Blonde on Blonde es el séptimo álbum de estudio del cantautor estadounidense Bob Dylan , lanzado como álbum doble el 20 de junio de 1966 por Columbia Records . Las sesiones de grabación comenzaron en Nueva York en octubre de 1965 con numerosos músicos de acompañamiento, incluidos miembros de la banda de acompañamiento en vivo de Dylan, los Hawks . Aunque las sesiones continuaron hasta enero de 1966, sólo produjeron una pista que llegó al álbum final: " One of Us Must Know (Sooner or Later) ". Porsugerencia del productor Bob Johnston , Dylan, el teclista Al Kooper y el guitarrista Robbie Robertson se mudaron a losestudios de CBS en Nashville, Tennessee . Estas sesiones, aumentadas por algunos de los mejores músicos de sesión de Nashville, fueron más fructíferas y en febrero y marzo se grabaron todas las canciones restantes del álbum.
Blonde on Blonde completó la trilogía de álbumes de rock que Dylan grabó en 1965 y 1966, comenzando con Bringing It All Back Home y Highway 61 Revisited (ambos de 1965). Los críticos suelen clasificar a Blonde on Blonde como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Combinando la experiencia de los músicos de sesión de Nashville con una sensibilidad literaria modernista , se ha descrito que las canciones del álbum operan a gran escala musicalmente, mientras que presentan letras que un crítico llamó "una mezcla única de lo visionario y lo coloquial". [5] Fue uno de los primeros álbumes dobles de la música rock.
El álbum alcanzó el puesto número nueve en la lista Billboard Top LP en los EE. UU., donde finalmente obtuvo la certificación doble platino, y alcanzó el número tres en el Reino Unido. Blonde on Blonde generó dos sencillos que alcanzaron el top veinte en Estados Unidos: " Rainy Day Women #12 & 35 " y " I Want You ". Dos canciones adicionales, " Just Like a Woman " y " Visions of Johanna ", han sido nombradas entre las mejores composiciones de Dylan y aparecieron en la lista " Las 500 mejores canciones de todos los tiempos " de Rolling Stone en 2003. En 1999, la El álbum fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy y ocupó el puesto 38 en la lista de Rolling Stone de los " 500 mejores álbumes de todos los tiempos " en 2020.
Después del lanzamiento de Highway 61 Revisited en agosto de 1965, Dylan se propuso contratar una banda de gira. El guitarrista Mike Bloomfield y el teclista Al Kooper habían respaldado a Dylan en el álbum y en el controvertido debut eléctrico de Dylan en el Newport Folk Festival de 1965 . Sin embargo, Bloomfield decidió no hacer una gira con Dylan, prefiriendo permanecer con la Paul Butterfield Blues Band . [6] Después de respaldarlo en conciertos a finales de agosto y principios de septiembre, Kooper informó a Dylan que no deseaba continuar de gira con él. [7] El manager de Dylan, Albert Grossman , estaba en el proceso de establecer una agotadora agenda de conciertos que mantendría a Dylan de gira durante los siguientes nueve meses, recorriendo Estados Unidos, Australia y Europa. Dylan contactó a un grupo que actuaba como Levon and the Hawks, formado por Levon Helm de Arkansas y cuatro músicos canadienses: Robbie Robertson , Rick Danko , Richard Manuel y Garth Hudson . Se habían formado como banda en Canadá, respaldando al rockero estadounidense Ronnie Hawkins . [8] Dos personas habían recomendado encarecidamente a los Hawks a Dylan: Mary Martin, la secretaria ejecutiva de Grossman, y el cantante de blues John Hammond Jr. , hijo del productor discográfico John Hammond , que había contratado a Dylan para Columbia Records en 1961; Los Hawks habían respaldado al joven Hammond en su álbum de 1965 So Many Roads . [9]
Bob Dylan ensayó con los Hawks en Toronto el 15 de septiembre, donde estaban tocando en una residencia local en el Friar's Club, [7] y el 24 de septiembre hicieron su debut en Austin, Texas . [10] Dos semanas más tarde, animado por el éxito de su actuación en Texas, [10] Dylan llevó a los Hawks al Estudio A de Columbia Records en la ciudad de Nueva York. [11] Su tarea inmediata era grabar un sencillo exitoso como continuación de " Positively 4th Street ", pero Dylan ya estaba dando forma a su próximo álbum, el tercero de ese año respaldado por músicos de rock. [11]
El productor Bob Johnston , que había supervisado la grabación de Highway 61 Revisited , comenzó a trabajar con Dylan and the Hawks en Columbia Studio A, 799 Seventh Avenue, Nueva York, el 5 de octubre. Se concentraron en un nuevo arreglo de " Can You Please Crawl Out". Your Window? ", canción grabada durante las sesiones de Highway 61 Revisited pero no incluida en ese álbum. Se intentaron tres números más, pero ninguno llegó a ser canciones completas. Tanto el fragmentario "Jet Pilot" como "I Wanna Be Your Lover", una casi parodia de " I Wanna Be Your Man " de los Beatles , finalmente aparecieron en la retrospectiva de 1985, Biograph . También se intentaron dos tomas de "Medicine Sunday", una canción que luego evolucionó a "Temporary Like Achilles". [12]
El 30 de noviembre, los Hawks se unieron nuevamente a Dylan en el Estudio A, pero el baterista Bobby Gregg reemplazó a Levon Helm, quien se había cansado de tocar en una banda de acompañamiento y renunció. [13] Comenzaron a trabajar en una nueva composición, "Freeze Out", que luego fue retitulada " Visions of Johanna ", pero Dylan no estaba satisfecho con los resultados. Una de las grabaciones del 30 de noviembre finalmente se publicó en The Bootleg Series Vol. 7: No Direction Home: The Soundtrack en 2005. [14] En esta sesión, completaron "Can You Please Crawl Out Your Window?" La canción fue lanzada como sencillo en diciembre, pero solo alcanzó el puesto 58 en las listas estadounidenses. [13] [15]
Dylan pasó la mayor parte de diciembre en California, realizando una docena de conciertos con su banda, y luego se tomó un descanso durante la tercera semana de enero después del nacimiento de su hijo Jesse . [16] [17] El 21 de enero de 1966, regresó al Estudio A de Columbia para grabar otra composición larga, " She's Your Lover Now ", acompañado por los Hawks (esta vez con Sandy Konikoff a la batería). [18] A pesar de diecinueve tomas, la sesión no logró producir ninguna grabación completa. Dylan no volvió a intentar la canción, pero una de las tomas descartadas de la sesión del 21 de enero finalmente apareció 25 años después en The Bootleg Series Volumes 1–3 (Rare & Unreleased) 1961–1991 . [18] [19] (Aunque la canción se interrumpe al comienzo del último verso, Columbia la lanzó como la toma más completa de la sesión. [18] ) Desde 2015, esta misma toma descartada más otras tres están disponibles en The Serie pirata vol. 12: La vanguardia 1965-1966 .
Por esta época, Dylan se desilusionó por usar a los Hawks en el estudio. Grabó más material en el Estudio A el 25 de enero, respaldado por el baterista Bobby Gregg, el bajista Rick Danko (o Bill Lee ), [a 2] el guitarrista Robbie Robertson, el pianista Paul Griffin y el organista Al Kooper. [20] Se intentaron dos nuevas composiciones más: " Leopard-Skin Pill-Box Hat " y " One of Us Must Know (Tarde o temprano) ". Dylan quedó satisfecho con "One of Us Must Know"; la toma del 25 de enero fue lanzada como sencillo unas semanas después y posteriormente fue seleccionada para el álbum. [21]
El 27 de enero tuvo lugar otra sesión, esta vez con Robertson, Danko, Kooper y Gregg. Dylan y su banda volvieron a grabar "Leopard-Skin Pill-Box Hat" y "One of Us Must Know (Sooner or Later)", pero Dylan no quedó satisfecho con la interpretación grabada de ninguna de las canciones. [22] También en esta sesión Dylan intentó una interpretación aproximada de " I'll Keep It with Mine ", una canción que ya había grabado dos veces como demostración. Los músicos agregaron un respaldo tentativo en una interpretación que el biógrafo Clinton Heylin describió como "superficial". [23] La grabación se publicó finalmente en los volúmenes 1 a 3 de The Bootleg Series en 1991. [19]
La escasez de material nuevo y el lento progreso de las sesiones contribuyeron a la decisión de Dylan de cancelar tres fechas de grabación adicionales. Seis semanas después, Dylan le confió al crítico Robert Shelton : "Oh, estaba realmente deprimido. Quiero decir, en diez sesiones de grabación, hombre, no conseguimos ni una sola canción... Era la banda. Pero ya ves, no lo hice". "No lo sé. No quería pensar eso". [24]
Al reconocer el descontento de Dylan con el progreso de las grabaciones, el productor Bob Johnston sugirió trasladar las sesiones a Nashville . Johnston vivía allí y tenía una amplia experiencia trabajando con músicos de sesión de Nashville. Recordó cómo el manager de Dylan, Albert Grossman, se mostró hostil a la idea: "Grossman se me acercó y me dijo: 'Si alguna vez vuelves a mencionarle Nashville a Dylan, te marcharás'. Le dije: '¿Qué quieres decir?' Él dijo: 'Ya me escuchaste. Tenemos algo que hacer aquí'". [25] A pesar de la oposición de Grossman, Dylan aceptó la sugerencia de Johnston y se hicieron los preparativos para grabar el álbum en el A Studio de Columbia en Music Row de Nashville en febrero de 1966. [26]
Además de Kooper y Robertson, que acompañaron a Dylan desde Nueva York, Johnston reclutó al armonicista, guitarrista y bajista Charlie McCoy , al guitarrista Wayne Moss , al guitarrista y bajista Joe South y al baterista Kenny Buttrey . A petición de Dylan, Johnston quitó los deflectores, particiones que separaban a los músicos para que hubiera "un ambiente adecuado para un conjunto". [27] Buttrey atribuyó el sonido distintivo del álbum a la reorganización del estudio por parte de Johnston, "como si estuviéramos en un escenario estrecho, en lugar de tocar en una gran sala donde estás a noventa millas de distancia". [27] Dylan hizo instalar un piano en su habitación de hotel de Nashville que Kooper tocaba para ayudar a Dylan a escribir letras. Luego, Kooper enseñaba las melodías a los músicos antes de que Dylan llegara a las sesiones. [28]
En la primera sesión de Nashville, el 14 de febrero, Dylan grabó con éxito "Visions of Johanna", lo que había intentado varias veces en Nueva York. También se grabó una toma de " 4th Time Around " que llegó al álbum y una toma de "Leopard-Skin Pill-Box Hat" que no. [29]
El 15 de febrero la sesión comenzó a las 6 de la tarde, pero Dylan simplemente se sentó en el estudio a trabajar en sus letras mientras los músicos jugaban a las cartas, dormían la siesta y charlaban. Finalmente, a las 4 de la mañana, Dylan llamó a los músicos y les describió la estructura de la canción. [29] Dylan contó y los músicos se unieron mientras intentaba su composición épica " Sad Eyed Lady of the Lowlands ". Kenny Buttrey recordó: "Si te fijas en ese disco, esa cosa después del segundo estribillo comienza a construirse y construirse como loco, y todo el mundo está subiendo el volumen porque pensamos: Hombre, esto es todo... Este será el último". estribillo y tenemos que poner todo lo que podamos en él. Y tocó otro solo de armónica y volvió a bajar a otro verso y la dinámica tuvo que volver a bajar a una sensación de verso... Después de unos diez minutos de esto Nos estamos riendo unos a otros por lo que estábamos haciendo. Quiero decir, alcanzamos nuestro punto máximo hace cinco minutos. ¿A dónde vamos a partir de ahora? [30] La canción terminada duró 11 minutos, 23 segundos y ocuparía toda la cuarta cara del álbum. [29]
La siguiente sesión comenzó de manera similar: Dylan pasó la tarde escribiendo letras y la sesión continuó hasta las primeras horas del 17 de febrero, cuando los músicos comenzaron a grabar " Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again ". Después de varias revisiones musicales y comienzos en falso, la decimocuarta toma fue la versión seleccionada para el álbum. [31]
La mayoría de los relatos sobre la grabación de Blonde on Blonde , incluidos los de los estudiosos de Dylan Clinton Heylin y Michael Gray , coinciden en que hubo dos bloques de sesiones de grabación: del 14 al 17 de febrero y del 8 al 10 de marzo de 1966. [32] [33] Esta cronología es basado en los registros y archivos mantenidos por Columbia Records. [31] [un 3]
Dylan and the Hawks realizaron conciertos en Ottawa, Montreal y Filadelfia en febrero y marzo, [33] y luego Dylan reanudó la grabación en Nashville el 8 de marzo. En esa fecha, Dylan y los músicos grabaron la toma de " Absolutely Sweet Marie " que Dylan seleccionado para el álbum. El historiador Sean Wilentz observó que "con el sonido de 'Sweet Marie', Blonde on Blonde entró total y sublime en lo que ahora se considera rock and roll clásico". [4] El mismo día se produjeron las exitosas tomas de " Just Like a Woman " y " Pledge My Time ", esta última "impulsada por la guitarra estridente de Robertson". [4]
Según Wilentz, la sesión de grabación final, del 9 al 10 de marzo, produjo seis canciones en 13 horas de estudio. [4] El primer tema que se grabó a satisfacción de Dylan fue " Most Likely You Go Your Way and I'll Go Mine ", cuando McCoy reforzó en la trompeta una frase musical que Dylan tocaba en su armónica, cambiando radicalmente el sonido de la canción. [4] Dylan y su banda grabaron rápidamente "Temporary Like Achilles". La atmósfera de la sesión comenzó a "volverse vertiginosa" alrededor de la medianoche cuando Dylan interpretó "Rainy Day Women #12 & 35" en el piano. [4] Johnston recordó haber comentado; "Eso suena como la maldita banda del Ejército de Salvación ". Dylan respondió; "¿Puedes conseguir uno?" [34] Johnston luego llamó por teléfono al trombonista Wayne Butler, el único músico adicional requerido, y Dylan y la banda, con McCoy nuevamente a la trompeta, tocaron una versión animada de la canción. [34]
En rápida sucesión, Dylan y los músicos grabaron " Obviamente 5 creyentes " y una toma final de "Leopard-Skin Pill-Box Hat" con la guitarra solista de Robertson. [4] La sesión concluyó con " I Want You " en el que, como señala Wilentz, "las rápidas semicorcheas de Wayne Moss en la guitarra" son un elemento impresionante de la grabación. [4]
Al Kooper, que tocó los teclados en todos los temas de Blonde on Blonde , ha cuestionado la versión convencional de que hubo dos bloques de sesiones de grabación en Nashville. En comentarios en el sitio web de Michael Gray, Kooper escribió: "Sólo hubo UN viaje a Nashville para Robbie y para mí, y TODAS LAS PISTAS fueron cortadas en esa visita", afirmando que Dylan simplemente hizo una pausa para un concierto excepcional. Charlie McCoy estuvo de acuerdo con la versión de Kooper. [35] Wilentz analizó la grabación de Blonde on Blonde en su libro Bob Dylan in America , y concluyó que la versión documentada "oficial" se ajusta al calendario de giras conocido de Dylan, y señala que cinco de las ocho canciones grabadas por primera vez después de "Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again", pero ninguno de los grabados anteriormente incluye una sección en el medio ocho : la primera incursión extensa de Dylan como escritor en esa estructura convencional". [31]
Dylan mezcló el álbum en Los Ángeles a principios de abril, antes de partir a la etapa australiana de su gira mundial de 1966 . [4] [36] Wilentz escribe que fue en este punto que se hizo "obvio que la riqueza de las sesiones de Nashville no cabía en un solo LP ", [4] y que habían "producido suficiente material sólido para exigir una configuración extraña". álbum doble , primero de su tipo en la música popular contemporánea". [31] Según el productor Steve Berkowitz, quien supervisó la reedición de los LP de Dylan en mono como The Original Mono Recordings en 2010, Johnston le dijo que trabajaron cuidadosamente en la mezcla mono durante unos tres o cuatro días, mientras que la mezcla estéreo se terminó en cerca de cuatro horas. [un 4]
Según el autor Andy Gill, al comenzar su nuevo álbum con lo que sonaba como "una banda de música demente... compuesta por gente loca enloquecida por la hierba loco", Dylan causó su mayor sorpresa hasta el momento para sus antiguos fans del folk. [38] Los elaborados juegos de palabras sobre drogarse combinan una sensación de persecución paranoica con un "hedonismo bohemio de empujón, guiño, guiño". [38] Heylin señala que las connotaciones del Antiguo Testamento sobre drogarse hicieron que el acompañamiento musical al estilo del Ejército de Salvación pareciera una buena broma. El enigmático título surgió, sugiere Heylin, porque Dylan sabía que una canción llamada "Everybody Must Get Stoned" se mantendría fuera de las ondas. Heylin vincula el título al Libro de los Proverbios , capítulo 27, versículo 15: "La gota continua en un día muy lluvioso y la mujer contenciosa son iguales". [39] Lanzado como sencillo el 22 de marzo de 1966, [40] "Rainy Day Women" alcanzó el número dos en la lista de sencillos de Billboard [41] y el número siete en el Reino Unido. [38] [42]
Siguiendo la diversión de "Rainy Day Women #12 & 35", "Pledging My Time", influenciada por el blues de Chicago, establece el tono sombrío del álbum. [43] [44] Se basa en varias canciones de blues tradicionales, incluida la grabación de Elmore James de " It Hurts Me Too ". [45] Para el crítico Michael Gray , las líneas "Alguien tuvo suerte pero fue un accidente" hacen eco de las líneas "Algún bromista tuvo suerte y se la robó de nuevo" de " Come On in My Kitchen " de Robert Johnson , que en sí misma es un eco de la grabación de Skip James de 1931 "Devil Got My Woman". Gray sugiere que "los movimientos de las frases melódicas" derivan de la melodía de " Sentado en la cima del mundo ", grabada por los jeques de Mississippi en 1930. [46] El pareado al final de cada verso expresa el tema: un promesa hecha a un posible amante con la esperanza de que ella "también lo cumpla". [43] [47] Además de la voz de Dylan y los cortes de armónica improvisados, el sonido de la canción está definido por la guitarra de Robbie Robertson, el piano de blues de Hargus "Pig" Robbins y los redobles de tambores de Ken Buttrey. [4] [48] La canción fue lanzada en forma editada como la cara B de "Rainy Day Women #12 & 35" en marzo. [40]
Considerada por muchos críticos una de las obras maestras de Dylan, [13] [50] [51] "Visions of Johanna" resultó difícil de capturar en cinta. Heylin sitúa la escritura en el otoño de 1965, cuando Dylan vivía en el Hotel Chelsea con su esposa Sara . [51] En el estudio de grabación de Nueva York, el 30 de noviembre, Dylan anunció su composición épica: "Esto se llama 'Freeze Out'". [13] Gill señala que este título provisional captura el "aire de suspensión nocturna en el que se esbozan los cuadros en verso... llenos de susurros y murmullos". [50] Wilentz relata cómo Dylan guió a sus músicos de acompañamiento a través de 14 tomas, tratando de esbozar cómo quería que se tocara, diciendo en un momento: "no es hard rock, lo único que es difícil es Robbie". [13] Wilentz señala que, a medida que Dylan calma las cosas, se acerca cada vez más a lo que aparecerá en el álbum. [13]
Diez semanas después, "Visions of Johanna" encajó rápidamente en el estudio de Nashville. Kooper recordó que él y Robertson se habían vuelto expertos en responder a la voz de Dylan y también destacó la contribución de Joe South de "esta parte de bajo palpitante ... rítmicamente asombrosa". [50] Gill comenta que la canción comienza contrastando a dos amantes, la carnal Louise y "la más espiritual pero inalcanzable" Johanna. En última instancia, para Gill, la canción busca transmitir cómo el artista se ve obligado a seguir esforzándose por alcanzar una visión esquiva de la perfección. [50] Para Heylin, el triunfo de la canción está en "la forma en que Dylan logra escribir sobre los sentimientos más incipientes de una manera tan vívida e inmediata". [51]
Cuando Dylan llegó al estudio el 25 de enero de 1966, todavía tenía que elaborar la letra y el título de lo que se convertiría en el tema final de la primera cara de Blonde on Blonde . [21] [52] [53] Con Dylan reconstruyendo las secciones de la canción, y el estribillo que le da título a la canción solo apareciendo en la toma cinco, la sesión se prolongó durante toda la noche y hasta la mañana siguiente. [53] Sólo en la toma 15 se grabó una versión completa. Dylan y la banda persistieron hasta que grabaron la toma 24, que cerró la sesión y se incluyó en el álbum cuatro meses después. [54] El crítico Jonathan Singer le da crédito al piano de Griffin por unir la canción: "En el coro, Griffin desata una sinfonía; martillando hacia arriba y hacia abajo en el teclado, mitad Gershwin , mitad gospel, todo corazón. La continuación, un asesino La figura de la mano izquierda que vincula el estribillo con el verso no libera nada de la tensión de la canción". [55]
"One of Us Must Know" es un relato sencillo de una relación agotada. [53] Al analizar lo que salió mal, el narrador adopta una actitud defensiva en una conversación unilateral con su ex amante. [56] [57] Al presentar su caso en el verso inicial, parece incapaz de reconocer su parte o limitar el abuso: "No quise tratarte tan mal. No tienes que soportarlo. "Es tan personal. No quise ponerte tan triste. Simplemente estabas allí, eso es todo". [56] [58] "One of Us Must Know" fue la primera grabación completada para Blonde on Blonde y la única seleccionada de las sesiones de Nueva York. [56] La canción fue lanzada como el primer sencillo del álbum el 14 de febrero, el mismo día que Dylan comenzó a grabar en Nashville. [20] No apareció en las listas estadounidenses, pero alcanzó el puesto 33 en el Reino Unido. [42] [57]
Andy Gill señala que la canción muestra una tensión entre el tono muy directo del estribillo, la frase repetida "I want you" y un elenco de personajes extraño y complejo, "demasiado numerosos para habitar cómodamente los tres minutos de la canción", incluido un un enterrador culpable, un organillero solitario, padres y madres llorosos, salvadores dormidos, la dama de picas y el "niño bailarín con su traje chino". [59] [60] [a 5] Al analizar la evolución de la letra a través de borradores sucesivos, Wilentz escribe que hay numerosos fracasos, "sobre diputados que le preguntan su nombre... líneas sobre padres que bajan abrazándose y sobre sus hijas poniéndose derribarlo porque no es su hermano". Finalmente Dylan llega a la fórmula correcta. [4]
Heylin señala que la "hermosa" melodía ilustra lo que Dylan le explicó a un periodista en 1966: "No se trata sólo de palabras bonitas para una melodía o de poner melodías a las palabras... [Son] las palabras y la música [juntas]; puedo escucha el sonido de lo que quiero decir." [61] Al Kooper ha dicho que de todas las canciones que Dylan le describió en su hotel, esta era su favorita, por lo que Dylan retrasó su grabación hasta el final de las sesiones de Nashville, "sólo para molestarlo". [4] Lanzado como sencillo el 10 de junio de 1966, [62] poco antes del álbum, "I Want You" alcanzó el número 20 en los EE. UU. [41] y el número 16 en el Reino Unido. [42]
Grabada en la tercera sesión de Nashville, esta canción fue la culminación de otra epopeya de escritura y grabación simultáneas en el estudio. Heylin llama a esta canción "una obra maestra de primer orden". Wilentz describe cómo la letra evolucionó a través de una página manuscrita en parte mecanografiada y en parte manuscrita, "que comienza con 'cariño, pero es demasiado difícil' (una línea que había sobrevivido desde la primera sesión de Nueva York con los Hawks). Luego, la las palabras serpentean a través de combinaciones aleatorias y fragmentos e imágenes desconectadas ('la gente se vuelve más fea'; 'ojos de banjo'; 'llevaba una 22 pero fue solo un disparo'), antes, de la propia mano de Dylan, en medio de muchos cruces- afuera, aparece 'Oh MAMA, estás aquí EN ALABAMA MÓVIL con el blues de Memphis otra vez'". [63]
Dentro del estudio, la canción evolucionó a través de varias revisiones musicales. Heylin escribe: "Es el arreglo de la canción, y no su letra, lo que ocupa a los músicos hasta altas horas de la madrugada". [64] En la quinta toma, lanzada en 2005 en No Direction Home Soundtrack , a mitad de la toma Dylan tropieza con la fórmula "Stuck inside of Mobile" en el cuarto verso, y nunca regresa. [64] La canción contiene dos piezas de la filosofía de Dylan citadas con frecuencia: "Tu debutante simplemente sabe lo que necesitas/ Pero yo sé lo que quieres" y "Aquí estoy sentado con tanta paciencia/ Esperando saber qué precio/ Tienes que pagar". salir de/Pasar por todas estas cosas dos veces". [sesenta y cinco]
"Leopard-Skin Pill-Box Hat" es una sátira del materialismo , la moda y la moda. [66] [67] Realizada en estilo blues de Chicago, la canción deriva su melodía y parte de su letra de " Automobile (Blues) " de Lightnin' Hopkins . [68] [69] Paul Williams escribe que su actitud cáustica se "modera ligeramente cuando uno se da cuenta de que el resentimiento por los celos es la emoción subyacente". [70] El narrador observa a su ex amante en diversas situaciones usando su "nuevo sombrero tipo pastillero de piel de leopardo ", en un momento encontrando a su médico con ella y luego espiándola haciendo el amor con un nuevo novio porque "se olvidó de cerrar". la puerta del garaje". En las últimas líneas, el narrador dice que sabe por qué la ama realmente su novio: su sombrero. [71]
La canción evolucionó a lo largo de seis tomas en Nueva York, 13 en la primera sesión de Nashville y luego una el 10 de marzo, la toma utilizada para el álbum. [72] Dylan, quien recibe crédito en las notas como guitarrista principal, abre la canción tocando el solista (en el canal estéreo central derecho), pero Robertson maneja los solos con una interpretación "abrasadora" (en el canal estéreo izquierdo). [4] [66] Un año después de la grabación, "Leopard-Skin Pill-Box Hat" se convirtió en el quinto sencillo lanzado de Blonde on Blonde , llegando al número 81 en el Billboard Hot 100 . [66] [67]
Según el análisis de Wilentz de las cintas de la sesión, Dylan se abrió camino hacia la letra de una de sus canciones más populares, cantando "líneas desconectadas y semi-galimatías" durante las primeras tomas. No estaba seguro de qué hace la persona descrita en la canción que es como una mujer, rechazando "sacudidas", "despertando" y "cometiendo errores". [4] Se rumoreaba ampliamente que esta exploración de las artimañas femeninas y la vulnerabilidad femenina—"sobre todo entre sus conocidos del séquito de Andy Warhol "—era sobre Edie Sedgwick . [73] La referencia a la inclinación de Baby por la "niebla... anfetamina y... perlas" sugiere a Sedgwick o un debutante similar, según Heylin. [74]
Al analizar la letra, el crítico literario Christopher Ricks detecta una "nota de exclusión social" en la frase "Tenía hambre y era tu mundo". [75] En respuesta a la acusación de que la descripción que hace Dylan de las estrategias femeninas es misógina, Ricks pregunta: "¿Podría haber algún arte desafiante sobre hombres y mujeres en el que la acusación simplemente no surgiera?" [76] La canción alcanzó el puesto 33 en Estados Unidos. [41]
Un "stomper" de blues brillante sobre la separación de amantes, "Most Likely You Go Your Way And I'll Go Mine" es una de las canciones más literales que Dylan grabó en 1965-1966. [77] [78] El narrador se ha cansado de cargar con su amante y va a dejarla "pasar". [77] [79] Como en "Just Like a Woman" y "Absolutely Sweet Marie", espera hasta el final de cada verso para pronunciar el chiste, que en este caso proviene del título. [80] "Most Likely You Go Your Way" se publicó como sencillo un año después, en marzo de 1967, en la cara B de "Leopard-Skin Pill-Box Hat". [81]
Este número de blues de movimiento lento se destaca por el "piano oscuro de barril" de Hargus "Pig" Robbins [4] y el "breve resoplido de armónica" de Dylan. [77] El narrador ha sido rechazado por su amante, quien ya ha comenzado con su último novio. [78] [82] Llamando a su rival " Aquiles ", el narrador siente que el nuevo pretendiente puede ser descartado tan rápidamente como él. [77] [82] El estribillo que termina cada uno de los versos principales: "Cariño, ¿por qué eres tan duro?", Es un doble sentido que Dylan había querido incorporar en una canción. [77] [83] [84]
Esta canción, descrita como "blues shuffle acelerado, puro Memphis " [78] y un ejemplo de "obvia sensibilidad pop y melodía compulsiva", fue grabada en cuatro tomas el 7 de marzo de 1966. [85] Gill ve la letra como una serie de metáforas sexuales, que incluyen "tocar mi trompeta" y llaves para puertas cerradas, muchas de ellas derivadas del blues tradicional. [86] No obstante, la canción contiene lo que se ha denominado "una de las lecciones de vida de Dylan más repetidas", que "para vivir fuera de la ley debes ser honesto", que luego fue invocada en muchos contextos bohemios y contraculturales . [86]
Cuando los Beatles lanzaron su sexto álbum de estudio, Rubber Soul , en diciembre de 1965, la canción " Norwegian Wood " de John Lennon llamó la atención por la forma en que Lennon disfrazó su relato de una aventura ilícita en un lenguaje críptico y dylanesco. [87] Dylan esbozó una respuesta a la canción, también en 3/4, copiando la melodía y la estructura circular, pero llevando la historia de Lennon en una dirección más oscura. [87] Wilentz describe el resultado como "como si Bob Dylan se hiciera pasar por John Lennon y se hiciera pasar por Bob Dylan". [29]
"Obviously 5 Believers", la penúltima pista de Blonde on Blonde, es una canción de amor de blues de carretera similar en melodía y estructura a " Chauffeur Blues " de Memphis Minnie , [90] y fue descrita por Robert Shelton como " la mejor canción de R&B del álbum". [91] Grabada en las primeras horas de la mañana de la sesión de Nashville del 9 al 10 de marzo bajo el título provisional "Black Dog Blues", la canción está impulsada por la guitarra de Robertson, la armónica de Charlie McCoy y la batería de Ken Buttrey . [4] [92] [93] Después de un colapso inicial, Dylan se quejó a la banda de que la canción era "muy fácil, hombre" y que no quería dedicarle mucho tiempo. [4] [93] En cuatro tomas, se realizó la grabación. [4]
Escrito en el estudio de grabación de la CBS en Nashville [94] durante ocho horas en la noche del 15 al 16 de febrero, "Sad Eyed Lady" finalmente ocupó toda la cara cuatro de Blonde On Blonde . [29] Los críticos han observado que "Lowlands" insinúa "Lownds", y el biógrafo de Dylan, Robert Shelton , escribió que se trataba de una "canción de boda" para Sara Lownds , con quien Dylan se había casado apenas tres meses antes. [91] [a 6] En su himno a su esposa, " Sara ", escrito en 1975, Dylan modifica ligeramente la historia para afirmar que permaneció "despierto durante días en el hotel Chelsea/escribiendo 'La dama de ojos tristes de las tierras bajas'. ' para ti". [88] [95]
Cuando Dylan le tocó la canción a Shelton, poco después de grabarla, afirmó: "Esta es la mejor canción que he escrito". [96] Casi al mismo tiempo, Dylan le dijo entusiasmado al periodista Jules Siegel : "¡Solo escucha eso! ¡Esa es música religiosa de carnaval de antaño!" [97] Pero en 1969, Dylan le dijo al editor de Rolling Stone, Jann Wenner , "Simplemente me senté en una mesa y comencé a escribir... Y me dejé llevar por todo el asunto... Simplemente comencé a escribir y no pude". No me detengo. Después de un tiempo, olvidé de qué se trataba y comencé a intentar volver al principio [ risas ]". [98]
Escuchado por algunos oyentes como un himno a una mujer de otro mundo, [37] para Shelton "sus tribulaciones parecen más allá de lo soportable, sin embargo, irradia una fuerza interior, una capacidad de renacer. Este es Dylan en su forma más romántica". [91] Wilentz comenta que la escritura de Dylan había cambiado desde los días en que hacía preguntas y proporcionaba respuestas. Al igual que los versos de " The Tyger " de William Blake , Dylan hace una serie de preguntas sobre "Sad Eyed Lady" pero nunca proporciona ninguna respuesta. [99]
Las siguientes tomas descartadas se grabaron durante las sesiones de Blonde on Blonde .
En 2015, Dylan lanzó el volumen 12 de su serie Bootleg, The Cutting Edge , en tres formatos diferentes. Se describió que la edición de coleccionista de 18 discos incluía "cada nota grabada durante las sesiones de 1965-1966, cada toma alternativa y letra alternativa". [104] Los 18 CD contienen todas las tomas de cada canción grabada en el estudio durante las sesiones de Blonde on Blonde , del 5 de octubre de 1965 al 10 de marzo de 1966. [54]
Las sesiones de Nueva York comprenden: dos tomas de "Medicine Sunday", una toma de "Jet Pilot", doce tomas de "Can You Please Crawl Out Your Window?", siete tomas de "I Wanna Be Your Lover", catorce tomas de "Visions of Johanna", dieciséis tomas de "She's Your Lover Now", cuatro tomas de "Leopard-Skin Pill-Box Hat", veinticuatro tomas de "One of Us Must Know (Tarde o temprano)", una toma de "Lo guardaré con el mío" y una toma de "Lunatic Princess". [54]
Las sesiones de Nashville comprenden 20 tomas de "Fourth Time Around", cuatro de "Visions of Johanna", 14 de "Leopard-Skin Pill-Box Hat", cuatro de "Sad-Eyed Lady of the Lowlands", 15 de "Stuck Inside". de Mobile con Memphis Blues Again", tres de "Absolutely Sweet Marie", 18 de "Just Like a Woman", tres de "Pledging My Time", seis de "Most Likely You Go Your Way (And I'll Go Mine" )", cuatro de "Temporary Like Achilles", cuatro de "Obviously Five Believers", cinco de "I Want You" y uno de "Rainy Day Women #12 & 35". [54] Los 18 CD también contienen breves grabaciones de inserciones de guitarra y teclado. [54]
Al describir el proceso de escuchar todas estas versiones alternativas, Neil McCormick escribió: " The Cutting Edge permite a los fans ser testigos de quizás la explosión de lenguaje y sonido más sorprendente en la historia del rock, un nuevo enfoque de la canción que se está forjando ante nuestros propios oídos. " [105]
Al Kooper recordó que tanto el título del álbum, Blonde on Blonde , como los títulos de las canciones llegaron durante las sesiones de mezcla. "Cuando lo estaban mezclando, estábamos sentados y Bob Johnston entró y dijo: '¿Cómo quieres llamar esto?' Y [Bob] simplemente las dijo una a la vez... La libre asociación y la tontería, estoy seguro, jugaron un papel importante". [106] El propio Dylan ha dicho sobre el título: "Bueno, ni siquiera recuerdo exactamente cómo surgió, pero sé que todo fue de buena fe... No sé quién pensó en eso. Ciertamente no." [107]
Se han propuesto varias explicaciones en un intento de arrojar luz sobre la identidad o el significado de las rubias superpuestas en el título. Dos de estas explicaciones son contemporáneas del álbum y conducen a personalidades del entorno de Dylan en ese momento. A Edie Sedgwick , en primer lugar, una celebridad efímera del underground neoyorquino de mediados de los años 1960, de pelo rubio y tez pálida. [a 7] Luego a Brian Jones y la pareja rubia que el fundador de los Rolling Stones formó con la actriz Anita Pallenberg . [un 8]
Desde la publicación de las Crónicas autobiográficas de Dylan en 2004, ha tomado forma otra hipótesis: que Blonde on Blonde es un homenaje a Brecht on Brecht , una interpretación musical de las canciones de Bertolt Brecht a la que Dylan asistió en 1963 y que tuvo un profundo efecto en él. . Además de esta analogía, se ha vuelto clásico señalar que las iniciales del título reproducen el nombre de pila de Dylan, a modo de guiño. Oliver Trager, por ejemplo, en 2004: "Su título es al menos un riff de Brecht sobre Brecht , un toque bastante literario para el rock 'n' roll de la época. Y no olvidemos que la primera letra de cada palabra del título Forme un anagrama [ sic , acrónimo] que deletree la palabra 'Bob'". [108]
En 2012, se adoptó otra teoría en el libro de David Dalton ¿Quién es ese hombre? En busca del verdadero Bob Dylan . Dalton escribe que "el título del álbum en sí tiene un doble sentido que se refiere al interminable harén de una estrella de rock, así como al cuadro constructivista de Kazimir Malevich , White Square on White . Arte de vanguardia intercalado entre rubias en serie" [109] ( la pintura en realidad se titula Composición suprematista: blanco sobre blanco ).
Una nueva interpretación apareció en un ensayo francés publicado en 2021. Según Like a Rolling Stone Revisited: Une relecture de Dylan [Una relectura de Dylan] de Jean-Michel Buizard, el título hace referencia a dos guitarras que juntas forman el corazón musical. del álbum, dos guitarras de madera clara y beige, "rubias" en el uso inglés -como la Gibson Nick Lucas Special y la Fender acústica que Robertson y Dylan tocan cara a cara en una escena de 1966 del documental Eat the Document : "dos guitarras del mismo color jugando entre sí, línea melódica sobre línea rítmica, rubio sobre rubio." [110] Esta interpretación se basa esencialmente en dos ideas extraídas de las letras de Dylan. Por un lado, entender que, en sus canciones más importantes y enigmáticas del periodo 1965-1966, Dylan nunca deja de hablar de su música y, con ella, de su lugar en la historia del blues. Por otro lado, el descubrimiento de que toda una troupe de famosos bluesmen, modernos o antiguos, desfilan por esas mismas canciones, cada uno de ellos acompañado de su guitarra disfrazada de forma personificada o metafórica.
La foto de portada de Blonde on Blonde muestra un retrato en primer plano de Dylan de 30 x 30 cm. La portada plegable del álbum doble se abre para formar una fotografía del artista de 12 por 26 pulgadas, de tres cuartos de largo. El nombre del artista y el título del álbum sólo aparecen en el lomo. Se aplicó una pegatina al envoltorio retráctil para promocionar los dos exitosos sencillos del lanzamiento, "I Want You" y "Rainy Day Women #12 & 35". [108] [111]
La portada muestra a Dylan frente a un edificio de ladrillos, vistiendo una chaqueta de gamuza y una bufanda a cuadros blancos y negros. La chaqueta es la misma que usó en sus dos siguientes álbumes, John Wesley Harding y Nashville Skyline . [112] El fotógrafo, Jerry Schatzberg , describió cómo se tomó la foto:
Quería encontrar una ubicación interesante fuera del estudio. Nos dirigimos al lado oeste, donde ahora se encuentran las galerías de arte de Chelsea. En aquel momento era el distrito frigorífico de Nueva York y me gustaba su aspecto. Hacía mucho frío y teníamos mucho frío. El encuadre que eligió para la portada está borroso y desenfocado. Por supuesto, todos intentaban interpretar el significado, diciendo que debía representar drogarse en un viaje con LSD . No fue nada de lo anterior; Simplemente teníamos frío y los dos estábamos temblando. Había otras imágenes nítidas y enfocadas pero, hay que reconocerlo, a Dylan le gustó esa fotografía. [113]
La investigación realizada por el historiador del rock Bob Egan sugiere que la ubicación de la foto de portada fue en 375 West Street, en el extremo oeste de Greenwich Village . [114] La portada interior original presentaba nueve fotografías en blanco y negro, todas tomadas por Schatzberg y seleccionadas para la portada por el propio Dylan. [115] Se incluyó una foto de la actriz Claudia Cardinale del portafolio de Schatzberg, pero luego se retiró porque se había utilizado sin su autorización y los representantes de Cardinale amenazaron con demandar, [115] convirtiendo la portada del disco original en una pieza de colección. [116] Dylan incluyó un autorretrato de Schatzberg como crédito al fotógrafo. [115] Las fotos, para Gill, sumadas a "un vistazo sombrío de la vida [de Dylan], incluyendo una foto enigmática de Dylan sosteniendo un pequeño retrato de una mujer en una mano y un par de alicates en la otra: todas ellas "Contribuyó al aire de genio solitario pero sibarita del álbum". [38]
Blonde on Blonde alcanzó el Top 10 en las listas de álbumes de Estados Unidos y el Reino Unido, y también generó una serie de éxitos que devolvieron a Dylan a los escalones superiores de las listas de sencillos. En agosto de 1967, el álbum fue certificado como disco de oro. [117]
Columbia lanzó una edición de sonido envolvente 5.1 de alta definición del álbum en SACD en 2003. [118]
El álbum recibió críticas generalmente favorables. Pete Johnson en Los Angeles Times escribió: "Dylan es un escritor magníficamente elocuente de canciones pop y folk con una capacidad incomparable para plasmar ideas complejas y filosofía iconoclasta en breves líneas poéticas e imágenes sorprendentes". [119] ¡ El editor de Crawdaddy! , Paul Williams , reseñó Blonde on Blonde en julio de 1966: "Es un alijo de emociones, un paquete bien manejado de excelente música y mejor poesía, mezclados y entrelazados y listos para convertirse en parte de tu realidad. Aquí hay un hombre que hablará para ti, un bardo de los años 60 con lira eléctrica y diapositivas de colores, pero un hombre sincero con ojos de rayos X por los que puedes mirar si quieres. Todo lo que tienes que hacer es escuchar." [120]
Para acompañar el cancionero de Blonde on Blonde , Paul Nelson escribió una introducción que decía: "El mismo título sugiere la singularidad y la dualidad que esperamos de Dylan. Para la música de ilusión y engaño de Dylan, con el vagabundo como explorador y el payaso como víctima feliz , donde los mayores crímenes son la falta de vida y la incapacidad de verse a uno mismo como un artista de circo en el espectáculo de la vida, siempre ha llevado consigo sus propias tensiones inherentes... Dylan, al final, ENTIENDE verdaderamente las situaciones, y una vez que uno realmente entiende algo, Ya no puede haber ira, ya no puede haber moralización, sino sólo humor y compasión, sólo lástima". [121] En mayo de 1968 para Esquire , Robert Christgau dijo que Dylan había "presentado su trabajo en su forma más involucionada, neurótica y pop, y estimulante, en Blonde on Blonde ". [122]
Rubia sobre rubia se estrenó el 20 de junio de 1966, pero durante muchos años se pensó que el 16 de mayo era la fecha correcta. [123] Michael Gray, autor de The Bob Dylan Encyclopedia , había sostenido que la fecha de lanzamiento era en realidad alrededor de finales de junio o principios de julio. [32] Esto coincide con la promoción del álbum en Billboard , que incluyó un anuncio de Columbia de página completa el 25 de junio, [124] seleccionó el álbum como "Nuevo LP de acción" el 9 de julio, [125] y publicó una reseña y un artículo. el 16 de julio. [111] En 2017, después de ver una base de datos de Sony sobre lanzamientos de álbumes, Heylin descubrió que la fecha de lanzamiento era, de hecho, el 20 de junio. [126] Esto está respaldado por el hecho de que se realizó una sobregrabación de "Fourth Time Around". registrado en junio. [123]
El álbum debutó en la lista de mejores LP de Billboard el 23 de julio en el puesto 101 [127] , sólo seis días antes de que el accidente de motocicleta de Dylan en Woodstock lo sacara de la vista del público. [128] Por el contrario, otro LP contemporáneo que tiene una fecha de lanzamiento oficial del 16 de mayo de 1966, Pet Sounds de los Beach Boys , entró en la lista de LP de Billboard menos de dos semanas después de su lanzamiento el 28 de mayo en el número 105. [129]
Blonde on Blonde ha sido descrito como el primer LP doble de estudio de rock de un artista importante, [130] [131] lanzado solo una semana antes de Freak Out! , el álbum doble de las Madres de la Invención . [132]
Doce años después de su lanzamiento, Dylan dijo: "Lo más cerca que estuve del sonido que escucho en mi mente fue en bandas individuales en el álbum Blonde on Blonde . Es ese sonido fino y salvaje de mercurio. Es metálico y dorado brillante, con lo que sea que eso evoque." [137] Para los críticos, el álbum doble fue visto como la última entrega de la trilogía de álbumes de rock de mediados de la década de 1960 de Dylan. Como escribió Janet Maslin : "Los tres álbumes de este período, Bringing It All Back Home y Highway 61 Revisited, ambos lanzados en 1965, y Blonde on Blonde de 1966, utilizaron su instrumentación eléctrica y arreglos de rock para lograr una exuberancia estrepitosa que Dylan no había logrado". acercado antes." [138] Mike Marqusee ha descrito la producción de Dylan entre finales de 1964 y el verano de 1966, cuando grabó estos tres álbumes, como "un conjunto de trabajos que sigue siendo único en la música popular". [139] Para Patrick Humphries, "el trabajo de Dylan durante el período de 14 meses... no tiene igual en los 30 años de historia del rock. En sustancia, estilo, ambición y logros, nadie se ha acercado siquiera a igualar Bringing It All". De vuelta a casa , la autopista 61 revisitada y Rubia sobre rubia ". [140] El periodista musical Gary Graff señala Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde , junto con Pet Sounds de los Beach Boys (1966), como posibles puntos de partida de la era del álbum , ya que cada uno de ellos constituía "un cuerpo de trabajo cohesivo y conceptual". en lugar de sólo algunos sencillos exitosos... con temas de relleno". [141]
El estudioso de Dylan, Michael Gray, escribió: "Haber seguido una obra maestra con otra fue el logro de la historia de Dylan aquí... Donde Highway 61 Revisited tiene a Dylan exponiendo y confrontando como un rayo láser en cirugía, descendiendo desde fuera de la enfermedad, Blonde on Blonde ofrece una persona inundada dentro del caos... Nos lanzan de canción en canción... La sensación y la música son a gran escala, y el lenguaje y la entrega son una mezcla única de lo visionario y lo coloquial". [5] El crítico Tim Riley escribió: "Una abstracción en expansión del excéntrico revisionismo del blues, Blonde on Blonde confirma la estatura de Dylan como la mayor presencia del rock estadounidense desde Elvis Presley ". [142] El biógrafo Robert Shelton vio el álbum como "una colección distintiva que completa su primer ciclo importante de rock, que comenzó con Bringing It All Back Home ". Resumiendo los logros del álbum, Shelton escribió que Blonde on Blonde "comienza con una broma y termina con un himno; en el medio, el ingenio se alterna con un tema dominante de atrapamiento por las circunstancias, el amor, la sociedad y la esperanza no realizada... Hay un matrimonio notable del expresionismo del rock funky y blues, y visiones de discontinuidad, caos, vacío, pérdida y estar 'atascado', como las de Rimbaud ". [37]
Esa sensación de cruzar fronteras culturales estaba, para Al Kooper, en el corazón de Blonde on Blonde : "[Bob Dylan] era el hipster neoyorquino por excelencia. ¿Qué estaba haciendo en Nashville? No tenía ningún sentido. Pero tú Toma esos dos elementos, viértelos en un tubo de ensayo y simplemente explotó". [38] Para Mike Marqusee, Dylan había logrado combinar material de blues tradicional con técnicas literarias modernistas : "[Dylan] tomó modismos heredados y los impulsó a una estratosfera modernista. 'Pledging My Time' y 'Obviously 5 Believers' se adhirieron a los patrones del blues. que eran venerables cuando Dylan las encontró por primera vez a mediados de los años cincuenta (ambas comienzan con la invocación ritual de Delta de "temprano en la mañana"). Sin embargo, al igual que 'Visions of Johanna' o 'Memphis Blues Again', estas canciones están más allá de toda categoría. Son composiciones alusivas, repetitivas, irregularmente abstractas que desafían la reducción." [143]
Blonde on Blonde ocupa un lugar destacado en las encuestas de críticos sobre los mejores álbumes de todos los tiempos. En 1974, los escritores de NME votaron a Blonde on Blonde como el álbum número dos de todos los tiempos. [144] Ocupó el segundo lugar en el libro de 1978 Critic's Choice: Top 200 Albums y el tercero en la edición de 1987. [145] En 1997, el álbum se colocó en el puesto 16 en una encuesta "Música del Milenio" realizada por HMV , Channel 4 , The Guardian y Classic FM . [146] En 2006, la revista Time incluyó el disco en su lista de 100 álbumes de todos los tiempos. [131] En 2003, el álbum ocupó el puesto número nueve en la lista de la revista Rolling Stone de " Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos ", [130] manteniendo la calificación en una lista revisada de 2012, mientras que cayó al número 38 en 2020. [147 ] En 2004, dos canciones del álbum también aparecieron en la lista de la revista de " Las 500 mejores canciones de todos los tiempos ": "Just Like a Woman" ocupó el puesto 230 y "Visions of Johanna" el puesto 404. [148] [149] (Cuando Rolling Stone actualizó esta lista en 2010, "Just Like a Woman" cayó al número 232 y "Visions of Johanna" al número 413. Luego, en 2021, "Visions of Johanna" pasó a ocupar el puesto 317.) [ 150 ] [151] [152] El álbum se incluyó en la "Biblioteca de registros básica" de Robert Christgau de grabaciones de las décadas de 1950 y 1960, publicada en Record Guide: Rock Albums of the Seventies de Christgau (1981) [153] , y en la publicación del crítico Robert Dimery. libro 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir . [154] Fue votado en el puesto 33 en la tercera edición de All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin (2000). [155] Fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy en 1999. [156] Cuando Dylan recibió el Premio Nobel de Literatura en 2016, la secretaria de la Academia Sueca, Sara Danius, cuando se le preguntó cómo evaluar el mérito literario de Dylan, sugirió escuchar primero a Blonde. en Rubia . [157]
Todas las canciones escritas por Bob Dylan
El personal involucrado en la realización de Blonde on Blonde está sujeto a algunas discrepancias: [20] [158] [159]
Músicos adicionales
Técnico
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