Sidney Arthur Lumet ( / l uː ˈ m ɛ t / loo- MET ; [1] 25 de junio de 1924 - 9 de abril de 2011) fue un director de cine estadounidense. Lumet comenzó su carrera en el teatro antes de pasar al cine, donde se ganó la reputación de realizar dramas neoyorquinos realistas y descarnados que se centraban en la clase trabajadora, abordaban las injusticias sociales y, a menudo, cuestionaban la autoridad.
Fue nominado cinco veces a los Premios de la Academia : cuatro al Mejor Director por 12 Angry Men (1957), Tarde de perros (1975), Network (1976) y The Verdict (1982) y una al Mejor Guión Adaptado por Prince of the City. (1981). Otras películas incluyen Una vista desde el puente (1962), Un largo viaje hacia la noche (1962), El prestamista (1964), Fail Safe (1964), The Hill (1965), Serpico (1973), Asesinato en el Orient Express ( 1974), Equus (1977), El mago (1978), La mañana siguiente (1986), Quedarse sin nada (1988) y Antes de que el diablo sepa que estás muerto (2007). Recibió el Premio Honorífico de la Academia en 2004. [2]
Miembro de la clase inaugural del Actors Studio de Nueva York , [3] Lumet comenzó a actuar fuera de Broadway e hizo su debut como actor en Broadway en la obra de 1935 Dead End . Más tarde dirigió las obras de Broadway Night of the Auk (1956), Caligula (1960) y Nowhere to Go But Up (1962). Lumet también es conocido por su trabajo en televisión. Recibió un premio Primetime Emmy a la mejor dirección de una nominación a serie dramática por NBC Sunday Showcase (1961). También dirigió para Goodyear Television Playhouse , Kraft Television Theatre y Playhouse 90 .
Lumet nació en Filadelfia y creció en el barrio Lower East Side de Manhattan. [4] Estudió actuación teatral en la Professional Children's School de Nueva York y en la Universidad de Columbia . [5] [6]
Los padres de Lumet, Baruch y Eugenia (de soltera Wermus) Lumet, eran judíos y veteranos del teatro yiddish ; [7] habían emigrado a los Estados Unidos desde Polonia. Su padre, actor, director, productor y escritor, nació en Varsovia. [8] La madre de Lumet, que era bailarina, murió cuando él era un niño. Tenía una hermana mayor. [9] Lumet hizo su debut profesional en la radio a los cuatro años y su debut teatral en el Yiddish Art Theatre a los cinco años. [10] Cuando era niño también apareció en muchas producciones de Broadway , [7] incluyendo Dead End de 1935 y The Eternal Road de Kurt Weill .
En 1935, a los 11 años, Lumet apareció en un cortometraje de Henry Lynn, Papirossen (que significa "cigarrillos" en yiddish), coproducido por la estrella de radio Herman Yablokoff . La película se proyectó en una obra de teatro del mismo título, basada en la exitosa canción " Papirosn ". La obra y el cortometraje se presentaron en el Bronx McKinley Square Theatre. [11] En 1939, hizo su única aparición en un largometraje, a los 15 años, en ...Un tercio de una nación .... [12] [13]
La Segunda Guerra Mundial interrumpió la carrera actoral inicial de Lumet y pasó cuatro años en el ejército estadounidense . [14] Después de regresar del servicio como reparador de radares estacionado en India y Birmania (1942-1946), se involucró con el Actors Studio y luego formó su propio taller de teatro. Organizó un grupo Off-Broadway y se convirtió en su director, y continuó dirigiendo en teatro de verano , mientras enseñaba actuación en la High School of Performing Arts. [12] Era el entrenador senior de teatro en el nuevo edificio de "Performing Arts" en la calle 46. Lumet, de 25 años, dirigió el departamento de teatro en una producción de The Young and Fair . [ cita necesaria ]
Lumet comenzó su carrera como director con producciones Off-Broadway y luego se convirtió en un director de televisión muy respetado. Después de trabajar fuera de Broadway y en películas de verano, comenzó a dirigir televisión en 1950, después de trabajar como asistente de su amigo y entonces director Yul Brynner . Pronto desarrolló un método de filmación "rápido como un rayo" debido a la alta rotación que requiere la televisión. Como resultado, mientras trabajaba para CBS dirigió cientos de episodios de Danger (1950–55), Mama (1949–57) y You Are There (1953–57), una serie semanal que presentaba a Walter Cronkite en una de sus primeras apariciones en televisión. Lumet eligió a Cronkite para el papel de presentador "porque la premisa del programa era tan tonta, tan escandalosa, que necesitábamos a alguien con la tranquilidad más estadounidense, casera y cálida", dijo. [15]
También dirigió obras originales para Playhouse 90 , Kraft Television Theatre y Studio One , dirigiendo alrededor de 200 episodios, lo que lo estableció como "uno de los directores más prolíficos y respetados en el negocio", según Turner Classic Movies . Su capacidad para trabajar con rapidez durante el rodaje se trasladó a su carrera cinematográfica. [16] Debido a que la calidad de muchos de los dramas televisivos era tan impresionante, varios de ellos fueron posteriormente adaptados como películas.
Lumet comenzó su carrera como director en producciones Off-Broadway y luego se convirtió en un director de televisión muy eficiente. Su primera película, 12 Angry Men (1957), un drama judicial centrado en una tensa deliberación del jurado que se basó en una obra de teatro en vivo de CBS , fue un comienzo auspicioso para Lumet. Fue un éxito de crítica y lo estableció como un director experto en adaptar propiedades de otros medios al cine. La mitad de las películas de Lumet se originaron en el teatro. [17]
Después de su primera película, Lumet dividiría sus energías entre películas de drama político y social, así como adaptaciones de obras de teatro y novelas literarias, grandes historias elegantes, comedias negras con sede en Nueva York y dramas policiales realistas, incluidos Serpico y El príncipe de los Estados Unidos. Ciudad . Como resultado de dirigir 12 Angry Men , también fue responsable de liderar la primera ola de directores que hicieron una transición exitosa de la televisión al cine. [18]
Un controvertido programa de televisión que dirigió en 1960 le dio notoriedad: The Sacco-Vanzetti Story en NBC. Según The New York Times , el drama provocó críticas del estado de Massachusetts (donde Sacco y Vanzetti fueron juzgados y ejecutados) porque se pensaba que postulaba que los asesinos condenados eran, de hecho, totalmente inocentes. Sin embargo, la controversia resultante en realidad le hizo a Lumet más bien que mal, y le envió varios encargos cinematográficos prestigiosos. [19]
Comenzó a adaptar obras de teatro clásicas tanto para cine como para televisión, dirigiendo a Marlon Brando , Joanne Woodward y Anna Magnani en el largometraje The Fugitive Kind (1959), basado en la obra de Tennessee Williams Orpheus Descending . Más tarde dirigió una versión televisiva en vivo de The Iceman Cometh de Eugene O'Neill , a la que siguió su película, A View from the Bridge (1962), otro drama psicológico de la obra escrita por Arthur Miller . A esto le siguió otra obra de Eugene O'Neill llevada al cine, Long Day's Journey into Night (también 1962), con Katharine Hepburn obteniendo una nominación al Oscar por su interpretación de una ama de casa drogadicta; Los cuatro actores principales arrasaron con los premios de interpretación en el Festival de Cine de Cannes de 1962 . [20]
El crítico de cine Owen Gleiberman ha observado que Lumet era un "franco y duro" que, debido a que se formó durante la Edad de Oro de la televisión en la década de 1950, se hizo conocido por su enérgico estilo de dirección. Las palabras "Sidney Lumet" y "energía", añade, se convirtieron en sinónimos: "La energía estaba ahí en los momentos más tranquilos. Era una energía interior, un zumbido de existencia que Lumet observaba en las personas y hacía surgir en ellas... [cuando] salió a las calles de Nueva York... las hizo eléctricas: [21]
Era una energía de clase trabajadora de los distritos exteriores. Las calles de Lumet eran tan malas como las de Scorsese, pero las de Lumet parecían más sencillas que poéticas. Canalizó esa vitalidad asquerosa de Nueva York con tal fuerza natural que era fácil pasar por alto lo que realmente estaba involucrado en el logro. Capturó esa vibra de Nueva York como nadie porque la vio, la vivió, la respiró, pero luego tuvo que salir y ponerla en escena, o recrearla, casi como si estuviera montando un documental, dejando que sus actores se enfrentaban como depredadores al azar, insistiendo en la luz más natural posible, haciendo que las oficinas parecieran tan feas y burocráticas como lo eran porque sabía, debajo de eso, que no eran sólo oficinas sino guaridas, y que había una intensidad más profunda, casi una especie de belleza, para captar la tosquedad de la realidad tal como realmente se veía. [21]
Lumet generalmente insistió en la naturaleza colaborativa de la película, a veces ridiculizando el dominio del director "personal", escribió el historiador de cine Frank R. Cunningham. Como resultado, Lumet se hizo famoso tanto entre los actores como entre los directores de fotografía por su apertura a compartir ideas creativas con el escritor, los actores y otros artistas. [22] Lumet "no tiene igual en la distinguida dirección de actores superiores", añade Cunningham, muchos de los cuales proceden del teatro. Pudo obtener interpretaciones poderosas de actores como Ralph Richardson , Marlon Brando , Richard Burton , Katharine Hepburn , James Mason , Sophia Loren , Geraldine Fitzgerald , Blythe Danner , Rod Steiger , Vanessa Redgrave , Paul Newman , Sean Connery , Henry Fonda , Dustin Hoffman , Albert Finney , Simone Signoret y Anne Bancroft . "Dadle un buen actor y quizá encuentre al gran actor que lleva dentro", escribió el crítico de cine Mick LaSalle . [23]
Cuando fue necesario, Lumet eligió actores no capacitados, pero afirmó: "más del noventa por ciento de las veces quiero las mejores herramientas que pueda conseguir: actores, escritores, iluminadores, camarógrafos, utileros". [22] No obstante, cuando utilizó actores menos experimentados, aún pudo realizar actuaciones de actuación superiores y memorables. Lo hizo con Nick Nolte , Anthony Perkins , Armand Assante , Jane Fonda , Faye Dunaway , Timothy Hutton y Ali MacGraw , quien ella misma se refirió a él como "el sueño de todo actor". [24] En opinión de Fonda, "era un maestro. Qué control de su oficio. Tenía valores fuertes y progresistas y nunca los traicionó". [25]
Si bien el objetivo de todas las películas es entretener, el tipo de película en la que creo va un paso más allá. Obliga al espectador a examinar una faceta u otra de su propia conciencia. Estimula el pensamiento y hace fluir los jugos mentales.
—Sidney Lumet [26]
Lumet creía que las películas son un arte y que "la cantidad de atención que se les presta está directamente relacionada con la calidad de las imágenes". [27] Debido a que comenzó su carrera como actor, se hizo conocido como "director de actores" y trabajó con los mejores a lo largo de los años, una lista probablemente inigualable por cualquier otro director. [28] El estudioso de la actuación Frank P. Tomasulo está de acuerdo y señala que muchos directores que son capaces de entender la actuación desde la perspectiva de un actor eran todos "grandes comunicadores". [29]
Según los historiadores del cine Gerald Mast y Bruce Kawin, la "sensibilidad de Lumet hacia los actores y los ritmos de la ciudad lo han convertido en el descendiente más longevo en Estados Unidos de la tradición neorrealista de la década de 1950 y su compromiso urgente con la responsabilidad ética". [30] Citan su primera película The Hill (1965) como "una de las películas más radicales política y moralmente de la década de 1960". Añaden que detrás de los conflictos sociales de las películas de Lumet se esconde la "convicción de que el amor y la razón eventualmente prevalecerán en los asuntos humanos" y que "la ley y la justicia eventualmente serán cumplidas – o no". [30] Su primera película, Doce hombres enojados , fue una película aclamada en su época y representó un modelo de razón liberal y compañerismo durante la década de 1950. [31] La película y Lumet fueron nominados a los Premios de la Academia, y él fue nominado al Premio del Gremio de Directores y la película fue ampliamente elogiada por la crítica. [12]
La Encyclopedia of World Biography afirma que sus películas a menudo presentaban actores que estudiaron el " Método de actuación ", destacados por retratar un estilo terrenal e introspectivo. Un ejemplo destacado de este tipo de actores del "Método" sería Al Pacino , quien al principio de su carrera estudió con el gurú del método Lee Strasberg . Lumet también prefirió la apariencia de espontaneidad tanto en sus actores como en sus escenarios, lo que le dio a sus películas un aspecto de improvisación al filmar gran parte de su trabajo en exteriores. [32]
Lumet creía firmemente en el ensayo y sentía que si un actor ensayaba correctamente, no perdería la espontaneidad. Según el crítico Ian Bernard, Lumet consideró que les da a los actores "el arco completo del papel", lo que les da la libertad de encontrar ese "accidente mágico". [33] El director Peter Bogdanovich le preguntó si ensayaba mucho antes de filmar, y Lumet dijo que le gustaba ensayar un mínimo de dos semanas antes de filmar. [28] Durante esas semanas, recuerda Faye Dunaway , protagonista de Network (1976), también bloqueaba las escenas con su camarógrafo. Como resultado, añade, "no se pierde ni un minuto mientras filma, y eso se nota no sólo en el presupuesto del estudio, sino también en el ímpetu de la interpretación". [34] Ella elogia su estilo de dirección en Network , en la que ganó su único Premio de la Academia:
Sidney, déjame decirte, es uno de los hombres más talentosos y profesionales del mundo... y actuar en Network fue una de las experiencias más felices que he tenido... Es un hombre realmente talentoso que contribuyó Buen trato para mi desempeño. [34]
En parte porque sus actores estaban bien ensayados, podía ejecutar una producción en un orden rápido, lo que mantenía sus producciones dentro de sus modestos presupuestos. Por ejemplo, durante el rodaje de El príncipe de la ciudad (1981), aunque había más de 130 papeles hablados y 135 localizaciones diferentes, pudo coordinar todo el rodaje en 52 días. Como resultado, escriben los historiadores Charles Harpole y Thomas Schatz, los artistas estaban ansiosos por trabajar con él porque lo consideraban un "destacado director de actores". La estrella de la película, Treat Williams , dijo que Lumet era conocido por ser "enérgico":
Él era sólo una bola de fuego. Tenía pasión por lo que hacía y "vino a trabajar" con todos los barriles encendidos. Probablemente sea el director más preparado emocionalmente con el que he trabajado. Sus películas siempre llegaron dentro del plazo y del presupuesto. Y todos regresaron a casa para cenar. [35]
Harpole añade que "mientras que a muchos directores no les gustaban los ensayos ni asesorar a los actores sobre cómo construir su personaje, Lumet destacó en ambas cosas". [27] De este modo, podría ofrecer más fácilmente a sus intérpretes un escaparate cinematográfico de sus habilidades y ayudarles a profundizar su contribución actoral. El actor Christopher Reeve , coprotagonista de Deathtrap (1982), también señaló que Lumet sabía hablar en lenguaje técnico: "Si quieres trabajar de esa manera, él sabe hablar de método , sabe improvisar y lo hace todo igual de bien". [28]
A medida que avanza la película, se vuelve cada vez más agotador y realmente necesitas un director que te ayude a recordar dónde está tu personaje en todo momento. Sidney Lumet era así. Todos los directores maravillosos harán eso.
—Al Pacino [36]
Joanna Rapf, al escribir sobre el rodaje de The Verdict (1982), afirma que Lumet prestó mucha atención personal a sus actores, ya sea escuchándolos o tocándolos. Ella describe cómo Lumet y la estrella Paul Newman se sentaron en un banco apartado del set principal, donde Newman se había quitado los zapatos, para discutir en privado una escena importante que estaba a punto de filmarse. Los actores de Lumet recorren sus escenas antes de que la cámara empiece a rodar. Esta preparación se hizo porque a Lumet le gustaba filmar una escena en una o dos tomas como máximo. A Newman le gustaba llamarlo "Speedy Gonzales", y agregó que Lumet no disparó más de lo necesario. "Él no se da ninguna protección. Sé que yo lo haría", dijo Newman. [28]
La crítica de cine Betsey Sharkey está de acuerdo y añade que "fue un maestro durante uno o dos años antes de que Clint Eastwood lo convirtiera en una especialidad respetada". Sharkey recuerda: "[Faye] Dunaway me dijo una vez que Lumet trabajaba tan rápido que era como si estuviera en patines. Un pulso acelerado generado por un gran corazón". [37]
La biógrafa Joanna Rapf observa que Lumet siempre había sido un director independiente y le gustaba hacer películas sobre "hombres que reúnen el coraje para desafiar el sistema, sobre el pequeño hombre contra el sistema". [28] : Introducción Esto también incluye los personajes femeninos como en Garbo Talks (1984). Su estrella, Anne Bancroft, encarnaba el tipo de personaje que le atraía: "una activista comprometida con todo tipo de causas, que defiende los derechos de los oprimidos, que es vivaz, franca, valiente, que se niega a conformarse por el bien de de conveniencia, y cuya comprensión de la vida le permite morir con dignidad ... Garbo Talks en muchos sentidos es un regalo de San Valentín para Nueva York". [28]
En una entrevista en 2006, dijo que siempre había estado "fascinado por el costo humano que implica seguir pasiones y compromisos, y el costo que esas pasiones y compromisos infligen a los demás". [28] Este tema está en el centro de la mayoría de sus películas, señala Rapf, como sus películas de la vida real sobre la corrupción en el Departamento de Policía de la ciudad de Nueva York o en dramas familiares como Daniel (1983).
El historiador de cine Stephen Bowles cree que Lumet se sentía más cómodo y eficaz como director de psicodramas serios , en contraposición a entretenimientos ligeros. Sus nominaciones al Premio de la Academia, por ejemplo, fueron todas por estudios de personajes de hombres en crisis, desde su primera película, Twelve Angry Men , hasta The Verdict . Lumet destacó por poner dramatismo en la pantalla. [17] La mayoría de sus personajes están impulsados por obsesiones o pasiones, como la búsqueda de la justicia, la honestidad y la verdad, o los celos, la memoria o la culpa. [17] Lumet estaba intrigado por las condiciones obsesivas, escribe Bowles. [17]
Los protagonistas de Lumet tendían a ser antihéroes , hombres aislados y corrientes que se rebelaban contra un grupo o institución. El criterio más importante para Lumet no era simplemente si las acciones de la gente eran correctas o incorrectas, sino si eran genuinas y justificadas por la conciencia individual. El denunciante Frank Serpico , por ejemplo, es el héroe por excelencia de Lumet, a quien describió como un "rebelde con una causa". [38]
Un ejemplo anterior de psicodrama fue The Pawnbroker (1964), protagonizada por Rod Steiger . En él, Steiger interpretó a un sobreviviente del Holocausto cuyo espíritu había sido destrozado y que vive el día a día como gerente de una casa de empeño en Harlem. Lumet utilizó la película para examinar, con flashbacks, las cicatrices psicológicas y espirituales que vive el personaje de Steiger, incluida la pérdida de su capacidad de sentir placer. [39] Steiger, que hizo casi 80 películas, dijo durante una entrevista televisiva que la película era su favorita como actor. [40]
Fue el realismo social que impregnó su obra más importante lo que verdaderamente definió a Lumet: los temas del idealismo juvenil derrotado por la corrupción y la desesperanza de instituciones sociales ineptas le permitieron producir varias películas mordaces y potentes que ningún otro director podría haber hecho.
— Películas clásicas de Turner [16]
Serpico (1973) fue la primera de cuatro películas "trascendentales" que Lumet realizó durante la década de 1970 y que lo marcaron como "uno de los más grandes cineastas de su generación". [16] Era la historia de poder y traición en la fuerza policial de la ciudad de Nueva York, con un policía idealista luchando contra probabilidades imposibles. [dieciséis]
Como Lumet era un niño durante la Depresión , creció pobre en la ciudad de Nueva York y fue testigo de la pobreza y la corrupción que lo rodeaban. [28] Le inculcó desde temprana edad la importancia de la justicia para una democracia, tema que intentó plasmar en sus películas. Admitió, sin embargo, que no creía que el negocio del cine por sí solo tuviera el poder de cambiar nada. "Hay, como él dice, mucha 'mierda' con la que lidiar en la industria del entretenimiento, pero el secreto del buen trabajo es mantener la honestidad y la pasión". [28] El historiador de cine David Thomson escribe sobre sus películas:
Tiene temas constantes: la fragilidad de la justicia y la policía y su corrupción. Lumet rápidamente se hizo estimado... [y] adquirió el hábito de los grandes temas – Fail Safe , The Pawnbroker , The Hill , – y parecía dividido entre el aburrimiento y el patetismo. ... Era esa rareza de la década de 1970, un director feliz de servir su material, pero aparentemente no tocado ni cambiado por él. ... Su sensibilidad hacia los actores y los ritmos de la ciudad lo han convertido en "el descendiente más longevo en Estados Unidos de la tradición neorrealista de la década de 1950 y su compromiso urgente con la responsabilidad ética" .
Lumet siempre prefirió trabajar en la ciudad de Nueva York y evitó el dominio de Hollywood. [28] Como director, se identificó fuertemente con la ciudad de Nueva York. "Siempre me ha gustado estar en el mundo de Woody Allen", afirmó. Afirmó que "la diversidad de la ciudad, sus numerosos barrios étnicos, su arte y su crimen, su sofisticación y su corrupción, su belleza y su fealdad, todo alimenta lo que lo inspira". [28] Sintió que para crear, es importante confrontar la realidad diariamente. Para Lumet, "Nueva York está llena de realidad; Hollywood es una tierra de fantasía". [28]
Usó la ciudad de Nueva York una y otra vez como telón de fondo, si no como símbolo, de su "preocupación por el declive de Estados Unidos", según los historiadores del cine Scott y Barbara Siegel . [41] Lumet se sintió atraído por las historias relacionadas con el crimen en entornos urbanos de la ciudad de Nueva York, donde los delincuentes quedan atrapados en un vórtice de eventos que no pueden comprender ni controlar, pero que se ven obligados a resolver. [17]
Al igual que otros directores judíos de Nueva York como Woody Allen , Mel Brooks y Paul Mazursky , los personajes de Lumet a menudo hablaban abiertamente sobre temas controvertidos de la época. Se sentían libres como cineastas y su arte quedó "filtrado a través de su conciencia judía", escribió el historiador de cine David Desser . Lumet, como los demás, a veces recurrió a temas judíos para desarrollar sensibilidades étnicas que eran características de la cultura estadounidense, [42] : 3 resaltando dinámicamente sus "tensiones únicas y diversidad cultural". Esto se reflejó en parte en la preocupación de Lumet por la vida urbana. [42] : 6 Su película A Stranger Among Us (1992), por ejemplo, es la historia de una mujer policía encubierta y sus experiencias en una comunidad jasídica dentro de la ciudad de Nueva York.
El tema de la "culpabilidad", explica Desser, domina muchas de las películas de Lumet. Desde su primer largometraje, 12 Angry Men (1957), en el que un jurado debe decidir la culpabilidad o inocencia de un joven, hasta Q&A (1990), en el que un abogado debe determinar la cuestión de la culpabilidad y responsabilidad por parte de Como policía inconformista, la culpa es un hilo conductor que recorre muchas de sus películas. En una película como Asesinato en el Orient Express (1974), todos los sospechosos son culpables. [42] : 172
Sus películas también se caracterizaron por un fuerte énfasis en la vida familiar, mostrando a menudo tensiones dentro de la familia. [42] : 172 Este énfasis en la familia incluía "familias sustitutas", como en la trilogía policial compuesta por Serpico (1973), Príncipe de la ciudad (1981) y Preguntas y respuestas . Una "familia no tradicional" también se retrata en Tarde de perros (1975). [42] : 172
Sidney fue un cineasta visionario cuyas películas dejaron una huella indeleble en nuestra cultura popular con sus conmovedores comentarios sobre nuestra sociedad. Las generaciones futuras de cineastas buscarán en el trabajo de Sidney guía e inspiración, pero nunca habrá otro que se acerque a él.
—compositor Quincy Jones [43]
Lumet siempre había preferido el naturalismo o el realismo, según Joanna Rapf. No le gustaba el "look de decorador", donde la cámara podía llamar la atención. Editó sus películas para que la cámara pasara desapercibida. Su director de fotografía Ron Fortunato dijo que "Sidney se vuelve loco si ve una mirada demasiado artística". A Lumet no le gustaba CinemaScope y nunca filmó en una relación de aspecto superior a 1,85:1.
En parte porque estaba dispuesto y era capaz de abordar tantas cuestiones y problemas sociales importantes, logró actuaciones sólidas de los actores principales con un excelente trabajo de los actores de carácter. Es "una de las figuras incondicionales del cine de Nueva York. Se apega a los buenos guiones, cuando los recibe", dijo el crítico David Thomson. [31] Aunque los críticos dieron diferentes opiniones sobre sus películas, en general la obra de Lumet se tiene en alta estima. [12] La mayoría de los críticos lo han descrito como un director sensible e inteligente, con buen gusto, el coraje de experimentar con su estilo y un "don para manejar a los actores". [12]
En una cita de su libro, Lumet enfatizó la logística de la dirección:
Alguien me preguntó una vez cómo era hacer una película. Dije que era como hacer un mosaico. Cada configuración es como un pequeño mosaico (una configuración, el componente básico de la producción de una película, consta de una posición de cámara y su iluminación asociada). Lo coloreas, le das forma, lo pules lo mejor que puedes. Harás seiscientos o setecientos de estos, tal vez mil. (Fácilmente puede haber tantas configuraciones en una película). Luego, literalmente, las pegas juntas y esperas que sea lo que te propusiste hacer. [44]
El crítico Justin Chang añade que la habilidad de Lumet como director y en el desarrollo de historias sólidas continuó hasta su última película en 2007, y escribe sobre su "ágil contacto con los artistas, su capacidad para extraer una gran calidez y humor picante con una mano y convencerlos". hacia extremos de emoción cada vez más oscuros y angustiados con el otro, se mostró gratificante en su última película titulada irónicamente, Antes de que el diablo sepa que estás muerto " . [45] [46]
En una entrevista con la revista New York , dijo que espera ver más directores de diferentes orígenes étnicos y comunidades contando sus historias. "Sabes, comencé a hacer películas sobre judíos, italianos e irlandeses porque no sabía nada más". [47]
Lumet estuvo casado cuatro veces; Los primeros tres matrimonios terminaron en divorcio. Estuvo casado con la actriz Rita Gam de 1949 a 1955; [16] a la artista y heredera Gloria Vanderbilt de 1956 a 1963; a Gail Jones (hija de Lena Horne ) de 1963 a 1978; y a Mary Bailey Gimbel (ex esposa de Peter Gimbel ) desde 1980 hasta su muerte. Tuvo dos hijas de Jones: Amy, que estuvo casada con PJ O'Rourke de 1990 a 1993, y la actriz y guionista Jenny , que tuvo un papel principal en su película Q&A . También escribió el guión de la película Rachel Getting Married (2008), [12] [48] , además de cocrear dos series de televisión con Alex Kurtzman , la secuela de El silencio de los corderos, Clarice , y Star Trek: Strange New Worlds .
Lumet murió a la edad de 86 años el 9 de abril de 2011, en su residencia de Manhattan a causa de un linfoma . [5] [26] Cuando se le preguntó en una entrevista de 1997 cómo quería "salir", Lumet respondió: "No pienso en eso. No soy religioso. Lo que sí sé es que no quiero hacerlo". ocupar cualquier espacio. Quémame y esparce mis cenizas sobre la Charcutería de Katz ". [49] Unos meses después de la muerte de Lumet en abril de 2011, se llevó a cabo una celebración retrospectiva de su trabajo en el Lincoln Center de Nueva York con numerosos oradores y estrellas de cine. [50] En 2015, Nancy Buirski dirigió By Sidney Lumet , un documental sobre su carrera, [51] [52] que se emitió como parte de la serie American Masters de PBS en enero de 2017. [35] [53] [54]
Según el historiador de cine Bowles, Lumet logró convertirse en un destacado cineasta dramático en parte porque "su criterio más importante [al dirigir] no es si las acciones de sus protagonistas son correctas o incorrectas, sino si sus acciones son genuinas". Y cuando esas acciones están "justificadas por la conciencia del individuo, esto da a sus héroes una fuerza y un coraje poco comunes para soportar las presiones, los abusos y las injusticias de los demás". Por lo tanto, sus películas nos han brindado continuamente al "héroe por excelencia que actúa desafiando la autoridad del grupo de pares y afirmando su propio código de valores morales". [17]
Según The Encyclopedia of Hollywood , Lumet fue uno de los cineastas más prolíficos de la era moderna, dirigiendo más de una película al año en promedio desde su debut como director en 1957. [41] Turner Classic Movies destaca su "fuerte dirección de actores" , la "narrativa vigorosa" y el "realismo social" en sus mejores obras. [16] El crítico de cine Roger Ebert lo describió como "uno de los mejores artesanos y humanitarios más cálidos entre todos los directores de cine". [55] Lumet también era conocido como un "director de actores", habiendo trabajado con los mejores durante su carrera, probablemente más que "cualquier otro director". [28] Sean Connery , que actuó en cinco de sus películas, lo consideraba uno de sus directores favoritos, y uno que tenía esa "visión". [56]
Las memorias publicadas por Lumet sobre su vida en el cine, Making Movies (1996), son "extremadamente alegres y contagiosas en su entusiasmo por el oficio de hacer cine en sí", escribe Bowles, "y contrastan marcadamente con el tono y el estilo de la mayor parte de sus Quizás la firma de Lumet como director sea su trabajo con actores y su habilidad excepcional para lograr interpretaciones de alta calidad, a veces extraordinarias, incluso de los sectores más inesperados" [17] Jake Coyle, escritor de Associated Press , está de acuerdo: " Si bien Lumet ha sido relativamente subestimado durante años, los actores han realizado constantemente algunas de sus actuaciones más memorables bajo su dirección. Desde Katharine Hepburn hasta Faye Dunaway , Henry Fonda y Paul Newman , Lumet es conocido como director de actores", [57] y para algunos, como Ali MacGraw , se le considera "el sueño de todo actor". [24]
Lumet es uno de los directores de cine más importantes de la historia del cine estadounidense y su trabajo ha dejado una huella imborrable tanto en el público como en la propia historia del cine.
— Frank Pierson,
ex presidente de la Academia de Cine [58]
Con la creencia de que las "historias convincentes y las actuaciones inolvidables de Lumet eran su punto fuerte", el director y productor Steven Spielberg describió a Lumet como "uno de los más grandes directores en la larga historia del cine". [59] Al Pacino , al enterarse de la muerte de Lumet, afirmó que con sus películas, "deja un gran legado, pero más que eso, para las personas cercanas a él, seguirá siendo el más civilizado de los humanos y el hombre más amable que he conocido". he conocido alguna vez". [59] El escritor del Boston Herald, James Verniere, observa que "en un momento en que la industria cinematográfica estadounidense está decidida a ver hasta dónde puede llegar, Sidney Lumet sigue siendo un maestro del drama estadounidense moralmente complejo". [60] Después de su muerte, sus colegas directores neoyorquinos Woody Allen y Martin Scorsese rindieron homenaje a Lumet. Allen lo llamó "el cineasta neoyorquino por excelencia", mientras que Scorsese afirmó que "nuestra visión de la ciudad se ha visto realzada y profundizada por clásicos como Serpico , Tarde de perros y, sobre todo, el notable Príncipe de la ciudad ". [43] Lumet también recibió elogios del alcalde de Nueva York, Michael Bloomberg , quien lo llamó "uno de los grandes cronistas de nuestra ciudad". [43]
No ganó un Premio de la Academia individual, aunque sí recibió un Premio Honorífico de la Academia en 2005 y 14 de sus películas fueron nominadas a varios premios Oscar, como Network , que fue nominada a 10 y ganó 4. En 2005, Lumet recibió un Premio de la Academia. Premio a la trayectoria por sus "brillantes servicios a los guionistas, artistas intérpretes o ejecutantes y al arte cinematográfico" .
Unos meses después de la muerte de Lumet en abril de 2011, el comentarista de televisión Lawrence O'Donnell transmitió un homenaje a Lumet, [62] y se llevó a cabo una celebración retrospectiva de su trabajo en el Lincoln Center de Nueva York con la aparición de numerosos oradores y estrellas de cine. [50] En octubre de 2011, la organización Human Rights First inauguró su "Premio Sidney Lumet a la Integridad en el Entretenimiento" por el programa de televisión The Good Wife, además de otorgar premios a dos activistas de Medio Oriente que habían trabajado por la libertad y la democracia. Lumet había trabajado con Human Rights First en un proyecto mediático relacionado con la representación de la tortura y los interrogatorios en la televisión. [63]
Lumet ha sido reconocido por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas por las siguientes películas:
Lumet también recibió el Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín por 12 Angry Men . Recibió cuatro nominaciones a la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes por las películas Long Day's Journey into Night (1962), The Hill (1965), The Appointment (1969) y A Stranger Among Us (1992). También recibió una nominación al León de Oro del Festival de Cine de Venecia por El príncipe de la ciudad (1981).
La clase de Lewis incluía a Herbert Berghof, Marlon Brando, Montgomery Clift, Mildred Dunnock, Tom Ewell, John Forsythe, Anne Jackson, Sidney Lumet, Kevin McCarthy, Karl Malden, EG Marshall, Patricia Neal, William Redfield, Jerome Robbins, Maureen Stapleton, Beatrice. Heterosexual, Eli Wallach y David Wayne.
