Un actor o actriz es una persona que interpreta a un personaje en una producción. [1] El actor actúa "en persona" en el medio tradicional del teatro o en medios modernos como el cine , la radio y la televisión . El término griego análogo es ὑποκριτής ( hupokritḗs ), literalmente "el que responde". [2] La interpretación que el actor hace de un papel (el arte de actuar ) pertenece al papel desempeñado, ya sea basado en una persona real o en un personaje ficticio. Esto también puede considerarse un "papel de actor", que se llamó así debido a los pergaminos que se usaban en los teatros. La interpretación ocurre incluso cuando el actor "se interpreta a sí mismo", como en algunas formas de arte escénico experimental .
Antiguamente, en la antigua Grecia y el mundo medieval , y en Inglaterra en la época de William Shakespeare , sólo los hombres podían convertirse en actores, y los papeles femeninos eran generalmente desempeñados por hombres o niños. [3] Si bien la Antigua Roma permitía a las artistas femeninas en el escenario, sólo a una pequeña minoría de ellas se les dieron papeles hablados. La commedia dell'arte de Italia, sin embargo, permitió a las mujeres profesionales actuar desde el principio; Lucrezia Di Siena , cuyo nombre figura en un contrato de actores del 10 de octubre de 1564, ha sido mencionada como la primera actriz italiana conocida por su nombre, con Vincenza Armani y Barbara Flaminia como las primeras primadonas y las primeras actrices bien documentadas en Italia ( y en Europa). [4] Después de la Restauración inglesa de 1660, las mujeres comenzaron a aparecer en los escenarios de Inglaterra. En los tiempos modernos, particularmente en la pantomima y algunas óperas, las mujeres ocasionalmente desempeñan papeles de niños o jóvenes. [5]
El primer caso registrado de un actor ocurrió en el año 534 a.C. (aunque los cambios en el calendario a lo largo de los años hacen que sea difícil determinarlo con exactitud) cuando el intérprete griego Tespis subió al escenario del Teatro Dioniso para convertirse en la primera persona conocida en hablar. palabras como personaje de una obra de teatro o de un cuento. Antes del acto de Tespis, las historias griegas sólo se expresaban mediante canciones , danzas y narraciones en tercera persona . En honor a Tespis, a los actores se les llama comúnmente Thespians . Los actores exclusivamente masculinos del teatro de la antigua Grecia actuaban en tres tipos de drama : la tragedia , la comedia y la obra satírica . [6] Esto se desarrolló y expandió considerablemente bajo los romanos . El teatro de la antigua Roma era una forma de arte próspera y diversa, que abarcaba desde representaciones festivas de teatro callejero , bailes desnudos y acrobacias, hasta la puesta en escena de comedias de situación y tragedias de alto estilo y verbalmente elaboradas .
A medida que el Imperio Romano Occidental cayó en decadencia durante los siglos IV y V , la sede del poder romano se trasladó hacia el este, a Constantinopla . Los registros muestran que eran muy populares la mímica , la pantomima , las escenas o recitados de tragedias y comedias , los bailes y otros entretenimientos. A partir del siglo V, Europa occidental se vio sumida en un período de desorden general. Pequeñas bandas nómadas de actores viajaron por Europa durante todo el período, actuando dondequiera que pudieran encontrar público; no hay evidencia de que produjeron nada más que escenas crudas. [7] Tradicionalmente, los actores no eran de alto estatus; por lo tanto, en la Alta Edad Media , los grupos de actores ambulantes a menudo eran vistos con desconfianza. Los actores de la Alta Edad Media fueron denunciados por la Iglesia durante la Edad Media , ya que eran vistos como peligrosos, inmorales y paganos . En muchas partes de Europa, las creencias tradicionales de la región y la época impedían que los actores recibieran un entierro cristiano.
En la Alta Edad Media , las iglesias de Europa comenzaron a representar versiones dramatizadas de acontecimientos bíblicos. A mediados del siglo XI, el drama litúrgico se había extendido desde Rusia a Escandinavia e Italia. La Fiesta de los Locos fomentó el desarrollo de la comedia. En la Baja Edad Media se representaban obras de teatro en 127 ciudades. Estas obras de misterio vernáculas a menudo contenían comedia , con actores que interpretaban a demonios , villanos y payasos . [8] La mayoría de los actores de estas obras procedían de la población local. Los artistas aficionados en Inglaterra eran exclusivamente hombres, pero otros países tenían artistas femeninas.
Hubo varias obras de teatro seculares representadas en la Edad Media, la primera de las cuales es La obra de Greenwood de Adam de la Halle en 1276. Contiene escenas satíricas y material popular como hadas y otros sucesos sobrenaturales. Las farsas también ganaron popularidad después del siglo XIII. A finales de la Baja Edad Media , comenzaron a aparecer actores profesionales en Inglaterra y Europa. Ricardo III y Enrique VII mantuvieron pequeñas compañías de actores profesionales. A partir de mediados del siglo XVI, las compañías de la Commedia dell'arte interpretaron animadas obras de improvisación en toda Europa durante siglos. La Commedia dell'arte era un teatro centrado en los actores, que requería poca escenografía y muy pocos accesorios. Las obras de teatro eran marcos flexibles que proporcionaban situaciones, complicaciones y el resultado de la acción, alrededor de los cuales los actores improvisaban. Las obras utilizaban personajes comunes . Una compañía normalmente constaba de 13 a 14 miembros. A la mayoría de los actores se les pagó una parte de las ganancias de la obra aproximadamente equivalente al tamaño de sus papeles.
El teatro renacentista derivó de varias tradiciones teatrales medievales, como las obras de misterio , las " obras de moralidad " y el "drama universitario" que intentaba recrear la tragedia ateniense. La tradición italiana de la Commedia dell'arte , así como las elaboradas máscaras que frecuentemente se presentaban en la corte, también contribuyeron a la configuración del teatro público. Desde antes del reinado de Isabel I, las compañías de jugadores estaban adscritas a las casas de los principales aristócratas y actuaban estacionalmente en varios lugares. Estos se convirtieron en la base de los músicos profesionales que actuaron en el escenario isabelino .
El desarrollo del teatro y las oportunidades para la actuación cesaron cuando la oposición puritana al escenario prohibió la representación de todas las obras en Londres. Los puritanos consideraban que el teatro era inmoral. La reapertura de los teatros en 1660 marcó un renacimiento del teatro inglés. Las comedias inglesas escritas y representadas en el período de la Restauración , entre 1660 y 1710, se denominan colectivamente "comedia de la Restauración". La comedia de restauración es famosa por su carácter explícito sexual . En este punto, a las mujeres se les permitió por primera vez aparecer en los escenarios ingleses, exclusivamente en papeles femeninos. Este período vio la introducción de las primeras actrices profesionales y el ascenso de los primeros actores famosos.
En el siglo XIX, la reputación negativa de los actores se revirtió en gran medida y la actuación se convirtió en una profesión y un arte popular y honorable. [9] El ascenso del actor como celebridad proporcionó la transición, a medida que el público acudía en masa hacia sus "estrellas" favoritas. Surgió un nuevo papel para los actores-directores , que formaron sus propias compañías y controlaron a los actores, las producciones y la financiación. [10] Cuando tuvieron éxito, construyeron una clientela permanente que acudió en masa a sus producciones. Podrían ampliar su audiencia realizando giras por todo el país, representando un repertorio de obras conocidas, como las de Shakespeare. Los periódicos, clubes privados, pubs y cafeterías se llenaron de animados debates evaluando los méritos relativos de las estrellas y las producciones. Henry Irving (1838-1905) fue el actor y director británico de mayor éxito. [11] Irving era conocido por sus papeles de Shakespeare y por innovaciones como apagar las luces de la casa para que la atención pudiera centrarse más en el escenario y menos en el público. Su compañía realizó giras por Gran Bretaña, así como por Europa y Estados Unidos, demostrando el poder de los actores estrella y los papeles célebres para atraer a un público entusiasta. Su título de caballero en 1895 indicó su plena aceptación en los círculos superiores de la sociedad británica. [12]
A principios del siglo XX, la economía de las producciones a gran escala desplazó al modelo actor-director. Era demasiado difícil encontrar personas que combinaran un genio en la actuación y en la gestión, por lo que la especialización dividió los roles como directores de escena y luego surgieron directores de teatro . Financieramente, se necesitaba un capital mucho mayor para operar desde una ciudad importante. La solución fue la propiedad corporativa de cadenas de teatros, como Theatrical Syndicate , Edward Laurillard y, especialmente, The Shubert Organization . Al atender a los turistas, los teatros de las grandes ciudades favorecieron cada vez más las proyecciones largas de obras muy populares, especialmente musicales. Las estrellas de renombre se volvieron aún más esenciales. [13]
Antiguamente, en algunas sociedades, sólo los hombres podían convertirse en actores. En la antigua Grecia y la antigua Roma [15] y el mundo medieval , se consideraba vergonzoso que una mujer subiera al escenario; sin embargo, las mujeres actuaron en la Antigua Roma y volvieron a entrar en escena en la Commedia dell'arte en Italia en el siglo XVI; Lucrezia Di Siena se convirtió quizás en la primera actriz profesional desde la Antigua Roma. Francia y España también tuvieron actrices en el siglo XVI. En la Inglaterra de William Shakespeare , sin embargo, los papeles femeninos eran generalmente desempeñados por hombres o niños. [3]
Cuando se levantó una prohibición puritana del teatro que duró dieciocho años después de la Restauración inglesa de 1660, las mujeres comenzaron a aparecer en el escenario en Inglaterra. A Margaret Hughes se le atribuye a menudo el mérito de ser la primera actriz profesional en los escenarios ingleses. [16] Anteriormente, Angelica Martinelli , miembro de una compañía italiana visitante de la Commedia dell'arte, actuó en Inglaterra ya en 1578, [17] pero tales apariciones invitadas extranjeras habían sido raras excepciones y no había habido actrices inglesas profesionales en Inglaterra. Esta prohibición terminó durante el reinado de Carlos II en parte porque disfrutaba viendo a las actrices en el escenario. [18] Específicamente, Carlos II emitió cartas de patente a Thomas Killigrew y William Davenant , otorgándoles el derecho de monopolio para formar dos compañías de teatro de Londres para representar dramas "serios", y las cartas de patente fueron reeditadas en 1662 con revisiones que permitían a las actrices actuar para la primera vez. [19]
Según el OED , la primera aparición del término actriz fue en 1608 y se atribuye a Middleton . En el siglo XIX, muchos veían negativamente a las mujeres en la actuación, ya que las actrices eran a menudo cortesanas y se asociaban con la promiscuidad. A pesar de estos prejuicios, el siglo XIX también vio las primeras "estrellas" de actuación femenina, entre las que destaca Sarah Bernhardt . [20]
En Japón, los onnagata , o hombres que asumían papeles femeninos, se utilizaron en el teatro kabuki cuando a las mujeres se les prohibió actuar en el escenario durante el período Edo ; esta convención continúa. En algunas formas de drama chino, como la ópera de Beijing , los hombres tradicionalmente desempeñaban todos los papeles, incluidos los femeninos, mientras que en la ópera de Shaoxing las mujeres suelen desempeñar todos los papeles, incluidos los masculinos. [21]
En los tiempos modernos, las mujeres ocasionalmente desempeñaban papeles de niños o de hombres jóvenes. Por ejemplo, el papel escénico de Peter Pan lo interpreta tradicionalmente una mujer, al igual que la mayoría de los niños principales de la pantomima británica . La ópera tiene varios " papeles de calzón " tradicionalmente cantados por mujeres, normalmente mezzosopranos . Algunos ejemplos son Hansel en Hänsel und Gretel , Cherubino en Las bodas de Fígaro y Octaviano en Der Rosenkavalier .
Las mujeres que interpretan papeles masculinos son poco comunes en el cine, con notables excepciones. En 1982, Stina Ekblad interpretó al misterioso Ismael Retzinsky en Fanny and Alexander , y Linda Hunt recibió el Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto por interpretar a Billy Kwan en El año de vivir peligrosamente . En 2007, Cate Blanchett fue nominada al Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto por interpretar a Jude Quinn, una representación ficticia de Bob Dylan en la década de 1960, en I'm Not There .
En la década de 2000, las mujeres interpretando a hombres en teatro en vivo es particularmente común en presentaciones de obras más antiguas, como obras de Shakespeare con una gran cantidad de personajes masculinos en roles donde el género es intrascendente. [5]
Hacer que un actor se vista como del sexo opuesto para lograr un efecto cómico también es una larga tradición en el teatro y el cine cómicos . La mayoría de las comedias de Shakespeare incluyen casos de travestismo abierto , como Francis Flute en Sueño de una noche de verano . La película Algo curioso sucedió camino al foro está protagonizada por Jack Gilford disfrazado de una joven novia. Tony Curtis y Jack Lemmon se hicieron pasar por mujeres para escapar de los gánsteres en la película de Billy Wilder Some Like It Hot . Travestirse para lograr un efecto cómico era un recurso utilizado con frecuencia en la mayoría de las películas de Carry On . Dustin Hoffman y Robin Williams han aparecido cada uno en una exitosa película de comedia ( Tootsie y Mrs. Doubtfire , respectivamente) en las que interpretaron la mayoría de las escenas vestidos como mujeres.
En ocasiones, la cuestión se complica aún más, por ejemplo, cuando una mujer interpreta a una mujer que actúa como un hombre, que luego finge ser una mujer, como Julie Andrews en Victor/Victoria o Gwyneth Paltrow en Shakespeare in Love . En It's Pat: The Movie , los espectadores nunca aprenden el género de los personajes principales andróginos Pat y Chris (interpretados por Julia Sweeney y Dave Foley ). De manera similar, en el ejemplo antes mencionado de Las bodas de Fígaro , hay una escena en la que Cherubino (un personaje masculino interpretado por una mujer) se viste y actúa como una mujer; los otros personajes de la escena son conscientes de un único nivel de ofuscación del rol de género, mientras que el público es consciente de dos niveles.
Algunos roles modernos los desempeña un miembro del sexo opuesto para enfatizar la fluidez de género del rol. Edna Turnblad en Hairspray fue interpretada por Divine en la película original de 1988 , Harvey Fierstein en el musical de Broadway y John Travolta en la película musical de 2007 . Eddie Redmayne fue nominado a un Premio de la Academia por interpretar a Lili Elbe (una mujer trans ) en The Danish Girl de 2015 . [22]
A diferencia del teatro griego antiguo, el teatro romano antiguo permitía actuaciones femeninas. Si bien la mayoría de ellas rara vez trabajaban en papeles de habla sino más bien en el baile, en Roma había una minoría de actrices empleadas en papeles de habla, y también aquellas que alcanzaron riqueza, fama y reconocimiento por su arte, como Eucharis , Dionysia , Galeria. Copiola y Fabia Arete , y también formaron su propio gremio de actores, la Sociae Mimae , que evidentemente era bastante rico. [23] La profesión aparentemente desapareció a finales de la antigüedad.
Si bien las mujeres no comenzaron a actuar en escena en Inglaterra hasta la segunda mitad del siglo XVII, sí aparecieron en Italia, España y Francia a partir de finales del siglo XVI. Lucrezia Di Siena , cuyo nombre figura en un contrato de actuación en Roma del 10 de octubre de 1564, ha sido mencionada como la primera actriz italiana conocida por su nombre, con Vincenza Armani y Barbara Flaminia como las primeras primadonnas y las primeras actrices bien documentadas en Italia. (y Europa). [4]
Después de 1660 en Inglaterra , cuando las mujeres comenzaron a aparecer en el escenario, los términos actor o actriz se usaron inicialmente indistintamente para las intérpretes, pero más tarde, influenciada por la actriz francesa , actriz se convirtió en el término comúnmente utilizado para las mujeres en el teatro y el cine. La etimología es una derivación simple de actor con -ess añadido. [24] Cuando se hace referencia a grupos de intérpretes de ambos sexos, se prefiere actores . [25]
Dentro de la profesión, la readopción del término neutral se remonta al período de posguerra de los años 1950 y 1960, cuando se revisaban las contribuciones de las mujeres a la vida cultural en general. [26] Cuando The Observer y The Guardian publicaron su nueva guía de estilo conjunta en 2010, decía: "Use ['actor'] tanto para actores masculinos como femeninos; no use actriz excepto en nombre del premio, por ejemplo, Oscar a la mejor actriz". ". [25] Los autores de la guía afirmaron que "actriz entra en la misma categoría que autora, comediante, directora, 'doctora', 'enfermero' y términos obsoletos similares que datan de una época en la que las profesiones eran en gran medida dominio exclusivo de un sexo ( generalmente hombres). " (Ver masculino como norma .) "Como dijo Whoopi Goldberg en una entrevista con el periódico: 'Una actriz sólo puede interpretar a una mujer. Soy actor, puedo interpretar cualquier cosa '" . [25] El sindicato de artistas del Reino Unido Equity no tiene una política sobre el uso de "actor" o "actriz". Un portavoz de Equidad dijo que el gremio no cree que haya consenso al respecto y afirmó que el "...tema divide a la profesión". [25] En 2009, Los Angeles Times declaró que "Actriz" sigue siendo el término común utilizado en los principales premios de actuación otorgados a mujeres [27] (por ejemplo, Premio de la Academia a la Mejor Actriz ).
Con respecto al cine de los Estados Unidos , el término "jugador" de género neutro era común en el cine de la era del cine mudo y los primeros días del Código de Producción Cinematográfica , pero en la década de 2000, en el contexto cinematográfico, generalmente es considerado arcaico . [ cita necesaria ] Sin embargo, "jugador" sigue utilizándose en el teatro , a menudo incorporado al nombre de un grupo o compañía de teatro, como American Players , East West Players , etc. Además, se puede hacer referencia a actores de teatro de improvisación. como "jugadores". [28]
En 2015, Forbes informó que "...sólo 21 de las 100 películas más taquilleras de 2014 tenían una protagonista o coprotagonista femenina, mientras que sólo el 28,1% de los personajes de 100 películas más taquilleras eran mujeres...". [29] "En los EE.UU., hay una" [brecha] en toda la industria en los salarios de todas las escalas. En promedio, las mujeres blancas ganan 78 centavos por cada dólar que gana un hombre blanco, mientras que las mujeres hispanas ganan 56 centavos por cada dólar de un hombre blanco, las mujeres negras 64 centavos y las mujeres nativas americanas sólo 59 centavos por cada dólar de ese." [29] Análisis de Forbes de Los salarios de los actores en Estados Unidos en 2013 determinaron que "... los hombres en la lista de Forbes de actores mejor pagados para ese año ganaron 2+1/2veces más dinero que las actrices mejor pagadas. Eso significa que las actrices mejor remuneradas de Hollywood ganaron sólo 40 centavos por cada dólar que ganaron los hombres mejor remunerados". [30] [31] [32]
Los actores que trabajan en teatro , cine , televisión y radio tienen que aprender habilidades específicas. Las técnicas que funcionan bien en un tipo de actuación pueden no funcionar bien en otro tipo de actuación.
Para actuar en el escenario, los actores necesitan aprender las instrucciones escénicas que aparecen en el guión, como "Escenario izquierdo" y "Escenario derecho". Estas instrucciones se basan en el punto de vista del actor mientras se encuentra en el escenario frente al público. Los actores también tienen que aprender el significado de las indicaciones escénicas "Upstage" (lejos del público) y "Downstage" (hacia el público). [33] Los actores de teatro necesitan aprender a bloquear, que es "...dónde y cómo se mueve un actor en el escenario durante una obra". La mayoría de los scripts especifican algún bloqueo. El director también da instrucciones sobre cómo bloquear, como cruzar el escenario o recoger y usar un accesorio. [33]
Algunos actores de teatro necesitan aprender combate escénico , que es una lucha simulada en el escenario. Es posible que los actores tengan que simular una lucha cuerpo a cuerpo o una lucha con espadas. Los actores son entrenados por directores de lucha , quienes les ayudan a aprender la secuencia coreografiada de las acciones de lucha. [33]
Desde 1894 hasta finales de la década de 1920, las películas fueron películas mudas . Los actores del cine mudo enfatizaban el lenguaje corporal y la expresión facial , para que el público pudiera comprender mejor lo que sentía un actor y lo retrataba en la pantalla. Gran parte de la actuación en el cine mudo tiende a parecer simplista o cursi al público de hoy en día . El estilo de actuación melodramático era en algunos casos un hábito que los actores transfirieron de su experiencia escénica anterior. El teatro de vodevil fue un origen especialmente popular para muchos actores del cine mudo estadounidense. [34] La omnipresente presencia de actores de teatro en el cine fue la causa de este estallido del director Marshall Neilan en 1917: "Cuanto antes salgan las personas del escenario que han entrado en el cine, mejor para las películas". En otros casos, directores como John Griffith Wray exigieron a sus actores que hicieran expresiones exageradas para dar énfasis. Ya en 1914, los espectadores estadounidenses habían comenzado a dar a conocer su preferencia por una mayor naturalidad en la pantalla. [35]
Los directores de cine pioneros de Europa y Estados Unidos reconocieron las diferentes limitaciones y libertades de los medios escénicos y cinematográficos a principios de la década de 1910. Las películas mudas se volvieron menos vodeviles a mediados de la década de 1910, cuando las diferencias entre el escenario y la pantalla se hicieron evidentes. Gracias al trabajo de directores como DW Griffith , la cinematografía se volvió menos escénica y el entonces revolucionario primer plano permitió actuaciones sutiles y naturalistas. En Estados Unidos, la compañía Biograph Studios de DW Griffith se hizo conocida por su dirección y actuación innovadoras, dirigidas más al cine que al escenario. Griffith se dio cuenta de que la actuación teatral no quedaba bien en el cine y exigió que sus actores y actrices pasaran semanas de formación actoral cinematográfica. [36]
Lillian Gish ha sido llamada la "primera verdadera actriz" del cine por su trabajo en ese período, ya que fue pionera en nuevas técnicas de interpretación cinematográfica, reconociendo las diferencias cruciales entre la actuación en el escenario y en la pantalla. Directores como Albert Capellani y Maurice Tourneur empezaron a insistir en el naturalismo en sus películas. A mediados de la década de 1920, muchas películas mudas estadounidenses habían adoptado un estilo de actuación más naturalista, aunque no todos los actores y directores aceptaron de inmediato una actuación naturalista y discreta; Aún en 1927 todavía se estrenaban películas con estilos de actuación expresionistas, como Metropolis . [35]
Según Anton Kaes, un estudioso del cine mudo de la Universidad de Wisconsin, el cine mudo estadounidense comenzó a ver un cambio en las técnicas de actuación entre 1913 y 1921, influenciado por las técnicas del cine mudo alemán. Esto se atribuye principalmente a la afluencia de emigrantes procedentes de la República de Weimar , "entre ellos directores de cine, productores, camarógrafos, técnicos de iluminación y escena, así como actores y actrices". [37]
Los actores de cine tienen que aprender a acostumbrarse y sentirse cómodos con una cámara frente a ellos. [38] Los actores de cine necesitan aprender a encontrar y permanecer en su "marca". Esta es una posición en el suelo marcada con cinta adhesiva. Esta posición es donde se optimizan las luces y el enfoque de la cámara. Los actores de cine también necesitan aprender a prepararse bien y realizar bien las pruebas en pantalla . Las pruebas de pantalla son una audición filmada de parte del guión.
A diferencia de los actores de teatro, que desarrollan personajes para repetir representaciones, los actores de cine carecen de continuidad, lo que los obliga a llegar a todas las escenas (a veces filmadas en orden inverso al en el que finalmente aparecen) con un personaje ya completamente desarrollado. [36]
"Dado que el cine captura hasta el gesto más pequeño y lo magnifica..., el cine exige del actor una actuación corporal menos extravagante y estilizada que el teatro." "La expresión de las emociones es el aspecto más difícil de dominar de la actuación cinematográfica: ... el actor de cine debe confiar en sutiles tics faciales, temblores y pequeños levantamientos de cejas para crear un personaje creíble". [36] Algunas estrellas de teatro "... han hecho la transición del teatro al cine con bastante éxito ( Laurence Olivier , Glenn Close y Julie Andrews , por ejemplo), otras no..." [36]
"En un televisor, normalmente hay varias cámaras en ángulo. Los actores que son nuevos en la actuación en pantalla pueden confundirse sobre qué cámara mirar". [33] Los actores de televisión deben aprender a usar micrófonos lav ( micrófonos Lavaliere ). [33] Los actores de televisión deben comprender el concepto de "cuadro". "El término cuadro se refiere al área que captura la lente de la cámara". [33] Dentro de la industria de la actuación, hay cuatro tipos de papeles televisivos que uno podría conseguir en un programa. Cada tipo varía en prominencia, frecuencia de aparición y pago. La primera se conoce como serie regular : los actores principales del programa forman parte del elenco permanente. Los actores que desempeñan papeles recurrentes tienen contrato para aparecer en varios episodios de una serie. Un papel de coprotagonista es un pequeño papel de habla que normalmente solo aparece en un episodio. Una estrella invitada es un papel más importante que un coprotagonista , y el personaje suele ser el foco central del episodio o parte integral de la trama.
El radioteatro es una representación dramatizada, puramente acústica , retransmitida por radio o publicada en soportes de audio, como cintas o CD. Sin ningún componente visual, el radioteatro depende del diálogo, la música y los efectos de sonido para ayudar al oyente a imaginar los personajes y la historia: "Es auditivo en la dimensión física pero igualmente poderoso como fuerza visual en la dimensión psicológica". [39]
El radioteatro alcanzó una gran popularidad una década después de su desarrollo inicial en la década de 1920. En la década de 1940, era un entretenimiento popular líder a nivel internacional. Sin embargo, con la llegada de la televisión en la década de 1950, las radionovelas perdieron parte de su popularidad y en algunos países nunca recuperaron grandes audiencias. Sin embargo, las grabaciones de OTR ( radio antigua ) sobreviven hoy en los archivos de audio de coleccionistas y museos, así como en varios sitios en línea como Internet Archive .
A partir de 2011 [actualizar], el radioteatro tiene una presencia mínima en la radio terrestre de Estados Unidos. Gran parte del drama radiofónico estadounidense se limita a retransmisiones o podcasts de programas de décadas anteriores. Sin embargo, otras naciones todavía tienen tradiciones prósperas de radioteatro. En el Reino Unido, por ejemplo, la BBC produce y transmite cientos de nuevas obras de radio cada año en Radio 3 , Radio 4 y Radio 4 Extra . El podcasting también ha ofrecido la posibilidad de crear nuevos dramas radiofónicos, además de la distribución de programas antiguos.
Los términos "audiodrama" [40] o "audioteatro" se utilizan a veces como sinónimos de "radiodrama" con una posible distinción: el audiodrama o el audioteatro no necesariamente están destinados específicamente a su transmisión por radio. El drama en audio, ya sea de nueva producción o clásico OTR, se puede encontrar en CD , cintas de casete , podcasts , webcasts y transmisiones de radio convencionales.
Gracias a los avances en la grabación digital y la distribución por Internet, el radioteatro está experimentando un resurgimiento. [41]
Por ejemplo, hasta finales del siglo XVII, el público se oponía a ver mujeres en el escenario, debido a la creencia de que la actuación escénica las reducía al estatus de coristas y prostitutas.
Incluso las obras de
Shakespeare
fueron representadas por niños vestidos de mujer.
"Mientras que hasta ahora los papeles femeninos en las obras de teatro han sido interpretados por hombres con hábitos femeninos... permitimos y damos permiso para que en el futuro todos los papeles femeninos sean interpretados por mujeres", ordenó Carlos II en 1662. Según Brewer's Diccionario de frases y fábulas, la primera actriz que explotó esta nueva libertad fue Margaret Hughes, como Desdémona en Otelo el 8 de diciembre de 1660.
No parece haber duda de que las actrices no actuaron en el escenario hasta la Restauración, en los primeros años de los cuales Pepys dice que vio por primera vez a una actriz en el escenario.
Carlos II, debió traer este uso del continente, donde durante mucho tiempo se habían empleado mujeres en lugar de niños o jóvenes en la representación de personajes femeninos.
Aunque
actor
se refiere a una persona que actúa independientemente del género, donde este término "es cada vez más preferido", actriz sigue siendo de uso generalizado;
Actor se prefiere cada vez más para los artistas intérpretes o ejecutantes de ambos sexos como término neutral en cuanto al género.
Pasarían varias décadas antes de que apareciera la palabra "actriz": 1700, según el Oxford English Dictionary, más de un siglo después de que la palabra "actor" se utilizara por primera vez para denotar a un artista teatral, suplantando al "actor", que sonaba menos profesional. "
