresión en madera en los templos budistas de Kioto y Kamakura . [3]
La embajada de Tenshō trajo a Japón una imprenta de tipos móviles de estilo occidental en 1590, y se utilizó por primera vez para imprimir en Kazusa, Nagasaki en 1591. Sin embargo, el uso de la imprenta occidental se suspendió después de la prohibición del cristianismo en 1614. [3] [5] La imprenta confiscada en Corea por las fuerzas de Toyotomi Hideyoshi en 1593 también se utilizaba al mismo tiempo que la imprenta europea. En 1598 se imprimió una edición de las Analectas confucianas , utilizando una imprenta de tipos móviles coreana, por orden del emperador Go-Yōzei . [3] [6]
Tokugawa Ieyasu estableció una escuela de imprenta en Enko-ji en Kioto y comenzó a publicar libros utilizando una imprenta doméstica de tipos móviles de madera en lugar de metal a partir de 1599. Ieyasu supervisó la producción de 100.000 tipos, que se utilizaron para imprimir muchos libros políticos e históricos. En 1605, comenzaron a publicarse libros que utilizaban una imprenta doméstica de tipos móviles de cobre, pero los tipos de cobre no se generalizaron después de la muerte de Ieyasu en 1616. [3]
Los grandes pioneros en la aplicación de la imprenta de tipos móviles a la creación de libros artísticos, y en la producción en masa para el consumo general, fueron Honami Kōetsu y Suminokura Soan. En su estudio de Saga, Kioto, la pareja creó una serie de versiones en madera de los clásicos japoneses, tanto texto como imágenes, esencialmente convirtiendo emaki (pergaminos) en libros impresos y reproduciéndolos para un consumo más amplio. Estos libros, ahora conocidos como Libros Kōetsu, Libros Suminokura o Libros Saga (嵯峨本, Saga-bon ) , se consideran las primeras y mejores reproducciones impresas de muchos de estos cuentos clásicos; Es especialmente famoso el Libro de la Saga de los Cuentos de Ise ( Ise monogatari ), impreso en 1608. [7] Por razones estéticas, el tipo de letra del Saga-bon , al igual que el de los libros escritos a mano tradicionales, adoptó el renmen-tai (ja), en el que varios caracteres se escriben sucesivamente con suaves pinceladas. Como resultado, a veces se creaba un solo tipo de letra combinando de dos a cuatro caracteres kanji o hiragana semicursivos y cursivos . En un libro se crearon 2.100 personajes, pero el 16% de ellos se utilizaron sólo una vez. [8] [9] [10]
Sin embargo, a pesar del atractivo de los tipos móviles, los artesanos pronto decidieron que el estilo de escritura semicursiva y cursiva de los escritos japoneses se reproducía mejor utilizando bloques de madera. En 1640, las tablas de madera volvieron a utilizarse para casi todos los fines. [11] Después de la década de 1640, la impresión de tipos móviles decayó y los libros se produjeron en masa mediante impresión en madera convencional durante la mayor parte del período Edo . [3] [12]
La producción masiva de grabados en madera en el período Edo se debió a la alta tasa de alfabetización de los japoneses en aquellos días. La tasa de alfabetización de los japoneses en el período Edo era casi del 100% para la clase samurái y del 50% al 60% para la clase chōnin y nōmin (granjeros) debido a la proliferación de escuelas privadas terakoya . Había más de 600 librerías de alquiler en Edo , y la gente prestaba libros ilustrados impresos en madera de diversos géneros. Si bien los libros de la saga se imprimieron en papel caro y utilizaron varios adornos, imprimiéndose específicamente para un pequeño círculo de conocedores literarios, otros impresores en Edo adaptaron rápidamente la impresión en madera convencional para producir libros más baratos en grandes cantidades, para un consumo más general. El contenido de estos libros variaba ampliamente, incluyendo guías de viaje, libros de jardinería, libros de cocina, kibyōshi (novelas satíricas), sharebon (libros sobre cultura urbana), kokkeibon (cómics), ninjōbon (novela romántica), yomihon , kusazōshi , libros de arte, guiones de obras para el teatro kabuki y jōruri (teatro de marionetas), etc. Los libros más vendidos de este período fueron Kōshoku Ichidai Otoko (La vida de un hombre amoroso) de Ihara Saikaku , Nansō Satomi Hakkenden de Takizawa Bakin y Tōkaidōchū Hizakurige de Jippensha Ikku. , y estos libros se reimprimieron muchas veces. [3] [13] [14] [15] [16]
Desde el siglo XVII hasta el siglo XIX, los ukiyo-e que representaban temas seculares se hicieron muy populares entre la gente común y se produjeron en masa. ukiyo-e se basa en actores de kabuki , luchadores de sumo , mujeres hermosas, paisajes de lugares turísticos, cuentos históricos, etc., y Hokusai e Hiroshige son los artistas más famosos. En el siglo XVIII, Suzuki Harunobu estableció la técnica de impresión en madera multicolor llamada nishiki-e y desarrolló enormemente la cultura japonesa de la impresión en madera como el ukiyo-e . El ukiyo-e influyó en el japonismo y el impresionismo europeos . [3] [13] Yoshitoshi fue llamado el último gran maestro del ukiyo-e , y sus representaciones crueles y expresiones fantásticas influyeron en la literatura y el anime japoneses posteriores . [17] [18] El precio de un ukiyo-e en ese momento era de aproximadamente 20 meses , y el precio de un plato de fideos soba era de 16 meses, por lo que el precio de un ukiyo-e era de varios cientos de yenes a 1000 yenes en ese momento . la moneda de hoy. [19]
Muchas editoriales surgieron y crecieron, publicando tanto libros como impresiones de una sola hoja. Uno de los más famosos y exitosos fue Tsuta-ya . La propiedad por parte de un editor de los bloques de madera físicos utilizados para imprimir un texto o una imagen determinados constituía el equivalente más cercano al concepto de " derecho de autor " que existía en ese momento. Los editores o los particulares podían comprarse bloques de madera entre sí y así hacerse cargo de la producción de ciertos textos, pero más allá de la propiedad de un conjunto determinado de bloques (y, por tanto, de una representación muy particular de un tema determinado), no existía una concepción legal de la propiedad. propiedad de las ideas. Las obras fueron adoptadas por teatros competidores y se podían reproducir al por mayor o adaptar elementos de la trama o personajes individuales; esta actividad se consideraba legítima y rutinaria en ese momento. [20]
Después del declive del ukiyo-e y la introducción de tecnologías de impresión modernas, la impresión en madera continuó como método para imprimir textos y también para producir arte, tanto dentro de modos tradicionales como el ukiyo-e como en una variedad de formas más radicales u occidentales que podría interpretarse como arte moderno . A principios del siglo XX, se hizo popular el shin-hanga que fusionaba la tradición del ukiyo-e con las técnicas de la pintura occidental, y las obras de Hasui Kawase y Hiroshi Yoshida ganaron popularidad internacional. [21] [22] Institutos como el "Instituto Adachi de Grabados en Madera" y "Takezasado" continúan produciendo grabados ukiyo-e con los mismos materiales y métodos que se utilizaban en el pasado. [23] [24]
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Con la entrada de la modernidad, en Japón se produjo una renovación del grabado en madera, el hanga . Tras la muerte de Hiroshige en 1858, el ukiyo-e prácticamente desapareció. Sus últimas manifestaciones corresponden a Goyō Hashiguchi , quien ya muestra una clara influencia occidental en el realismo y tratamiento plástico de sus imágenes. Con la entrada del siglo XX, los artistas que practicaban el grabado evolucionaron hacia un estilo más acorde con el gusto japonés moderno. Uno de sus primeros exponentes fue Hiroshi Yoshida , autor de paisajes influidos por la acuarela inglesa del siglo XIX. En 1918 se fundó la Nippon Sōsaku Hanga Kyōkai (Asociación de Artistas del Grabado de Japón), un grupo de artistas que sintetizaron la pintura tradicional japonesa con la nueva estética occidental. Entre sus miembros se destacaron Kōshirō Onchi , Un'ichi Hiratsuka y Shikō Munakata . El primero, influido por Vasili Kandinsky , fue el primero en realizar grabados abstractos, de un estilo claramente oriental por su cromatismo de tonos suaves y por su lirismo e imaginación. Hiratsuka fue más tradicional en técnica y elección de temas, con preferencia por la monocromía en blanco y negro, en temas que iban desde el budismo hasta paisajes y escenas populares, en los que combinaba métodos tradicionales con efectos modernos. Munakata destacó por su obra original, personal y expresiva, con un sello inconfundible. También se centró en temas budistas, generalmente también monocromáticos, pero con un estilo libre, desenfadado, de apariencia descuidada pero de gran vitalidad. [25]
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La técnica para imprimir textos e imágenes era en general similar. Las diferencias evidentes eran el volumen que se producía al trabajar con los textos (muchas páginas para una sola obra), y la complejidad de los múltiples colores en algunas imágenes. Las imágenes de los libros casi siempre eran monocromáticas (solo tinta negra) y, durante un tiempo, las impresiones artísticas también eran monocromáticas o estaban realizadas en sólo dos o tres colores.
El texto o la imagen se dibuja primero en un fino washi (papel japonés), llamado gampi , y luego se pega boca abajo sobre una tabla de madera de fibra densa, generalmente un bloque de cerezo liso. Se podría utilizar óleo para hacer más visibles las líneas de la imagen. Se hace una incisión a lo largo de ambos lados de cada línea o área. Luego se cincela la madera según los contornos del dibujo. El bloque se entinta con un pincel y luego se utiliza una herramienta manual plana llamada baren para presionar el papel contra el bloque de madera y aplicar la tinta al papel. El baren tradicional se fabrica en tres partes: consta de un núcleo interior hecho de hojas de bambú retorcidas en una cuerda de diferentes espesores, siendo los nódulos así creados los que finalmente aplican la presión sobre la impresión. Esta bobina está contenida en un disco llamado "ategawa" hecho de capas de papel muy fino que se pegan entre sí y se envuelven en una hoja de bambú humedecida, cuyos extremos luego se atan para crear un mango. Los impresores modernos han adaptado esta herramienta y hoy en día se utilizan barras de aluminio con rodamientos de bolas para aplicar la presión, así como versiones de plástico menos costosas.
Las primeras impresiones eran simplemente de un color ( sumizuri-e ), con colores adicionales aplicados a mano ( kappazuri-e ). El desarrollo de dos marcas de registro talladas en los bloques llamados "kento" fue especialmente útil con la introducción de múltiples colores que debían aplicarse con precisión sobre capas de tinta anteriores. La hoja de papel que se va a imprimir se coloca en el kento y luego se baja sobre el bloque de madera.
Si bien, una vez más, el texto era casi siempre monocromático, al igual que las imágenes de los libros, el crecimiento de la popularidad del ukiyo-e trajo consigo una demanda de un número cada vez mayor de colores y una complejidad de técnicas. Las etapas de este desarrollo son las siguientes:
El grabado japonés, como ocurre con muchas otras características del arte japonés, tendió a organizarse en escuelas y movimientos. Las escuelas más notables (ver también escuelas de artistas de ukiyo-e ) y, posteriormente, movimientos de moku-hanga fueron:
Otros artistas, como Sharaku , Kabukidō Enkyō , Sugakudo y Shibata Zesshin, se consideran artistas independientes, libres de asociaciones escolares y, presumiblemente, sin los beneficios resultantes de los editores, quienes podrían estar menos inclinados a producir impresiones de un artista no afiliado. Sin embargo, muchos de los ejemplos supervivientes hablan de lo contrario. Los primeros ejemplos de estos artistas se encuentran entre los más deseables, valiosos y raros de todos los ukiyo-e. Además, muchos ejemplos exhiben una impresión muy fina, utilizando mica costosa ( kirazuri ), tintas de primera calidad y papeles de la más alta calidad. [27]
A continuación se muestran los tamaños de impresión comunes del período Tokugawa. Los tamaños variaron según la época, y los indicados son aproximados; se basan en los tamaños del papel previo a la impresión y, a menudo, el papel se recortaba después de la impresión. [29]
Los términos japoneses para los formatos de imágenes vertical (retrato) y horizontal (paisaje) son tate-e (立て絵) y yoko-e (横絵), respectivamente.
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