Star Trek: Primer contacto es una película de ciencia ficción estadounidense de 1996 dirigida por Jonathan Frakes en su debut en el largometraje. Es la octava película de la franquicia Star Trek , y la segunda protagonizada por el elenco de la serie de televisión Star Trek: La nueva generación . En la película, la tripulación de la nave espacial USS Enterprise -E viaja en el tiempo desde el siglo 24 hasta el siglo 21 para evitar que los cibernéticos Borg conquisten la Tierra modificando el pasado.
Después del estreno de Star Trek Generations en 1994, Paramount Pictures encargó a los guionistas Brannon Braga y Ronald D. Moore que desarrollaran la siguiente película de la serie. Braga y Moore querían incluir a los Borg en la trama, mientras que el productor Rick Berman quería una historia que involucrara viajes en el tiempo. Los guionistas combinaron las dos ideas; inicialmente ambientaron la película en la Italia del Renacimiento , pero cambiaron el período de tiempo que los Borg corrompieron a mediados del siglo XXI, después de temer que la idea del Renacimiento resultara cursi . Después de que dos directores más conocidos rechazaran el trabajo, el miembro del elenco Jonathan Frakes fue elegido para dirigir para asegurarse de que la tarea recayera en alguien que entendiera Star Trek .
El guion de la película requirió la creación de nuevos diseños de naves espaciales, incluyendo un nuevo USS Enterprise . El diseñador de producción Herman Zimmerman y el ilustrador John Eaves colaboraron para hacer una nave más elegante que su predecesora . La fotografía principal comenzó con semanas de rodaje en locaciones en Arizona y California, antes de que la producción se trasladara a nuevos sets para las escenas basadas en naves. Los Borg fueron rediseñados para que parecieran convertidos en seres mecánicos de adentro hacia afuera; las nuevas sesiones de maquillaje tomaron cuatro veces más tiempo que sus apariciones en la serie de televisión. La compañía de efectos Industrial Light & Magic se apresuró a completar los efectos especiales de la película en menos de cinco meses. Las técnicas tradicionales de efectos ópticos se complementaron con imágenes generadas por computadora . Jerry Goldsmith compuso la banda sonora de la película.
Star Trek: Primer contacto se estrenó el 22 de noviembre de 1996 y fue la película más taquillera en su primer fin de semana. Recaudó un total mundial de 146 millones de dólares. La recepción de la crítica fue mayoritariamente positiva; los críticos, incluido Roger Ebert, la consideraron una de las mejores películas de Star Trek . Los Borg y los efectos especiales fueron elogiados, mientras que la caracterización fue recibida de manera menos uniforme. El análisis académico de la película se ha centrado en los paralelismos del capitán Jean-Luc Picard con Ahab de Herman Melville y la naturaleza de los Borg. Primer contacto fue nominada al Premio de la Academia al Mejor Maquillaje y ganó tres Premios Saturn . Fue seguida por Star Trek: Insurrección en 1998.
En el siglo 24, el capitán Jean-Luc Picard despierta de una pesadilla en la que revive su asimilación por los Borg cibernéticos seis años antes . Es contactado por la Flota Estelar , quienes le informan de una nueva amenaza Borg contra la Tierra. Las órdenes de Picard son que su nave, la USS Enterprise , patrulle la Zona Neutral en caso de agresión romulana ; la Flota Estelar está preocupada de que Picard esté demasiado involucrado emocionalmente con los Borg como para unirse a la lucha.
Al enterarse de que la flota está perdiendo la batalla, la tripulación del Enterprise desobedece las órdenes y se dirige a la Tierra, donde una única nave Borg Cube se enfrenta a un grupo de naves de la Flota Estelar. El Enterprise llega a tiempo para ayudar a la tripulación del USS Defiant y a su comandante, el klingon Worf . Picard toma el control de la flota y ordena a las naves supervivientes que concentren su potencia de fuego en un punto aparentemente sin importancia de la nave Borg. [2] El Cubo lanza una nave esférica más pequeña hacia la Tierra antes de ser destruida. El Enterprise persigue la esfera hasta un vórtice temporal. Cuando la esfera desaparece, el Enterprise descubre que la Tierra ha sido alterada: ahora está poblada por Borg. Al darse cuenta de que los Borg han utilizado el viaje en el tiempo para cambiar el pasado, el Enterprise sigue la esfera a través del vórtice. [3]
La Enterprise llega cientos de años en el pasado el 4 de abril de 2063, el día antes del histórico vuelo warp que conduce al primer encuentro de la humanidad con vida extraterrestre. La tripulación se da cuenta de que los Borg están tratando de evitar el primer contacto y asimilar a la humanidad mientras el planeta se recupera de una guerra devastadora. Después de destruir la esfera Borg, un equipo de exploración se transporta a la nave warp de Zefram Cochrane , Phoenix , en Bozeman, Montana . Picard envía a la asistente de Cochrane, Lily Sloane, de regreso a la Enterprise para recibir atención médica. El capitán regresa a la nave y deja al comandante William T. Riker en la Tierra para asegurarse de que el vuelo de Phoenix proceda según lo planeado. [4] Si bien en el futuro Cochrane es visto como un héroe, en realidad construyó el Phoenix para obtener ganancias financieras y se muestra reacio a ser la figura histórica que describe la tripulación. [3]
Un grupo de Borg invade las cubiertas inferiores del Enterprise , asimilando a parte de la tripulación y modificando la nave. Picard y un equipo intentan llegar a ingeniería para desactivar a los Borg con un gas corrosivo, pero se ven obligados a retroceder; el androide Data es capturado en el combate cuerpo a cuerpo. Una asustada Lily acorrala a Picard con un arma, pero él se gana su confianza. Los dos escapan del área infestada de Borg de la nave creando una distracción en la holocubierta . [4] Picard, Worf y el navegante de la nave, el teniente Hawk, viajan fuera de la nave con trajes espaciales para evitar que los Borg usen el deflector de navegación para pedir refuerzos, pero Hawk es asimilado en el proceso. A medida que los Borg asimilan más cubiertas, Worf sugiere destruir la nave, pero Picard enojado lo llama cobarde. Lily confronta al capitán y le hace darse cuenta de que está actuando de manera irracional debido a su propio pasado con los Borg. Picard se disculpa con Worf y ordena la activación de la autodestrucción de la nave y la evacuación de la tripulación a cápsulas de escape, mientras él se queda para rescatar a Data. [5]
Mientras Cochrane, Riker y el ingeniero Geordi La Forge se preparan para activar el motor warp en Phoenix , Picard descubre que la Reina Borg ha injertado piel humana en Data, dándole la sensación de tacto que ha deseado durante mucho tiempo para que ella pueda obtener los códigos de cifrado del androide para la computadora Enterprise . Aunque Picard se ofrece a los Borg a cambio de la libertad de Data, Data se niega a irse, desactiva la autodestrucción y dispara torpedos a Phoenix . En el último momento, los torpedos fallan y la Reina se da cuenta de que Data la engañó. [5] El androide rompe un tanque de refrigerante y el vapor corrosivo corroe los componentes biológicos de los Borg, así como la nueva piel de Data.
Con la amenaza Borg neutralizada, Cochrane completa su vuelo warp. [3] Más tarde esa noche, la tripulación observa desde la distancia cómo una nave alienígena Vulcan , atraída por la prueba warp de Phoenix , aterriza en la Tierra. Cochrane saluda a los alienígenas. Después de asegurarse de la corrección de la línea de tiempo, Picard se despide de Lily y la tripulación del Enterprise se escabulle y regresa al siglo 24. [3]
Primer contacto es la primera película de la serie de películas de Star Trek en la que no aparece ninguno de los personajes principales de la serie original . [6] En cambio, el elenco principal de Star Trek: La nueva generación interpreta a los siguientes personajes:
Algunos de los personajes recurrentes de La nueva generación también aparecieron en la película; Dwight Schultz repitió su papel del teniente Reginald Barclay y Patti Yasutake apareció brevemente como la enfermera Alyssa Ogawa . [23] A Whoopi Goldberg no se le pidió que regresara como Guinan , [24] una sabia camarera cuyo mundo natal fue destruido por los Borg. [25] Goldberg solo se enteró de la decisión a través de los periódicos. "¿Qué puedo decir? Quería hacerlo porque no pensé que pudiera hacer nada con los Borg sin [mi personaje]", dijo, "pero aparentemente puedes, así que no me necesitan". [26]
Michael Horton aparece como un oficial de seguridad de la Flota Estelar ensangrentado y estoico; su personaje recibió el nombre de teniente Daniels en la siguiente película de Star Trek . [23] Al igual que con muchas producciones de Star Trek , los nuevos personajes " camisetas rojas " desechables son asesinados en el transcurso de la trama. [13] Neal McDonough interpreta a Hawk, el timonel del Enterprise que ayuda en la defensa de la nave hasta que es asimilado y asesinado. McDonough fue arrogante sobre su papel como camisa roja, diciendo que ya que uno de los personajes en la batalla del plato deflector tenía que morir, "ese sería yo". [21] "La resistencia es inútil", el lema de los Borg , fue dicho por Jeff Coopwood . [27]
La película también cuenta con cameos de dos actores de la serie de televisión hermana Star Trek: Voyager , que estaba en su tercera temporada en el momento del estreno. [20] A Robert Picardo , quien interpretó al Doctor holográfico de la Voyager , se le pidió que apareciera como el holograma médico de emergencia de la Enterprise después de sugerir a los productores que las dos naves deberían compartir una tecnología similar. [28] La línea de Picardo "Soy un médico, no un tope de puerta", es una alusión al personaje de la serie original de Star Trek, el Dr. Leonard McCoy . [13] El actor de Voyager , compañero de Picardo, Ethan Phillips , quien interpretó a Neelix , hizo un cameo como maître de un club nocturno en la escena de la holocubierta. Phillips recordó que los productores querían que los fanáticos se quedaran adivinando si él era la persona que interpretó a Neelix o no, ya que no apareció en los créditos. [29] Durante la producción, hubo rumores incorrectos de que Avery Brooks repetiría su papel como el capitán de Star Trek: Deep Space Nine, Benjamin Sisko . [21]
En diciembre de 1992, los ejecutivos de Paramount Pictures se acercaron al productor de Star Trek: The Next Generation, Rick Berman, para desarrollar dos películas con el elenco de la serie de televisión. Berman decidió desarrollar dos guiones simultáneamente y priorizar el más prometedor para la primera película. El esfuerzo de los escritores Brannon Braga y Ronald D. Moore fue elegido y desarrollado en Star Trek Generations . El otro, de Maurice Hurley , fue reservado para su uso en una posible segunda película. [30] Dos meses después del estreno de Generations , Paramount decidió producir el segundo largometraje para un estreno en las vacaciones de invierno de 1996. [23] Paramount quería que Braga y Moore, que habían escrito el guion de Generations y varios episodios de Next Generation , [13] escribieran el guion. [17] Berman le dijo a Braga y Moore que quería que pensaran en hacer una historia que involucrara viajes en el tiempo. Braga y Moore, mientras tanto, querían utilizar a los Borg. "En el acto, dijimos que tal vez podríamos hacer ambas cosas, los Borg y los viajes en el tiempo", recordó Moore. [23] Los Borg no habían sido vistos con toda su fuerza desde el episodio de la cuarta temporada de The Next Generation , "Lo mejor de ambos mundos" y nunca habían aparecido de manera destacada en la serie debido a las limitaciones presupuestarias y al temor de que perdieran su factor de miedo. [17] "Los Borg eran muy queridos por los fans, y nos agradaban", dijo Moore. "Eran temibles. Eran imparables . Contrastes perfectos para una historia destacada". [23]
Habiendo decidido que el aspecto del viaje en el tiempo de la trama involucraría un plan Borg para evitar que los humanos lleguen al espacio, [23] los escritores consideraron varios períodos históricos como escenario. "Nuestros objetivos en ese momento eran crear una historia que fuera maravillosa y un guion que fuera [...] producible dentro de los límites presupuestarios de una película de Star Trek ", dijo Berman. [31] El primer borrador de la historia, llamado Star Trek: Renaissance , adoptó su concepto de un intento Borg de prevenir el surgimiento de la civilización europea moderna durante el Renacimiento . En este escenario, la tripulación del Enterprise persiguió a los Borg hasta su colmena en una mazmorra de un castillo italiano del siglo XV, y previó peleas de espadas junto con el uso de fáseres , con Data convirtiéndose en el aprendiz de Leonardo da Vinci . Moore temía que "corriera el riesgo de volverse exagerado", [23] mientras que Stewart se negó a usar mallas. [32] Además, la investigación informal sugirió que la audiencia principal de la película no estaba entusiasmada con el escenario. [33] Braga, por su parte, quería ver el "nacimiento de Star Trek ", cuando los vulcanos y los humanos se conocieron por primera vez; "eso, para mí, es lo que hizo que la historia del viaje en el tiempo fuera fresca", dijo. [17]
Con la idea de la génesis de Star Trek en mente, la historia central se convirtió en la prueba de velocidad warp de Cochrane y el primer contacto de la humanidad. Basándose en pistas de episodios anteriores de Star Trek , Cochrane fue ubicado en Montana a mediados del siglo XXI , donde los humanos se recuperan de una devastadora guerra mundial. En el primer guion con este escenario, los Borg atacan el laboratorio de Cochrane, dejando al científico en coma; Picard asume el lugar de Cochrane para continuar la prueba warp y restaurar la historia. En este borrador, Picard tiene un interés amoroso en la fotógrafa local Ruby, mientras que Riker lidera la lucha contra los Borg en la Enterprise . [34] Otro borrador incluía al personaje omnipotente Q de John de Lancie . [35] Al mirar los primeros guiones, el trío sabía que se necesitaba un trabajo serio. "Simplemente no tenía sentido [...] que Picard, el único tipo que tiene una historia con los Borg, nunca los conozca", recordó Braga. Los papeles de Riker y Picard se intercambiaron, y la historia del planeta fue acortada y contada de manera diferente. Braga y Moore enfocaron el nuevo arco en el propio Cochrane, haciendo que el futuro ideal de Star Trek viniera de un hombre imperfecto. La idea de Borg luchando entre trajes de época se fusionó en una secuencia de novela holográfica de "Dixon Hill" en la holocubierta. El segundo borrador, titulado Star Trek: Resurrection , fue juzgado lo suficientemente completo como para que el equipo de producción lo usara para planificar los gastos. [36] La película recibió un presupuesto de $45 millones, "considerablemente más" que el precio de $35 millones de Generations ; esto permitió a la producción planificar una mayor cantidad de acción y efectos especiales. [37] [38] [39] [40] [41]
Braga y Moore querían que la película fuera fácilmente accesible para cualquier cinéfilo y funcionara como una historia independiente, pero que aún así satisficiera a los fanáticos devotos de Star Trek . Dado que gran parte del papel de Picard hacía referencia directa a su época como Borg en los episodios "Lo mejor de ambos mundos" de La nueva generación , se agregó la secuencia inicial del sueño para explicar lo que le sucedió en el programa. [17] La pareja descartó una apertura que hubiera establecido lo que los personajes principales habían estado haciendo desde la última película a favor de establecer rápidamente la historia. [42] Si bien los escritores intentaron preservar la idea de los Borg como un colectivo sin mente en el borrador original, el director de Paramount, Jonathan Dolgen, sintió que el guion no era lo suficientemente dramático. Sugirió agregar un villano Borg individual con el que los personajes pudieran interactuar, lo que llevó a la creación de la Reina Borg. [17]
El miembro del reparto Frakes fue elegido para dirigir. Frakes no había sido la primera opción para director; Ridley Scott y John McTiernan supuestamente rechazaron el proyecto. [40] Stewart conoció a un candidato potencial y concluyó que "no conocían Star Trek ". [8] Se decidió quedarse con alguien que entendiera la " gestalt de Star Trek ", y Frakes obtuvo el trabajo. [43] Frakes se presentó a trabajar todos los días a las 6:30 am. Una de las principales preocupaciones durante la producción fue la seguridad: el guion de Generations se había filtrado en línea y se tomaron medidas más estrictas para evitar que ocurriera algo similar. Algunas páginas del guion se distribuyeron en papel rojo para frustrar los intentos de fotocopias o faxes; "Tuvimos verdaderos problemas para leerlas", señaló Frakes. [44]
Frakes había dirigido varios episodios de The Next Generation , Deep Space Nine y Voyager , pero First Contact fue su primer largometraje. [19] Mientras que Frakes tenía siete días de preparación seguidos de siete días de rodaje para un episodio de televisión determinado, el director tuvo un período de preparación de diez semanas antes de doce semanas de rodaje, y tuvo que acostumbrarse a filmar para una relación anamórfica de 2,35:1 en lugar del estándar de televisión 1,33:1. [45] En preparación, vio Tiburón , Encuentros cercanos del tercer tipo , 2001: Una odisea del espacio y las obras de James Cameron y Ridley Scott. [40]
A lo largo de múltiples revisiones de guion se consideraron varios títulos, incluidos Star Trek: Borg , Star Trek: Destinies , Star Trek: Future Generations y Star Trek: Generations II . [46] El título planeado de Resurrection fue descartado cuando 20th Century Fox anunció el título de la cuarta película de Alien como Alien Resurrection ; la película fue rebautizada como First Contact el 3 de mayo de 1996. [20]
First Contact fue la primera película de Star Trek en hacer un uso significativo de modelos de naves espaciales generados por computadora, aunque todavía se usaban miniaturas físicas para las naves más importantes. [48] Con la Enterprise -D destruida durante los eventos de Generations , la tarea de crear una nueva nave espacial recayó en el veterano diseñador de producción de Star Trek Herman Zimmerman . La única guía del guion sobre la apariencia de la nave era la línea "la nueva Enterprise sale elegantemente de la nebulosa". [36] Trabajando con el ilustrador John Eaves , los diseñadores concibieron la nueva Enterprise -E de clase Soberana como "más delgada, elegante y lo suficientemente mala para responder a cualquier amenaza Borg que puedas imaginar". [6] Braga y Moore pretendían que fuera más musculosa y militar. [17] Eaves observó la estructura de iteraciones anteriores de la Enterprise y diseñó una nave de guerra más aerodinámica y capaz que la Enterprise -D, reduciendo el área del cuello de la nave y alargando las góndolas . Eaves produjo de 30 a 40 bocetos antes de encontrar un diseño final que le gustara y comenzara a hacer cambios menores. [48] Trabajando a partir de planos creados por Rick Sternbach de Paramount , el taller de modelos de la casa de efectos Industrial Light & Magic (ILM) fabricó una miniatura de 10,5 pies (3,2 m) durante un período de cinco meses. Los patrones del casco se tallaron en madera, luego se fundieron y se ensamblaron sobre una armadura de aluminio. Los paneles del modelo se pintaron en un esquema mate y brillante alternado para agregar textura. [47] El equipo tuvo múltiples dificultades para preparar la miniatura para la filmación; si bien el taller de modelos originalmente quería ahorrar tiempo fundiendo ventanas con fibra de vidrio transparente, el material quedó pegajoso. ILM, en cambio, cortó las ventanas con un láser. [48] Se agregaron diapositivas de los decorados detrás de los marcos de las ventanas para que el interior pareciera más dimensional cuando la cámara pasara por el barco. [47]
En películas anteriores, la gama de naves capitales de la Flota Estelar había estado representada predominantemente por la Enterprise de clase Constitución y solo otras cinco clases de naves: la clase Miranda de Star Trek II: La ira de Khan , la Excelsior y la clase Oberth de Star Trek III: En busca de Spock , y las clases Galaxy y Nebula de La nueva generación . El supervisor de ILM, John Knoll, insistió en que la batalla espacial de Primer contacto demostró la amplitud de las configuraciones de naves de la Flota Estelar. "La Flota Estelar probablemente arrojaría todo lo que pudiera contra los Borg, incluidas naves que nunca hemos visto antes", razonó. "Y como pensamos que gran parte de la acción de fondo en la batalla espacial tendría que hacerse con naves generadas por computadora que necesitaban construirse desde cero de todos modos, me di cuenta de que no había razón para no hacer algunos diseños nuevos". Alex Jaeger fue designado director de arte de efectos visuales de la película y se le asignó la tarea de crear cuatro nuevas naves espaciales. Paramount quería naves que se vieran diferentes desde la distancia, por lo que el director ideó múltiples perfiles de casco. [49] Knoll y Jaeger habían decidido que las naves tenían que obedecer ciertos precedentes de naves de Star Trek , con un casco primario tipo platillo y góndolas de curvatura alargadas en pares. [50] La clase Akira presentaba la sección de platillo tradicional y las góndolas combinadas con un doble casco estilo catamarán; la clase Norway estaba basada en el USS Voyager ; la clase Saber era una nave más pequeña con góndolas que se arrastraban desde las puntas de su sección de platillo; y la clase Steamrunner presentaba góndolas gemelas que se arrastraban desde el platillo y estaban conectadas por una sección de ingeniería en la parte trasera. Cada diseño fue modelado como un modelo digital tridimensional de estructura alámbrica para su uso en la película. [49]
La película también requirió una serie de diseños más pequeños que no eran de la Flota Estelar. La nave de curvatura Phoenix fue concebida para encajar dentro de un viejo misil nuclear, lo que significa que las góndolas de la nave tuvieron que plegarse en un espacio de menos de 10 pies (3 m). Eaves se aseguró de enfatizar el aspecto mecánico de la nave, para sugerir que era una tecnología altamente experimental y no probada. Las etiquetas de la cabina de la Phoenix vinieron de los manuales del transbordador espacial McDonnell-Douglas . [51] Eaves consideró que la nave Vulcan era una nave "divertida" para diseñar. Solo se habían visto dos naves Vulcan importantes en Star Trek , incluida una nave de mensajería de The Motion Picture . Dado que el formato de nave de dos motores se había visto muchas veces, los artistas decidieron alejarse del diseño tradicional de la nave, creando un diseño más artístico que funcional. La nave incorporó elementos de una estrella de mar y un cangrejo. Debido a las limitaciones presupuestarias, la nave completa se realizó como un diseño generado por computadora. Solo se fabricó un pie de aterrizaje con forma de bumerán para que los actores interactuaran. [48]
Los decorados interiores de la Enterprise eran en su mayoría nuevos diseños. El puente fue diseñado para tener un aspecto cómodo, con colores cálidos. [52] Entre las nuevas incorporaciones había una pantalla holográfica más grande que funcionaría solo cuando se activara, dejando una pared simple cuando se desactivara. Se utilizaron nuevos monitores de computadora de pantalla plana para las pantallas, que utilizaban menos espacio y le daban al puente un aspecto más limpio. Los nuevos monitores también permitían la reproducción de videos que podían simular la interacción con los actores. [51] Los diseñadores crearon una sala de preparación más grande y menos espartana, conservando elementos de la serie de televisión; Zimmerman agregó un conjunto de modelos tridimensionales dorados de la Enterprise a una vitrina en la esquina. La sala de observación era similar al diseño de la Enterprise -D; el decorado en sí fue reutilizado del programa de televisión, el único decorado de este tipo que no se desmontó después del rodaje de Generations , aunque se amplió y sufrió un cambio de color. La ingeniería se simuló con un gran decorado de tres pisos, pasillos, un vestíbulo y el núcleo warp más grande de la franquicia hasta la fecha. [53] Para su estado corrompido por los Borg, la sección de ingeniería fue equipada con nichos para drones Borg, conductos y la "mesa de asimilación" de Data, donde es interrogado por la Reina. [54] Para ahorrar dinero, el set de la enfermería de la Voyager fue redecorado para que sirviera como la enfermería de la Enterprise , mientras que las escenas del USS Defiant se filmaron en el set de pie de Deep Space Nine . [53] Algunos diseños de sets se inspiraron en la serie de películas Alien , Star Wars y 2001: A Space Odyssey . [13] [43]
La escena de la caminata espacial en el exterior del Enterprise fue uno de los decorados más difíciles de imaginar y construir para la película. La producción tuvo que diseñar un traje espacial que pareciera práctico en lugar de exagerado. Se incorporaron ventiladores en los cascos para que los actores no se sobrecalentaran y luces de neón en el frente para que se pudieran ver las caras de los ocupantes. Cuando los actores se pusieron los cascos por primera vez, el diseño completamente cerrado dificultaba la respiración; después de un minuto de usar el traje, Stewart se enfermó y se interrumpió el rodaje. [22] El decorado para el casco exterior de la nave y el plato deflector se construyeron sobre cardanes en el estudio de sonido más grande de Paramount , [55] rodeado de pantalla azul y equipado con cables para las secuencias de gravedad cero . [13] El escenario no era lo suficientemente grande como para acomodar una réplica de tamaño real del plato del Enterprise , por lo que Zimmerman tuvo que reducir los planos en un 15 por ciento. [52]
Los uniformes de la Flota Estelar fueron rediseñados para la película por el diseñador de vestuario de Star Trek Bob Blackman para darles un toque más militarista, con hombreras grises, torso/mangas/calzas negras y camisetas interiores/puños de rayas de colores. Dado que Blackman también se encargaba del vestuario de la serie de televisión, la ropa de diseño no perteneciente a la Flota Estelar fue delegada a Deborah Everton, [20] una recién llegada a Star Trek que fue responsable de más de 800 trajes durante la producción. [56] Everton fue la encargada de actualizar los trajes de los Borg a algo nuevo, pero que recordara a la serie de televisión. Los voluminosos trajes se hicieron más elegantes y se equiparon con luces de fibra óptica . [52] El aspecto de viaje en el tiempo de la historia también requirió trajes de época para mediados del siglo XXI y la recreación de la holocubierta del club nocturno "Dixon Hill" de los años 40. A Everton le gustó diseñar el vestuario de Woodard porque el personaje pasó por muchos cambios a lo largo de la película, pasando de un chaleco y pantalones utilitarios en muchas tomas a un vestido glamoroso durante la escena de la holocubierta. [56]
Everton y los diseñadores de maquillaje Michael Westmore , Scott Wheeler y Jake Garber querían mejorar el aspecto blanco pálido que los Borg habían conservado desde la segunda temporada de La nueva generación , nacido de la necesidad de un diseño televisivo consciente del presupuesto. "Quería que pareciera que estaban [asimilados o "Borgificados"] de adentro hacia afuera en lugar de afuera hacia adentro", dijo Everton. [20] Cada Borg tenía un diseño ligeramente diferente, y Westmore diseñaba uno nuevo cada día para que pareciera que había un ejército de Borg; en realidad, entre ocho y doce actores [13] [22] llenaban todos los roles ya que el vestuario y el maquillaje eran muy costosos de producir. Los Borg de fondo fueron simulados por maniquíes a medio terminar . [17] Westmore razonó que, dado que los Borg habían viajado por la galaxia, habrían asimilado otras razas además de los humanos. En la serie de televisión, gran parte de las caras de los Borg habían sido cubiertas por cascos, pero para Primer Contacto el maquillador quitó las cubiertas de la cabeza y diseñó versiones asimiladas de extraterrestres familiares de Star Trek como klingons, bolianos , romulanos, bajoranos y cardassianos . Cada dron recibió un ocular electrónico. Las luces parpadeantes en cada ojo fueron programadas por el hijo de Westmore para repetir el nombre de un miembro de la producción en código Morse . [52]
El tiempo de maquillaje para los Borg se amplió de la hora necesaria para la televisión a cinco horas, además de los 30 minutos necesarios para ponerse el vestuario y los 90 minutos para quitarse el maquillaje al final del día. [22] Mientras que Westmore estimó que una producción con personal completo tendría alrededor de 50 maquilladores, First Contact tuvo que arreglárselas con menos de diez personas involucradas en la preparación, y como máximo 20 artistas al día. [52] A pesar de las largas horas, los equipos de Westmore comenzaron a ser más creativos con las prótesis incluso cuando redujeron sus tiempos de preparación. "Estaban usando dos tubos, y luego usaban tres tubos, y luego estaban metiendo tubos en los oídos y la nariz", explicó Westmore. "Y estábamos usando un colorante de caramelo muy pegajoso, tal vez usando un poco, pero cuando llegamos al final de la película teníamos el material goteando por los costados de las caras [de los Borg], ¡parecía como si estuvieran perdiendo aceite! Así que, al final [de la película], son más feroces". [22]
La Reina Borg fue un desafío porque tenía que ser única entre los Borg pero aún así conservar cualidades humanas; Westmore era consciente de evitar comparaciones con películas como Alien . [20] La apariencia final involucró piel gris pálida y una cabeza alargada y ovalada, con rollos de alambre en lugar de cabello. [52] Krige recordó el primer día que le aplicaron el maquillaje: "Vi a todos encogiéndose. Pensé, genial; ¡hicieron esto y se asustaron!" [43] [57] Frakes notó que la Reina terminó siendo atractiva de una manera perturbadora, a pesar de su comportamiento y apariencia malvados. [8] Zimmerman, Everton y Westmore combinaron sus esfuerzos para diseñar y crear las secciones borgificadas del Enterprise para crear tensión y hacer que la audiencia sintiera que "[están siendo alimentados] por los Borg". [13]
La fotografía principal fue más pausada que en La nueva generación , ya que solo se filmaron cuatro páginas de guion en lugar de ocho por día. [8] Frakes contrató a un director de fotografía nuevo en la franquicia de Star Trek , Matthew F. Leonetti , cuyo trabajo en películas como Poltergeist y Strange Days admiraba. Al no estar familiarizado con el canon de Star Trek , Leonetti se preparó para la tarea estudiando las cuatro películas anteriores de la franquicia, cada una de las cuales había utilizado un director de fotografía diferente ( Donald Peterman en The Voyage Home , Andrew Laszlo en The Final Frontier , Hiro Narita en The Undiscovered Country y John Alonzo en Generations ). También pasó varios días observando la filmación en los sets de Voyager y Deep Space Nine . [58]
Leonetti ideó varios métodos de iluminación para los interiores de la Enterprise para las operaciones estándar de la nave, el estado de "alerta roja" y la energía de emergencia. Razonó que, dado que la nave estaba siendo tomada por una entidad extranjera, requería una iluminación y un encuadre más dramáticos. Si bien gran parte del metraje se filmó con distancias focales de 50 a 70 mm utilizando lentes anamórficas, se utilizaron lentes esféricas de 14 mm para las tomas desde la perspectiva de los Borg. Leonetti prefirió filmar con lentes largos para brindar una sensación más claustrofóbica, pero se aseguró de que la longitud no aplanara la imagen. Se utilizaron cámaras de mano para las secuencias de batalla para que los espectadores se metieran en la acción y la cámara pudiera seguir los movimientos de los actores. [59] Las escenas de los Borg fueron recibidas positivamente por el público de las proyecciones de prueba , por lo que una vez que se completó el resto de la película, se agregaron escenas adicionales de la tripulación de la Enterprise siendo asimilada con el presupuesto sobrante para agregar acción. [17] [13]
Como se necesitaban tantos decorados nuevos, el rodaje comenzó con la fotografía de exteriores. Se pasaron cuatro días en el Museo de Misiles Titan , al sur de Tucson, Arizona . El misil nuclear desarmado fue equipado con una carcasa de fibra de vidrio para sustituir al módulo de mando y de refuerzo del Phoenix . [60] El silo del misil proporcionó un gran decorado que habría sido prohibitivamente caro de construir desde cero, pero el entorno estrecho creó dificultades. [61] Cada movimiento de cámara se planificó de antemano para trabajar alrededor de las zonas donde se añadiría la iluminación, y los electricistas y los técnicos se pusieron arneses de escalada para bajar por el hueco y colocar las luces. Para dar mayor dimensión al cohete y darle al misil una apariencia futurista, Leonetti optó por compensar la superficie metálica del misil con colores complementarios. El uso de geles de diferentes colores hizo que el cohete pareciera más largo de lo que realmente era; para completar el efecto, se filmaron tomas desde el morro del Phoenix hacia abajo y desde los motores hacia arriba con una lente de 30 mm para alargar el misil. [62]
Desde Arizona, el equipo se trasladó al Bosque Nacional de los Ángeles en California para dos semanas de rodaje nocturno. Zimmerman creó un pueblo de catorce cabañas para sustituir a Montana; el reparto disfrutó de las escenas como una oportunidad de escapar de sus uniformes y llevar ropa "normal". [13] La última localización del rodaje fue en un restaurante art déco de la Union Station de Los Ángeles , que sustituyó a la holonovela de Dixon Hill; Frakes quería un fuerte contraste con las escenas oscuras y mecánicas de los Borg. [13] Aunque el director de fotografía quería rodar la escena en blanco y negro, los ejecutivos de Paramount consideraron que el metraje de prueba era "demasiado experimental" y se descartó la idea. El sitio hacía que el uso de luces de alto voltaje fuera poco práctico, por lo que Leonetti optó por utilizar luces maestras más tenues cerca del techo y aprovechó una gran ventana para hacer pasar luces difusas. Para dar a la escena una sensación de blanco y negro, Leonetti se aseguró de utilizar luz sin coloración. "Me gusta crear separación con la iluminación en lugar de utilizar color", explicó. "No siempre se puede confiar en el color porque el actor puede empezar a fundirse con el fondo". Al separar las luces de fondo, Leonetti se aseguró de que los actores principales se destacaran del telón de fondo. [63] El rodaje utilizó una orquesta de diez piezas, 15 especialistas y 120 extras para llenar los asientos. [60] Entre los clientes del club nocturno estaban Braga, Moore y el coordinador de especialistas de la película, Ronnie Rondell. [17]
Una vez finalizado el rodaje en exteriores, el rodaje en el nuevo plató de ingeniería comenzó el 3 de mayo. El plató duró menos de un día en su estado original antes de ser "borgificado". A continuación, se procedió al rodaje en el puente. [60] Durante las escenas de funcionamiento normal, Leonetti optó por proyectar una iluminación cruzada sobre los protagonistas; esto requirió que se quitara el techo del plató y se colocaran rejillas de iluminación a los lados. Estas luces se dirigieron entonces hacia las caras de los actores en ángulos de 90 grados. El plató estaba revestido con paneles de ventanas respaldados por luces rojas, que parpadeaban de forma intermitente durante el estado de alerta roja. Estas luces se complementaron con lo que Leonetti llamó "luz interactiva"; se trataba de luces fuera del escenario, con gel rojo que proyectaban bordes parpadeantes sobre el plató del puente y las cabezas del equipo. Para la intrusión Borg, la iluminación se originó únicamente en paneles de instrumentos y pantallas de alerta roja. La luz de relleno en estas escenas se redujo para que el elenco pasara por puntos oscuros en el puente y los interiores fuera del alcance limitado de estas fuentes. Se utilizaron pequeñas luces de 30 y 50 vatios para proyectar rayos de luz extremadamente localizados sobre los decorados. [59]
A continuación vinieron las secuencias de acción y la batalla por la Enterprise , una fase que los realizadores denominaron "el infierno de los borg". [60] Frakes dirigió las escenas de los borg de forma similar a una película de terror, creando tanto suspenso como fuera posible. Para equilibrar estos elementos, añadió más elementos cómicos a las escenas de la Tierra, con la intención de aliviar momentáneamente la tensión de la audiencia antes de volver a aumentarla. [13] Leonetti reconfiguró la iluminación para reflejar la toma de posesión de los interiores de la nave. "Cuando la nave se borgifica, todo cambia a un aspecto más cuadrado y robótico con bordes afilados pero imágenes redondeadas", explicó. Para dar más forma a las paredes del pasillo, Leonetti las iluminó desde abajo. Dado que los pasillos eran tan pequeños y los techos serían visibles en muchas de las tomas, se prestó especial atención a ocultar las luminarias. [59]
Estábamos en un círculo, que no tiene geografía. Teníamos a nuestros tres héroes [Picard, Worf y Hawk] en trajes espaciales, que parecían idénticos, así que no podías saber quién era quién hasta que te acercabas mucho. Pero en el momento en que te acercabas, perdías todo el propósito de estar en el exterior de la nave, de modo que podías ver las células y las estrellas y la Tierra asomándose en el fondo. Fue una pesadilla de rodaje y edición.
— Jonathan Frakes sobre la dificultad de la escena de la caminata espacial. [43]
Para las escenas de la caminata espacial en vivo, el supervisor de efectos visuales Ronald B. Moore pasó dos semanas fotografiando con pantalla azul en el set del deflector. [55] Frakes consideró que filmar la escena fue lo más tedioso de la película debido a la cantidad de preparación que requirió para el rodaje de cada día. [13] Dado que el resto del Enterprise -E, así como el fondo de la Tierra, se agregarían más tarde en la posproducción, se volvió confuso coordinar las tomas. Moore usó una computadora portátil con reproducciones digitales del set para orientar a la tripulación y ayudar a Frakes a entender cómo se vería la toma terminada. [55] Un actor manco interpretó al Borg cuyo brazo Worf corta para representar con precisión el efecto deseado, [13] y los zapatos de los actores estaban equipados con pesas de plomo para recordarles que debían moverse lentamente como si realmente usaran botas de gravedad. McDonough recordó que se unió a Stewart y Dorn al preguntar si podían hacer las tomas sin las pesas de 10 a 15 libras (4,5 a 6,8 kg), ya que "nos contrataron porque somos actores", pero la producción insistió en usarlas. [16]
La última escena filmada fue la primera de la película, la pesadilla Borg de Picard. [22] La toma comienza dentro del iris del globo ocular de Picard y se retira primero para revelar al capitán a bordo de una enorme nave Borg, y luego el exterior de la nave. La escena se inspiró en una producción de la ciudad de Nueva York de Sweeney Todd: el barbero diabólico de Fleet Street en la que el escenario rodeaba a la audiencia, lo que daba una sensación de realismo. [13] La toma se filmó como tres elementos separados fusionados con efectos digitales. El equipo utilizó una lente de 50 mm para facilitar que el equipo de efectos disolviera las tomas de primer plano con los otros elementos. A partir del ojo de Stewart, la cámara se retiró 25 pies (7,6 m), lo que requirió que la luz clave aumentara en intensidad hasta 1000 bujías-pie para que hubiera suficiente profundidad para mantener el ojo nítido. La superficie del escenario resultó demasiado irregular para lograr el suave retroceso del dolly requerido por el equipo de efectos, que necesitaba una toma estable para mezclar una versión generada por computadora del ojo de Picard con el retroceso. El riel del dolly de 135 pies (41 m) se elevó del piso del escenario y se cubrió con piezas de madera contrachapada de abedul de doble espesor, elegidas por su acabado suave. Todo el decorado para la escena tenía 100 pies (30 m) de ancho y 25 pies (7,6 m) de alto; los espacios que dejó la revelación del dolly se rellenaron más tarde digitalmente. [61] La fotografía principal terminó el 2 de julio de 1996, [64] dos días después de lo previsto, pero aún por debajo del presupuesto. [22]
La mayoría de los efectos de Primer contacto fueron manejados por Industrial Light & Magic bajo la supervisión de John Knoll; más de una cuarta parte del presupuesto de la película se destinó a efectos. [65] Las secuencias de efectos más pequeñas, como el fuego de los phasers, los gráficos de computadora y los efectos del transportador, fueron delegadas a un equipo dirigido por el supervisor de efectos visuales David Takemura. [56] Acostumbrado a dirigir episodios para la serie de televisión, el artista de efectos Terry Frazee le recordaba con frecuencia a Frakes que "pensara en grande, hiciera estallar todo". [13] La mayoría de las secuencias de efectos se planificaron utilizando animaciones generadas por computadora de baja resolución . Estos guiones gráficos animados preliminares establecían la duración, la acción y la composición, lo que permitía a los productores y al director determinar cómo se desarrollarían las secuencias antes de filmarlas. [47]
First Contact fue la última película en la que se presentó un modelo físico de la Enterprise . Para la dramática introducción de la nave, el equipo de efectos combinó tomas de control de movimiento del modelo de la Enterprise con un fondo generado por computadora. El supervisor de secuencia Dennis Turner, que había creado la cinta de energía de Generations y se especializaba en crear fenómenos naturales, fue el encargado de crear el cúmulo de estrellas, modelado a partir de la Nebulosa del Águila . Las columnas nebulares y las áreas sólidas se modelaron con una geometría básica de estructura alámbrica, con sombreadores de superficie aplicados para hacer que los bordes de la nebulosa brillaran. Se utilizó una representación de partículas que ILM había ideado para la película anterior de tornados Twister para crear una apariencia turbulenta dentro de la nebulosa. Una vez que se capturaron las tomas de la Enterprise , Turner insertó la nave en el fondo generado por computadora y alteró su posición hasta que las imágenes coincidieran. [66]
El pase de belleza de apertura de la nueva Enterprise estuvo a cargo del director de fotografía de efectos visuales Marty Rosenberg, quien manejó todas las demás miniaturas, explosiones y algunos elementos de pantalla azul de acción real. Rosenberg había filmado previamente algunos de los efectos de la Enterprise -D para Generations , pero tuvo que ajustar sus técnicas para el nuevo modelo; el director de fotografía usó una lente de 50 mm en lugar de la de 35 mm utilizada para Generations porque la lente más pequeña hacía que el plato de la nueva Enterprise pareciera estirado. Knoll decidió filmar el modelo desde arriba y desde abajo tanto como fuera posible; las vistas laterales hacían que la nave pareciera demasiado plana y alargada. [66] Rosenberg prefería los pases de control de movimiento de las naves sobre las versiones generadas por computadora, ya que era mucho más fácil capturar un alto nivel de detalle con modelos físicos en lugar de tratar de recrearlo con gráficos de computadora. [50]
Para la batalla Borg, Knoll insistió en primeros planos que estuvieran cerca de la nave alienígena, lo que requirió un modelo físico. [50] ILM superpuso su modelo de 30 pulgadas (76 cm) con cinco pulgadas adicionales de latón grabado sobre una caja de luz de neón brillante para la iluminación interna. Para hacer que la nave Borg pareciera incluso más grande de lo que era, Knoll se aseguró de que un borde de la misma estuviera de cara a la cámara como la proa de un barco y que el Cubo rompiera los bordes del marco. Para darle al Cubo mayor profundidad y textura, Rosenberg fotografió la nave con una luz más dura. [66] "Creé esta luz de fondo realmente extraña, rastrillada de tres cuartos que venía del lado derecho o izquierdo, que equilibré con redes y un par de pequeñas luces. Quería que pareciera aterrador y misterioso, por lo que estaba iluminado como un punto, y siempre teníamos la cámara apuntando hacia él; nunca lo teníamos viniendo directamente hacia nosotros", dijo. [49] Las pequeñas luces unidas a la superficie del Cubo ayudaron a crear interés visual y transmitir escala; El modelo fue filmado deliberadamente con un ritmo lento y determinado para contrastar con las naves de la Federación involucradas en la batalla con los Borg. El impacto del armamento de la Federación en el Cubo Borg fue simulado usando un modelo de 60 pulgadas (150 cm) del Cubo. El modelo tenía áreas específicas que podían explotar varias veces sin dañar la miniatura. Para la explosión final del Cubo, Rosenberg fotografió diez miniaturas del Cubo de 30 pulgadas (76 cm) con pieles ligeras llenas de explosivos. Los Cubos fueron suspendidos de tuberías a sesenta pies sobre la cámara en el suelo. Se colocó vidrio de seguridad sobre la lente para evitar daños, mientras que la cámara fue cubierta con madera contrachapada para protegerla de los trozos de plástico que llovieron después de cada explosión. La esfera Borg más pequeña era un modelo de 12 pulgadas (30 cm) que fue filmado por separado del Cubo y agregado digitalmente en posproducción. El vórtice de viaje en el tiempo que crea la Esfera fue simulado con un efecto de reentrada de cohete; se forma un arco de choque frente a la nave, luego fluye hacia atrás a alta velocidad. Se reprodujo una iluminación interactiva en el modelo Enterprise generado por computadora para cuando la nave quedó atrapada en el vórtice del tiempo. [49]
La miniatura de la Enterprise se utilizó de nuevo para la secuencia de la caminata espacial. Incluso en el modelo grande, era difícil hacer que la miniatura pareciera realista en tomas de primeros planos extremos. [49] Para que funcionara la toma de retroceso, la cámara tenía que estar a un octavo de pulgada del modelo. El pintor Kim Smith pasó varios días en una pequeña zona del modelo para añadir suficientes detalles de la superficie para el primer plano, pero incluso así el enfoque era apenas adecuado. Para compensar, la tripulación utilizó un objetivo gran angular y disparó con el f-stop más alto que pudieron. Las escenas de acción en vivo de la tripulación en la caminata espacial se añadieron digitalmente. Las tomas panorámicas utilizaron imágenes de dobles de la fotografía caminando por una gran pantalla azul colocada sobre el aparcamiento de ILM por la noche. [55]
A ILM se le encargó que imaginara cómo sería la asimilación inmediata de un miembro de la tripulación del Enterprise . Jaeger ideó un conjunto de cables que surgían de los nudillos del Borg y se enterraban en el cuello del miembro de la tripulación. Tubos con forma de gusano atravesarían el cuerpo de la víctima y dispositivos mecánicos romperían la piel. Toda la transformación se creó utilizando imágenes generadas por computadora. La geometría con forma de gusano se animó sobre la cara del actor y luego se mezcló con la adición de una textura de piel sobre la animación. El cambio gradual en el tono de la piel se simuló con sombreadores . [67]
Frakes consideró la entrada de la Reina Borg (cuando su cabeza, hombros y columna de acero son bajados por cables y unidos a su cuerpo) como el " efecto visual característico de la película". La escena fue difícil de ejecutar, y a ILM le llevó cinco meses terminarla. [43] Jaeger ideó un equipo que bajaría a la actriz en el set y le aplicó una columna protésica sobre un traje azul para que ILM pudiera quitarle la parte inferior del cuerpo a Krige. Esta estrategia permitió a los realizadores incorporar tantos elementos de acción en vivo como fuera posible sin recurrir a más efectos digitales. Para hacer que las prótesis aparecieran en el ángulo adecuado cuando se le quitó la parte inferior del cuerpo, Krige extendió su cuello hacia adelante para que pareciera en línea con la columna. Knoll no quería que pareciera que la Reina estaba en un equipo mecánico duro; "queríamos que tuviera el 'flotador' apropiado", explicó. Usando pases de control de movimiento separados en el set, Knoll filmó la parte inferior del torso superior y la secuencia secundaria con todo el cuerpo de Krige. Se utilizó una versión digital del traje de cuerpo de Borg para la secuencia de descenso, momento en el que la imagen se transformó de nuevo en la toma real del cuerpo de Krige. Las garras animadas del traje también se crearon digitalmente utilizando un modelo detallado. [67] Como referencia a los animadores, la toma requería que Krige retratara de manera realista "el extraño dolor o satisfacción de estar reconectada con su cuerpo". [13]
Jerry Goldsmith compuso la banda sonora de First Contact , su tercer largometraje de Star Trek . Escribió un título principal que comienza con la fanfarria de Star Trek de Alexander Courage . [68] En lugar de componer un tema amenazador para subrayar a los Borg, Goldsmith escribió un tema pastoral vinculado al esperanzador primer contacto de la humanidad. El tema utiliza un motivo de cuatro notas utilizado en la banda sonora de Star Trek V: The Final Frontier de Goldsmith , que se utiliza en First Contact como tema de amistad y vínculo temático general. [69] Se utilizó una marcha amenazante con toques de sintetizadores para representar a los Borg. Además de componer música nueva, Goldsmith utilizó música de sus bandas sonoras anteriores de Star Trek , incluido su tema de The Motion Picture . [68] El tema Klingon de la misma película se utiliza para representar a Worf. [70]
Debido a los retrasos con The Ghost and the Darkness de Paramount , el ya corto cronograma de producción de cuatro semanas se redujo a solo tres semanas. Si bien Berman estaba preocupado por la medida, [71] Goldsmith contrató a su hijo, Joel , para que lo ayudara. [72] El joven compositor proporcionó música adicional para la película, escribiendo tres pistas basadas en los motivos de su padre [70] y un total de 22 minutos de música. [68] Joel usó variaciones de la música Borg de su padre y el tema Klingon mientras Worf lucha cuerpo a cuerpo. [73] Cuando los Borg invaden la enfermería y el holograma médico los distrae, Joel escribió lo que el crítico Jeff Bond denominó material "casi Coplandesco" de afinar cuerdas y clarinete, pero la pista no se usó. Si bien Joel compuso muchas de las pistas de acción de la película, su padre contribuyó a las secuencias de caminata espacial y vuelo de Phoenix . Durante la pelea en el plato deflector, Goldsmith utilizó una electrónica de registro bajo puntuada por punzadas de cuerdas violentas y disonantes. [73]
Rompiendo con la tradición cinematográfica de Star Trek , la banda sonora incorporó dos canciones autorizadas: " Ooby Dooby " de Roy Orbison y " Magic Carpet Ride " de Steppenwolf . El presidente de GNP Crescendo, Neil Norman, explicó que la decisión de incluir las pistas fue controvertida, pero dijo que "Frakes hizo un trabajo increíble al integrar esas canciones en la historia, por lo que tuvimos que usarlas". [74]
GNP lanzó la banda sonora de First Contact el 2 de diciembre de 1996. [74] El álbum contenía 51 minutos de música, con 35 minutos de la banda sonora de Jerry Goldsmith, 10 minutos de música adicional de Joel Goldsmith, "Ooby Dooby" y "Magic Carpet Ride". El CD-ROM venía con funciones a las que solo se podía acceder si se reproducía en una computadora personal, [75] incluyendo entrevistas con Berman, Frakes y Goldsmith. [74]
El 2 de abril de 2012, GNP Crescendo Records anunció un CD de colección de edición limitada que incluye la banda sonora completa de Jerry Goldsmith (con música adicional de Joel Goldsmith), recientemente remasterizada por el ingeniero de grabación Bruce Botnick, con un folleto de 16 páginas que incluye notas informativas de Jeff Bond y John Takis. El álbum ampliado [GNPD 8079] dura 79 minutos e incluye tres pistas alternativas. [76]
Frakes cree que los temas principales de Primer contacto —y Star Trek en su conjunto— son la lealtad, la amistad, la honestidad y el respeto mutuo. Esto es evidente en la película cuando Picard elige rescatar a Data en lugar de evacuar la nave con el resto de la tripulación. [13] La película hace una comparación directa entre el odio de Picard hacia los Borg y su negativa a destruir la Enterprise y el del capitán Ahab en la novela Moby-Dick de Herman Melville . El momento marca un punto de inflexión en la película cuando Picard cambia de opinión, simbolizado por el hecho de que deja su phaser. [13] Una referencia similar a Moby-Dick se hizo en Star Trek II: La ira de Khan y aunque Braga y Moore no querían repetirla, decidieron que funcionaba tan bien que no podían dejarla fuera. [17]
En Primer contacto , los Borg, individualmente inescrutables y sin rostro, cumplen el papel de la ballena igualmente ilegible en la obra de Melville. Picard, como Ahab, ha sido herido por su némesis, y la autora Elizabeth Hinds dijo que tiene sentido que Picard "opte por la alternativa perversa de permanecer a bordo de la nave para luchar" contra los Borg en lugar de tomar la única opción sensata que queda para destruir la nave. [77] Varias líneas en la película hacen referencia a que los habitantes del siglo XXI son primitivos, y que la gente del siglo XXIV ha evolucionado hacia una sociedad más utópica . Al final, es Lily (la mujer del siglo XXI) quien le muestra a Picard (el hombre del siglo XXIV) que su búsqueda de venganza es el comportamiento primitivo que los humanos habían evolucionado para no usar. [17] Las palabras de Lily hacen que Picard lo reconsidere, y cita las palabras de venganza de Ahab, reconociendo el deseo de muerte incrustado en ellas. [77]
La naturaleza de los Borg en Primer Contacto ha sido objeto de una discusión crítica. La artista y escritora Julie Clarke señala que, si bien la humanidad tolera a otras especies alienígenas en Star Trek , los Borg son vistos de manera diferente debido a sus alteraciones cibernéticas y la pérdida de libertad y autonomía. Los miembros de la tripulación que son asimilados al Colectivo son vistos posteriormente como "contaminados por la tecnología" y menos que humanos. Clarke establece comparaciones entre la distinción tecnológica de la humanidad y la máquina en Star Trek y el trabajo de artistas como Stelarc . [78] Oliver Marchart trazó paralelismos entre la combinación de muchos Borg en un Uno artificial y el concepto de Leviatán de Thomas Hobbes . [79] La naturaleza del peligroso primer contacto entre especies, como se representa en películas como Independence Day , Aliens y Primer Contacto, es una combinación de los miedos clásicos de invasión nacional y la pérdida de la identidad personal. [80]
En 1996 se cumplió el 30 aniversario de la franquicia Star Trek . [81] La situación era complicada: Deep Space Nine y Voyager habían perdido millones de espectadores, siendo superadas por Hercules: The Legendary Journeys como la serie sindicada con mayor audiencia. Algunos fanáticos se mostraron molestos porque Paramount canceló The Next Generation en el apogeo de su popularidad, y Generations había sido un éxito comercial pero no crítico. [82] Frakes señaló que era un "momento crucial", ya que temía que la franquicia pudiera haberse "extendido demasiado con dos programas". [83]
Primer Contacto fue objeto de una intensa campaña de marketing, algo que no se había visto desde el estreno de Star Trek: La Película en 1979. Se escribieron varias novelizaciones de la película para diferentes grupos de edad. Playmates Toys produjo figuras de acción de seis y nueve pulgadas , además de modelos de naves y un phaser. Se estrenaron dos especiales de televisión de "making of" en HBO y Sci-Fi Channel , además de promocionarse durante un especial de televisión del 30.º aniversario en UPN . [84] El tráiler de la película se incluyó en una compilación musical de Best of Star Trek , lanzada al mismo tiempo que la banda sonora de Primer Contacto . [74] Simon & Schuster Interactive desarrolló un videojuego con temática Borg para computadoras personales Macintosh y Windows. El juego, Star Trek: Borg , funcionó como una película interactiva con escenas filmadas al mismo tiempo que la producción de Primer Contacto . [85] Spectrum HoloByte también anunció una adaptación de la película en formato de videojuego , que habría tomado la forma de un juego de estrategia en tiempo real ambientado íntegramente en la Enterprise durante la toma de posesión de los Borg, [86] aunque nunca se lanzó. La película fue promocionada intensamente en Internet a través de un sitio web oficial, donde los usuarios podían interactuar entre sí y luchar contra los Borg mientras realizaban un recorrido en 3D por la Enterprise . [87] El sitio experimentó más tráfico que cualquier película anterior, recibiendo 4,4 millones de visitas por semana durante el estreno de la película. [88]
La película se estrenó el 18 de noviembre de 1996 en el Mann's Chinese Theatre de Hollywood, Los Ángeles, y se recaudaron 70 000 dólares en ventas de entradas para Amnistía Internacional . [89] [90] El elenco principal, salvo Spiner, estuvo presente, al igual que Moore, Braga, Jerry Goldsmith y el productor Marty Hornstein , junto con otros actores de Star Trek . Después de la proyección, los invitados cruzaron la calle hacia Hollywood Colonnade, donde los interiores habían sido decorados para combinar con los escenarios de la película. [90] [91] La película recibió un estreno real en el Reino Unido, donde Marina Sirtis acompañó al príncipe Carlos a la proyección del 10 de diciembre en el Empire, Leicester Square . [92] [93]
First Contact se estrenó en 2.812 cines a partir del 22 de noviembre, recaudando 30,7 millones de dólares en su primera semana y convirtiéndose en la película más taquillera de Estados Unidos. [94] La película fue eliminada del primer lugar la semana siguiente por 101 dálmatas , ganando 25,5 millones de dólares. [95] La película recaudó 77 millones de dólares en sus primeras cuatro semanas, permaneciendo entre las diez primeras en taquilla durante ese tiempo. [89] Cerró con una recaudación en Estados Unidos y Canadá de 92.027.888 dólares y una recaudación internacional de 54 millones de dólares para un total de 146 millones de dólares en todo el mundo. [96]
La película se estrenó en el Reino Unido el 13 de diciembre de 1996, convirtiéndose en la segunda película de la franquicia en llegar a la cima de la taquilla. A pesar de ser la primera película de la franquicia en no llegar al número uno desde La ira de Khan , sus ingresos de 8,7 millones de libras fueron los más altos hasta que se estrenó la película de reinicio de Star Trek en 2009. [97] La película fue la película de Star Trek con mejor rendimiento en los mercados internacionales hasta la película de Star Trek de 2009 , [98] y la mejor actuación de Paramount en mercados como Nueva Zelanda, recaudando 315 491 dólares en 28 sitios para fin de año. [99]
First Contact obtuvo críticas positivas en su estreno. [39] El agregador de reseñas Rotten Tomatoes informó una calificación de aprobación del 93% basada en 68 reseñas, con una calificación promedio de 7.40/10. El consenso de los críticos del sitio dice: "Si bien los fanáticos de la serie seguramente la apreciarán, First Contact es emocionante, atrapante y visualmente lo suficientemente atractiva como para entretener a los novatos de Star Trek". [100] Las audiencias encuestadas por CinemaScore le dieron a la película una calificación de "A−" en una escala de A a F. [101] Ryan Gilbey de The Independent consideró que la película fue inteligente al prescindir del elenco de The Original Series: "Por primera vez, una película de Star Trek en realidad parece algo más ambicioso que un programa de televisión extendido", escribió. [102] Por el contrario, el crítico Bob Thompson sintió que First Contact estaba más en el espíritu de la serie de televisión de los años 60 que cualquier entrega anterior. [103] Elizabeth Renzeti de The Globe and Mail dijo que Primer Contacto logró mejorar la "afectada" entrada anterior en la serie, y que presentó un renovado interés en la narración de historias. [104] Kenneth Turan de Los Angeles Times escribió: " Primer Contacto hace todo lo que uno esperaría que hiciera una película de Star Trek , y lo hace con alegría y estilo". [105] Adrian Martin de The Age señaló que la película estaba orientada a complacer a los fanáticos: "Los extraños a este mundo fantasioso delineado por primera vez por Gene Roddenberry simplemente tendrán que esforzarse para comprender lo mejor que puedan", escribió, pero "los seguidores de culto estarán en el cielo". [106] Janet Maslin de The New York Times pensó que la trama "enrevesada" de la película "desconcertaría a todos, excepto a los devotos incondicionales" de la serie, [107] mientras que Joe Leydon de Variety escribió que la película no requería un conocimiento íntimo de la serie y que tanto los fanáticos como los no fanáticos disfrutarían de la película. [108] Mientras que Renzetti consideró que la falta de viejos personajes de las siete películas anteriores fue un cambio bienvenido, [104] Maslin dijo que "la serie ahora carece de todas sus estrellas originales y gran parte de su determinación anterior. Se ha transformado en algo menos inocente y más derivado de lo que solía ser, algo que es cada vez menos probable que disfrute el no sectario". [107] Por el contrario,Roger Ebert calificó a Primer Contacto como una de las mejores películas de Star Trek , [109] y James Berardinelli consideraron que la película era la película más entretenida de Star Trek en una década; "Ha revivido por sí sola la serie de películas de Star Trek , al menos desde un punto de vista creativo", escribió. [110] En The Times , Frakes fue elogiado como director por Geoff Brown por "dirigir un guión enredado sin perder impulso". [111]
La actuación de la película tuvo una recepción mixta. Lisa Schwarzbaum de Entertainment Weekly apreció que las estrellas invitadas Woodard y Cromwell fueran utilizadas en "contraste inventivo" con sus imágenes más conocidas, como una "actriz dramática seria" y "granjera bailarina en Babe ", respectivamente. [112] Lloyd Rose de The Washington Post sintió que mientras Woodard y Cromwell lograron "cuidarse a sí mismos", la dirección de Frakes de otros actores no fue inspirada; [113] Steve Persall del St. Petersburg Times opinó que solo Cromwell recibió un papel de elección en la película, "por lo que se roba el espectáculo por defecto". [114] Un par de críticas señalaron que las interacciones de Data con la Reina Borg estaban entre las partes más interesantes de la película; [109] [115] el crítico John Griffin atribuyó el trabajo de Spiner por proporcionar "escalofrío ambivalente" a la película. [116] Adam Smith de la revista Empire escribió que algunos personajes, particularmente Troi y Crusher, se perdieron o fueron ignorados, y que el ritmo rápido de la película no dejó tiempo para que aquellos que no estaban familiarizados con la serie conocieran o se preocuparan por los personajes. [117] Del mismo modo, Emily Carlisle de la BBC elogió las actuaciones de Woodard, Spiner y Stewart, pero sintió que la película se centró más en la acción que en la caracterización. [115] Stewart, a quien Thompson y Renzetti consideraron eclipsado por William Shatner en la película anterior, [103] [104] recibió elogios de Richard Corliss de Time : "Mientras Patrick Stewart pronuncia [una] línea con una ferocidad majestuosa digna de un ex alumno de la Royal Shakespeare Company , el público se queda boquiabierto ante un efecto especial más imponente que cualquier garabato digital de ILM. ¡Aquí hay actuación real! ¡En una película de Star Trek !" [118]
Los efectos especiales fueron generalmente elogiados. Jay Carr de The Boston Globe dijo que Primer Contacto actualizó exitosamente el concepto del creador de Star Trek, Gene Roddenberry, con efectos y acción más elaborados. [119] La evaluación de Thompson reflejó la de Carr; estuvo de acuerdo en que la película logró transmitir gran parte del programa de televisión original de los años 60 y contenía suficientes "maravillas de efectos especiales y tiroteos interestelares" para saciar a todo tipo de espectadores. Ebert escribió que mientras que las películas anteriores a menudo habían lucido "torpes" en el departamento de efectos, Primer Contacto se benefició de lo último en tecnología de efectos. [109] Scott ofreció una opinión disidente, quien escribió que además de las secuencias de efectos clave, Frakes "pretende distraer a los Trekkers del resto claramente de aspecto barato". [117]
Los críticos reaccionaron favorablemente a los Borg, describiéndolos como similares a las criaturas de Hellraiser . [119] Renzetti les atribuyó el mérito de darle "nueva vida" a la tripulación del Enterprise mientras intentaban matarlos al mismo tiempo. [104] La Reina Borg recibió una atención especial por su combinación de horror y seducción, y Ebert escribió que si bien no se parecía a ninguna noción de sensualidad de la que haya oído hablar nunca, se sintió inspirado "para mantener la mente abierta". [109] Carr dijo: "Ella demuestra que las mujeres con piel azul vaporosa, muchos tubos externos y dientes en mal estado pueden ser elegantemente seductoras". [119]
En 2021, First Contact fue calificada como la segunda mejor película de la franquicia Star Trek (después de The Undiscovered Country ) por Scott Mendelson, quien escribiendo para la revista Forbes , la describió como "probablemente la película más grande de Star Trek que todavía se siente como una película de Star Trek ". [120] También fue clasificada en segundo lugar (después de The Wrath of Khan ) para la revista Empire en 2022 por Owen Williams, quien llamó a la película "uno de los clásicos clavados de Trek " . [121]
Star Trek: Primer contacto se lanzó por primera vez en VHS a fines de 1997 como uno de los varios títulos que se esperaba que impulsaran las ventas lentas en las tiendas de videos. [126] También se lanzó una versión LaserDisc . [127] Primer contacto fue uno de los primeros títulos anunciados para el sistema de alquiler alternativo al DVD Digital Video Express en 1998. [128] Se lanzó con otros cinco títulos de prueba en los mercados selectos de Richmond y San Francisco. [129]
Cuando Paramount anunció su primera serie de lanzamientos en DVD en agosto de 1998, First Contact fue uno de los primeros diez títulos lanzados en octubre, [130] anunciado en un esfuerzo consciente por mostrar películas impulsadas por efectos especiales. [131] Esta versión contenía el largometraje y dos tráilers, pero ningún otro material especial. La película se presentó en su relación de aspecto anamórfica original de 2,35:1, con una mezcla de audio Dolby Digital 5.1 con sonido envolvente . [127]
En 2005 se lanzó una edición especial de dos discos de First Contact "Special Collector's Edition" al mismo tiempo que otras tres películas de Next Generation y la cuarta temporada de Star Trek: Enterprise , lo que marcó la primera vez que todas las películas y episodios de la franquicia estaban disponibles en video doméstico hasta ese momento. [132] Además del largometraje, presentado con las mismas especificaciones técnicas que el lanzamiento anterior y una nueva banda sonora DTS , [133] el primer disco contiene un comentario del director de Frakes y una pista de Moore y Braga. [133] Al igual que con otros lanzamientos de DVD de edición especial, el disco incluye una pista de texto de Michael y Denise Okuda que proporciona datos de producción y datos relevantes sobre el universo de Star Trek . [134] [135] El segundo disco contiene seis featurettes de making of, guiones gráficos y avances. [135]
El 22 de septiembre de 2009 se lanzó un Blu-ray de alta definición de Primer Contacto . Además de los extras del DVD que regresan, el Blu-ray contiene featurettes adicionales y un nuevo comentario del coproductor de Star Trek (2009) Damon Lindelof y el colaborador de TrekMovie.com Anthony Pascale . [136] Las cuatro películas de La nueva generación se lanzaron en Blu-ray Ultra HD el 4 de abril de 2023, en formatos independientes y recopilados. [137]
Seré tu madrina
La serie ahora carece de todas sus estrellas originales y gran parte de su determinación anterior. Se ha transformado en algo menos inocente y más derivado de lo que solía ser, algo que es cada vez menos probable que disfrute el no sectario.
Por un lado, la trama enrevesada de esta película dejará atónitos a todos, excepto a los devotos incondicionales.
