Cine clásico de Hollywood es un término utilizado en la crítica cinematográfica para describir un estilo cinematográfico tanto narrativo como visual que se desarrolló por primera vez entre las décadas de 1910 y 1920, durante los últimos años de la era del cine mudo . Luego se convirtió en una característica del cine estadounidense durante la Edad de Oro de Hollywood , aproximadamente entre 1927 (con la llegada del cine sonoro ) y 1960. [1] Con el tiempo se convirtió en el estilo cinematográfico más poderoso y omnipresente en todo el mundo. [2]
Términos similares o asociados incluyen la narrativa clásica de Hollywood , la Edad de Oro de Hollywood , el Viejo Hollywood y la continuidad clásica . [3] El período también se conoce como la era de los estudios , que también puede incluir películas de finales de la era del cine mudo. [1]
Durante milenios, el único estándar visual del arte narrativo fue el teatro . Desde las primeras películas narrativas a mediados de la década de 1890, los cineastas han buscado capturar el poder del teatro en vivo en la pantalla del cine. La mayoría de estos cineastas comenzaron como directores en los escenarios de finales del siglo XIX y, de la misma manera, la mayoría de los actores de cine tenían raíces en el vodevil (por ejemplo, Los hermanos Marx [4] ) o los melodramas teatrales. Visualmente, las primeras películas narrativas se habían adaptado poco del escenario y sus narrativas se habían adaptado muy poco del vodevil y el melodrama. Antes del estilo visual que se conocería como "continuidad clásica", las escenas se filmaban en plano completo y se utilizaba una puesta en escena cuidadosamente coreografiada para retratar la trama y las relaciones de los personajes. La técnica de edición era extremadamente limitada y consistía principalmente en primeros planos de escritura sobre objetos para su legibilidad.
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Aunque carece de la realidad inherente al escenario, el cine (a diferencia del escenario) ofrece la libertad de manipular el tiempo y el espacio aparentes y así crear la ilusión de realismo: es decir, linealidad temporal y continuidad espacial. A principios de la década de 1910, cuando la Generación Perdida alcanzaba la mayoría de edad, el cine comenzaba a desarrollar su potencial artístico. En Suecia y Dinamarca, este período se conocería más tarde como la "Edad de Oro" del cine; En Estados Unidos, este cambio artístico se atribuye a cineastas como DW Griffith que finalmente rompieron el control del Edison Trust para hacer películas independientes del monopolio de producción. Las películas de todo el mundo comenzaron a adoptar notablemente elementos visuales y narrativos que se encontrarían en el cine clásico de Hollywood. 1913 fue un año particularmente fructífero para el medio, ya que directores pioneros de varios países produjeron películas como The Mothering Heart (DW Griffith), Ingeborg Holm ( Victor Sjöström ) y L'enfant de Paris ( Léonce Perret ), que establecieron nuevos estándares para el cine. El cine como forma de narrar. También fue el año en que Yevgeni Bauer (el primer verdadero artista cinematográfico, según Georges Sadoul [5] ) inició su corta pero prolífica carrera. [6]
En el mundo en general y en Estados Unidos específicamente, la influencia de Griffith en el cine fue incomparable. Igualmente influyentes fueron sus actores a la hora de adaptar sus actuaciones al nuevo medio. Lillian Gish , la estrella del cortometraje The Mothering Heart , es particularmente conocida por su influencia en las técnicas de interpretación en pantalla. La epopeya de Griffith de 1915 El nacimiento de una nación , también protagonizada por Gish, fue innovadora para el cine como medio de narración: una obra maestra de la narrativa literaria con numerosas técnicas visuales innovadoras. [7] La película inició tantos avances en el cine estadounidense que quedó obsoleta en unos pocos años. [8] Aunque 1913 fue un hito mundial para el cine, 1917 fue principalmente estadounidense; La era del "cine clásico de Hollywood" se distingue por un estilo narrativo y visual que comenzó a dominar el medio cinematográfico en Estados Unidos en 1917. [9]
El estilo narrativo y visual del estilo clásico de Hollywood se desarrolló aún más después de la transición a la producción de películas sonoras. Los principales cambios en el cine estadounidense provinieron de la propia industria cinematográfica, con el auge del sistema de estudios . Este modo de producción, con su star system reinante promovido por varios estudios clave, [10] había precedido al sonido durante varios años. A mediados de 1920, la mayoría de los destacados directores y actores estadounidenses, que habían trabajado de forma independiente desde principios de la década de 1910, tuvieron que convertirse en parte del nuevo sistema de estudios para seguir trabajando.
El comienzo de la era del sonido en sí está definido de manera ambigua. Para algunos, comenzó con The Jazz Singer , que se estrenó en 1927, cuando las Interbellum Generationers alcanzaron la mayoría de edad y aumentaron las ganancias de taquilla de las películas a medida que se introducía el sonido en los largometrajes. [11] Para otros, la era comenzó en 1929, cuando la era del silencio había terminado definitivamente. [12] [ se necesita mejor fuente ] La mayoría de las películas de Hollywood de finales de los años 1920 a 1960 se adhirieron estrechamente a un género (western, comedia slapstick , musical, dibujos animados y película biográfica (imagen biográfica)) y los mismos equipos creativos a menudo trabajaron en películas realizadas. por el mismo estudio. Por ejemplo, Cedric Gibbons y Herbert Stothart siempre trabajaron en películas de MGM ; Alfred Newman trabajó en 20th Century Fox durante veinte años; Casi todas las películas de Cecil B. DeMille se realizaron en Paramount Pictures ; [13] y las películas del director Henry King fueron realizadas principalmente para 20th Century Fox. De manera similar, los actores eran en su mayoría actores contratados. Los historiadores y críticos de cine señalan que tomó alrededor de una década para que las películas se adaptaran al sonido y volvieran al nivel de calidad artística de las películas mudas, lo que hicieron a fines de la década de 1930, cuando las Grandes Generaciones alcanzaron la mayoría de edad. [ cita necesaria ]
Muchas grandes obras cinematográficas que surgieron de este período fueron de realización cinematográfica muy reglamentada. Una de las razones por las que esto fue posible es que, como se hicieron tantas películas, no todas tenían que ser un gran éxito. Un estudio podría apostar por un largometraje de presupuesto medio, con un buen guión y actores relativamente desconocidos. Este fue el caso de Ciudadano Kane (1941), dirigida por Orson Welles y considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos . Otros directores de carácter fuerte, como Howard Hawks , Alfred Hitchcock y Frank Capra , lucharon contra los estudios para lograr sus visiones artísticas. El apogeo del sistema de estudios pudo haber sido el año 1939, cuando se lanzaron clásicos como El mago de Oz ; Lo que el viento se llevó ; El jorobado de Notre Dame ; Diligencia ; El señor Smith va a Washington ; Destry cabalga de nuevo ; El joven señor Lincoln ; Cumbres borrascosas ; Sólo los ángeles tienen alas ; Ninotchka ; Beau Gesté ; Bebés en brazos ; Gunga Din ; Las mujeres ; Adiós, señor Chips ; y Los locos años veinte . [14]
El estilo narrativo visual del cine clásico de Hollywood, elaborado por David Bordwell , [15] estuvo fuertemente influenciado por las ideas del Renacimiento y su resurgimiento de la humanidad como punto focal. Se distingue en tres niveles generales: dispositivos, sistemas y relaciones de sistemas.
Los recursos más inherentes al cine clásico de Hollywood son los del montaje en continuidad . Esto incluye la regla de los 180 grados , uno de los principales elementos visoespaciales de la edición de continuidad. La regla de los 180 grados sigue el estilo del "juego fotografiado" al crear un eje imaginario de 180 grados entre el espectador y la toma, lo que permite a los espectadores orientarse claramente dentro de la posición y dirección de la acción en una escena. Según la regla de los 30 grados , los cortes en el ángulo desde el que se ve la escena deben ser lo suficientemente significativos como para que el espectador comprenda el propósito del cambio de perspectiva. Los cortes que no siguen la regla de los 30 grados, conocidos como cortes con salto , alteran la ilusión de continuidad temporal entre tomas. Las reglas de 180 grados y 30 grados son pautas elementales en la realización cinematográfica que precedieron al inicio oficial de la era clásica en más de una década, como se ve en la película pionera francesa de 1902 Un viaje a la luna . Las técnicas de corte en la edición de continuidad clásica sirven para ayudar a establecer o mantener la continuidad, como en el corte transversal , que establece la concurrencia de acciones en diferentes localizaciones. Se permiten cortes de salto en forma de corte axial , que no cambia en absoluto el ángulo de disparo, pero tiene el claro propósito de mostrar una perspectiva más cercana o más alejada del sujeto, y por tanto no interfiere con la continuidad temporal. [dieciséis]
La narración clásica avanza siempre por motivación psicológica, es decir, por la voluntad de un personaje humano y su lucha con obstáculos hacia un objetivo definido. Este elemento narrativo se compone comúnmente de una narrativa primaria (por ejemplo, un romance) entrelazada con una narrativa o narrativas secundarias. Esta narrativa está estructurada con un comienzo, un desarrollo y un final inconfundibles, y generalmente hay una resolución distinta. La utilización de actores, eventos, efectos causales, puntos principales y puntos secundarios son características básicas de este tipo de narrativa. Los personajes del cine clásico de Hollywood tienen rasgos claramente definibles, son activos y muy orientados a objetivos. Son agentes causales motivados por preocupaciones psicológicas más que sociales. [2] La narrativa es una cadena de causa y efecto con agentes causales; en el estilo clásico, los eventos no ocurren al azar.
El tiempo en el Hollywood clásico es continuo, lineal y uniforme, ya que la no linealidad llama la atención sobre el funcionamiento ilusorio del medio. La única manipulación permitida del tiempo en este formato es el flashback . Se utiliza principalmente para introducir una secuencia de memoria de un personaje, por ejemplo , Casablanca . [17]
La regla más importante de la continuidad clásica con respecto al espacio es la permanencia del objeto: el espectador debe creer que la escena existe fuera del plano del marco cinematográfico para mantener el realismo de la imagen. El tratamiento del espacio en el Hollywood clásico se esfuerza por superar u ocultar la bidimensionalidad del cine ("estilo invisible") y está fuertemente centrado en el cuerpo humano. La mayoría de planos de una película clásica se centran en gestos o expresiones faciales (medio-largo y plano medio ). André Bazin comparó una vez el cine clásico con una obra de teatro fotografiada en el sentido de que los acontecimientos parecen existir objetivamente y que las cámaras sólo nos ofrecen la mejor visión de toda la obra. [18]
Este tratamiento del espacio consta de cuatro aspectos principales: centrar, equilibrar, frontalidad y profundidad. Las personas u objetos importantes se encuentran principalmente en la parte central del marco de la imagen y nunca desenfocados. El equilibrio se refiere a la composición visual, es decir, los personajes están distribuidos uniformemente por todo el encuadre. La acción se dirige sutilmente hacia el espectador (frontalidad) y el escenario , la iluminación (principalmente iluminación de tres puntos , especialmente iluminación de alto nivel ) y el vestuario está diseñado para separar el primer plano del fondo (profundidad).
El Nuevo Hollywood de mediados de los años 1960 a principios de los 1980 estuvo influenciado por el romanticismo de la era clásica, [19] al igual que la Nueva Ola francesa . [20]
Estos fueron reconocidos en la lista del American Film Institute que clasifica a las 25 leyendas masculinas y 25 femeninas más importantes de la pantalla de la historia del cine estadounidense. [21] A partir de 2024, Sophia Loren (89) es la única estrella viva en la lista.
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