La pintura de cerámica de figuras negras , también conocida como estilo de figuras negras o cerámica de figuras negras ( griego antiguo : μελανόμορφα , romanizado : melanómorpha ), es uno de los estilos de pintura sobre vasos griegos antiguos . Fue especialmente común entre los siglos VII y V a. C., aunque hay ejemplares que datan del siglo II a. C. Estilísticamente se puede distinguir del periodo orientalizante precedente y del estilo de cerámica de figuras rojas posterior .
Las figuras y los adornos se pintaban en el cuerpo de la vasija utilizando formas y colores que recordaban a las siluetas . Los contornos delicados se grababan en la pintura antes de la cocción, y los detalles se podían reforzar y resaltar con colores opacos, generalmente blanco y rojo. Los principales centros de este estilo fueron inicialmente el centro comercial de Corinto y más tarde Atenas . Se sabe que otros sitios de producción importantes estuvieron en Laconia , Beocia , Grecia oriental e Italia. Particularmente en Italia se desarrollaron estilos individuales que estaban destinados al menos en parte al mercado etrusco. Los jarrones griegos de figuras negras eran muy populares entre los etruscos , como lo demuestran las frecuentes importaciones. Los artistas griegos crearon productos personalizados para el mercado etrusco que diferían en forma y decoración de sus productos normales. Los etruscos también desarrollaron su propia industria de cerámica de figuras negras orientada a los modelos griegos.
La pintura de figuras negras sobre jarrones fue el primer estilo artístico que dio origen a un número significativo de artistas identificables. Algunos son conocidos por sus verdaderos nombres, otros solo por los nombres pragmáticos que se les dieron en la literatura científica. El Ática en particular fue el hogar de artistas muy conocidos. Algunos alfareros introdujeron una variedad de innovaciones que a menudo influyeron en la obra de los pintores; a veces fueron los pintores quienes inspiraron la originalidad de los alfareros. Los jarrones de figuras rojas y negras son algunas de las fuentes más importantes de mitología e iconografía , y a veces también para investigar la vida cotidiana de la antigua Grecia. Desde el siglo XIX d.C. a más tardar, estos jarrones han sido objeto de una intensa investigación.
La base de la pintura de cerámica es el vaso sobre el que se pinta una imagen. Las formas populares se alternaban con modas pasajeras. Mientras que muchas volvían a aparecer después de intervalos, otras se reemplazaban con el tiempo. Todas tenían un método de fabricación común: una vez hecho el vaso, primero se secaba antes de pintarlo. Los talleres estaban bajo el control de los alfareros, quienes, como dueños de negocios, tenían una posición social elevada [ cita requerida ] .
No se sabe con certeza hasta qué punto eran idénticos los alfareros y los pintores. Es probable que muchos maestros alfareros hicieran su principal contribución al proceso de producción como pintores de vasos, al tiempo que empleaban a pintores adicionales. Sin embargo, no es fácil reconstruir vínculos entre alfareros y pintores. En muchos casos, como Tleson y el Pintor de Tleson, Amasis y el Pintor de Amasis o incluso Nikosthenes y el Pintor N, es imposible hacer atribuciones inequívocas, aunque en gran parte de la literatura científica se supone que estos pintores y alfareros son la misma persona [ cita requerida ] . Pero tales atribuciones solo se pueden hacer con confianza si se tienen a mano las firmas del alfarero y del pintor.
Los pintores, que eran esclavos o artesanos a los que se les pagaba como pintores de cerámica, trabajaban sobre jarrones sin cocer y secados al sol. En el caso de la producción de figuras negras, el tema se pintaba sobre el jarrón con una lechada de arcilla (una barbotina , que en la literatura antigua también se denominaba barniz) que se volvía negra y brillante después de la cocción. Esto no era "pintura" en el sentido habitual, ya que esta barbotina superficial estaba hecha del mismo material de arcilla que el propio jarrón, solo diferenciándose en el tamaño de las partículas componentes, que se lograba durante el refinamiento de la arcilla antes de comenzar el proceso de alfarería. El área para las figuras se pintaba primero con un instrumento parecido a un pincel. Los contornos internos y los detalles estructurales se grababan en la barbotina para que la arcilla subyacente pudiera verse a través de los rasguños. Otros dos pigmentos a base de tierra que dan el rojo y el blanco se usaban para agregar detalles como adornos, ropa o partes de ropa, cabello, crines de animales, partes de armas y otros equipos. El blanco también se usaba con frecuencia para representar la piel de las mujeres.
El éxito de todo este esfuerzo sólo se pudo juzgar tras un complicado proceso de cocción en tres fases que generó el color rojo de la arcilla del cuerpo y el negro del engobe aplicado. El recipiente se coció en un horno a una temperatura de unos 800 °C, con la oxidación resultante que le dio un color naranja rojizo. A continuación, se elevó la temperatura a unos 950 °C con los respiraderos del horno cerrados y se añadió madera verde para eliminar el oxígeno. El recipiente se volvió entonces completamente negro. La etapa final requirió que se volvieran a abrir los respiraderos para permitir que entrara oxígeno en el horno, que se dejó enfriar. El recipiente volvió entonces a su color naranja rojizo debido a la nueva oxidación, mientras que la capa pintada ahora sinterizada mantuvo el color negro brillante que se había creado en la segunda etapa.
Aunque la partitura es uno de los principales indicadores estilísticos, algunas piezas prescinden de ella. En estas, la forma es técnicamente similar al estilo orientalizante, pero el repertorio de imágenes ya no refleja la práctica orientalizante. [1]
La evolución de la pintura cerámica de figuras negras se describe tradicionalmente en función de los distintos estilos y escuelas regionales. Si tomamos como eje a Corinto, las producciones de las distintas regiones presentaban diferencias fundamentales, aunque se influyeran mutuamente. Especialmente en el Ática, aunque no exclusivamente allí, los mejores y más influyentes artistas de su tiempo caracterizaron la pintura cerámica griega clásica. El desarrollo posterior y la calidad de los vasos como portadores de imágenes son los temas de esta sección.
.jpg/1280px-Trois_aryballes_(collection_Campana,_le_Louvre,_2007).jpg)
La técnica de figuras negras se desarrolló alrededor del año 700 a. C. en Corinto [2] y fue utilizada por primera vez a principios del siglo VII a. C. por los pintores de cerámica protocorintios, que todavía pintaban en estilo orientalizante . La nueva técnica recordaba a las piezas de metal grabadas, y las vajillas de metal, más costosas, fueron sustituidas por jarrones de cerámica con figuras pintadas sobre ellos. Antes de finales de siglo se desarrolló un estilo característico de figuras negras. La mayoría de los elementos orientalizantes habían sido abandonados y no había adornos, salvo rosetas con pinceladas (las rosetas se formaban mediante una disposición de pequeños puntos individuales).
La arcilla utilizada en Corinto era blanda, con un tinte amarillo, a veces verde. La cocción defectuosa era algo normal, que ocurría cuando el complicado procedimiento de cocción no funcionaba como se deseaba. El resultado era a menudo una coloración no deseada de todo el vaso, o de partes del mismo. Después de la cocción, el engobe brillante aplicado al vaso se volvía negro opaco. Los colores complementarios rojo y blanco aparecieron por primera vez en Corinto y luego se hicieron muy comunes. Los vasos pintados suelen ser de pequeño formato, rara vez de más de 30 cm. Los frascos de aceite ( alabastra , aríbalo ), píxides , cráteras , enócoas y copas eran los vasos pintados más comunes. Los vasos esculpidos también estaban muy extendidos. A diferencia de los vasos áticos, las inscripciones son raras, y las firmas de los pintores aún más. La mayoría de los vasos supervivientes producidos en Corinto se han encontrado en Etruria , la Baja Italia y Sicilia. En el siglo VII y la primera mitad del VI a. C., la pintura de vasos corintios dominó el mercado mediterráneo de la cerámica. Es difícil construir una secuencia estilística para la pintura de vasos corintios. A diferencia de la pintura ática, por ejemplo, las proporciones de la base de cerámica no evolucionaron mucho. También suele ser difícil datar los vasos corintios; con frecuencia hay que confiar en fechas secundarias, como la fundación de colonias griegas en Italia. Basándose en esa información se puede trazar una cronología aproximada mediante comparaciones estilísticas, pero rara vez se acerca a la precisión de la datación de los vasos áticos.
Las escenas mitológicas se representan con frecuencia, especialmente Heracles y figuras relacionadas con la guerra de Troya . Pero las imágenes en los vasos corintios no tienen un rango temático tan amplio como las obras posteriores de los pintores áticos. Los dioses rara vez se representan, Dioniso nunca. Pero el ciclo tebano fue más popular en Corinto que más tarde en Atenas. Principalmente luchas, jinetes y banquetes eran las escenas más comunes de la vida cotidiana, apareciendo estas últimas por primera vez durante el período corintio temprano. Las escenas deportivas son raras. Las escenas con bailarinas de vientre gordo son únicas y su significado es discutido hasta el momento actual. Se trata de bebedores cuyos vientres y nalgas están acolchados con almohadas y pueden representar una forma temprana de comedia griega. [3]
El estilo de transición (640-625 a. C.) unió el estilo orientalizante (protocorintio) con el estilo de figuras negras. El antiguo estilo de frisos con animales del período protocorintio se había agotado, al igual que el interés de los pintores de vasos por las escenas mitológicas. Durante este período, las criaturas animales e híbridas eran dominantes. La forma de índice de la época era el aríbalo esférico, que se produjo en grandes cantidades y se decoraba con frisos de animales o escenas de la vida cotidiana. La calidad de la imagen es inferior en comparación con el período orientalizante. Los artistas más destacados de la época fueron el Pintor del toro tambaleante , cuya obra más famosa es un aríbalo con una escena de caza, el Pintor de Palermo 489 , y su discípulo, el Pintor de Colón . El estilo personal de este último se puede reconocer más fácilmente en sus imágenes de leones poderosos. Junto al aríbalo, el kotyle y el alabastrón son las formas de vasos más importantes. Los bordes de los kotyles estaban ornamentados y el resto de las decoraciones consistían en animales y rayos. Las dos superficies verticales de los vasos suelen tener escenas mitológicas. Los alabastrones solían estar pintados con figuras individuales.
El pintor de duelos fue el pintor corintio temprano más importante (625–600 a. C.), [4] que representó escenas de lucha en aríbalos . A partir del período corintio medio (600–575 a. C.), se utilizaron colores opacos cada vez con más frecuencia para enfatizar los detalles. Las figuras se pintaban además con una serie de puntos blancos. Los aríbalos se hicieron más grandes y se les dio una base plana.
El Pintor de Pholoe es muy conocido, siendo su obra más famosa un skyphos con una imagen de Heracles. El Pintor de Dodwell continuó pintando frisos de animales, aunque otros pintores ya habían abandonado esta tradición. [5] Su período creativo se extendió hasta el período corintio tardío (575-550 a. C.), y su influencia no puede subestimarse en la pintura de vasos de esa época. También de excepcional reputación fueron el maestro del Grupo Gorgoneion y el Pintor de la Cabalgata , que recibió esta designación debido a su preferencia por representar jinetes en el interior de las copas; estuvo activo alrededor del 580 a. C. [6] Dos de sus obras maestras [7] son una copa [8] que muestra el suicidio de Áyax y una crátera de columna que muestra a una pareja de novios en un carro. Todas las figuras que se muestran en el cuenco están etiquetadas.
El primer artista conocido por su nombre es el pintor de vasos policromados Timonidas , que firmó [9] un frasco [10] y un pinax . [11] El nombre de un segundo artista, Milonidas, también aparece en un pinax.
La jarra corintia de olpe fue sustituida por una versión ática del oinochoe con un borde en forma de trébol. En la época corintia media, las representaciones de personas volvieron a ser más comunes. La crátera de Euritios , datada alrededor del 600 a. C., se considera de especial calidad; muestra un simposio en el friso principal con Heracles, Euritios y otras figuras míticas.
En la época corintia tardía (a veces denominada corintia tardía I, 575-550 a. C.) los vasos corintios tenían un revestimiento rojo para realzar el contraste entre las grandes áreas blancas y el color más bien pálido de la vasija de arcilla. Esto puso a los artesanos corintios en competencia con los pintores de cerámica ática, que entretanto habían asumido un papel destacado en el comercio de la cerámica. Las formas de los vasos áticos también fueron copiadas cada vez más. Los enócoes, cuya forma se había mantenido básicamente inalterada hasta entonces, comenzaron a parecerse a las formas áticas; también comenzaron a producirse cada vez más lecitos . La crátera de columna, una invención corintia que por eso se llamó corinthios en el resto de Grecia, fue modificada. El acortamiento de las volutas sobre las asas dio lugar a la crátera calcídica. El campo de imágenes principal estaba decorado con diversas representaciones de la vida cotidiana o escenas mitológicas, el campo secundario contenía un friso de animales. El reverso a menudo mostraba dos animales grandes.
Las copas se habían vuelto más profundas ya en tiempos corintios medios y esta tendencia continuó. Se volvieron tan populares como las kotyles. Muchas de ellas tienen escenas mitológicas en el exterior y una mueca de gorgona en el interior. Este tipo de pintura también fue adoptado por los pintores áticos. Por su parte, los pintores corintios retomaron los campos de imágenes enmarcadas de Atenas. Los frisos de animales perdieron importancia. Durante esta época estaba activo el tercer pintor corintio con un nombre conocido, Chares. [12] También debe mencionarse al Pintor de Tideo , a quien alrededor del 560 a. C. le gustaba pintar ánforas de cuello con un fondo rojo. [13] Se siguieron colocando rosetas incisas en los jarrones; faltan solo en algunas cráteras y copas. La pieza de arte más destacada de este período es la Crátera de Anfiarao , una crátera de columna creada alrededor del 560 a. C. como la obra principal del Pintor de Anfiarao. Muestra varios eventos de la vida del héroe Anfiarao .
Hacia el año 550 a. C. se acabó la producción de vasos con figuras. El estilo corintio tardío II se caracteriza por vasos con solo ornamentos, generalmente pintados con técnica de siluetas. Le sucedió el estilo de figuras rojas, que sin embargo no alcanzó una calidad especialmente alta en Corinto.
Con más de 20.000 piezas conservadas, los vasos áticos de figuras negras constituyen la colección de vasos más grande y al mismo tiempo más importante, superada sólo por los vasos áticos de figuras rojas. [14] Los alfareros áticos se beneficiaron de la excelente arcilla rica en hierro que se encuentra en el Ática. Los vasos áticos de figuras negras de alta calidad tienen un revestimiento uniforme, brillante y de color negro intenso y la base de arcilla de terracota de color intenso ha sido meticulosamente alisada. La piel de las mujeres siempre se indica con un color blanco opaco, que también se utiliza con frecuencia para detalles como caballos individuales, ropa u ornamentos. Los artistas áticos más destacados elevaron la pintura de vasos a un arte gráfico, pero también se produjeron una gran cantidad de productos de calidad media y de mercado masivo. La importancia sobresaliente de la cerámica ática proviene de su repertorio casi infinito de escenas que cubren una amplia gama de temas. Estas proporcionan ricos testimonios sobre todo en lo que respecta a la mitología, pero también a la vida cotidiana. Por otro lado, prácticamente no hay imágenes que hagan referencia a eventos contemporáneos. Este tipo de referencias sólo se encuentran ocasionalmente en forma de anotaciones, por ejemplo, cuando se pintan inscripciones kalos en un vaso. Los vasos se producían, por un lado, para el mercado doméstico y eran importantes para celebraciones o en relación con actos rituales. Por otro lado, también eran un importante producto de exportación que se vendía en toda la zona mediterránea. Por este motivo, la mayoría de los vasos supervivientes proceden de necrópolis etruscas . [15]
La técnica de figuras negras se aplicó por primera vez a mediados del siglo VII a. C., durante el período de la pintura de vasos protoáticos. Influenciados por la cerámica de Corinto, que ofrecía la más alta calidad en ese momento, los pintores de vasos áticos cambiaron a la nueva tecnología entre aproximadamente el 635 a. C. y finales del siglo. Al principio siguieron de cerca los métodos y temas de los modelos corintios. El Pintor de Berlín A 34 a principios de este período es el primer pintor individual identificado. El primer artista con un estilo único fue el Pintor de Nessos . Con su ánfora de Nessos creó la primera pieza destacada en el estilo ático de figuras negras. [16] Al mismo tiempo, fue uno de los primeros maestros del estilo ático de frisos de animales. Uno de sus vasos fue también el primer vaso ático conocido exportado a Etruria. [17] También fue responsable de las primeras representaciones de arpías y sirenas en el arte ático. A diferencia de los pintores corintios, utilizó líneas dobles e incluso triples incisas para representar mejor la anatomía animal. Una línea de hombro con doble incisión se convirtió en una característica de los vasos áticos. Las posibilidades inherentes a las grandes piezas de cerámica, como las ánforas de vientre, como portadoras de imágenes también se reconocieron en una fecha temprana. Otros pintores importantes de esta época pionera fueron el Pintor del Pireo , el Pintor de Belerofonte y el Pintor de los leones .
El estilo de figuras negras se generalizó en Atenas alrededor del año 600 a. C. Una de las primeras creaciones atenienses fue la ánfora con cabeza de caballo, cuyo nombre proviene de la representación de cabezas de caballos en una ventana con imágenes. Las ventanas con imágenes se utilizaron con frecuencia en el período posterior y luego se adoptaron incluso en Corinto. El pintor de Cerámica y el pintor de las gorgonas están asociados a las ánforas con cabeza de caballo. La influencia corintia no solo se mantuvo, sino que incluso se intensificó. El friso con animales se reconoció como obligatorio y de uso habitual. Esto se debió a razones económicas y estilísticas, ya que Atenas competía con Corinto por los mercados. Los vasos áticos se vendían en la zona del Mar Negro, Libia, Siria, la Baja Italia y España, así como en la patria griega.
Además de seguir los modelos corintios, los vasos atenienses también mostraron innovaciones locales. Así, a principios del siglo VI a. C. surgió un lekythos de tipo «Deianaira», con una forma alargada y ovalada. [18] El pintor más importante de esta época temprana fue el Pintor de las Gorgonas (600-580 a. C.). Fue un artista muy productivo que rara vez utilizó temas mitológicos o figuras humanas, y cuando lo hizo, siempre los acompañó con animales o frisos de animales. Algunos de sus otros vasos tenían solo representaciones de animales, como era el caso de muchos vasos corintios. Además del Pintor de las Gorgonas, cabe mencionar a los pintores del Grupo de los Komastos (585-570 a. C.). Este grupo decoró tipos de vasos que eran nuevos en Atenas, a saber, lekanes, kotyles y kothons. La innovación más importante fue, sin embargo, la introducción de la copa de komast , que junto con las "copas prekomast" de la clase Oxford Palmette se sitúan al comienzo del desarrollo de las copas áticas. Pintores importantes de este grupo fueron el mayor KX Painter y el algo menos talentoso KY Painter , que introdujo la crátera de columna en Atenas. [19] Estas vasijas fueron diseñadas para su uso en banquetes y, por lo tanto, estaban decoradas con escenas komos relevantes , como escenas komos de intérpretes de komast .
Otros pintores importantes de la primera generación fueron el Pintor de la pantera , el Pintor de Anagiro , el Pintor de los Lekanis de Dresde y el Pintor de Polos . El último representante significativo de la primera generación de pintores fue Sófilos (580-570 a. C.), que es el primer pintor de vasos áticos conocido por su nombre. En total, firmó cuatro vasos supervivientes, tres como pintor y uno como alfarero, lo que revela que en esta fecha los alfareros también eran pintores de vasos de estilo de figuras negras. Una separación fundamental de ambos oficios parece haber ocurrido solo en el curso del desarrollo del estilo de figuras rojas, aunque no se puede descartar una especialización previa. Sófilos hace un uso liberal de las anotaciones. Al parecer, se especializó en vasos grandes, ya que se sabe que los dinosaurios y las ánforas son especialmente su obra. Con mucha más frecuencia que sus predecesores, Sófilos muestra escenas mitológicas como los juegos funerarios de Patroclo . Con él comienza el declive del friso de animales, y los ornamentos vegetales y de otro tipo también son de menor calidad, ya que se consideran menos importantes y, por lo tanto, reciben poca atención del pintor. Pero en otros aspectos, Sophilos demuestra que era un artista ambicioso. En dos dinos se representa el matrimonio de Peleo y Tetis . Estos vasos se produjeron aproximadamente en la misma época que el vaso de François , que representa este tema a la perfección. Sin embargo, Sophilos prescinde de cualquier adorno en forma de frisos de animales en uno de sus dos dinos, [20] y no combina diferentes mitos en escenas distribuidas en varias superficies de vaso. Es el primer vaso griego de gran tamaño que muestra un solo mito en varios segmentos interrelacionados. Una característica especial del dinos es la aplicación por parte del pintor de la pintura blanca opaca que designa a las mujeres directamente sobre la base de arcilla, y no como es habitual sobre el brillo negro. Los detalles interiores y los contornos de la figura están pintados en un rojo apagado. Esta técnica particular es poco común, y sólo se encuentra en jarrones pintados en el taller de Sophilos y en paneles de madera pintados en estilo corintio en el siglo VI a. C. Sophilos también pintó uno de los raros cálices (una variedad de copa) y creó la primera serie superviviente de tablillas votivas. Él mismo o uno de sus sucesores también decoraron el primer jarrón nupcial (conocido como lebes gamikos ) que se ha encontrado. [21]
A partir del segundo tercio del siglo VI a. C., los artistas áticos se interesaron por las escenas mitológicas y otras representaciones de figuras. Los frisos de animales perdieron importancia. Solo unos pocos pintores se ocuparon de ellos y, por lo general, se trasladaron del centro de atención a áreas menos importantes de los vasos. Este nuevo estilo está especialmente representado por el vaso François, firmado tanto por el alfarero Ergotimos como por el pintor Kleitias (570-560 a. C.). Esta crátera se considera el vaso griego pintado más famoso. [22] Es la primera crátera de voluta conocida hecha de arcilla. Los eventos mitológicos se representan en varios frisos, y los frisos de animales se muestran en lugares secundarios. Varios detalles iconográficos y técnicos aparecen en este vaso por primera vez. Muchos son únicos, como la representación de un mástil bajado de un barco de vela; otros pasaron a formar parte del repertorio estándar, como las personas sentadas con una pierna detrás de la otra, en lugar de con la tradicional posición paralela de las piernas. [23] Otros cuatro vasos más pequeños fueron firmados por Ergotimos y Kleitias, y se les atribuyen vasos y fragmentos adicionales. Estos proporcionan evidencia de otras innovaciones de Kleitias, como la primera representación del nacimiento de Atenea o de la Danza en Creta.
Nearchos (565–555 a. C.) firmó como alfarero y pintor. Prefería las figuras de gran tamaño y fue el primero en crear imágenes que mostraban el enjaezamiento de un carro. Otra innovación fue colocar un diseño de lengua sobre un fondo blanco debajo del labio del vaso. [24] Otros pintores talentosos fueron el Pintor de la Acrópolis 606 y el Pintor de Ptoon , cuya pieza más conocida es la Hidria de Hearst. El Grupo Burgon también es significativo, ya que es la fuente de la primera ánfora panatenea totalmente conservada .
La copa de Siana evolucionó a partir de la copa de komast alrededor del 575 a. C. Si bien el grupo de komast produjo formas distintas a las copas, algunos artesanos se especializaron en la producción de copas después de la época del primer ejemplificador importante de copas de Siana, el Pintor C (575-555 a. C.). Las copas tienen un borde más alto que antes y una base en forma de trompeta sobre un tallo hueco relativamente corto. Por primera vez en la pintura de vasos áticos, el interior de la copa estaba decorado con imágenes enmarcadas ( tondo ). Había dos tipos de decoración. En el estilo de "dos pisos", el cuerpo de la copa y el labio tienen decoraciones separadas cada uno. En el estilo de "superposición", la imagen se extiende sobre el cuerpo y el labio. Después del segundo cuarto del siglo VI a. C. hubo más interés en decorar especialmente las copas con imágenes de atletas. Otro pintor importante de copas de Siana fue el Pintor de Heidelberg . Él también pintó casi exclusivamente copas de Siana. Su tema favorito era el héroe Heracles. El Pintor de Heidelberg es el primer pintor ático que lo muestra con el jabalí de Erimanto , con Nereo , con Busiris y en el jardín de las Hespérides . El Pintor de Casandra , que decoró copas de tamaño mediano con bases y labios altos, marca el final del desarrollo de la copa de Siana. Es principalmente significativo como el primer pintor conocido que pertenece a los llamados Pequeños Maestros , un gran grupo de pintores que produjeron la misma gama de vasos, conocidos como copas de Pequeños Maestros . Las llamadas copas Merrythought se produjeron contemporáneamente con las copas de Siana. Sus asas tienen la forma de un tenedor de dos puntas y terminan en lo que parece un botón. Estas copas no tienen un borde delineado. También tienen un cuenco más profundo con un pie más alto y estrecho.
El último pintor destacado del Periodo Arcaico Preclásico fue Lidos (560-540 a. C.), que firmó dos de sus obras con ho Lydos (el Lidio). Probablemente él o sus antepasados inmediatos procedían de Asia Menor, pero sin duda se formó en Atenas. Se le atribuyen más de 130 vasos supervivientes. Una de sus pinturas sobre una hidria es la primera representación ática conocida de la lucha entre Heracles y Gerión . Lidos fue el primero en mostrar a Heracles con la piel de un león, que más tarde se hizo común en el arte ático. También representó la batalla entre los dioses y los gigantes en un dinos encontrado en la acrópolis de Atenas, y a Heracles con Cicno . Lidos decoró otros tipos de vasos además de hidrias y dinos, como platos, copas (copas superpuestas de Siena), cráteras de columna y psíquicos, así como tablillas votivas. Sigue siendo difícil identificar los productos de Lydos como tales, ya que a menudo difieren solo ligeramente de los de su entorno inmediato. El estilo es bastante homogéneo, pero las piezas varían considerablemente en calidad. Los dibujos no siempre están realizados con cuidado. Lydos probablemente era un capataz en un taller muy productivo en el distrito alfarero de Atenas. Presumiblemente fue el último pintor de vasos áticos que colocó frisos de animales en vasos grandes. Siempre en la tradición corintia, sus dibujos de figuras son un eslabón en la cadena de pintores de vasos que se extiende desde Cletías, pasando por Lydos y los pintores de Amasis, hasta Exequias. Junto con ellos participó en la evolución de este arte en el Ática y tuvo una influencia duradera. [25]
Una forma especial de vasos áticos de este período fue el ánfora tirrena (550-530 a. C.). Se trataba de ánforas con cuello en forma de huevo con decoraciones atípicas del canon de diseño ático habitual de la época. Casi todos los vasos supervivientes, de unos 200 aproximadamente, se encontraron en Etruria. El cuerpo del ánfora suele estar subdividido en varios frisos paralelos. El friso superior o de los hombros suele mostrar una escena popular de la mitología. A veces hay temas menos comunes, como una escena única del sacrificio de Polixena . Las primeras imágenes eróticas conocidas en vasos áticos también se encuentran en este lugar. Los pintores solían poner anotaciones en las ánforas tirrenas que identificaban a las personas representadas. Los otros dos o tres frisos estaban decorados con animales; a veces uno de ellos se sustituía por un friso vegetal. El cuello suele estar pintado con una cruz de palmeta de loto o festones. Las ánforas son bastante coloridas y recuerdan a los productos corintios. En este caso, es evidente que se copió deliberadamente una forma corintia para producir un tipo de vaso concreto para el mercado etrusco, donde el estilo era popular. Es posible que esta forma no se fabricara en Atenas, sino en algún otro lugar del Ática, o incluso fuera de ella. Entre los pintores más importantes se encuentran el pintor de Castellani y el pintor de Goltyr .
El período comprendido entre el año 560 y el comienzo de la pintura de figuras rojas en torno al 530/520 a. C. se considera el apogeo absoluto de la pintura de vasos de figuras negras. En este período, los mejores y más conocidos artistas explotaron todas las posibilidades que ofrecía este estilo. [26]
El primer pintor importante de esta época fue el Pintor de Amasis (560-525 a. C.), llamado así por el famoso alfarero Amasis , con quien trabajó principalmente. Muchos investigadores los consideran la misma persona. Comenzó su carrera como pintor aproximadamente al mismo tiempo que Lydos, pero estuvo activo durante un período casi el doble de largo. Mientras que Lydos mostró más las habilidades de un artesano experto, el Pintor de Amasis fue un artista consumado. Sus imágenes son ingeniosas, encantadoras y sofisticadas [27] y su desarrollo artístico personal se acerca a un reflejo de la evolución general de la pintura de vasos áticos de figuras negras en ese momento. Su trabajo temprano muestra su afinidad con los pintores de copas de Siana. Los avances se pueden reconocer más fácilmente en cómo dibuja los pliegues de la ropa. Sus primeras figuras femeninas usan ropa sin pliegues. Más tarde pinta pliegues planos y angulares, y al final es capaz de transmitir la impresión de prendas flexibles y fluidas. [28] Los dibujos de prendas eran una de sus principales características; le gustaba representar ropa estampada y con flecos. Los grupos de figuras que muestra el Pintor de Amasis fueron cuidadosamente dibujados y compuestos simétricamente. Al principio eran bastante estáticos, pero las figuras posteriores transmiten una impresión de movimiento. Aunque el Pintor de Amasis a menudo representó eventos mitológicos (es conocido por sus sátiros con cara de cerdo , por ejemplo), es más conocido por sus escenas de la vida cotidiana. Fue el primer pintor que los retrató en gran medida. Su obra influyó decisivamente en la obra de los pintores de figuras rojas posteriores. Es posible que anticipó algunas de sus innovaciones o fue influenciado por ellas hacia el final de su carrera como pintor: en muchos de sus jarrones, las mujeres solo se muestran de contorno, sin relleno negro, y ya no son identificables como mujeres por la aplicación de blanco opaco como color de piel. [29]
El grupo E (550-525 a. C.) era una gran colección de artesanos independientes y se considera el grupo anónimo más importante que produjo cerámica ática de figuras negras. Rompió rigurosamente con la tradición estilística de Lido, tanto en lo que respecta a la imagen como a la vasija. Las ánforas de cuello con forma de huevo se abandonaron por completo y las cráteras de columna se abandonaron casi por completo. En su lugar, este grupo introdujo las ánforas de vientre de tipo A, que luego se convirtieron en una forma de índice. Las ánforas de cuello generalmente se producían solo en versiones personalizadas. El grupo no tenía interés en los formatos pequeños. Muchas escenas, especialmente las que se originaban en mitos, se reprodujeron una y otra vez. Así, varias ánforas de este grupo muestran a Heracles con Gerión o el León de Nemea y, cada vez más, a Teseo y el Minotauro , así como el nacimiento de Atenea. Sin embargo, la importancia particular del grupo radica en la influencia que ejerció sobre Exequias. La mayoría de los artistas áticos de la época copiaron los estilos del grupo E y de Exequias. En cambio, la obra de Lydos y del pintor de Amasis no fue imitada con tanta frecuencia. Beazley describe la importancia del grupo para Exekias de la siguiente manera: "El grupo E es el terreno fértil del que brota el arte de Exekias, la tradición que retoma y supera en su camino desde un excelente artesano hasta un verdadero artista". [30]
Se considera generalmente a Exequias (545-520 a. C.) como el maestro absoluto del estilo de figuras negras, que alcanza su apogeo con él. [31] Su importancia no se debe sólo a su magistral pintura de vasos, sino también a su cerámica innovadora y de gran calidad. Firmó 12 de sus vasos supervivientes como alfarero, dos como pintor y alfarero. Exequias probablemente tuvo un papel importante en el desarrollo de las copas de los Pequeños Maestros y el ánfora de vientre de tipo A mencionado anteriormente, y posiblemente inventó la crátera de cáliz , al menos la pieza existente más antigua es de su taller. A diferencia de muchos otros artesanos comparables, como pintor concedió gran importancia a la elaboración cuidadosa de los ornamentos. Los detalles de sus imágenes (crines de caballos, armas, ropas) también están extraordinariamente bien ejecutados. Sus escenas son generalmente monumentales y las figuras emanan una dignidad previamente desconocida en la pintura. En muchos casos rompió con las convenciones áticas. En su vaso más famoso, la copa de Dioniso, fue el primero en utilizar un revestimiento interior de color rojo coral en lugar del habitual color rojo. Esta innovación, así como la colocación de dos pares de ojos en el exterior, conecta a Exekias con las copas clásicas con ojos. Probablemente aún más innovador fue el uso de todo el interior de la copa para su imagen de Dioniso, reclinado en un barco del que brotan vides. De hecho, en esa época era costumbre decorar la superficie interior simplemente con una cara de gorgona. La copa [32] es probablemente uno de los experimentos realizados en el distrito de la cerámica para abrir nuevos caminos antes de que se introdujera el estilo de figuras rojas. Fue el primero en pintar un barco navegando a lo largo del borde de un dinosaurio. Solo en raras ocasiones se adhirió a los patrones tradicionales de representación de temas mitológicos habituales. Su representación del suicidio de Áyax también es significativa. Exekias no muestra el acto en sí, que era tradicional, sino más bien los preparativos de Áyax. [33] Casi tan famosa como la copa de Dioniso es una ánfora con la visualización de Áyax y Aquiles enfrascados en un juego de mesa. [34] No sólo es detallada la representación, Exequias incluso transmite el resultado del juego. Casi al estilo de un globo de diálogo hace que ambos jugadores anuncien los números que lanzan con sus dados: Áyax un tres y Aquiles un cuatro. Esta es la representación más antigua conocida de esta escena, de la que no hay mención en la literatura clásica. No menos de otros 180 vasos supervivientes, que datan desde la versión de Exequias hasta aproximadamente el 480 a. C., muestran esta escena. [35]
John Boardman destaca el carácter excepcional de Exekias, que lo distingue de los pintores de vasos tradicionales: "Las personas representadas por artistas anteriores son, en el mejor de los casos, elegantes muñecos. Amasis (el pintor de Amasis) era capaz de visualizar a las personas como personas, pero Exekias podía imaginarlas como dioses y, de ese modo, darnos un anticipo del arte clásico". [36]
Aunque se reconoce que los pintores de vasos de la antigua Grecia eran considerados artesanos más que artistas, los historiadores del arte actuales consideran a Exekias un artista consumado cuyo trabajo puede compararse con las pinturas "importantes" ( murales y pinturas sobre tabla) de ese período. [37] Sus contemporáneos aparentemente también reconocieron esto. La Colección de Antigüedades Clásicas de Berlín en el Altes Museum contiene los restos de una serie de sus tablillas votivas. La serie completa probablemente tenía 16 paneles individuales. Es probable que realizar un pedido de este tipo a un alfarero y pintor de vasos sea único en la antigüedad y es una prueba de la alta reputación de este artista. Las tablillas muestran el duelo por una mujer ateniense muerta, así como su cuerpo en capilla ardiente y su transporte a una tumba. Exekias transmite tanto el dolor como la dignidad de las figuras. Una característica especial, por ejemplo, es que el líder de la procesión fúnebre gira su rostro para mirar al espectador directamente, por así decirlo. La representación de los caballos también es única; Tienen temperamentos individuales y no se reducen a su función de animales nobles, como suele ser habitual en los jarrones. [38]
Durante el Período Clásico maduro, los productores de vasijas y copas se especializaron aún más. Las copas de gran volumen komast y siana evolucionaron a través de las copas de Gordion [39] hacia elegantes variantes llamadas copas de Pequeños Maestros debido a su delicada pintura. Los alfareros y pintores de esta forma se denominan, en consecuencia, Pequeños Maestros . Pintaron principalmente copas de banda y copas de labio . Las copas de labio [40] recibieron su nombre de su labio relativamente pronunciado y delineado. El exterior de la copa conservaba gran parte del fondo de arcilla y, por lo general, solo tenía unas pocas imágenes pequeñas, a veces solo inscripciones o, en algunos casos, toda la copa estaba mínimamente decorada. También en el área de las asas rara vez hay más que palmetas o inscripciones cerca de los puntos de sujeción. Estas inscripciones pueden ser la firma del alfarero, el brindis de un bebedor o simplemente una secuencia de letras sin sentido. Pero los interiores de las copas de labio a menudo también están decorados con imágenes.
Las copas con banda [41] tienen una transición más suave entre el cuerpo y el borde. La decoración tiene la forma de una banda que rodea el exterior de la copa y con frecuencia puede ser un friso muy elaborado. En el caso de esta forma, el borde está recubierto con un engobe negro brillante. El interior conserva el color de la arcilla, a excepción de un punto negro pintado en el centro. Las variaciones incluyen copas Droop y copas Kassel . Las copas Droop [42] tienen labios cóncavos negros y un pie alto. Al igual que con las copas con banda clásicas, el borde se deja negro, pero el área debajo está decorada con adornos como hojas, brotes, palmetas, puntos, nimbos o animales en el exterior de la copa. Las copas Kassel [43] son una forma pequeña, más rechoncha que otras copas de Little Masters, y todo el exterior está decorado. Como en el caso de las copas Droop, principalmente se pintan adornos. Entre los Pequeños Maestros famosos se encuentran los alfareros Frinos, Socles , Tleson y Ergoteles , los dos últimos hijos del alfarero Nearcos. Hermógenes inventó una variedad de Pequeño Maestro de skyphos [44], conocida actualmente como Hermógenes skyphos. También cabe mencionar aquí al Pintor de Frinos, al Pintor de Taleides, al Pintor de Xenokles y al Grupo de Rodas 12264.
Hasta finales de siglo, la calidad de la producción de vasos de figuras negras se mantuvo en lo fundamental. Pero después del desarrollo del estilo de figuras rojas alrededor del 530 a. C., probablemente por el pintor Andokides , cada vez más pintores se pasaron al estilo de figuras rojas, que ofrecía muchas más posibilidades para añadir detalles dentro de los contornos de las figuras. El nuevo estilo también permitió muchos más experimentos prometedores con escorzos, vistas en perspectiva y nuevos diseños para composiciones. El contenido de las escenas, como siempre, reflejaba las tendencias en el gusto y el espíritu de la época, pero el estilo de figuras rojas creó mejores condiciones previas para presentar escenas más elaboradas al explotar las nuevas posibilidades de composición.
Pero mientras tanto, algunos artesanos innovadores pudieron dar nuevos impulsos a la producción de vasos de figuras negras. El alfarero más imaginativo de la época, también un hombre de negocios de talento, fue Nikosthenes . Más de 120 vasos llevan su firma, lo que indica que fueron hechos por él o en su taller. Parece que se especializó especialmente en la producción de vasos para exportar a Etruria. En su taller se produjeron las habituales ánforas de cuello, Pequeños Maestros, Copas de Gota y Ojos, pero también un tipo de ánfora que recuerda a la cerámica bucchero etrusca, llamada ánfora Nikosténica en honor a su creador. Estas piezas se encontraron sobre todo en Caere , los otros tipos de vasos generalmente en Cerveteri y Vulci. Las muchas invenciones en su taller no se limitaron a las formas. En el taller de Nikosthenes se desarrolló lo que se conoce como la técnica de los Seis , en la que las figuras se pintaban en marrón rojizo o blanco sobre un engobe negro brillante. No está claro si Nikóstenes también pintó jarrones, en cuyo caso se suele suponer que es idéntico al pintor N. [45] El pintor de BMN y el pintor de figuras rojas de Nikóstenes también llevan el nombre de Nikóstenes. En su taller empleó a muchos pintores de jarrones famosos, incluidos los ancianos Lydos, Oltos y Epiktetos . La tradición del taller fue continuada por el sucesor de Nikóstenes, Pamphaios . [46]
Dos pintores de vasos de figuras negras son considerados manieristas (540-520 a. C.). El pintor Codos hacia afuera decoró principalmente copas de Pequeños Maestros. Los codos extendidos de sus figuras son llamativos, una característica responsable de su nombre pragmático. Rara vez representó escenas mitológicas; las escenas eróticas son mucho más comunes. También decoró una rara forma de vaso conocida como lydion . El más importante de los dos pintores fue El afectador , cuyo nombre proviene de la impresión exageradamente artificial que causan sus figuras. Estas figuras de cabeza pequeña no parecen estar actuando sino posando. Su obra temprana muestra escenas de la vida cotidiana; más tarde se dedicó a escenas decorativas en las que las figuras y los atributos son reconocibles, pero difícilmente acciones. Si sus figuras están vestidas, parecen como si estuvieran acolchadas; si están desnudas, son muy angulosas. El afectador era a la vez alfarero y pintor; han sobrevivido más de 130 de sus vasos. [47]
Al pintor de Antimenes (530-500 a. C.) le gustaba decorar las hidrias con frisos de animales en la predela y, sobre todo, las ánforas de cuello. Dos hidrias atribuidas a él están decoradas en la región del cuello utilizando una técnica de fondo blanco . Fue el primero en pintar ánforas con un rostro de Dioniso en forma de máscara. El más famoso de sus más de 200 vasos supervivientes muestra una cosecha de aceitunas en el reverso. Sus dibujos rara vez son realmente precisos, pero tampoco son excesivamente descuidados. [48] Estilísticamente, el pintor Psiax está estrechamente relacionado con el pintor de Antimenes, aunque el primero también utilizó la técnica de figuras rojas. Como maestro de los pintores Eufronio y Fintias , Psiax tuvo una gran influencia en el desarrollo temprano del estilo de figuras rojas. Con frecuencia muestra escenas de caballos y carros y arqueros. [49]
El último grupo importante de pintores fue el Grupo Leagros (520-500 a. C.), llamado así por la inscripción en kalos que utilizaban con frecuencia, Leagros. Las ánforas y las hidrias, estas últimas a menudo con palmetas en la predela, son los vasos pintados con más frecuencia. El campo de imágenes suele estar completamente lleno, pero la calidad de las imágenes sigue siendo muy alta. Muchos de los más de 200 vasos de este grupo estaban decorados con escenas de la guerra de Troya y la vida de Heracles [50]. Pintores como el ingenioso Pintor de Aqueloo, el convencional Pintor de Chiusi y el Pintor del amanecer con su fiel detalle pertenecen al Grupo Leagros. [51]
Otros pintores de vasos conocidos de la época son el Pintor del Luto Vaticano , el Pintor de Princeton , el Pintor de Múnich 1410 y el Pintor del Columpio (540-520 a. C.), a quien se le atribuyen muchos vasos. No se le considera un artista muy bueno, pero sus figuras son involuntariamente humorísticas debido a las figuras con sus grandes cabezas, narices extrañas y puños frecuentemente cerrados. [52] La obra del Pintor de Rycroft tiene un parecido con la pintura de vasos de figuras rojas y las nuevas formas de expresión. Le gustaba representar escenas dionisíacas, caballos y carros, y las aventuras de Heracles. A menudo utiliza dibujos de contorno. Los aproximadamente 50 vasos, generalmente de gran tamaño, que se le atribuyen están elegantemente pintados. [53] La Clase de CM 218 principalmente decoró variaciones de las ánforas nicósténicas. La clase Hypobibazon trabajó con un nuevo tipo de ánfora de vientre con asas y pies redondeados, cuya decoración se caracteriza por un meandro clave sobre los campos de imágenes. Una variante más pequeña de ánfora de cuello fue decorada por el Grupo de las Tres Líneas . El Grupo Perizoma adoptó alrededor del 520 a. C. la forma recién introducida del stamnos . Hacia finales del siglo, todavía se producían producciones de alta calidad por parte del Pintor de Eufileto , el Pintor de Madrid y el imaginativo Pintor de Príamo .
En particular, los pintores de copas como Oltos, Epícteto, Filípido y Escito pintaron jarrones en estilos de figuras rojas y negras ( cerámica bilingüe ), principalmente copas con forma de ojo. El interior era generalmente de estilo de figuras negras, el exterior de estilo de figuras rojas. Hay varios casos de ánforas cuyos lados delantero y trasero están decorados en los dos estilos diferentes. Los más famosos son obras del Pintor de Andócides , cuyas escenas de figuras negras se atribuyen al Pintor de Lisípides . Los eruditos están divididos sobre la cuestión de si estos pintores son la misma persona. Solo unos pocos pintores, por ejemplo, el Pintor de Nikoxeno y el Pintor de Atenea , produjeron grandes cantidades de jarrones utilizando ambas técnicas. Aunque la cerámica bilingüe fue bastante popular durante un corto tiempo, el estilo pasó de moda ya hacia finales de siglo. [54]
A principios del siglo V a. C. y hasta el 480 a. C., como muy tarde, todos los pintores de renombre utilizaban el estilo de figuras rojas. Sin embargo, los vasos de figuras negras continuaron produciéndose durante unos 50 años más, y su calidad fue disminuyendo progresivamente. Los últimos pintores que produjeron imágenes de calidad aceptable en vasos grandes fueron el Pintor de Eucárides y el Pintor de Cleofrades. Solo los talleres que producían formas más pequeñas, como olpes, enochoes, skyphos, ánforas de cuello pequeño y lekythos particulares, utilizaron cada vez más el estilo antiguo. El Pintor de Fanilis utilizó la técnica Six, entre otros métodos, y tanto el Pintor de Edimburgo como el Pintor de Gela decoraron los primeros lekythos cilíndricos. El primero produjo principalmente escenas casuales, claras y sencillas utilizando un estilo de figuras negras sobre un fondo blanco. El fondo blanco de los vasos era bastante grueso y ya no se pintaba directamente sobre la base de arcilla, una técnica que se convirtió en la estándar para todos los vasos de fondo blanco. El Pintor de Safo se especializó en lecitos funerarios. El taller del Pintor de Haimon fue especialmente productivo; han sobrevivido más de 600 de sus vasos. El Pintor de Atenea (quizás idéntico al Pintor de figuras rojas de Bowdoin) y el Pintor de Perseo continuaron decorando lecitos grandes y estándar. Las escenas del Pintor de Atenea todavía irradian algo de la dignidad inherente a la obra del Grupo Leagros. El Pintor de Maratón es conocido principalmente por los lecitos funerarios encontrados en el túmulo de los atenienses que murieron en la batalla de Maratón en 490 a. C. El último pintor de lecitos significativo, el Pintor de Beldam, trabajó desde alrededor de 470 a. C. hasta 450 a. C. A excepción de las ánforas de premio de las Panateneas, el estilo de figuras negras llegó a su fin en el Ática en esta época. [55]
Entre los vasos áticos de figuras negras, las ánforas de las Panateneas desempeñan un papel especial. Después del año 566 a. C., cuando se introdujeron o reorganizaron las celebraciones de las Panateneas, eran el premio para los ganadores de las competiciones deportivas y se llenaban con aceite de oliva, uno de los principales productos de exportación de la ciudad. En el anverso llevaban habitualmente la imagen de la diosa Atenea de pie entre dos columnas sobre las que se posaban gallos ; en el reverso, una escena deportiva. La forma era siempre la misma y solo se modificó ligeramente durante el largo periodo de su producción. El ánfora de vientre era, como su nombre indica, originalmente especialmente bulbosa, con un cuello corto y un pie largo y estrecho. Hacia el año 530 a. C. los cuellos se acortaron y el cuerpo algo más estrecho. Hacia el año 400 a. C. los hombros del vaso se redujeron considerablemente en anchura y la curva del cuerpo del vaso parecía estrecha. Después del año 366 a. C. los vasos volvieron a ser más elegantes y se hicieron aún más estrechos.
Estos jarrones se produjeron principalmente en los principales talleres del distrito de Kerameikos. Parece que era un honor o un beneficio especialmente lucrativo recibir un encargo para producir los jarrones. Esto también explica la existencia de muchas ánforas premiadas por excelentes pintores de jarrones. Además de los pintores de figuras negras superiores como el Pintor de Euphiletos, Exekias, Hypereides y el Grupo Leagros, muchos maestros artesanos de figuras rojas son conocidos como creadores de ánforas premiadas. Entre ellos se encuentran el Pintor de Eucharides, el Pintor de Kleophrades, el Pintor de Berlín, el Pintor de Achilleus y Sophilos, que fue el único que firmó uno de los jarrones supervivientes. El primer jarrón conocido fue producido por el Grupo Burgon y se conoce como el jarrón Burgon. Dado que el nombre del funcionario gobernante ( Arconte ) aparece ocasionalmente en el jarrón después del siglo IV a. C., algunos de los jarrones pueden fecharse con precisión. Como las Panateneas eran fiestas religiosas, el estilo y el tipo de decoración no cambiaron ni durante el período de las figuras rojas ni después de que los vasos figurados dejaran de comercializarse en Atenas. Las ánforas premiadas se produjeron hasta el siglo II a. C. y han sobrevivido alrededor de 1000 de ellas. Dado que para algunas fechas se conoce el número de ánforas otorgadas a un ganador, es posible deducir que ha sobrevivido alrededor del uno por ciento de la producción total de vasos atenienses. Otras proyecciones llevan a la conclusión de que en total se produjeron alrededor de siete millones de vasos con figuras pintadas en Atenas. [56] Además de las ánforas premiadas, también se fabricaron formas imitativas conocidas como ánforas premiadas pseudo-panatenaicas. [57]
A partir del siglo VII a. C., en Esparta se empezó a producir cerámica pintada para el consumo local y para la exportación. Las primeras piezas de calidad se produjeron alrededor del 580 a. C. El apogeo de la cerámica de figuras negras se alcanzó entre el 575 y el 525 a. C. Además de Esparta, los principales lugares de descubrimiento son las islas de Rodas y Samos , así como Tarento , las necrópolis etruscas y Cirene , que en un principio se consideró la fuente original de la cerámica. La calidad de los vasos es muy alta. La arcilla estaba bien mezclada y se le dio un revestimiento de color crema. Se pintaron ánforas, hidrias, cráteras de columna (llamadas krater lakonikos en la antigüedad), cráteras de voluta, cráteras calcídicas, lebes, aryballoi y la copa espartana para beber, la lakaina . Pero la forma índice y el hallazgo más frecuente es la copa. En Laconia, el cuenco profundo solía colocarse sobre un pie alto; Las copas con pies bajos son raras. El exterior suele estar decorado con adornos, normalmente festones de granadas, y la escena interior es bastante grande y contiene figuras. En Laconia antes que en el resto de Grecia, el tondo se convirtió en el marco principal de las escenas de copas. La imagen principal también se dividió en dos segmentos en una fecha temprana, una escena principal y una más pequeña, inferior. Con frecuencia, el recipiente solo estaba recubierto con un engobe brillante o decorado con solo unos pocos adornos. Las inscripciones son poco frecuentes, pero pueden aparecer como anotaciones de nombres. Se desconocen las firmas de los alfareros y de los pintores. Es probable que los artesanos laconios fueran pintores de cerámica de la época de los perioecos . Los rasgos característicos de la cerámica a menudo coinciden con la moda de los pintores conocidos. También es posible que fueran alfareros migrantes de Grecia oriental, lo que explicaría la fuerte influencia griega oriental, especialmente en el Pintor de Boréadas.
Entretanto, se pueden distinguir al menos ocho pintores de vasos. Cinco de ellos, el Pintor de Arquesilas (565-555), el Pintor de Boréadas (575-565), el Pintor de la Caza, el Pintor de Náucratis (575-550) y el Pintor de los Jinetes (550-530), se consideran los representantes más importantes del estilo, mientras que los demás pintores son considerados artesanos de menor habilidad. Las imágenes son generalmente angulosas y rígidas, y contienen frisos de animales, escenas de la vida cotidiana, especialmente simposios, y muchos temas mitológicos. De estos últimos, se representan con especial frecuencia Poseidón y Zeus, pero también Hércules y sus doce trabajos , así como los ciclos de leyendas tebanas y troyanas. Especialmente en los vasos más antiguos, se coloca una mueca de gorgona en un tondo de copa. Una representación de la ninfa Cirene y un tondo con un jinete con un zarcillo que crece de su cabeza (vaso con nombre del Pintor del Jinete) son excepcionales. [58] También es importante una copa con una imagen de Arcesilao II . La copa de Arcesilao proporcionó el nombre pragmático para el Pintor de Arcesilao. [59] Es una de las raras representaciones en cerámica griega de eventos o personas actuales. Los temas sugieren influencia ática. Un púrpura rojizo era el color opaco principal. En la actualidad se conocen más de 360 vasos laconios, de los cuales casi un tercio, 116 piezas, se atribuyen al Pintor de Naucratis. El declive alrededor de 550 a. C. de la pintura de vasos de figuras negras corintias, que tuvo una importante influencia en la pintura laconia, condujo a una reducción masiva en la producción laconia de vasos de figuras negras, que llegó a su fin alrededor de 500 a. C. La cerámica fue muy ampliamente distribuida, desde Marsella hasta la Grecia jónica. En Samos, la cerámica laconia es más común que la corintia debido a la estrecha alianza política con Esparta. [60]
En Beocia se produjeron vasos de figuras negras desde el siglo VI al IV a. C. A principios del siglo VI a. C. muchos pintores beocios utilizaban la técnica del contorno orientalizante. Posteriormente se orientaron de forma muy específica hacia la producción ática. A veces es difícil distinguir y atribuir a una de las dos regiones y los vasos también pueden confundirse con cerámica corintia. Los vasos áticos y corintios de baja calidad suelen declararse obras beocias. Con frecuencia, los buenos vasos beocios se consideran áticos y los vasos áticos de mala calidad se consideran erróneamente beocios. Probablemente hubo un intercambio de artesanos con el Ática. En al menos un caso es seguro que un alfarero ático emigró a Beocia (el Pintor de los Caballos y los Pájaros, y posiblemente también el Pintor de Tokra, y entre los alfareros sin duda Teisias el Ateniense). Los temas más importantes son los frisos de animales, los simposios y las escenas de komos. Las escenas mitológicas son raras y, cuando están presentes, suelen mostrar a Heracles o Teseo. Desde finales del siglo VI hasta el siglo V predominó un estilo de siluetas. Se pintaron especialmente kantharos , lekanis, copas, platos y jarras. Como era el caso en Atenas, hay inscripciones kalos. A los alfareros beocios les gustaba especialmente producir jarrones moldeados, así como kantharos con añadidos esculpidos y píxides trípodes . Las formas de lekanis, copas y ánforas de cuello también fueron tomadas de Atenas. El estilo de pintura es a menudo humorístico y hay una preferencia por las escenas de komos y sátiros. [61]
Entre el 425 y el 350 a. C., los vasos kabeiricos fueron el principal estilo de figuras negras en Beocia. En la mayoría de los casos, se trataba de una forma híbrida entre un kantharos y un skyphos con un cuenco profundo y asas anulares verticales, pero también había lebes, copas y píxides. Su nombre se debe al lugar donde se encontraron principalmente, el Santuario de los Kabeiroi cerca de Tebas. Las escenas, generalmente pintadas en un solo lado del vaso, representan el culto local. Los vasos caricaturizan eventos mitológicos de una forma humorística y exagerada. A veces se muestran escenas de komos, que presumiblemente estaban relacionadas directamente con el culto. [62]
La pintura de vasos de figuras negras de Eubea también recibió influencias de Corinto y, especialmente, de Ática. No siempre es fácil distinguir estas obras de los vasos áticos. Los estudiosos suponen que la mayor parte de la cerámica se produjo en Eretria . Se pintaron principalmente ánforas, lecitos, hidrias y platos. Las ánforas de gran formato solían estar decoradas con escenas mitológicas, como las aventuras de Heracles o el Juicio de Paris. Las grandes ánforas, derivadas de formas del siglo VII, tienen labios afilados y, por lo general, escenas relacionadas con bodas. Al parecer, son vasos funerarios producidos para niños que murieron antes de poder casarse. El empleo moderado de incisiones y el uso regular de blanco opaco para los adornos florales eran características típicas de la cerámica de figuras negras de Eretria. Además de escenas que reflejan modelos áticos, también hubo escenas más salvajes como la violación de un ciervo por un sátiro o Heracles con centauros y demonios. Los vasos de la clase delfín se consideraban áticos, pero ahora se consideran eubeos. Sin embargo, su arcilla no coincide con ninguna fuente eretria conocida. Es posible que las piezas se produjeran en Calcis . [63]
El origen de algunos estilos regionales de figuras negras es objeto de controversia. Por ejemplo, la pintura de cerámica calcídica se asoció en su día con Eubea, aunque se considera más probable su producción en Italia.
En casi ninguna otra región de Grecia las fronteras entre el estilo orientalizante y el de figuras negras son tan inciertas como en el caso de los vasos de Grecia oriental. Hasta alrededor del año 600 a. C. sólo se utilizaban dibujos de contorno y espacios vacíos. Luego, durante la fase tardía del estilo orientalizante, comenzaron a aparecer dibujos incisos, la nueva técnica procedente del norte de Jonia. El estilo de frisos con animales que había predominado hasta entonces era ciertamente decorativo, pero ofrecía pocas oportunidades para un mayor desarrollo técnico y artístico. Surgieron estilos regionales, especialmente en Jonia.
Hacia el final del estilo Cabra Salvaje , los artistas del norte de Jonia imitaron, bastante mal, los modelos corintios. Pero ya en el siglo VII se producían vasos de alta calidad en Jonia. Desde aproximadamente el año 600 a. C., el estilo de figuras negras se utilizó total o parcialmente para decorar vasos. Además de los estilos regionales que se desarrollaron en Clazomenai, Éfeso , Mileto , Quíos y Samos, hubo estilos especialmente en el norte de Jonia que no se pueden localizar con precisión. Los frascos de aceite que se adhirieron al modelo lidio (lydions) eran comunes, pero la mayoría de ellos estaban decorados solo con rayas. También hay escenas originales, por ejemplo, un escita con un camello bactriano o un sátiro y un carnero. Para algunos estilos, la atribución es controvertida. Así, el Grupo de Northampton muestra una fuerte influencia jónica, pero la producción probablemente se realizó en Italia, tal vez por inmigrantes de Jonia. [64]
En Klazomenai se pintaron sobre todo ánforas e hidrias a mediados del siglo VI a. C. ( c. 550 a 350 a. C.), así como cuencos profundos con figuras planas y de aspecto angular. Los vasos no son muy elegantes en cuanto a su ejecución. A menudo se representaban mujeres y animales bailando. Los talleres más importantes fueron los del Pintor de Tubinga, el Pintor de Petrie y el Grupo Urla. La mayoría de los vasos se encontraron en Naukratis y en Tell Defenneh, que fue abandonado en el 525 a. C. Su origen fue inicialmente incierto, pero Robert Zahn identificó la fuente comparándolos con imágenes en sarcófagos de Klazomeni. La cerámica a menudo estaba decorada con máscaras de mujeres esculpidas. Las escenas mitológicas eran raras; los adornos de escamas de pez, las filas de puntos blancos y las mujeres bailando de aspecto rígido eran populares. La representación de un heraldo de pie delante de un rey y una reina es única. En general, los hombres se caracterizaban por tener barbas grandes en forma de pala. Ya desde el año 600 a. C. y hasta aproximadamente el 520 a. C. se empezaron a producir copas rosetas, sucesoras de las copas con forma de pájaro de la Grecia oriental, probablemente en Klazomenai. [65]
La cerámica samia apareció por primera vez alrededor del 560/550 a. C. con formas adoptadas del Ática. Se trata de copas de los Pequeños Maestros y kantharos con formas faciales. La pintura es precisa y decorativa. Samos, junto con Mileto y Rodas, fue uno de los principales centros de producción de vasos de estilo Cabra Salvaje. [66]
La pintura de vasos rodios se conoce principalmente a partir de las placas rodias. Estas se produjeron utilizando una técnica policromada con muchos de los detalles incisos como en la pintura de figuras negras. Desde aproximadamente el 560 al 530 a. C., las sítulas eran comunes, inspiradas en modelos egipcios. Estas muestran tanto temas griegos, como Tifón , como temas del Antiguo Egipto, como jeroglíficos egipcios y disciplinas deportivas egipcias. [67]
La hidria de Caeretan es el nombre que se da a un estilo especialmente colorido de pintura de vasos de figuras negras. El origen de estos vasos es objeto de controversia en la literatura. Según una evaluación de la pintura, durante mucho tiempo se consideró que los vasos eran etruscos o corintios, pero en los últimos años predomina la opinión de que los productores fueron dos pintores de cerámica que emigraron de Grecia oriental a Caere (la actual Cerveteri) en Etruria. Las inscripciones en griego jónico apoyan la teoría de la emigración. El taller existió solo durante una generación. Hoy en día se conocen alrededor de 40 vasos producidos por los dos maestros artesanos en este estilo. Todos son hidrias, excepto un alabastrón . No se encontró ninguno fuera de Etruria; la mayoría procedía de Caere, de ahí su nombre. Los vasos están datados aproximadamente entre el 530 y el 510/500 a. C. A las hidrias de Caeretan les siguen estilísticamente las ánforas de cuello decoradas con rayas.
Estas hidrias, técnicamente bastante inferiores, miden entre 40 y 45 cm de altura. Los cuerpos de estos vasos tienen cuellos altos y muy prominentes, hombros anchos y pies anulares bajos en forma de cálices invertidos. Muchas de las hidrias están deformadas o muestran una cocción defectuosa. Las imágenes pintadas se encuentran en cuatro zonas: una zona de los hombros, una zona del vientre con figuras y otra con adornos, y una sección inferior. Todas, excepto la zona del vientre con figuras, están decoradas con adornos. Solo hay un caso en el que ambos frisos del vientre tienen figuras. Sus múltiples colores las distinguen de todos los demás estilos de figuras negras. El estilo recuerda a la pintura de vasos jónicos y a las tablillas de madera pintadas de varios colores que se encuentran en Egipto. Los hombres se representan con la piel roja, negra o blanca. Las mujeres casi siempre se representan con un color blanco opaco. Los contornos, así como los detalles, están incisos, como es típico del estilo de figuras negras. Las superficies de engobe negro brillante a menudo se cubren con un engobe de color adicional, de modo que el engobe negro que se hace visible donde hay rayaduras proporciona a las diversas formas detalles internos. En el anverso, las imágenes están siempre llenas de acción, en el reverso son habituales los diseños heráldicos. Los adornos son un componente importante de las hidrias; no son secundarios a otros motivos. Se utilizaron plantillas para pintar los adornos; no están incisos.
Entre los pintores que se mencionan se encuentran el Pintor de Busiris y el Pintor del Águila. Este último es considerado el principal representante de este estilo. Se interesaron especialmente por temas mitológicos que, por lo general, revelaban una influencia oriental. En el vaso homónimo del pintor de Busiris, Heracles está pisoteando al mítico faraón egipcio Busiris . Heracles también aparece representado con frecuencia en otros vasos y también existen escenas de la vida cotidiana. También hay escenas poco comunes, como Cetus acompañado de un sello blanco. [68]
Los vasos pónticos también están estrechamente relacionados estilísticamente con la pintura cerámica jónica. También en este caso se supone que fueron producidos en talleres etruscos por artesanos que emigraron de Jonia. Los vasos recibieron su nombre engañoso de la representación en un vaso de arqueros que se cree que eran escitas, que vivían en el Mar Negro (Ponto). La mayoría de los vasos se encontraron en tumbas en Vulci, un número significativo también en Cerveteri. La forma del índice era un ánfora de cuello con una forma particularmente esbelta, muy parecida a las ánforas tirrenas. Otras formas eran oenochoes con asas en espiral, dinos, kyathos , platos, vasos con bases altas y, con menos frecuencia, kantharos y otras formas. El adorno de los vasos pónticos es siempre similar. En general, hay una decoración ornamental en el cuello, luego figuras en el hombro, seguidas de otra banda de adornos, un friso de animales y finalmente un anillo de rayos. El pie, el cuello y las asas son de color negro. La importancia de los adornos es notable, aunque a menudo están hechos de manera bastante descuidada; algunos vasos están decorados solo con adornos. La arcilla de estos vasos es de color rojo amarillento; el engobe que cubre los vasos es negro o rojo parduzco, de alta calidad y con un brillo metálico. Los colores opacos rojos y blancos se utilizan generosamente para las figuras y los adornos. Los animales suelen estar decorados con una franja blanca en sus vientres. Los eruditos han identificado seis talleres hasta la fecha. El más antiguo y mejor se considera el del Pintor de París. Muestra figuras mitológicas, incluido un Heracles imberbe, como era costumbre en Grecia oriental. Ocasionalmente hay escenas que no son parte de la mitología griega, como Heracles luchando contra Juno Sospita ("la Salvadora") del Pintor de París, o un demonio lobo del Pintor de Ticio. También hay escenas de la vida cotidiana, escenas de komos y jinetes. Los vasos están datados entre 550 y 500 a. C., y se conocen unos 200. [69]
Los vasos etruscos de producción local datan probablemente del siglo VII a. C. Al principio, se parecen a los modelos de figuras negras de Corinto y Grecia oriental. Se supone que en la primera fase los productores fueron principalmente inmigrantes griegos. El primer estilo importante fue la pintura de cerámica póntica. Después, en el período entre 530 y 500 a. C., le siguió el pintor de Micali y su taller. En esta época, los artistas etruscos tendían a seguir los modelos áticos y producían principalmente ánforas, hidrias y jarras. Por lo general, tenían escenas de komos y simposios y frisos de animales. Las escenas mitológicas son menos comunes, pero se producen con mucho cuidado. El estilo de figuras negras terminó alrededor de 480 a. C. Hacia el final se desarrolló un estilo manierista y, a veces, una técnica de silueta bastante descuidada. [70]
La pintura de vasos calcídicos recibió su nombre de las inscripciones mitológicas que a veces aparecían en la escritura calcídica. Por esta razón, al principio se sospechó que el origen de la cerámica era Eubea. Actualmente se supone que la cerámica se produjo en Rhegion , quizás también en Caere, pero la cuestión aún no se ha decidido definitivamente. [71] La pintura de vasos calcídicos estuvo influenciada por la pintura ática, corintia y especialmente jónica. Los vasos se encontraron principalmente en lugares italianos como Caeri, Vulci y Rhegion, pero también en otros lugares del Mediterráneo occidental.
La producción de vasos calcídicos comenzó repentinamente alrededor del 560 a. C., sin que se hayan identificado precursores hasta la fecha. Después de 50 años, alrededor del 510 a. C., ya había terminado. Han sobrevivido unos 600 vasos y hasta ahora se han identificado 15 pintores o grupos de pintores. Estos vasos se caracterizan por un trabajo cerámico de alta calidad. El engobe brillante que los cubre suele ser de un negro intenso después de la cocción. La arcilla tiene un color naranja. En la pintura se utilizaron generosamente colores opacos rojos y blancos, así como rayados para producir detalles interiores. La forma de índice es la ánfora de cuello, que representa una cuarta parte de todos los vasos conocidos, pero también hay copas oculares, oinochoes e hidrias; otros tipos de vasos son menos comunes. Los lekanis y las copas de estilo etrusco son excepciones. Los vasos son económicos y estrictos en su construcción. El "pie de copa calcídica" es una característica típica. A veces se copia en vasos áticos de figuras negras, con menos frecuencia en vasos de figuras rojas.
El más importante de los artistas conocidos de la generación anterior es el Pintor de inscripciones, y entre los representantes más jóvenes, el Pintor de Fineo. El primero es probablemente el creador del estilo; unos 170 de los vasos supervivientes se atribuyen al muy productivo taller del segundo. Probablemente sea también el último representante de este estilo. Las imágenes suelen ser más decorativas que narrativas. Se representan jinetes, frisos de animales, imágenes heráldicas o grupos de personas. Una gran cruz de palmetas de loto forma parte con frecuencia de la imagen. Las escenas mitológicas son raras, pero cuando aparecen, son en general de una calidad excepcional.
La pintura de vasos pseudocalcídeos es la sucesora de la pintura calcídica. Es cercana a la calcídica, pero también tiene fuertes vínculos con la pintura de vasos ática y corintia. Por ello, los artistas utilizaron el alfabeto jónico en lugar del calcídico para las inscripciones. La estructura de la arcilla también es diferente. Se conocen alrededor de 70 vasos de este tipo, que fueron clasificados por primera vez por Andreas Rumpf. Es posible que los artesanos fueran sucesores de los pintores de vasos y alfareros calcídeos que emigraron a Etruria. [72]
La pintura de vasos pseudocalcídicos se clasifica en dos grupos. El más antiguo de los dos es el Grupo Polifemo , que produjo la mayoría de los vasos supervivientes, principalmente ánforas de cuello y enócoas. Suelen mostrarse grupos de animales, y con menos frecuencia escenas mitológicas. Los vasos se encontraron en Etruria, Sicilia, Marsella y Vix . El Grupo Memnón, más joven y menos productivo, al que se atribuyen actualmente 12 vasos, tuvo una distribución geográfica mucho más reducida, limitándose a Etruria y Sicilia. A excepción de una enócoa, produjeron solo ánforas de cuello, que normalmente estaban decoradas con animales y jinetes. [73]
Los vasos del grupo de Northampton eran todos ánforas de cuello pequeño, con la excepción de una única ánfora de vientre. Son estilísticamente muy similares a la pintura de vasos del norte de Jonia, pero probablemente se produjeron en Italia en lugar de en Jonia, tal vez en Etruria alrededor del 540 a. C. Los vasos de este grupo son de muy alta calidad. Muestran ricas decoraciones ornamentales y escenas que han captado el interés de los eruditos, como un príncipe con caballos y alguien montando en una grúa. Son similares a la obra del grupo de Campana Dinoi y a la llamada ánfora de Northampton, cuya arcilla es similar a la de las hidrias de Caeretan. El grupo de Northampton recibió su nombre de esta ánfora. Las hidrias redondas de Campana recuerdan a los modelos beocios y eubeos. [74]
Los alabastrones con cuerpos cilíndricos de Andros son raros, al igual que los lekanis de Thasos . Estos recuerdan a los productos beocios, excepto que tienen dos frisos de animales en lugar del friso único común en Beocia. Los platos de Thasian siguieron más bien los modelos áticos y con sus escenas figuradas son más ambiciosos que los de los lekanis. Se conocen imitaciones de vasos de Quíos en el estilo de figuras negras. La cerámica local de figuras negras de Halai también es rara. Después de que los atenienses ocuparon Elaious en los Dardanelos, también comenzó allí la producción local de cerámica de figuras negras. Los productos modestos incluían lekanis simples con imágenes de contorno. Un pequeño número de vasos en estilo de figuras negras se produjeron en la Francia celta. También estaban inspirados casi con certeza en vasos griegos. [75]
La investigación científica sobre estos vasos comenzó sobre todo en el siglo XIX. Desde entonces, se ha intensificado la sospecha de que estos vasos tienen un origen griego y no etrusco. En particular, un ánfora de las Panateneas encontrada por Edward Dodwell en 1819 en Atenas proporcionó evidencia. El primero en presentar una prueba fue Gustav Kramer en su obra Styl und Herkunft der bemalten griechischen Tongefäße (1837). Sin embargo, pasaron varios años hasta que esta idea fue aceptada de forma generalizada. Eduard Gerhard publicó un artículo titulado Rapporto Volcente en los Annali dell'Instituto di Corrispondenza Archeologica en el que investigó sistemáticamente los vasos; fue el primer erudito en hacerlo. Con este fin, en 1830 estudió los vasos encontrados en Tarquinia , comparándolos, por ejemplo, con los vasos encontrados en Ática y Egina . Durante este trabajo identificó 31 firmas de pintores y alfareros. Anteriormente sólo se conocía al alfarero Taleides. [76]
El siguiente paso en la investigación fue la catalogación científica de las principales colecciones de vasos de los museos. En 1854 Otto Jahn publicó los vasos de la Colección Estatal de Antigüedades de Múnich. Anteriormente se habían publicado los catálogos de los museos Vaticanos (1842) y del Museo Británico (1851). La descripción de la colección de vasos de la Colección de Antigüedades Clásicas de Berlín, elaborada en 1885 por Adolf Furtwängler , fue especialmente influyente. Furtwängler fue el primero en clasificar los vasos por región de origen artístico, tecnología, estilo, forma y estilo de pintura, lo que tuvo un efecto duradero en las investigaciones posteriores. En 1893 Paul Hartwig intentó en su libro Meisterschalen identificar a varios pintores basándose en inscripciones kalos, firmas y análisis de estilo. Edmond Pottier, conservador del Louvre, inició en 1919 el Corpus Vasorum Antiquorum . En esta serie, que en 2009 contaba con más de 300 volúmenes, se publican todas las colecciones más importantes del mundo. [77]
La investigación científica sobre la pintura de vasos áticos debe mucho a John D. Beazley . Comenzó a estudiar estos vasos alrededor de 1910, haciendo uso del método desarrollado por el historiador de arte Giovanni Morelli para estudiar pinturas, que había sido perfeccionado por Bernard Berenson . Supuso que cada pintor creó obras originales que siempre podrían atribuirse inequívocamente. Hizo uso de detalles particulares como rostros, dedos, brazos, piernas, rodillas y pliegues de ropa. Beazley estudió 65.000 vasos y fragmentos, de los cuales 20.000 eran de figuras negras. En el curso de sus estudios, que duraron casi seis décadas, pudo atribuir 17.000 de ellos por su nombre o utilizando un sistema de nombres pragmáticos, y los clasificó en grupos de pintores o talleres, relaciones y afinidades estilísticas. Identificó a más de 1.500 alfareros y pintores. Ningún otro arqueólogo tuvo una influencia tan decisiva en la investigación de un campo arqueológico como la de Beazley, cuyos análisis siguen siendo válidos en gran medida hasta el momento actual. Después de Beazley, eruditos como John Boardman , Erika Simon y Dietrich von Bothmer investigaron los vasos áticos de figuras negras. [78]
La investigación básica sobre la cerámica corintia fue realizada por Humfry Payne , quien en la década de 1930 realizó una primera clasificación estilística que, en esencia, se sigue utilizando hasta el momento. Clasificó los vasos según la forma, el tipo de decoración y los temas de las imágenes, y solo después hizo distinciones en cuanto a pintores y talleres. Siguió el método de Beazley, excepto que atribuyó menos importancia a la asignación de pintores y grupos, ya que un marco cronológico era más importante para él. Jack L. Benson asumió esta tarea de asignación en 1953 y distinguió 109 pintores y grupos. Por último, Darrell A. Amyx resumió la investigación hasta ese momento en su libro de 1988 Corinthian Vase-Painting of the Archaic Period. Sin embargo, es un tema de disputa académica si es del todo posible en el caso de la cerámica corintia atribuir pintores específicos. [79]
La cerámica laconia se conoce desde el siglo XIX a partir de un número significativo de vasos procedentes de tumbas etruscas. Al principio se atribuyó erróneamente a la cerámica, considerándose durante mucho tiempo un producto de Cirene, donde también se encontraron algunas de las piezas más antiguas. Gracias a las excavaciones británicas realizadas en el santuario de Artemisa Ortia de Esparta , se identificó rápidamente su verdadero origen. En 1934, Arthur Lane reunió todo el material conocido y fue el primer arqueólogo en identificar a diferentes artistas. En 1956, los nuevos descubrimientos fueron estudiados por Brian B. Shefton , que redujo a la mitad el número de pintores distintos. En 1958 y 1959 se publicó otro material nuevo procedente de Tarento . También se encontró un número significativo de otros vasos en Samos. Conrad Michael Stibbe estudió de nuevo los 360 vasos que conocía y publicó sus hallazgos en 1972. Identificó cinco pintores principales y tres secundarios. [80]
Además de la investigación sobre la pintura de vasos áticos, corintios y laconios, los arqueólogos se interesan especialmente por los estilos italianos menores. Las hidrias de Ceretano fueron identificadas y nombradas por primera vez por Carl Humann y Otto Puchstein. Andreas Rumpf, Adolf Kirchhoff y otros arqueólogos sospecharon erróneamente que el origen de la cerámica calcídica era Eubea. Georg Ferdinand Dümmler es responsable de la denominación errónea de los vasos pónticos, que supuso que provenían de la zona del Mar Negro debido a la representación de un escita en uno de los vasos. [81] Mientras tanto, la investigación sobre todos los estilos la llevan a cabo menos individuos que un gran grupo internacional de científicos.
