El arte indígena australiano incluye arte realizado por aborígenes australianos e isleños del Estrecho de Torres , incluidas colaboraciones con otros. Incluye obras en una amplia gama de medios que incluyen pintura sobre hojas, pintura sobre corteza , tallado en madera , tallado en roca , pintura con acuarela , escultura , vestimenta ceremonial y pintura con arena ; arte de los indígenas australianos que es anterior a la colonización europea miles de años, hasta el día de hoy.
El arte aborigen australiano es la tradición de creación artística más antigua e ininterrumpida del mundo. [1]
Hay varios tipos y métodos utilizados en la creación de arte aborigen, incluida la pintura rupestre, la pintura de puntos , los grabados rupestres, la pintura de corteza, las tallas, las esculturas, el tejido y el arte con hilos. El arte aborigen australiano es la tradición artística ininterrumpida más antigua del mundo. [2] [3]
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El arte rupestre, que incluye pintura, grabado o tallado ( petroglifos ), se puede encontrar en sitios de toda Australia. Se han encontrado ejemplos de arte rupestre que se cree que representan megafauna extinta como Genyornis [4] y Thylacoleo en la era del Pleistoceno [5] , así como eventos históricos más recientes como la llegada de barcos europeos. [6]
Se estima que los ejemplos más antiguos de arte rupestre , en la región de Pilbara en Australia Occidental y en el distrito de Olary en Australia del Sur , tienen alrededor de 40.000 años. [7] La evidencia más antigua firmemente datada de pintura rupestre en Australia es un dibujo al carboncillo sobre un pequeño fragmento de roca encontrado durante la excavación del refugio rocoso de Narwala Gabarnmang en el suroeste de Arnhem Land en el Territorio del Norte . Datada en 28.000 años, es una de las piezas de arte rupestre más antiguas conocidas en la Tierra con fecha confirmada. [8] Se cree que este fragmento decorado alguna vez pudo haber formado parte de una obra de arte de techo más grande; sin embargo, se desconoce la forma del motivo original. [9] El motivo de arte rupestre in situ in situ, fechado de manera confiable y más antiguo en Australia es una pintura grande de un macrópodo de un refugio rocoso en la región de Kimberley en Australia Occidental , fechado radiométricamente en un estudio de febrero de 2021 con aproximadamente 17,300 años de antigüedad. [10]
Gwion El arte rupestre de Gwion (las "pinturas rupestres de Bradshaw", también conocidas como Giro Giro" [3] ), inicialmente llamado así en honor a Joseph Bradshaw , quien las describió por primera vez en 1891, consiste en una serie de pinturas rupestres en cuevas de la región de Kimberley. de Australia Occidental . [8] Un estudio de 2020 sitúa este arte en aproximadamente 12.000 años. [11] [12]
Las figuras de Maliwawa fueron documentadas en un estudio dirigido por Paul Taçon y publicado en Australian Archaeology en septiembre de 2020. [13] El arte incluye 572 imágenes en 87 sitios en el noroeste de Arnhem Land , desde el área de Awunbarna (Monte Borradaile [14] ) hasta el Cordillera de Wellington . Se estima que fueron dibujados hace entre 6.000 y 9.400 años. [15] El hallazgo se describe como muy raro, no solo en estilo, sino también en su representación de bilbies (no conocidos históricamente en Arnhem Land) [16] y la primera representación conocida de un dugongo . [17] El arte, todas las pinturas en color rojo a morera , excepto un dibujo, y en un estilo naturalista , no había sido descrito en la literatura antes de este estudio. Son grandes y representan las relaciones entre personas y animales, un tema poco común en el arte rupestre. Los bilbios, los tilacinos y los dugongos están extintos en la tierra de Arnhem desde hace milenios. El arte fue visto por primera vez por investigadores de 2008-2009, pero solo se estudió en una investigación de campo que duró de 2016 a 2018. Las figuras fueron nombradas por Ronald Lamilami, un propietario tradicional de alto nivel . [14] [18] Según Tacon, "Las figuras consecutivas de Maliwawa son las más antiguas conocidas en el oeste de Arnhem Land y parece que esta convención de pintura comenzó con el estilo Maliwawa. Continúa hasta el presente con pinturas de corteza y pinturas en papel". [19] Taçon hace comparaciones entre las Figuras de Maliwawa y el estilo de Figuras Dinámicas de George Chaloupka , donde el tema consiste en aproximadamente un 89 por ciento de humanos, en comparación con el 42% de las Figuras de Maliwawa. [20] Sin embargo, existe mucha complejidad y debate sobre la clasificación del estilo de arte rupestre en Arnhem Land. [13] [21]
Otros sitios de arte rupestre pintado incluyen Laura, Queensland , [22] Ubirr , en el Parque Nacional Kakadu , [23] Uluru , [24] y Carnarvon Gorge . [25]
Los grabados rupestres, o petroglifos , se crean mediante métodos que varían según el tipo de roca que se utiliza y otros factores. Hay varios tipos diferentes de arte rupestre en Australia, el más famoso de los cuales es Murujuga en Australia Occidental , los grabados rupestres de Sydney alrededor de Sydney en Nueva Gales del Sur y el arte rupestre Panaramitee en Australia Central . Los grabados de Toowoomba , que representan animales y humanos tallados, tienen un estilo propio y peculiar que no se encuentra en ningún otro lugar de Australia. [ cita necesaria ]
Se dice que los grabados rupestres de Murujuga son la colección de petroglifos más grande del mundo [26] e incluyen imágenes de animales extintos como el tilacino. Se registra actividad previa a la última glaciación hasta la colonización .
El primer descubrimiento europeo de pinturas rupestres aborígenes tuvo lugar el 14 de enero de 1803. [27] Durante una expedición de reconocimiento a lo largo de las costas y las islas del golfo de Carpentaria, el navegante y explorador británico Matthew Flinders tocó tierra en la isla Chasm .
Dentro de los refugios rocosos de la isla, Flinders descubrió una variedad de patrones pintados y estarcidos. Para registrar estas imágenes, reclutó al artista del barco, William Westall . [28] Los dos bocetos en acuarela de Westall son la documentación más antigua conocida del arte rupestre australiano.
Los arreglos de piedra aborígenes son una forma de arte rupestre construido por aborígenes australianos. Normalmente consisten en piedras, cada una de las cuales puede tener un tamaño de unos 30 cm, dispuestas en un patrón que se extiende a lo largo de varios metros o decenas de metros. Cada piedra está bien incrustada en el suelo y muchas tienen "piedras gatillo" para sostenerlas. Ejemplos particularmente bellos se encuentran en el estado de Victoria , donde algunos ejemplares tienen piedras muy grandes. Por ejemplo, la disposición de piedras en Wurdi Youang consta de unas 100 piedras dispuestas en un óvalo con forma de huevo de unos 50 metros (160 pies) de ancho. [ cita necesaria ] La apariencia del sitio es similar a la de los círculos de piedra megalíticos que se encuentran en toda Gran Bretaña (aunque la función y la cultura son presumiblemente completamente diferentes). Aunque su asociación con los aborígenes australianos está bien autenticada y fuera de toda duda, el propósito no está claro, aunque puede tener una conexión con ritos de iniciación . También se ha sugerido que el sitio pudo haber sido utilizado con fines astronómicos. [29] Se encuentran arreglos de piedra más pequeños en toda Australia, como los cerca de Yirrkala , que representan imágenes precisas de los praus utilizados por los pescadores y lanzadores de lanzas de Macassan Trepang . [ cita necesaria ]
El tallado en madera siempre ha sido una parte esencial de la cultura aborigen, ya que requería madera, piedra afilada para tallar, alambre y fuego. El alambre y el fuego se utilizaron para crear patrones en el objeto calentando el alambre con el fuego y colocándolo sobre la talla de madera.
Las tallas de madera, como las del artista de Australia Central Erlikilyika, con forma de animales, a veces se intercambiaban con los europeos a cambio de mercancías. La razón por la que los aborígenes hacían tallas de madera era para ayudar a contar sus historias de ensueño y transmitir la tradición de su grupo y la información esencial sobre su país y sus costumbres. También se utilizaban en ceremonias , como la ilma .
Los aborígenes de las islas Tiwi tallaban tradicionalmente postes funerarios pukumani , [30] y desde la década de 1960 tallan y pintan figuras de madera de hierro. [31]
En la mayoría de las zonas del Pacífico los hombres supervisan el arte y la arquitectura; las mujeres supervisan el arte con telas de fieltro que confeccionaban con cortezas de árboles y plantas. El arte en la indumentaria es supervisado por la jefa encargada de la producción. Estas ropas detalladas se usaban para rituales; cada uno representaba riqueza y rango en el grupo. La vestimenta sagrada también se utiliza en el comercio de bienes y en las relaciones sociales y políticas. Usar el tejido, luego quitárselo y dárselo a otra persona ayudaba a crear vínculos o reforzar amistades o alianzas. [32]
Las cestas , a veces enrolladas, se creaban retorciendo cortezas, hojas de palma y plumas; algunas de las cestas eran sencillas y otras estaban creadas con colgantes de plumas o plumas tejidas en el marco de la cesta. Los artistas utilizaron tintes minerales y vegetales para colorear las hojas de palma y la corteza del hibisco. Estas bolsas y cestas de hilo se utilizaban en ceremonias para necesidades religiosas y rituales; Las cestas también podrían haber sido utilizadas para llevar cosas de regreso al pueblo. [33]
El tejido de cestas ha sido practicado tradicionalmente por las mujeres de muchos pueblos aborígenes australianos en todo el continente durante siglos. [34] [35] [36] [37]
Los aborígenes creaban colgantes de conchas que se consideraban de gran valor y se utilizaban a menudo para el comercio de mercancías. Estas conchas estaban unidas a una cuerda, que estaba hecha a mano con cabello humano y, a veces, cubierta con una especie de grasa y ocre rojo . A veces, estas joyas se colgaban alrededor del cuello o la cintura de un hombre para usarlas durante las ceremonias. [38]
El tallado de Kalti paarti es una forma de arte tradicional realizada tallando huevos de emú. No es tan antiguo como otras técnicas, ya que se originó en el siglo XIX. [39]
Ciertos símbolos dentro del movimiento de arte moderno aborigen conservan el mismo significado en todas las regiones, aunque el significado de los símbolos puede cambiar dentro del contexto de una pintura. Cuando se ven en monocromo, otros símbolos pueden parecer similares, como los círculos dentro de círculos, a veces representados solos, escasamente o en grupos agrupados. Dependiendo del grupo al que pertenezca el artista, símbolos como fogata, árbol, colina, hoyo, pozo de agua o manantial pueden variar en significado. El uso del símbolo se puede aclarar aún más mediante el uso de colores, como el agua representada en azul o negro.
Muchas pinturas de artistas aborígenes, como las que representan una historia de Dreaming, se muestran desde una perspectiva aérea. La narrativa sigue la configuración de la tierra, creada por seres ancestrales en su viaje o durante la creación. La interpretación moderna es una reinterpretación de canciones, ceremonias, arte rupestre, arte corporal y ceremonias (como el awelye ) que fueron la norma durante miles de años.
Cualquiera que sea el significado, las interpretaciones de los símbolos deben hacerse en el contexto de toda la pintura, la región de donde es originario el artista, la historia detrás de la pintura y el estilo de la pintura. [ cita necesaria ]
Algunos sitios naturales eran sagrados para ellos y también eran el lugar donde se realizaban rituales estacionales. Durante estos rituales, los aborígenes crearon arte como objetos de plumas y fibras, pintaron y crearon grabados rupestres y también pintaron sobre la corteza de los árboles de eucalipto tetrodonta . Si bien las historias diferían entre los clanes, los grupos lingüísticos y los grupos más amplios, el Ensueño (o Jukurrpa) es común a todos los pueblos aborígenes. Como parte de estas creencias, durante la antigüedad, los espíritus ancestrales aborígenes míticos fueron los creadores de la tierra y el cielo, y eventualmente se convirtieron en parte de ellos. Las creencias espirituales de los pueblos aborígenes sustentan sus leyes, formas artísticas y ceremonias. El arte aborigen tradicional casi siempre tiene un trasfondo mitológico relacionado con el Ensueño. [ cita necesaria ]
Wenten Rubuntja , un paisajista indígena, dice que es difícil encontrar arte que carezca de significado espiritual:
No importa qué tipo de pintura hagamos en este país, sigue perteneciendo al pueblo, a todo el pueblo. Esto es adoración, trabajo, cultura. Todo es soñar. Hay dos formas de pintar. Ambas formas son importantes, porque eso es cultura. – fuente The Weekend Australian Magazine , abril de 2002
La narración de historias y la representación de tótems ocupan un lugar destacado en todas las formas de arte aborigen. Además, la forma femenina, en particular el útero femenino en estilo de rayos X , ocupa un lugar destacado en algunos sitios famosos de Arnhem Land . Los estilos de rayos X se remontan al año 2000-1000 a.C. Es una técnica indígena donde el artista crea imágenes conceptualizadas de rayos X, transparentes. Los mimi , espíritus que enseñaron el arte de la pintura a los aborígenes y los antepasados, son "liberados" a través de este tipo de obras de arte.
Muchos sitios de pinturas rupestres aborígenes de importancia cultural han sido profanados y destruidos gradualmente por la invasión de los primeros colonos y los visitantes modernos. Esto incluye la destrucción de obras de arte mediante trabajos de limpieza y construcción, la erosión causada por el contacto excesivo de los sitios y los grafitis. Muchos sitios que ahora pertenecen a parques nacionales tienen que ser monitoreados estrictamente por guardas forestales o cerrados al público de forma permanente.
La mitología y la cultura, profundamente influenciadas por el océano y la vida natural alrededor de las islas, siempre han informado las formas de arte tradicionales. Destacan fuertemente las tortugas , los peces, los dugongos , los tiburones, las aves marinas y los cocodrilos de agua salada , que se consideran seres totémicos . [40]
Los tocados elaborados o dhari (también escrito dari [41] ), como los que aparecen en la bandera de los isleños del Estrecho de Torres , se crean con fines de danzas ceremoniales. [42] Históricamente, el dari fue usado por los guerreros del Estrecho de Torres en la batalla. Se considera un poderoso símbolo del pueblo isleño del Estrecho de Torres y hoy representa la paz y la armonía. El artista de renombre mundial Ken Thaiday Snr ha creado elaborados dharis utilizando materiales modernos en su obra de arte contemporánea. [43]
Los isleños del Estrecho de Torres son la única cultura en el mundo que fabrica máscaras de caparazón de tortuga , conocidas como krar (caparazón de tortuga) en las islas occidentales y le-op (rostro humano) en las islas orientales. [44]
Entre las formas de arte destaca el wame (alt. wameya ), muchas figuras de cuerdas diferentes . [45] [46] [47]
Las islas tienen una larga tradición de tallado en madera , creación de máscaras y tambores, y tallado de elementos decorativos en estos y otros artículos para uso ceremonial. A partir de la década de 1970, los jóvenes artistas comenzaron sus estudios aproximadamente al mismo tiempo que se producía una importante reconexión con los mitos y leyendas tradicionales. Las publicaciones de Margaret Lawrie, Mitos y leyendas del Estrecho de Torres (1970) y Cuentos del Estrecho de Torres (1972), que revivieron historias casi olvidadas, influyeron enormemente en los artistas. [48] [49] Si bien algunas de estas historias habían sido escritas por Haddon después de su expedición de 1898 al Estrecho de Torres, [50] muchas posteriormente habían dejado de utilizarse o habían sido olvidadas.
En la década de 1990, un grupo de artistas más jóvenes, incluido el galardonado Dennis Nona (n. 1973), comenzaron a traducir estas habilidades en formas más portátiles de grabado , linograbado y aguafuerte , así como esculturas de bronce a mayor escala . Otros artistas destacados incluyen a Billy Missi (1970-2012), conocido por sus grabados en linóleo decorados en blanco y negro de la vegetación y los ecosistemas locales, y Alick Tipoti (n. 1975). Estos y otros artistas del Estrecho de Torres han ampliado enormemente las formas de arte indígena en Australia, aportando magníficas habilidades de talla melanesia, así como nuevas historias y temas. [44] La Facultad de Educación Técnica y Superior de Thursday Island fue un punto de partida para que los jóvenes isleños realizaran estudios de arte. Muchos continuaron sus estudios de arte, especialmente en grabado, inicialmente en Cairns, Queensland y más tarde en la Universidad Nacional de Australia en lo que hoy es la Escuela de Arte y Diseño. Otros artistas como Laurie Nona, Brian Robinson, David Bosun, Glen Mackie, Joemen Nona, Daniel O'Shane y Tommy Pau son conocidos por su trabajo de grabado. [51]
En julio de 2015 se montó una exposición del trabajo de Alick Tipoti, titulada Zugubal , en la Galería Regional de Cairns. [52] [53]
En 1934, el pintor australiano Rex Battarbee enseñó al artista aborigen Albert Namatjira pintura de paisajes en acuarela de estilo occidental, junto con otros artistas aborígenes en la misión de Hermannsburg en el Territorio del Norte . Se convirtió en un estilo popular, conocido como Escuela de Hermannsburg , y se agotó cuando las pinturas se exhibieron en Melbourne, Adelaida y otras ciudades australianas. Namatjira se convirtió en el primer ciudadano australiano aborigen, gracias a su fama y popularidad con estas acuarelas.
En 1966, uno de los diseños de David Malangi se produjo en el billete de un dólar australiano, originalmente sin su conocimiento. El pago posterior que le hizo el Banco de la Reserva marcó el primer caso de derechos de autor aborígenes en la ley de derechos de autor australiana .
In 1988 the Aboriginal Memorial was unveiled at the National Gallery of Australia in Canberra made from 200 hollow log coffins, which are similar to the type used for mortuary ceremonies in Arnhem Land. It was made for the bicentenary of Australia's colonisation, and is in remembrance of Aboriginal people who had died protecting their land during conflict with settlers. It was created by 43 artists from Ramingining and communities nearby. The path running through the middle of it represents the Glyde River.[54]
In that same year, the new Parliament House in Canberra opened with a forecourt featuring a design by Michael Nelson Jagamarra, laid as a mosaic.
The late Rover Thomas is another well known modern Australian Aboriginal artist. Born in Western Australia, he represented Australia in the Venice Biennale of 1990. He knew and encouraged other now well-known artists to paint, including Queenie McKenzie from the East Kimberley / Warmun region, as well as having a strong influence on the works of Paddy Bedford and Freddy Timms.
In the late 1980s and early 1990s the work of Emily Kngwarreye, from the Utopia community north east of Alice Springs, became very popular. Although she had been involved in craftwork for most of her life, it was only when she was in her 80s that she was recognised as a painter. Her works include Earth's Creation. Her styles, which changed every year, have been seen as a mixture of traditional Aboriginal and contemporary Australian. Her rise in popularity has prefigured that of many Indigenous artists from central, northern and western Australia, such as Kngwarreye's niece Kathleen Petyarre, Angelina Pwerle, Minnie Pwerle, Dorothy Napangardi, Lena Pwerle, and dozens of others, all of whose works have become highly sought-after. The popularity of these often elderly artists, and the resulting pressure placed upon them and their health, has become such an issue that some art centres have stopped selling these artists' paintings online, instead placing prospective clients on a waiting list for work.[55]
Current artists in vogue include Jacinta Hayes, popular for her iconic representation of "Bush Medicine Leaves" and "Honey Ants", Rex Sultan (who studied with Albert Namatjira), Trephina Sultan and Reggie Sultan, Bessie Pitjara and Joyce Nakamara, amongst others.[56]
A pesar de las preocupaciones sobre la oferta y la demanda de pinturas, la lejanía de muchos de los artistas y la pobreza y los problemas de salud experimentados en las comunidades, existen estimaciones generalizadas de una industria que vale cerca de 500 millones de dólares australianos cada año y que crece rápidamente. [57]
En 1971-1972, el profesor de arte Geoffrey Bardon animó a los aborígenes de Papunya , al noroeste de Alice Springs, a plasmar sus sueños en lienzos. Estas historias se habían dibujado anteriormente en la arena del desierto y ahora adquirieron una forma más permanente.
Los puntos se utilizaban para cubrir ceremonias sagradas y secretas. Originalmente, los artistas de Tula lograron formar su propia compañía con un nombre aborigen, Papunya Tula Artists Pty Ltd, [58] sin embargo, siguió un período de desilusión cuando los artistas fueron criticados por sus pares por haber revelado demasiado de su herencia sagrada. Diseños secretos restringidos a un contexto ritual estaban ahora en el mercado y se hacían visibles en la pintura aborigen australiana. Gran parte del arte aborigen que se exhibe en las tiendas para turistas se remonta a este estilo desarrollado en Papunya. El más famoso de los artistas que surgieron de este movimiento fue Clifford Possum Tjapaltjarri . También pertenece a este movimiento Johnny Warangkula Tjupurrula , cuyo Water Dreaming at Kalipinya se vendió dos veces a un precio récord, la segunda vez por 486.500 dólares en 2000.
La Colección Papunya del Museo Nacional de Australia contiene más de 200 artefactos y pinturas, incluidos ejemplos de pinturas de puntos de la década de 1970. [59]
Ha habido casos de algunos comerciantes explotadores (conocidos como "moquetas") que han tratado de sacar provecho del éxito de los movimientos artísticos aborígenes. Desde la época de Geoffrey Bardon y en los primeros años del movimiento Papunya, ha habido preocupación por la explotación de los artistas, en su mayoría analfabetos y que no hablan inglés.
Una de las principales razones por las que se estableció y luego floreció el movimiento Yuendumu fue el sentimiento de explotación entre los artistas:
Muchos de los artistas que desempeñaron papeles cruciales en la fundación del centro de arte eran conscientes del creciente interés por el arte aborigen durante la década de 1970 y habían observado con preocupación y curiosidad los desarrollos del movimiento artístico en Papunya entre personas con las que estaban estrechamente relacionados. . También había un creciente mercado privado de arte aborigen en Alice Springs. Las experiencias de los artistas en el mercado privado estuvieron marcadas por sentimientos de frustración y desempoderamiento cuando los compradores se negaron a pagar precios que reflejaban el valor del Jukurrpa o mostraban poco interés en comprender la historia. El establecimiento de Warlukurlangu fue una forma de garantizar que los artistas tuvieran cierto control sobre la compra y distribución de sus pinturas. [60]
Otros casos de explotación incluyen: [61]
En marzo de 2006, la ABC informó que el fraude artístico había afectado a los movimientos de arte aborigen de Australia Occidental. Se hicieron acusaciones de condiciones similares a las de una fábrica de explotación, obras falsas de mochileros ingleses, sobreprecios y artistas que posaban para fotografías de obras de arte que no eran suyas. Un detective del caso dijo:
La gente claramente se está aprovechando... Especialmente las personas mayores. Quiero decir, estas son personas que no tienen educación; No han tenido mucho contacto con los blancos. No tienen ningún conocimiento básico real, ya sabes, de la ley e incluso del derecho comercial. Obviamente no tienen ningún sentido comercial real. Un dólar realmente no tiene mucho significado para ellos, y creo que tratar a alguien así es... simplemente no está bien en este país. [62]
En agosto de 2006, tras las preocupaciones planteadas sobre prácticas poco éticas en el sector del arte indígena, el Senado australiano inició una investigación [63] sobre cuestiones del sector. La Ministra de Arte del Territorio del Norte, Marion Scrymgour , dijo que los mochileros eran a menudo los artistas del arte aborigen que se vendía en las tiendas para turistas de toda Australia:
El material que llaman arte aborigen es casi exclusivamente obra de falsificadores, falsificadores y estafadores. Su trabajo se esconde detrás de descripciones falsas y diseños dudosos. La inmensa mayoría de los que ves en las tiendas de todo el país, por no hablar de Darling, son falsificaciones, pura y simplemente. Hay alguna evidencia anecdótica al menos aquí en Darwin: han sido pintados por mochileros que trabajan en la producción de madera a escala industrial. [64]
El informe final de la investigación [65] hizo recomendaciones para cambiar la financiación y la gobernanza del sector, incluido un código de prácticas.
Los movimientos y cooperativas de arte indígena australiano han sido fundamentales para el surgimiento del arte indígena australiano. Mientras que muchos artistas occidentales siguen una formación formal y trabajan como individuos, la mayor parte del arte indígena contemporáneo se crea en grupos comunitarios y centros de arte. [66]
Muchos de los centros operan galerías de arte en línea donde los visitantes locales e internacionales pueden comprar obras directamente de las comunidades sin necesidad de recurrir a un intermediario. Las cooperativas reflejan la diversidad del arte en la Australia indígena de la región noroeste, donde se utiliza significativamente el ocre; al norte tropical donde prevalece el uso del rayado cruzado; al estilo de arte Papunya de las cooperativas del desierto central. El arte se está convirtiendo cada vez más en una importante fuente de ingresos y medio de vida para algunas de estas comunidades.
Los ganadores de los Premios de Artes Indígenas de Australia Occidental se anunciaron el 22 de agosto de 2013. De más de 137 nominaciones de toda Australia, Churchill Cann ganó la Mejor Pieza de Australia Occidental (10.000 dólares australianos) y el artista del norte de Queensland, Brian Robinson, ganó el premio a la Mejor general (50.000 dólares australianos). ). [67]
Los conocimientos tradicionales y las expresiones culturales tradicionales son ambos tipos de conocimientos indígenas , según las definiciones y la terminología utilizadas en la Declaración de las Naciones Unidas sobre los Derechos de los Pueblos Indígenas y por el Comité Intergubernamental sobre Propiedad Intelectual y Recursos Genéticos de la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual (OMPI). , Conocimientos Tradicionales y Folclore. [68] La OMPI utiliza el término "expresiones culturales tradicionales" para referirse a "cualquier forma de expresión artística y literaria en la que se encarnan la cultura y los conocimientos tradicionales. Se transmiten de una generación a la siguiente e incluyen textiles, pinturas e historias hechos a mano". , leyendas, ceremonias, música, cantos, ritmos y danzas". [69]
La principal autoridad internacional en propiedad cultural e intelectual indígena, la abogada australiana Terri Janke , dice que dentro de las comunidades indígenas australianas, "el uso de la palabra 'tradicional' tiende a no ser preferido, ya que implica que la cultura indígena está fijada en el tiempo". [68]
El arte indígena australiano ha sido muy estudiado en los últimos años y ha obtenido mucho reconocimiento internacional. [70]
El Museo de arte aborigen australiano "La grange" (en Neuchâtel, Suiza) es uno de los pocos museos de Europa que se dedica íntegramente a este tipo de arte. Durante las exposiciones de temporada se muestran obras de arte de artistas de renombre internacional. Además, el Musée du Quai Branly, París, tiene una colección "Oceanía", [71] que incluye obras de los artistas aborígenes australianos Lena Nyadbi , Paddy Nyunkuny Bedford, Judy Watson, Gulumbu Yunupingu, John Mawurndjul, Tommy Watson, Ningura Napurrula y Michael Riley. [72]
Dos museos que exhiben únicamente arte aborigen australiano son el Museo AAMU voor hedendaagse Aboriginal kunst (Museo de Arte Aborigen Contemporáneo, cerrado en 2017) en Utrecht , Países Bajos, [73] [74] y la Colección de Arte Aborigen Kluge-Ruhe de la Universidad de Virginia . [75]
{{cite book}}: Mantenimiento CS1: falta el editor de la ubicación ( enlace )Documento de conferencia, [del] Simposio australiano de impresión.
Canberra: Galería Nacional de Australia, 1987 - en curso
Fuentes
