Diego Rodríguez de Silva y Velázquez , [a] Caballero de la Orden de Santiago (bautizado el 6 de junio de 1599 – el 6 de agosto de 1660) fue un pintor español, el artista principal en la corte del rey Felipe IV de España y Portugal, y de los españoles. Edad de oro .
Fue un artista individualista del período barroco (c. 1600-1750). Comenzó a pintar con un estilo tenebrista preciso , para luego desarrollar un estilo más libre caracterizado por una pincelada atrevida. Además de numerosas representaciones de escenas de importancia histórica y cultural, pintó decenas de retratos de la familia real española y de los plebeyos, que culminaron en su obra maestra Las Meninas (1656).
Las pinturas de Velázquez se convirtieron en modelo para los pintores realistas e impresionistas del siglo XIX . En el siglo XX, artistas como Pablo Picasso , Salvador Dalí y Francis Bacon rindieron homenaje a Velázquez reinterpretando algunas de sus imágenes más icónicas.
La mayor parte de su obra entró en la colección real española y, con diferencia, la mejor colección se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, aunque algunos retratos fueron enviados al extranjero como obsequios diplomáticos, especialmente a los Habsburgo austríacos .
Velázquez nació en Sevilla , España, primer hijo de Juan Rodríguez de Silva, notario , y Jerónima Velázquez. Fue bautizado en la iglesia de San Pedro de Sevilla el domingo 6 de junio de 1599. [5] Lo más probable es que el bautismo se produjera unos días o semanas después de su nacimiento. Sus abuelos paternos, Diego da Silva y María Rodríguez, eran portugueses y se habían trasladado a Sevilla décadas antes. Cuando a Velázquez le ofrecieron el título de caballero en 1658, afirmó descender de la nobleza menor para poder calificar; de hecho, sin embargo, sus abuelos eran comerciantes y posiblemente conversos judíos . [6] [7] [8] [9] Rafael Cómez propone que Velázquez pudo haber tenido linaje morisco . [10]
Criado en circunstancias modestas, mostró un temprano don para el arte y fue aprendiz de Francisco Pacheco , artista y profesor en Sevilla. Un biógrafo de principios del siglo XVIII, Antonio Palomino, dijo que Velázquez estudió durante un corto tiempo con Francisco de Herrera antes de comenzar su aprendizaje con Pacheco, pero esto no está documentado. Un contrato firmado el 17 de septiembre de 1611 formalizó un aprendizaje de seis años con Pacheco, retroactivo a diciembre de 1610, [11] y se ha sugerido que Herrera pudo haber sustituido a un Pacheco viajero entre diciembre de 1610 y septiembre de 1611. [12]
Aunque considerado un pintor aburrido y mediocre, Pacheco a veces expresó un realismo simple y directo , aunque su obra siguió siendo esencialmente manierista . [13] Como profesor, tenía un gran conocimiento y fomentaba el desarrollo intelectual de sus alumnos. En la escuela de Pacheco, Velázquez estudió los clásicos , se formó en la proporción y la perspectiva, y fue testigo de las tendencias en los círculos literarios y artísticos de Sevilla. [14]
El 23 de abril de 1618, Velázquez se casó con Juana Pacheco (1 de junio de 1602 - 10 de agosto de 1660), hija de su maestro. Tuvieron dos hijas. La mayor, Francisca de Silva Velázquez y Pacheco (1619-1658), se casó con el pintor Juan Bautista Martínez del Mazo en la Iglesia de Santiago de Madrid el 21 de agosto de 1633. La menor, Ignacia de Silva Velázquez y Pacheco, nacida en 1621, murió en infancia. [15]
Las primeras obras de Velázquez son bodegones (escenas de cocina con bodegones destacados ). Fue uno de los primeros artistas españoles en pintar escenas de este tipo, y su Vieja freír huevos (1618) demuestra la inusual habilidad del joven artista en la representación realista. [16] El realismo y la iluminación dramática de esta obra pueden haber estado influenciados por la obra de Caravaggio –que Velázquez pudo haber visto de segunda mano, en copias– y por la escultura policromada de las iglesias sevillanas. [17] Dos de sus bodegones, Escena de cocina con Cristo en casa de Marta (1618) y Escena de cocina con Cristo en Emaús ( c. 1618 ), presentan escenas religiosas de fondo, pintadas de una manera que crea ambigüedad en cuanto a si la escena religiosa es una pintura en la pared, una representación de los pensamientos de la cocinera en primer plano o un incidente real visto a través de una ventana. [18] [19] La Virgen de la Inmaculada Concepción (1618-19) sigue una fórmula utilizada por Pacheco, pero reemplaza el tipo facial idealizado y las superficies suavemente terminadas de su maestro con el rostro de una niña local y pinceladas variadas. [20] Sus otras obras religiosas incluyen La Adoración de los Magos (1619) y San Juan Evangelista en la isla de Patmos (1618-19), las cuales comienzan a expresar su realismo más puntiagudo y cuidadoso.
De esta época también son el retrato de Sor Jerónima de la Fuente (1620), primer retrato de cuerpo entero de Velázquez [21] , y el género La aguadora de Sevilla (1618-1622). El Aguador de Sevilla ha sido denominado "la cima de los bodegones de Velázquez " y es admirado por su virtuosa interpretación de volúmenes y texturas, así como por su enigmática seriedad. [22]
Velázquez había establecido su reputación en Sevilla a principios de la década de 1620. Viajó a Madrid en abril de 1622, con cartas de presentación a don Juan de Fonseca, capellán del rey. A Velázquez no se le permitió pintar al nuevo rey, Felipe IV , pero retrató al poeta Luis de Góngora a petición de Pacheco. [23] El retrato mostraba a Góngora coronado con una corona de laurel, que más tarde Velázquez pintó encima. [24] Regresó a Sevilla en enero de 1623 y permaneció allí hasta agosto. [25]
En diciembre de 1622 falleció Rodrigo de Villandrando , el pintor de corte favorito del rey. [26] Velázquez recibió la orden de acudir a la corte de Gaspar de Guzmán, conde-duque de Olivares , el poderoso ministro de Felipe IV. Le ofrecieron 50 ducados (175 gramos de oro) para sufragar sus gastos y lo acompañó su suegro. Fonseca alojó al joven pintor en su casa y posó para un retrato que, una vez terminado, fue trasladado al palacio real. [23] Se encargó un retrato del rey y el 30 de agosto de 1623 Felipe IV posó para Velázquez. [23] El retrato agradó al rey, y Olivares ordenó a Velázquez que se trasladara a Madrid, prometiendo que ningún otro pintor pintaría jamás el retrato de Felipe y que todos los demás retratos del rey serían retirados de circulación. [27] Al año siguiente, 1624, recibió 300 ducados del rey para pagar los gastos del traslado de su familia a Madrid, que se convirtió en su hogar para el resto de su vida.
.jpg/1280px-Vel%C3%A1zquez_-_El_Triunfo_de_Baco_o_Los_Borrachos_(Museo_del_Prado,_1628-29).jpg)
Velázquez consiguió el ingreso al servicio real con un sueldo de 20 ducados mensuales, alojamiento y pago de los cuadros que pintara. Su retrato de Felipe fue expuesto en las escaleras de San Felipe y recibido con entusiasmo. Actualmente está perdido (al igual que el retrato de Fonseca). [28] El Museo del Prado , sin embargo, conserva dos retratos del rey realizados por Velázquez (núms. 1070 y 1071) en los que la severidad de la época sevillana ha desaparecido y los tonos son más delicados. El modelado es firme, recordando el de Antonio Mor , retratista holandés de Felipe II , que ejerció una considerable influencia en la escuela española. Velázquez representa a Felipe vistiendo la golilla , un rígido collar de lino que sobresale en ángulo recto desde el cuello. La golilla reemplazó la moda cortesana anterior de elaborados cuellos con volantes como parte de las leyes de reforma de la vestimenta de Felipe durante un período de crisis económica. [29]
El Príncipe de Gales (después Carlos I ) llegó a la corte de España en 1623. Los registros indican que representó a Velázquez, pero el cuadro ahora se ha perdido. [28]
En 1627, Felipe convocó un concurso para los mejores pintores de España con el tema de la expulsión de los moros . Ganó Velázquez. Las descripciones registradas de su pintura (destruida en un incendio en el palacio en 1734) [30] dicen que representaba a Felipe III apuntando con su bastón a una multitud de hombres y mujeres que eran conducidos por soldados, mientras la personificación femenina de España se sentaba en calma. reposo. Velázquez fue nombrado caballero acomodador como recompensa. Posteriormente también recibió una asignación diaria de 12 réis , la misma cantidad asignada a los barberos de la corte, y 90 ducados al año para vestir.
En septiembre de 1628, Pedro Pablo Rubens fue destinado en Madrid como emisario de la infanta Isabel, y Velázquez le acompañó a ver a los Tizianos en El Escorial . Rubens, que demostró su brillantez como pintor y cortesano durante los siete meses de misión diplomática, tenía una alta opinión de Velázquez pero no tuvo una influencia significativa en su pintura. Sin embargo, galvanizó el deseo de Velázquez de ver Italia y las obras de los grandes maestros italianos. [31]
En 1629, Velázquez recibió 100 ducados por el cuadro de Baco ( El triunfo de Baco ), también llamado Los Borrachos , una pintura de un grupo de hombres con vestimenta contemporánea que rinde homenaje a un joven semidesnudo con una corona de hiedra. sentado sobre un tonel de vino. Primera pintura mitológica de Velázquez, [32] ha sido interpretada de diversas formas como la representación de una representación teatral, como una parodia o como una representación simbólica de campesinos pidiendo al dios del vino que les alivie sus penas. [33] El estilo muestra el naturalismo de las primeras obras de Velázquez ligeramente tocado por la influencia de Tiziano y Rubens. [34]
En 1629, Velázquez obtuvo permiso para pasar un año y medio en Italia. Aunque esta primera visita se reconoce como un capítulo crucial en el desarrollo de su estilo –y en la historia del Patronato Real español, desde que Felipe IV patrocinó su viaje–, se conocen pocos detalles y especificidades de lo que vio el pintor, a quién conoció, cómo cómo era percibido y qué innovaciones esperaba introducir en su pintura.
Viajó a Venecia , Ferrara , Cento , Loreto , Bolonia y Roma. [18] En 1630 visitó Nápoles para pintar el retrato de María Ana de España , y allí probablemente conoció a Ribera . [18] Las principales obras de su primer período italiano son El abrigo ensangrentado de José llevado a Jacob (1629-30) y Apolo en la fragua de Vulcano (1630), las cuales revelan su ambición de rivalizar con los italianos como pintor de historia en el gran manera. [35] Las dos composiciones de varias figuras casi de tamaño natural tienen dimensiones similares y pueden haber sido concebidas como colgantes: la escena bíblica que representa un engaño y la escena mitológica que representa la revelación de un engaño. [36] Como había hecho en El triunfo de Baco , Velázquez presentó a sus personajes como personas contemporáneas cuyos gestos y expresiones faciales eran los de la vida cotidiana. [37] Siguiendo el ejemplo de pintores boloñeses como Guido Reni , Velázquez pintó a Apolo en la fragua de Vulcano sobre lienzo preparado con un fondo gris claro en lugar del fondo rojizo oscuro de todas sus obras anteriores. El cambio resultó en una luminosidad mayor que la que había logrado anteriormente, e hizo del uso de fondos de color gris claro su práctica habitual. [36]
.jpg/1280px-Vel%C3%A1zquez_-_de_Breda_o_Las_Lanzas_(Museo_del_Prado,_1634-35).jpg)
Velázquez regresó a Madrid en enero de 1631. [18] Ese año completó el primero de sus muchos retratos del joven príncipe, comenzando por el Príncipe Baltasar Carlos con un Enano (Boston, Museo de Bellas Artes). [38] En retratos como Retrato ecuestre del príncipe Baltasar Carlos (1635), Velázquez representa al príncipe con un aspecto digno y señorial, o con el traje de un mariscal de campo sobre su corcel encabritado. En una versión, la escena se desarrolla en la escuela de equitación de palacio, el rey y la reina miran desde un balcón, mientras Olivares atiende como maestro de caballos al príncipe. [39]
Para decorar el nuevo palacio del rey, el Palacio del Buen Retiro , Velázquez pintó retratos ecuestres de la familia real. [18] En Felipe IV a caballo (1634-35), el rey está representado de perfil en una imagen de imperturbable majestad, demostrando una experta equitación al ejecutar una levada sin esfuerzo . [40] La gran rendición de Breda (1634-35), también pintada para el Palacio, es la única pintura existente de Velázquez que representa la historia contemporánea. [40] Su tratamiento simbólico de una victoria militar española sobre los holandeses evita la retórica de conquista y superioridad que es típica en tales escenas, en las que un general a caballo mira desde arriba a su oponente vencido y arrodillado. En cambio, Velázquez muestra al general español de pie ante su homólogo holandés como un igual, y le tiende una mano de consuelo. [41]
El rostro impasible y saturnino del influyente ministro Olivares nos resulta familiar por los numerosos retratos pintados por Velázquez. Dos son notables: uno, de cuerpo entero, majestuoso y digno, en el que porta la cruz verde de la orden de Alcántara y sostiene una vara, insignia de su cargo de maestro de caballería; en el otro, El conde-duque de Olivares a caballo (c. 1635), se le representa halagadoramente como un mariscal de campo durante la acción. En estos retratos, Velázquez saldó con creces la deuda de gratitud que tenía con el mecenas que le había llamado la atención del rey por primera vez. [42]
El escultor Juan Martínez Montañés modeló una estatua a partir de uno de los retratos ecuestres del rey de Velázquez (pintado en 1636; ahora perdido) que fue fundido en bronce por el escultor florentino Pietro Tacca y ahora se encuentra en la Plaza de Oriente de Madrid. [43] Velázquez estuvo muy cerca de Felipe y lo acompañó a Aragón en 1644, donde el artista pintó un retrato del monarca en traje mientras pasaba revista a sus tropas en Fraga . [44]
Las pinturas de Velázquez de Esopo y Menipo (ambas c. 1636-1638) retratan a escritores antiguos bajo la forma de retratos de mendigos. [18] Marte descansando (c. 1638) es a la vez una representación de una figura mitológica y un retrato de un hombre de mediana edad de aspecto cansado que se hace pasar por Marte. [45] El modelo está pintado prestando atención a su individualidad, mientras que su bigote descuidado y de gran tamaño es una incongruencia ligeramente cómica. [46] La equívoca imagen ha sido interpretada de diversas maneras: Javier Portús la describe como una "reflexión sobre la realidad, la representación y la visión artística", mientras que Alfonso E. Pérez Sánchez dice que "también ha sido vista como una meditación melancólica sobre las armas de España en decadencia". [18]
Si no hubiera sido por su nombramiento real, que le permitió a Velázquez escapar de la censura de la Inquisición , no habría podido publicar su La Venus del espejo (c. 1644-1648, inglés: Venus at her Mirror ), también conocida como La Venus del Rokeby . Es el primer desnudo femenino conocido pintado por un artista español, [18] y el único desnudo femenino superviviente de Velázquez.
Además de los numerosos retratos de Felipe realizados por Velázquez (treinta y cuatro según un recuento [47]) , pintó retratos de otros miembros de la familia real: la primera esposa de Felipe, Isabel de Borbón , y sus hijos, especialmente su hijo mayor, don Baltasar Carlos. , a quien Velázquez representó por primera vez cuando tenía unos dos años. Caballeros, soldados, clérigos y el poeta Francisco de Quevedo (ahora en Apsley House ) representaron a Velázquez.
Velázquez también pintó varios bufones y enanos de la corte de Felipe, a los que retrató con simpatía y respeto por su individualidad, como en El bufón don Diego de Acedo (1644), cuyo rostro inteligente y enorme folio con tintero y pluma al lado muestran él era un hombre sabio y bien educado. [48] Pablo de Valladolid (1635), un bufón evidentemente interpretando un papel, y El bufón de Coria (1639) pertenecen a este período intermedio.
Como pintor de la corte, Velázquez recibió menos encargos de obras religiosas que cualquiera de sus contemporáneos. [49] Cristo Crucificado (1632), pintado para el Convento de San Plácido de Madrid, representa a Cristo inmediatamente después de la muerte. La cabeza del Salvador cuelga sobre su pecho y una masa de cabello oscuro enredado oculta parte del rostro, reforzando visualmente la idea de muerte. [49] La figura se presenta sola sobre un fondo oscuro.
El yerno de Velázquez, Juan Bautista Martínez del Mazo, lo había sucedido como ujier en 1634, [50] y el propio Mazo había recibido un ascenso constante en la casa real. Mazo recibió una pensión de 500 ducados en 1640, aumentada a 700 en 1648, por retratos pintados y por pintar, y fue nombrado inspector de obras de palacio en 1647.
Felipe confió ahora a Velázquez la misión de conseguir pinturas y esculturas para la colección real. España, rica en cuadros, era débil en estatuaria, y Velázquez recibió nuevamente el encargo de viajar a Italia para realizar compras. [51]
Cuando partió en 1649 lo acompañó su ayudante Juan de Pareja, que en ese momento era esclavo y que había sido formado en pintura por Velázquez. [52] Velázquez zarpó de Málaga , desembarcó en Génova y prosiguió de Milán a Venecia, comprando pinturas de Tiziano , Tintoretto y Veronés en el camino. [53] En Módena fue recibido con mucho favor por el duque, y aquí pintó el retrato del duque en la galería de Módena y dos retratos que ahora adornan la galería de Dresde , ya que estas pinturas procedían de la venta de Módena de 1746.
Esas obras presagian el advenimiento de la tercera y última manera del pintor, un noble ejemplo de lo cual es el gran retrato del Papa Inocencio X en la Galería Doria Pamphilj de Roma, donde ahora procedía Velázquez. Allí fue recibido con marcado favor por el Papa, quien le entregó una medalla y una cadena de oro. Velázquez se llevó una copia del retrato, que Sir Joshua Reynolds pensó que era el mejor cuadro de Roma, a España. Existen varias copias en diferentes galerías, algunas de ellas posiblemente estudios del original o réplicas pintadas para Felipe. Velázquez, en esta obra, había alcanzado la manera abreviada , término acuñado por los españoles contemporáneos para este estilo más atrevido y agudo. El retrato muestra tal crueldad en la expresión de Inocencio que algunos en el Vaticano temieron que el Papa lo viera desfavorablemente; de hecho, Innocent quedó satisfecho con la obra y la colgó en la sala de espera de sus visitantes oficiales. [ cita necesaria ]
En 1650 en Roma Velázquez también pintó un retrato de Juan de Pareja , ahora en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Este retrato provocó su elección en la Accademia di San Luca . Supuestamente Velázquez creó este retrato como un calentamiento de sus habilidades antes de su retrato del Papa. Capta con gran detalle el semblante de Pareja y su ropa algo gastada y remendada con un uso económico de la pincelada. En noviembre de 1650 Juan de Pareja fue liberado de la esclavitud por Velázquez. [54]
A este período también pertenecen dos pequeños cuadros de paisajes, ambos titulados Vista del jardín de la Villa Medici . Como paisajes aparentemente pintados directamente de la naturaleza, eran excepcionales para su época y revelan el minucioso estudio de la luz por parte de Velázquez en diferentes momentos del día. [55]
Como parte de su misión de conseguir decoraciones para la Sala de los Espejos del Real Alcázar de Madrid , Velázquez encargó a Matteo Bonuccelli la fundición de doce copias en bronce de los leones de los Medici . Las copias se encuentran actualmente en el Palacio Real de Madrid y en el Museo del Prado . [56]
Durante su estancia en Roma, Velázquez tuvo un hijo natural, Antonio, a quien no se sabe que haya visto nunca. [57]
Desde febrero de 1650, Felipe buscó repetidamente el regreso de Velázquez a España. [57] Así, tras visitar Nápoles —donde vio a su viejo amigo José Ribera— y Venecia, Velázquez regresó a España vía Barcelona en 1651, llevándose consigo numerosos cuadros y 300 piezas estatuarias, que luego fueron arregladas y catalogadas para el rey. .
Isabel de Francia había muerto en 1644, y el rey se había casado con Mariana de Austria , a quien Velázquez retrataba ahora en muchas actitudes. En 1652 fue elegido especialmente por el rey para ocupar el alto cargo de aposentador mayor , que le imponía el deber de velar por los locales ocupados por la corte, función responsable que no era sinecura y que interfería con el ejercicio de su cargo. arte. [58] Sin embargo, lejos de indicar un declive, sus obras de este período se encuentran entre los ejemplos más altos de su estilo. [59]
Una de las infantas , Margarita Teresa , la hija mayor de la nueva reina, parece ser el tema de Las Meninas (1656, inglés: The Maids of Honor ), la obra maestra de Velázquez . Creado cuatro años antes de su muerte, constituye un destacado ejemplo del arte barroco europeo . Luca Giordano , pintor italiano contemporáneo, se refirió a ella como la "teología de la pintura", [60] y en 1827 el presidente de la Real Academia de las Artes Sir Thomas Lawrence la describió en una carta como "la verdadera filosofía del arte". . [61] Sin embargo, no está claro quién o qué es el verdadero tema de la imagen. [62] ¿Es la hija real, o quizás el propio pintor? El rey y la reina se ven reflejados en un espejo en la pared del fondo, pero la fuente del reflejo es un misterio: ¿está la pareja real de pie en el espacio del espectador, o el espejo refleja la pintura en la que está trabajando Velázquez? Dale Brown dice que Velázquez pudo haber concebido la imagen descolorida del rey y la reina en la pared del fondo como un presagio de la caída del Imperio español que iba a ganar impulso tras la muerte de Felipe.
En el libro de 1966 Les Mots et Les Choses ( El orden de las cosas ), el filósofo Michel Foucault dedica el capítulo inicial a un análisis detallado de Las Meninas . Describe las formas en que la pintura problematiza cuestiones de representación mediante el uso de espejos, pantallas y las oscilaciones posteriores que ocurren entre el interior, la superficie y el exterior de la imagen. [ cita necesaria ]
Se dice que el rey pintó en el pecho del pintor la Cruz de honor de Santiago de la Orden de Santiago tal y como aparece hoy en el lienzo. Sin embargo, Velázquez no recibió este honor de caballero hasta tres años después de la ejecución de este cuadro. Ni siquiera el rey de España podía convertir a su pintor favorito de la corte en caballero con cinturón sin el consentimiento de la comisión establecida para investigar la pureza de su linaje . El objetivo de estas investigaciones sería impedir el nombramiento para cargos de cualquier persona que tenga siquiera una mancha de herejía en su linaje, es decir, un rastro de sangre judía o morisca o contaminación por comercio en cualquier lado de la familia durante muchas generaciones. Las actas de esta comisión se han encontrado entre los archivos de la Orden de Santiago. Velázquez recibió este honor en 1659. Su ocupación como plebeyo y comerciante estaba justificada porque, como pintor del rey, evidentemente no estaba involucrado en la práctica de "vender" cuadros. [ cita necesaria ]
Básicamente, en España sólo había dos mecenas del arte: la iglesia y el rey y la corte amantes del arte. Bartolomé Esteban Murillo , que trabajó para una iglesia rica y poderosa, dejó pocos medios para costear su entierro, mientras Velázquez vivió y murió disfrutando de un buen salario y pensión.
Una de sus últimas obras fue Las hilanderas , pintada alrededor de 1657, una representación de la Fábula de Aracne de Ovidio . [18] El tapiz del fondo está basado en El rapto de Europa de Tiziano o, más probablemente, en la copia que Rubens pintó en Madrid. [63] Está lleno de luz, aire y movimiento, con colores vibrantes y un manejo cuidadoso. Anton Raphael Mengs dijo que esta obra parecía haber sido pintada no por la mano sino por pura fuerza de voluntad. Muestra una concentración de todo el conocimiento artístico que Velázquez había acumulado durante su larga carrera artística de más de cuarenta años. El esquema es simple: una confluencia de rojo, verde azulado, gris y negro variados y mezclados.
Los últimos retratos de Velázquez de los niños reales se encuentran entre sus mejores obras y en La infanta Margarita Teresa con un vestido azul [64] el estilo personal del pintor alcanzó su punto culminante: manchas brillantes de color en amplias superficies de pintura producen un efecto casi impresionista—– el espectador debe situarse a una distancia adecuada para tener la impresión de una espacialidad tridimensional completa.
Su único retrato que se conserva del delicado y enfermizo príncipe Felipe Próspero [65] destaca por su combinación de los dulces rasgos del niño príncipe y su perro con una sutil sensación de tristeza. La esperanza que en aquel momento se depositaba en el único heredero de la corona española se refleja en la representación: el rojo y el blanco frescos contrastan con los morbosos colores de finales de otoño. Un perrito con los ojos muy abiertos mira al espectador como si lo interrogara, y el fondo, en gran medida pálido, insinúa un destino sombrío: el principito tenía apenas cuatro años cuando murió. Como en todas las últimas pinturas del artista, el manejo de los colores es extraordinariamente fluido y vibrante.
En 1660 se consumó un tratado de paz entre Francia y España con el matrimonio de María Teresa con Luis XIV , y la ceremonia tuvo lugar en la Isla de los Faisanes, una pequeña isla pantanosa del Bidasoa . Velázquez fue el encargado de la decoración del pabellón español y de todo el despliegue escénico. Llamó mucho la atención por la nobleza de su porte y el esplendor de su traje. El 26 de junio regresó a Madrid y el 31 de julio sufrió fiebre. Sintiendo acercarse su fin, firmó su testamento, nombrando como únicos albaceas a su esposa y a su firme amiga llamada Fuensalida, guardiana de los registros reales. Murió el 6 de agosto de 1660. Fue enterrado en la bóveda de Fuensalida de la iglesia de San Juan Bautista , y a los ocho días fue enterrada junto a él su esposa Juana. Esta iglesia fue destruida por los franceses alrededor de 1809, por lo que actualmente se desconoce su lugar de enterramiento. [66]
Hubo muchas dificultades para ajustar las enredadas cuentas pendientes entre Velázquez y el tesoro, y no fue hasta 1666, después de la muerte del rey Felipe, que finalmente se arreglaron.
Es canónico dividir la carrera de Velázquez entre sus dos visitas a Italia. Rara vez firmaba sus cuadros y los archivos reales sólo dan las fechas de sus obras más importantes. La evidencia interna y la historia de sus retratos aportan el resto hasta cierto punto.
Aunque conocía todas las escuelas italianas y era amigo de los pintores más destacados de su época, Velázquez fue lo suficientemente fuerte como para resistir influencias externas y trabajar por sí mismo el desarrollo de su propia naturaleza y sus propios principios artísticos. Rechazó la pompa que caracterizaba el retrato de otras cortes europeas y, en cambio, aportó una reserva aún mayor a la fórmula discreta del retrato de los Habsburgo establecida por Tiziano, Antonio Mor y Alonso Sánchez Coello . [67] Es conocido por usar una paleta bastante limitada, pero mezcló las pinturas disponibles con gran habilidad para lograr diferentes tonos. [68] Sus pigmentos no eran significativamente diferentes de los de sus contemporáneos y empleó principalmente azurita , esmalte , bermellón , laca roja , amarillo plomo-estaño y ocres . [69] Sus primeras obras fueron pintadas sobre lienzos preparados con un fondo de color marrón rojizo. Adoptó el uso de motivos de color gris claro durante su primer viaje a Italia y continuó usándolos por el resto de su vida. [70] El cambio resultó en pinturas con mayor luminosidad y una gama de colores generalmente fría y plateada. [71]
Son pocos los dibujos que se atribuyen con seguridad a Velázquez. [72] Aunque existen dibujos preparatorios para algunas de sus pinturas, su método era pintar directamente del natural, y las radiografías de sus pinturas revelan que frecuentemente hacía cambios en su composición a medida que avanzaba la pintura. [72]
Velázquez no fue prolífico; Se estima que produjo entre 110 y 120 lienzos conocidos. [73] No produjo aguafuertes ni grabados, y sólo se le atribuyen unos pocos dibujos. [74]
Velázquez es la figura más influyente en la historia del retrato español. [75] Aunque tuvo pocos seguidores inmediatos, los pintores de la corte española como su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo y Juan Carreño de Miranda se inspiraron en su trabajo. [75] Mazo imitó fielmente su estilo y muchas pinturas y copias de Mazo se atribuyeron anteriormente a Velázquez. [76] La reputación de Velázquez languideció en el siglo XVIII, cuando el retrato de la corte española estaba dominado por artistas de origen y formación extranjeros. Hacia finales de siglo, su importancia fue cada vez más reconocida por intelectuales cercanos a la corte española: un ensayo publicado en 1781 por Gaspar Melchor de Jovellanos decía de Velázquez que "cuando murió, la gloria de la pintura en España murió con él". [77] En 1778, Goya realizó una serie de grabados a partir de pinturas de Velázquez, como parte de un proyecto del Conde de Floridablanca para realizar impresiones de pinturas de la Colección Real. [78] Las copias gratuitas de Goya revelan un compromiso profundo con la obra del maestro mayor, que siguió siendo un modelo para Goya durante el resto de su carrera. [79]
La obra de Velázquez fue poco conocida fuera de España hasta el siglo XIX. [76] La mayoría de sus pinturas escaparon de ser robadas por los mariscales franceses durante la Guerra de la Independencia . En 1828, Sir David Wilkie escribió desde Madrid que se sentía en presencia de un nuevo poder en el arte al contemplar las obras de Velázquez, y al mismo tiempo encontraba una maravillosa afinidad entre este artista y la escuela británica de retratistas. , especialmente Henry Raeburn . Le llamó la atención el "brillo y la vivacidad" que impregnan las obras de Velázquez. [80]
Velázquez es citado a menudo como una influencia clave en el arte de Édouard Manet , a quien a menudo se le considera el puente entre el realismo y el impresionismo . Manet , que llamó a Velázquez el "pintor de pintores", [71] admiró la inmediatez y la pincelada vívida de la obra de Velázquez y se basó en los motivos de Velázquez en su propio arte. [81] A finales del siglo XIX, artistas como James McNeill Whistler y John Singer Sargent fueron fuertemente influenciados por Velázquez. [18]
El respeto con el que los pintores del siglo XX consideran la obra de Velázquez da fe de su continua importancia. Pablo Picasso rindió homenaje a Velázquez en 1957 cuando recreó Las Meninas en 44 variaciones, en su estilo característico. [82] Aunque a Picasso le preocupaba que sus reinterpretaciones de la pintura de Velázquez fueran vistas simplemente como copias en lugar de representaciones únicas, [ cita necesaria ] las enormes obras, las más grandes que había producido desde Guernica (1937), entraron en el canon del arte español. . [83]
Salvador Dalí , al igual que Picasso, anticipándose al tricentenario de la muerte de Velázquez, creó en 1958 una obra titulada Velázquez pintando a la infanta Margarita con las luces y sombras de su propia gloria . [84] La combinación de colores muestra el serio homenaje de Dalí a Velázquez; la obra también funcionó, como en el caso de Picasso, como vehículo para la presentación de teorías más nuevas en el arte y el pensamiento: el misticismo nuclear, en el caso de Dalí. [85]
El pintor angloirlandés Francis Bacon consideró que el Retrato de Inocencio X de Velázquez era "uno de los mejores retratos de todos los tiempos". [86] Creó varias variaciones expresionistas de esta pieza en la década de 1950; sin embargo, las pinturas de Bacon presentaban a veces una imagen más espantosa de Inocente. Una de esas famosas variaciones, titulada Figura con carne (1954), muestra al Papa entre dos mitades de una vaca dividida en dos. [87]
Algunos artistas sudamericanos también le rinden homenaje como Fernando Botero con sus retratos de personajes de gran tamaño extraídos de algunas pinturas de Velásquez [88] y Herman Braun-Vega con su serie Velásquez expuesta acompañada de las Menines de las que se exhibe el políptico principal en el Museo de Antioquia en Medellín, Colombia y el cuadríptico de Velásquez en su caballete se encuentra en el Museo de Arte Blanton en Austin, Texas. [89]
En 2009, se limpió y restauró el Retrato de un hombre de la colección del Museo Metropolitano de Arte , que durante mucho tiempo había estado asociado con los seguidores del estilo de pintura de Velázquez. Se descubrió que era el propio Velázquez, y los rasgos del hombre coinciden con los de una figura del cuadro "La Rendición de Breda". Por tanto, el lienzo recién limpiado puede ser un estudio para ese cuadro. Aunque la atribución a Velázquez se da por segura, la identidad del retratado sigue siendo cuestionable. Algunos historiadores del arte consideran este nuevo estudio un autorretrato de Velázquez. [90]
En 2010, se informó que una pintura dañada relegada durante mucho tiempo a un sótano de la Galería de Arte de la Universidad de Yale podría ser una de las primeras obras de Velázquez. Se cree que la pintura fue entregada a Yale en 1925, pero anteriormente se había atribuido a la escuela española del siglo XVII. Algunos estudiosos están dispuestos a atribuir la pintura a Velázquez, aunque el Museo del Prado de Madrid se reserva su opinión. La obra, que representa a la Virgen María siendo enseñada a leer, será restaurada por conservadores en Yale. [91] [92]
En octubre de 2011, el historiador de arte Dr. Peter Cherry del Trinity College de Dublín confirmó mediante análisis de rayos X que un retrato encontrado en el Reino Unido en la antigua colección del pintor del siglo XIX Matthew Shepperson es una obra de Velázquez previamente desconocida. El retrato es de un hombre no identificado de unos cincuenta o sesenta años, que posiblemente podría ser Juan Mateos, el maestro de caza del mecenas de Velázquez, el rey Felipe IV de España . [93] La pintura mide 47 x 39 cm y se vendió en una subasta el 7 de diciembre de 2011 por 3.000.000 de libras esterlinas. [94]
Velázquez, a través de su hija Francisca de Silva Velázquez y Pacheco (1619-1658), es antepasado de los marqueses de Monteleone, incluida Enriquetta (Henrietta) Casado de Monteleone (1725-1761), quien en 1746 se casó con Enrique VI, conde Reuss zu Köstritz. (1707-1783). A través de ellos descienden varios miembros de la realeza europea, entre ellos el rey Felipe VI de España a través de su madre Sofía de Grecia y Dinamarca , [95] el rey Guillermo Alejandro de los Países Bajos , el rey Carlos XVI Gustavo de Suecia , el rey Alberto II de Bélgica , Hans-Adam II, príncipe de Liechtenstein , y Enrique, gran duque de Luxemburgo . [96]
Velázquez ha sido interpretado por Julián Villagrán en una serie de televisión de fantasía española, El ministerio del tiempo , y es un personaje recurrente en la serie. [97]
Jonathan Brown, el principal experto en Velázquez de este país... "Velázquez fue un pintor que midió su genio con dedales". Su producción fue tan pequeña que, dependiendo de quién esté contando, estima Brown, sólo se conocen entre 110 y 120 lienzos del artista.
{{cite web}}: Mantenimiento CS1: copia archivada como título ( enlace )
