El cine clásico de Hollywood es un término utilizado en la crítica cinematográfica para describir un estilo narrativo y visual de realización cinematográfica que se desarrolló por primera vez entre los años 1910 y 1920, durante los últimos años de la era del cine mudo . Luego se convirtió en una característica del cine estadounidense durante la Edad de Oro de Hollywood , entre aproximadamente 1927 (con la llegada del cine sonoro ) y 1969. [1] Con el tiempo se convirtió en el estilo de realización cinematográfica más poderoso y generalizado en todo el mundo. [2]
Términos similares o asociados incluyen narrativa clásica de Hollywood , la Edad de Oro de Hollywood , el Viejo Hollywood y la continuidad clásica . [3] El período también se conoce como la era de los estudios , que también puede incluir películas de la última era del cine mudo. [1]
Durante milenios, el único estándar visual del arte narrativo fue el teatro . Desde las primeras películas narrativas a mediados y fines de la década de 1890, los cineastas han buscado capturar el poder del teatro en vivo en la pantalla del cine. La mayoría de estos cineastas comenzaron como directores en el escenario de fines del siglo XIX y, del mismo modo, la mayoría de los actores de cine tenían raíces en el vodevil (por ejemplo, Los hermanos Marx [4] ) o los melodramas teatrales. Visualmente, las primeras películas narrativas se habían adaptado poco del teatro, y sus narrativas se habían adaptado muy poco del vodevil y el melodrama. Antes del estilo visual que se conocería como "continuidad clásica", las escenas se filmaban en plano completo y se usaba una puesta en escena cuidadosamente coreografiada para retratar la trama y las relaciones entre los personajes. La técnica de edición era extremadamente limitada y, en su mayoría, consistía en primeros planos de escritura en objetos para su legibilidad.
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Aunque carece de la realidad inherente al teatro, el cine (a diferencia del teatro) ofrece la libertad de manipular el tiempo y el espacio aparentes, y así crear la ilusión de realismo, es decir, linealidad temporal y continuidad espacial. A principios de la década de 1910, cuando la Generación Perdida estaba llegando a la mayoría de edad, la realización cinematográfica estaba comenzando a alcanzar su potencial artístico. En Suecia y Dinamarca, este período sería conocido más tarde como la "Edad de Oro" del cine; en Estados Unidos, este cambio artístico se atribuye a cineastas como D. W. Griffith que finalmente rompieron el control del Edison Trust para hacer películas independientes del monopolio de la fabricación. Las películas de todo el mundo comenzaron a adoptar notablemente elementos visuales y narrativos que se encontrarían en el cine clásico de Hollywood. 1913 fue un año particularmente fructífero para el medio, ya que directores pioneros de varios países produjeron películas como The Mothering Heart (D. W. Griffith), Ingeborg Holm ( Victor Sjöström ) y L'enfant de Paris ( Léonce Perret ) que establecieron nuevos estándares para el cine como forma de narración. También fue el año en que Yevgeni Bauer (el primer verdadero artista de cine, según Georges Sadoul [5] ) comenzó su corta, pero prolífica, carrera. [6]
En el mundo en general y en Estados Unidos en particular, la influencia de Griffith en el cine fue incomparable. Igualmente influyentes fueron sus actores a la hora de adaptar sus actuaciones al nuevo medio. Lillian Gish , la estrella del cortometraje The Mothering Heart , es especialmente conocida por su influencia en las técnicas de interpretación en pantalla. La epopeya de Griffith de 1915 El nacimiento de una nación , también protagonizada por Gish, fue pionera en el cine como medio de narración: una obra maestra de la narrativa literaria con numerosas técnicas visuales innovadoras. [7] La película inició tantos avances en el cine estadounidense que quedó obsoleta en pocos años. [8] Aunque 1913 fue un hito mundial para el cine, 1917 fue principalmente estadounidense; la era del "cine clásico de Hollywood" se distingue por un estilo narrativo y visual que comenzó a dominar el medio cinematográfico en Estados Unidos en 1917. [9]
El estilo narrativo y visual del estilo clásico de Hollywood se desarrolló aún más después de la transición a la producción de películas sonoras. Los principales cambios en la producción cinematográfica estadounidense vinieron de la propia industria cinematográfica, con el auge del sistema de estudios . Este modo de producción, con su sistema de estrellas reinante promovido por varios estudios clave, [10] había precedido al sonido por varios años. A mediados de 1920, la mayoría de los directores y actores estadounidenses destacados, que habían trabajado de forma independiente desde principios de la década de 1910, tuvieron que convertirse en parte del nuevo sistema de estudios para seguir trabajando.
El comienzo de la era del sonido en sí está definido de manera ambigua. Para algunos, comenzó con El cantante de jazz , que se estrenó en 1927, cuando la Generación de Interbellum alcanzó la mayoría de edad y aumentó las ganancias de taquilla de las películas a medida que el sonido se introducía en los largometrajes. [11] Para otros, la era comenzó en 1929, cuando la era del cine mudo había terminado definitivamente. [12] [ se necesita una mejor fuente ] La mayoría de las películas de Hollywood desde finales de la década de 1920 hasta la de 1960 se adhirieron estrechamente a un género (western, comedia de payasadas , musical, dibujo animado y película biográfica ) y los mismos equipos creativos a menudo trabajaban en películas realizadas por el mismo estudio. Por ejemplo, Cedric Gibbons y Herbert Stothart siempre trabajaron en películas de MGM ; Alfred Newman trabajó en 20th Century Fox durante veinte años; las películas de Cecil B. DeMille se hicieron casi todas en Paramount Pictures ; [13] y las películas del director Henry King se hicieron principalmente para 20th Century Fox. De manera similar, los actores eran en su mayoría actores contratados. Los historiadores del cine señalan que las películas tardaron aproximadamente una década en adaptarse al sonido y volver al nivel de calidad artística del cine mudo, lo que hicieron a fines de la década de 1930, cuando la Gran Generación alcanzó la mayoría de edad. [ cita requerida ]
Muchas de las grandes obras cinematográficas que surgieron en este período fueron de una realización cinematográfica muy reglamentada. Una de las razones por las que esto fue posible es que, como se hicieron tantas películas, no todas tenían que ser un gran éxito. Un estudio podía apostar por una película de presupuesto medio con un buen guion y actores relativamente desconocidos. Este fue el caso de Ciudadano Kane (1941), dirigida por Orson Welles y considerada una de las mejores películas de todos los tiempos . Otros directores de voluntad fuerte, como Howard Hawks , Alfred Hitchcock y Frank Capra , lucharon contra los estudios para lograr sus visiones artísticas. El apogeo del sistema de estudios puede haber sido el año 1939, que vio el lanzamiento de clásicos como El mago de Oz ; Lo que el viento se llevó ; El jorobado de Notre Dame ; La diligencia ; El señor Smith va a Washington ; Destry cabalga de nuevo ; El joven Lincoln ; Cumbres borrascosas ; Sólo los ángeles tienen alas ; Ninotchka ; Beau Geste ; Babes in Arms ; Gunga Din ; Las mujeres ; Adiós, Mr. Chips ; y Los locos años veinte . [14]
El estilo narrativo-visual del cine clásico de Hollywood, tal como lo desarrolló David Bordwell [ 15], estuvo fuertemente influenciado por las ideas del Renacimiento y su resurgimiento de la humanidad como punto focal. Se distingue en tres niveles generales: dispositivos, sistemas y relaciones de sistemas.
Los dispositivos más inherentes al cine clásico de Hollywood son los del montaje de continuidad . Esto incluye la regla de los 180 grados , uno de los principales elementos visuales y espaciales del montaje de continuidad. La regla de los 180 grados se mantiene con el estilo de "obra fotografiada" al crear un eje imaginario de 180 grados entre el espectador y la toma, lo que permite a los espectadores orientarse claramente dentro de la posición y la dirección de la acción en una escena. Según la regla de los 30 grados , los cortes en el ángulo desde el que se ve la escena deben ser lo suficientemente significativos para que el espectador comprenda el propósito de un cambio de perspectiva. Los cortes que no se adhieren a la regla de los 30 grados, conocidos como cortes de salto , alteran la ilusión de continuidad temporal entre tomas. Las reglas de 180 grados y 30 grados son pautas elementales en la realización cinematográfica que precedieron al inicio oficial de la era clásica por más de una década, como se ve en la película francesa pionera de 1902 Un viaje a la Luna . Las técnicas de corte en el montaje de continuidad clásico sirven para ayudar a establecer o mantener la continuidad, como en el corte transversal , que establece la concurrencia de acción en diferentes localizaciones. Se permiten cortes de salto en forma de corte axial , que no cambia en absoluto el ángulo de rodaje, pero tiene el claro propósito de mostrar una perspectiva más cercana o más lejana del sujeto, y por tanto no interfiere en la continuidad temporal. [16]
La narración clásica avanza siempre a través de la motivación psicológica, es decir, por la voluntad de un personaje humano y su lucha con obstáculos hacia un objetivo definido. Este elemento narrativo se compone comúnmente de una narración primaria (por ejemplo, un romance) entrelazada con una o más narraciones secundarias. Esta narrativa está estructurada con un inicio, un medio y un final inconfundibles, y generalmente hay una resolución clara. El uso de actores, eventos, efectos causales, puntos principales y puntos secundarios son características básicas de este tipo de narrativa. Los personajes del cine clásico de Hollywood tienen rasgos claramente definibles, son activos y muy orientados a objetivos. Son agentes causales motivados por preocupaciones psicológicas más que sociales. [2] La narrativa es una cadena de causa y efecto con agentes causales: en el estilo clásico, los eventos no ocurren al azar.
El tiempo en el Hollywood clásico es continuo, lineal y uniforme, ya que la no linealidad llama la atención sobre los mecanismos ilusorios del medio. La única manipulación permisible del tiempo en este formato es el flashback . Se utiliza principalmente para introducir una secuencia de recuerdos de un personaje, por ejemplo , Casablanca . [17]
La regla más importante de la continuidad clásica en lo que respecta al espacio es la permanencia del objeto: el espectador debe creer que la escena existe fuera del plano del cuadro cinematográfico para mantener el realismo de la imagen. El tratamiento del espacio en el Hollywood clásico intenta superar u ocultar la bidimensionalidad del cine ("estilo invisible") y se centra fuertemente en el cuerpo humano. La mayoría de los planos de una película clásica se centran en gestos o expresiones faciales (planos medios-largos y planos medios ). André Bazin comparó una vez el cine clásico con una obra de teatro fotografiada en el sentido de que los acontecimientos parecen existir objetivamente y que las cámaras sólo nos dan la mejor vista de toda la obra. [18]
Este tratamiento del espacio consta de cuatro aspectos principales: centrado, equilibrio, frontalidad y profundidad. Las personas u objetos significativos se encuentran en su mayoría en la parte central del encuadre de la imagen y nunca fuera de foco. El equilibrio se refiere a la composición visual, es decir, los personajes se distribuyen uniformemente a lo largo del encuadre. La acción se dirige sutilmente hacia el espectador (frontalidad) y el decorado , la iluminación (principalmente iluminación de tres puntos , especialmente iluminación en clave alta ) y el vestuario están diseñados para separar el primer plano del fondo (profundidad).
El Nuevo Hollywood de mediados de la década de 1960 y principios de la de 1980 estuvo influenciado por el romanticismo de la era clásica, [19] al igual que la Nueva Ola Francesa . [20]
Estos fueron reconocidos en la lista del American Film Institute que clasifica a los 25 hombres y 25 mujeres más grandes leyendas de la pantalla de la historia del cine estadounidense. [21]
A partir de 2024, Sophia Loren (90) es la única estrella viva que aparece en la lista. Otras estrellas vivas de esta época, como Eva Marie Saint (100), Kim Novak (91), Mitzi Gaynor (93) y Rita Moreno (92), no aparecen en la lista, pero fueron nominadas para su inclusión.
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