Young Americans es el noveno álbum de estudio del músico inglés David Bowie , lanzado el 7 de marzo de 1975 a través de RCA Records . Alejándose del estilo glam rock de álbumes anteriores, el disco mostró el interés de Bowie por el soul y el R&B . Los críticos musicales han descrito el sonido como blue-eyed soul ; el propio Bowie etiquetó el sonido del álbum como " plastic soul ".
Las sesiones de grabación comenzaron en los Sigma Sound Studios de Filadelfia en agosto de 1974, después de la primera etapa de su gira Diamond Dogs Tour . El disco fue producido por Tony Visconti e incluye una variedad de músicos, como el guitarrista Carlos Alomar , quien se convirtió en uno de los colaboradores más frecuentes de Bowie, y los coristas Ava Cherry , Robin Clark y el entonces desconocido cantante Luther Vandross . A medida que avanzaba la gira, la lista de canciones y el diseño comenzaron a incorporar la influencia del nuevo material. Las sesiones de grabación continuaron en Record Plant en la ciudad de Nueva York al final de la gira. Una colaboración entre Bowie y John Lennon dio como resultado una versión de la canción de los Beatles de Lennon " Across the Universe " y una original, " Fame ", durante una sesión de enero de 1975 en Electric Lady Studios , producida por Harry Maslin . La portada del álbum es una fotografía a contraluz de Bowie tomada por Eric Stephen Jacobs.
Young Americans fue el gran avance de Bowie en los EE. UU., alcanzando el top 10 en la lista Billboard ; "Fame" se convirtió en el primer sencillo número uno de Bowie . Bowie continuó desarrollando su sonido en Station to Station (1976). Young Americans ha recibido críticas mixtas en su lanzamiento y en décadas posteriores; el propio Bowie tenía sentimientos encontrados sobre el álbum. El álbum resultó influyente. Bowie fue uno de los primeros artistas blancos de la época en involucrarse abiertamente con los estilos musicales negros; otros artistas británicos siguieron su ejemplo. El álbum ha sido reeditado varias veces con tomas descartadas y fue remasterizado en 2016 como parte de la caja Who Can I Be Now? (1974-1976) .
David Bowie lanzó su octavo álbum de estudio Diamond Dogs en mayo de 1974. Su último álbum en el género glam rock , [1] contenía dos canciones, « Rock 'n' Roll with Me » y « 1984 », que exhiben elementos de funk y soul , lo que predijo la dirección musical para el próximo proyecto de Bowie. [2] [3] [4] Si bien su interés en la música soul se remonta a sus días mod a mediados de la década de 1960, comenzó a escuchar discos de soul extensivamente y a incorporar material soul en sus sets en vivo. [5] [6] En julio, hacia el final de la primera etapa de su gira Diamond Dogs , interpretó versiones de las canciones soul « Knock on Wood » de Eddie Floyd y «Here Today and Gone Tomorrow» de Ohio Players para espectáculos en Upper Darby Township, Pensilvania ; Estos shows fueron grabados y lanzados en el álbum en vivo David Live en octubre de 1974. [a] [1] Bowie se había cansado de los fastuosos escenarios y la teatralidad de la gira y estaba listo para abrazar por completo la música soul negra. [9]
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A principios de 1974, Bowie conoció al guitarrista de funk Carlos Alomar , un músico de sesión del Teatro Apollo que había tocado con James Brown , Chuck Berry y Wilson Pickett . Uno de los discos favoritos de Bowie era Live at the Apollo (1963) de Brown, por lo que conocer a un músico que tocaba en el Apollo significó mucho para él. Alomar nunca había oído hablar de Bowie cuando se conocieron, pero inmediatamente conectaron y formaron una relación de trabajo que duraría casi 15 años; Alomar se convirtió en el guía de Bowie en la música negra estadounidense. [1] [10]
Mientras estaba en Pensilvania, Bowie visitó Sigma Sound Studios en Filadelfia para trabajar en grabaciones con la músico estadounidense Ava Cherry . [11] [12] Sigma Sound era el hogar del soul de Filadelfia [13] [14] y el estudio favorito del dúo de escritores y productores Kenneth Gamble y Leon Huff ; los dos habían cofundado Philadelphia International Records , el hogar de muchos músicos afroamericanos conocidos. Al final de la primera etapa de la gira, Bowie regresó a la ciudad de Nueva York para mezclar David Live , escuchando varios álbumes negros en preparación para su regreso a Sigma Sound. [1]
Para la banda de acompañamiento, Bowie quería contratar a MFSB ("Mother Father Sister Brother"), [6] la banda de la casa de Sigma Sound con más de 30 músicos de sesión . [15] [14] Todos los miembros no estaban disponibles excepto Larry Washington (percusión), por lo que Bowie fue a la ciudad de Nueva York para un mayor reclutamiento. Mike Garson (piano), David Sanborn (saxofón) y Pablo Rosario (percusión) fueron retenidos del Diamond Dogs Tour, mientras que Earl Slick fue reemplazado por Alomar en la guitarra. Por sugerencia de Alomar, Bowie contrató a Andy Newmark , un ex miembro de Sly and the Family Stone , y Willie Weeks de los Isley Brothers para reemplazar a Tony Newman y Herbie Flowers en batería y bajo, respectivamente. El productor Tony Visconti se unió al proyecto inmediatamente después de que Bowie le informara de la participación de Weeks; [1] [9] Visconti coprodujo gran parte del trabajo de Bowie durante el resto de la década. [16] Cherry, la esposa de Alomar, Robin Clark , el entonces desconocido cantante Luther Vandross , Anthony Hinton y Diane Sumler realizaron coros para las sesiones. [9] [5]
El trabajo de demostración comenzó en Sigma Sound el 8 de agosto de 1974, y el trabajo oficial comenzó tres días después, el 11 de agosto, tras la llegada de Visconti. [1] [17] Antes de Filadelfia, Bowie había pasado la mayor parte de su carrera discográfica en Gran Bretaña, donde los métodos de grabación eran diferentes a los de los Estados Unidos. En los estudios Olympic y Trident de Gran Bretaña, los ingenieros aplicaban ecualizadores y reverberación mientras grababan, por lo que estos efectos se escuchaban durante la reproducción. Sin embargo, en Sigma Sound, los ingenieros aplicaban efectos durante la etapa de mezcla. Bowie se quedó inicialmente desconcertado cuando volvió a escuchar las cintas, ya que, según el biógrafo Chris O'Leary, "no había escuchado su voz 'desnuda' en una cinta en años". [5]
Las sesiones fueron productivas y avanzaron rápidamente, y sólo tardaron dos semanas en completarse. Se acordó desde el principio grabar la mayor parte posible del álbum en vivo, con toda la banda tocando junta, incluida la voz de Bowie, como una sola toma continua para cada canción. Según Visconti, el álbum contiene "alrededor del 85% de David Bowie 'en vivo'". [1] La mayor parte del material se construyó a partir de sesiones de improvisación . [9] [14] El álbum representó un cambio en el enfoque de Bowie hacia la producción, [18] permitiendo a los músicos idear ideas que Bowie usó para escribir letras y melodías. [14] Cherry, Clark y Vandross, en particular, se convirtieron en fuerzas impulsoras del proyecto. [18]
Durante su tiempo en Sigma Sound, Bowie se sumergió por completo en la música soul. Creó un nuevo personaje llamado "The Gouster", un término del argot para un chico callejero moderno, [14] [6] que se convirtió en uno de los títulos provisionales del álbum. Visconti comentó: "No era tanto un concepto como una forma de establecer el tono de que íbamos a hacer un álbum muy moderno". [14] La adicción a la cocaína de Bowie aumentó a un ritmo rápido durante el período; a menudo se quedaba despierto día y noche grabando mientras la banda dormía. [b] [1] Alomar dijo que las sesiones estaban "alimentadas" por drogas, [14] recordando: "Usaba drogas para mantenerse despierto. [Supuse] que era más una cosa funcional [que una adicción], por lo que estaría 'encendido' cuando llegara el momento de grabar". [13] El consumo de cocaína de Bowie afectó su voz, creando lo que el propio Bowie llamó "un sonido realmente áspero" que le impedía cantar notas más altas. Él creía que el álbum contenía las notas más altas que jamás había cantado en una grabación. [1]
Las sesiones produjeron numerosas tomas descartadas , incluyendo «After Today», «Who Can I Be Now?», «It's Gonna Be Me», una regrabación del sencillo de Bowie de 1972 « John, I'm Only Dancing » titulada « John, I'm Only Dancing (Again) », «Lazer», «Shilling the Rubes», una regrabación descartada de « It's Hard to Be a Saint in the City » [c] de Bruce Springsteen y « Too Fat Polka ». [1] Después de estas sesiones, Bowie estaba ansioso por interpretar el nuevo trabajo en vivo. Embarcándose en la segunda mitad del Diamond Dogs Tour, que duró de septiembre a diciembre de 1974, esta parte recibe el apodo de Soul Tour debido a la influencia del nuevo material. Los espectáculos fueron muy alterados y ya no presentaban piezas elaboradas, debido al agotamiento de Bowie con el diseño y el deseo de explorar el nuevo sonido que estaba creando. Se descartaron canciones de la etapa anterior, mientras que se agregaron otras nuevas, incluidas algunas del próximo álbum. [21] El 2 de noviembre, Bowie apareció en The Dick Cavett Show e interpretó «1984», « Young Americans » y una versión de «Footstompin ' » de Flairs . Se mostró inarticulado y visiblemente drogado durante su entrevista. [22] [23]
Bowie y Visconti añadieron sobregrabaciones y comenzaron a mezclar tras la conclusión del Soul Tour en noviembre de 1974. [10] Los fans locales, a los que Bowie se refería como los "Sigma Kids", esperaron fuera del estudio durante el transcurso de las sesiones. El último día de grabación, estos fans fueron invitados al estudio para escuchar versiones preliminares de las nuevas canciones. [10] [14] Los numerosos títulos provisionales del álbum incluían The Gouster , Dancin ' , Somebody Up There Likes Me , One Damned Song , Shilling the Rubes y Fascination . Un acetato temprano de The Gouster proporcionado por Visconti mostraba "John, I'm Only Dancing (Again)", "Who Can I Be Now?" y "It's Gonna Be Me" en la lista de canciones. [1]
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El Soul Tour terminó en diciembre de 1974, después de lo cual Bowie, Visconti y Alomar se reagruparon en Record Plant en la ciudad de Nueva York para grabar dos nuevas canciones, « Fascination » y «Win». En este punto, Bowie le dijo a la revista Disc que el título del álbum era Fascination (por la canción recién grabada); «John, I'm Only Dancing (Again)» todavía estaba en la lista de canciones y las dos nuevas pistas reemplazaron a «Who Can I Be Now?» y «Somebody Up There Likes Me». Visconti, que creía que el álbum estaba completamente terminado, regresó a Londres para grabar arreglos de cuerdas para «Can You Hear Me», «Win» y «It's Gonna Be Me» en AIR Studios , [24] mientras Bowie permaneció en Nueva York, trabajando en la mezcla por separado con el ingeniero interno Harry Maslin . [1] [25]
Durante este tiempo, el ex Beatle John Lennon estaba trabajando en Record Plant en su álbum de versiones Rock 'n' Roll (1975). Lennon, que estaba en lo que más tarde llamó su período de " fin de semana perdido ", había conocido a Bowie en Los Ángeles en septiembre de 1974. [5] Los dos se conectaron y decidieron grabar juntos. Con Alomar, los dos se reunieron en Electric Lady Studios de la ciudad de Nueva York en enero de 1975, grabando una versión de la canción de los Beatles de Lennon " Across the Universe " y una nueva canción, " Fame ". [1] En ausencia de Visconti, la sesión fue coproducida por Bowie y Maslin. [25] Junto a Alomar, Bowie invitó a Slick y al baterista Dennis Davis , haciendo su debut en un disco de Bowie, [5] así como al bajista Emir Ksasan de la banda Soul Tour. Ralph MacDonald contribuyó con la percusión, mientras que Jean Fineberg y Jean Millington cantaron coros. [1]
La mezcla para Young Americans se completó en Record Plant el 12 de enero de 1975. Bowie contactó a Visconti sobre las colaboraciones con Lennon dos semanas después. [1] Bowie se disculpó y solicitó que las dos pistas estuvieran en el álbum final; reemplazaron a "Who Can I Be Now?", "It's Gonna Be Me" y "After Today". [26] Visconti dijo más tarde: "[Eran] canciones hermosas y me enfermé cuando [Bowie] decidió no usarlas. Creo que era el contenido personal de las canciones lo que le hacía un poco reacio a publicar, aunque era tan oscuro que creo que ni siquiera yo sabía de qué estaba hablando en ellas" . [1] El álbum fue masterizado por el ingeniero Greg Calbi . [27]
Young Americans presentó una nueva dirección musical para Bowie, [28] explorando el blue-eyed soul [29] [30] y el R&B . [31] [32] [33] El propio Bowie etiquetó su sonido como " plastic soul ", [13] o, en palabras del autor Benoît Clerc, "un pálido derivado sintético de la auténtica música soul". [9] Garson argumentó más tarde: "Creo que como no estaba seguro de si era bueno en eso, se rebajó a sí mismo al llamarlo plastic soul". [14] Otros escritores lo han clasificado como "soul blanco con saxofón" [34] y música soul blanca. [35] [36] Ashley Naftule de Consequence of Sound describió el álbum como un cruce entre las " tendencias rockeras artísticas " de Bowie y la "cálida seriedad" del soul y el R&B. [30] Según Daryl Easlea de BBC Music , los temas líricos a lo largo del álbum incluyen la soledad, la desesperación y la alienación, [37] aunque el biógrafo Christopher Sandford escribe que el álbum es "un disco de buen humor e ideas animadas y en conflicto". [28] Una de las principales inspiraciones de Bowie al escribir el álbum fue Aretha Franklin . [6] [26]
El álbum se inicia con « Young Americans », que según Bowie trata sobre «una pareja de recién casados que no saben si realmente se quieren». [5] La canción también presenta nuevas direcciones líricas para el artista: en lugar de personajes «sombríos» que viven en mundos llenos de oscuridad, «Young Americans» muestra a adolescentes estadounidenses típicos. [38] Se hacen referencias al macartismo y a la renuncia del presidente Richard Nixon , que ocurrió una semana antes de que comenzaran las sesiones de grabación. La línea «I heard the news today, oh boy» fue tomada de la canción de los Beatles « A Day in the Life » (1967), reconociendo la influencia de Lennon en Bowie y su inminente colaboración más adelante en el álbum. [23] El autor Peter Doggett escribe que la canción presentó al mundo a un Bowie completamente nuevo, tomando a todos por sorpresa. [39] Bowie dijo que «Win» trataba sobre personas que «no trabajan muy duro». [40] Según el autor James E. Perone, las letras son más abstractas que la canción anterior y están abiertas a la interpretación. [38] Los saxofones y las cuerdas aparecen a lo largo de la canción, mientras que los coristas son más relajados y están en línea con la voz principal de Bowie. [5]
« Fascination » surgió de una canción de Vandross titulada «Funky Music (Is a Part of Me)», a la que Bowie añadió una nueva letra. Bowie mantuvo la mayor parte de la estructura de Vandross, pero cambió la interacción de los coristas. [d] [5] [41] Doggett cita elementos de las novelas City of Night (1963) y The Occult Reich (1974) como inspiración para el título, [43] mientras que David Buckley escribe que reafirma el motivo de «fascinación extraña» de la canción de Bowie « Changes » (1971). [44] « Right » es la única canción de Young Americans que presenta al viejo amigo de Bowie, Geoff MacCormack. La llamada y respuesta entre Bowie y los coristas «le da un aire de sofisticación inmaculada al himno de la letra al pensamiento positivo», según el biógrafo Nicholas Pegg . [45] En 1975, Bowie llamó a la canción un mantra : "La gente olvida cuál es el sonido del instinto del hombre: es un zumbido, un mantra. Y la gente dice: '¿Por qué son populares tantas cosas que simplemente suenan como un zumbido?' Pero ese es el punto realmente. Alcanza una vibración particular, no necesariamente un nivel musical". [45] Se puede ver a Bowie, Vandross, Clark y Cherry ensayando la canción en el documental de la BBC Cracked Actor (1975). [5] [46]
El título de "Somebody Up There Likes Me" fue tomado de la película de 1956 del mismo nombre . [5] [46] Similar a "Right", utiliza una estructura de llamada y respuesta [44] y está adornada con cuerdas, saxofón y sintetizadores que ocultan letras oscuras. Pegg afirma que las letras hablan sobre la idea de la celebridad y la "vacuidad de la fama y la adulación". El propio Bowie describió la canción como una advertencia de "Cuidado, amigo, Hitler está sobre tu espalda". [47] La interpretación de Bowie de " Across the Universe " es una reelaboración de soul de ojos azules que presenta a Lennon en la guitarra y coros. [48] Bowie había llamado previamente a la versión original de los Beatles "muy acuosa" y quería "martillarla hasta el infierno". [5] Su versión ha sido difamada por críticos y biógrafos. [5] [32] [48] [49] Perone sostiene que tiene éxito como "pieza de groove". [38]
O'Leary describe " Can You Hear Me? ", originalmente "Take It in Right", como R&B contemporáneo , [5] mientras que Doggett cree que su estilo recuerda más a la música sureña que al soul de Filadelfia. [50] Perone compara la interpretación vocal de Bowie con la del cantante Al Green . [38] En 1975, Bowie declaró que la canción fue "escrita para alguien", pero se negó a revelar quién; sus biógrafos coinciden en que lo más probable es que fuera para Cherry. [5] [44] [51]
« Fame » es una canción de funk rock [52] que representa la insatisfacción de Bowie y Lennon con los problemas de la fama y el estrellato. [53] Alomar desarrolló originalmente el riff de guitarra para la versión de Bowie de «Footstompin ' », que Bowie luego utilizó para crear «Fame». [54] [55] Se escucha la voz de Lennon intercalando el falsete de «Fame» a lo largo de la canción. [56] Bowie dijo más tarde que Lennon era la «energía» y la «inspiración» de «Fame», por lo que recibió un crédito de escritura; [57] O'Leary afirma que Lennon escribió la progresión de acordes de introducción de la canción . [5] En 1980, Lennon declaró: «Tomamos un middle eight de Stevie Wonder y lo hicimos al revés, ya sabes, ¡e hicimos un disco a partir de eso!» [53] [56]
"Who Can I Be Now?" refleja el tema de la identidad propia. A lo largo de su duración, va construyendo lo que Pegg llama un "clímax de coro gospel". [58] Doggett escribe que su título resume la carrera de Bowie hasta este punto, compartiendo un tema similar a "Changes". [59] "It's Gonna Be Me" es una balada similar en estilo a Aretha Franklin. Originalmente titulada "Come Back My Baby", es líricamente similar a "Can You Hear Me?", en el sentido de que sigue a un seductor casual que se da cuenta del error de sus caminos y trabaja para redimirse. Pegg y Doggett elogiaron la canción como una de las joyas más olvidadas de toda la carrera de Bowie. [60] [59] "John, I'm Only Dancing (Again)" es una reelaboración radical de siete minutos de funk y disco del sencillo de glam rock de Bowie de 1972 "John, I'm Only Dancing". Esta nueva versión conserva en gran parte el estribillo del original, pero con nuevos versos y una melodía completamente diferente. Fue lanzada como sencillo en 1979. [5] [61] [32] "After Today" es una canción soul-disco con una voz en falsete de Bowie y una producción menos pulida en comparación con otras pistas del álbum. [e] [63]
Para la portada del álbum , Bowie inicialmente quería encargarle a Norman Rockwell que creara una pintura, pero se retractó de la oferta cuando escuchó que Rockwell necesitaría al menos seis meses para hacer el trabajo. Según Pegg, otra idea rechazada fue un retrato de cuerpo entero de Bowie con un "traje de aviador" y una bufanda blanca, de pie frente a una bandera estadounidense y levantando una copa. La foto de portada final, una foto de Bowie a contraluz y retocada con aerógrafo, fue tomada en Los Ángeles el 30 de agosto de 1974 por el fotógrafo Eric Stephen Jacobs. [1] Jacobs se inspiró en una foto similar que tomó del coreógrafo Toni Basil para la portada de septiembre de 1974 de la revista After Dark . [9] Usando esa foto, Craig DeCamps diseñó la portada final en la oficina de RCA Records en la ciudad de Nueva York. [64] [65] Sandford la llama una de las portadas de álbumes "clásicas". [28]
RCA lanzó "Young Americans" como el sencillo principal del álbum el 21 de febrero de 1975, con la canción de Ziggy Stardust " Suffragette City " (1972) como lado B. [66] [67] En los EE. UU., se lanzó en forma editada, [68] omitiendo dos versos y un estribillo; [69] su lado B fue la versión en vivo de 1974 de "Knock on Wood". [70] Alcanzó el puesto número 18 en el UK Singles Chart y el número 28 en el Billboard Hot 100 , su segunda entrada en el top 40 y el segundo pico más alto en el chart en los EE. UU. hasta ese momento. [69] [71] La interpretación de Bowie de la canción en noviembre de 1974 en The Dick Cavett Show se utilizó como promoción, y se emitió en Top of the Pops de la BBC el 21 de febrero de 1975. [23]
Young Americans fue lanzado en el Reino Unido el 7 de marzo de 1975, [5] [72] [73] y a principios de abril en los EE. UU. [9] Alcanzó el número nueve en la lista Billboard Top LPs & Tape de EE. UU. y permaneció en la lista durante 51 semanas; [74] en julio, fue certificado oro por la Recording Industry Association of America (RIAA). [75] Se mantuvo en la lista de álbumes del Reino Unido durante 17 semanas, alcanzando el número dos, [76] siendo mantenido fuera del primer puesto por 20 Greatest Hits de Tom Jones . [77] En otros lugares, Young Americans alcanzó el top cinco en Nueva Zelanda y Suecia, [78] [79] el top diez en Australia y Finlandia, [80] [81] el número 12 en Francia, [82] 13 en Noruega, [83] 17 en Canadá y 82 en Japón. [84] [85] Según Buckley, las ventas fueron menores que las de Diamond Dogs en general. [71]
El segundo sencillo, «Fame», fue lanzado el 2 de junio en los EE. UU. [68] y el 25 de julio en el Reino Unido, con la canción del álbum «Right» como lado B. [67] [57] Aunque solo alcanzó el puesto número 17 en el Reino Unido, «Fame» encabezó las listas en los EE. UU. [86] Su éxito en las listas fue una sorpresa para Bowie, quien recordó en 1990: «Aunque [Lennon] había contribuido a ello y todo, y yo no tenía idea, como con ' Let's Dance ', de que eso era lo que es un sencillo comercial. No tengo ni idea cuando se trata de sencillos ... No lo entiendo, y 'Fame' realmente estaba fuera de lugar para mí». [86] A principios de noviembre, se convirtió en uno de los primeros artistas blancos en aparecer en Soul Train de ABC TV , donde dio interpretaciones mimadas de «Fame» y su nuevo sencillo « Golden Years »; [32] [86] [87] Luego cantó "Fame" y "Can You Hear Me?" en vivo en el programa de variedades de CBS Cher unas semanas más tarde. [86] [88]
Young Americans fue lanzado con una recepción generalmente favorable, particularmente en Estados Unidos. [1] Billboard predijo que el álbum apaciguaría a los fans actuales de Bowie y lo abriría a nuevos. [90] Record World lo llamó el "álbum más convincente de Bowie hasta la fecha"; [91] Michael Gross de Crawdaddy dijo que era su mejor disco de estudio desde Ziggy Stardust , [92] mientras que Cashbox elogió a Bowie como artista. [72] En su lista de fin de año, NME clasificó a Young Americans como el séptimo mejor álbum de 1975. [93]
Entre las críticas mixtas, algunos disfrutaron de ciertas pistas, pero descartaron la colección en su conjunto. [ 94] [95] [33] Jon Landau de Rolling Stone elogió la canción principal y pensó que el resto del álbum "funciona mejor cuando Bowie combina su renovado interés en el soul con su conocimiento del pop inglés, en lugar de optar completamente por uno u otro". [96] Ray Fox-Cumming de Record Mirror describió el sonido como "espasmódico, incómodo, frustrante" y con "una energía sin alegría". [94] En The Philadelphia Inquirer , Jack Lloyd llamó a Young Americans una "joya" y un "triunfo" lleno de canciones "magníficas" además de la "pretenciosa" canción principal, pero sintió que "Across the Universe" y "Fame" estaban fuera de lugar. [97]
Varios críticos fueron negativos. En The Village Voice , Robert Christgau calificó el disco como "un fracaso casi total", diciendo que "aunque la amalgama de rock y soul de Filadelfia es tan delgada que es interesante, abruma la voz de David, que es aún más delgada". No obstante, apreció la renovada "generosidad de espíritu para arriesgarse al fracaso" de Bowie después de las decepciones de Diamond Dogs y David Live . [89] En Phonograph Record , John Mendelsohn criticó las letras, la interpretación vocal de Bowie, encontró las melodías "tan buenas como inexistentes" y el álbum en general muy débil. [98] En NME , Ian MacDonald sintió que el disco era más bien de transición, creado a partir de un estado mental confuso sin saber hacia dónde llevar su carrera a continuación. Lo disfrutó a pesar de sus defectos. [99] En Melody Maker , Michael Watts elogió a la banda de acompañamiento, pero encontró que el disco era demasiado "pastiche" para ser creíble y el peor lanzamiento de Bowie hasta ese momento. [95] En Canadá, Bill Man de The Gazette también se mostró decepcionado, creyendo que Bowie debería "enfocar sus talentos de manera más directa". [33]
Bowie continuó desarrollando el funk y el soul de Young Americans , con influencias electrónicas y krautrock alemán , para su siguiente álbum de estudio, Station to Station . [100] [101] Producido por Harry Maslin, el álbum fue grabado en Los Ángeles de septiembre a noviembre de 1975 y lanzado en enero de 1976. [102] [103] Las canciones del período de Young Americans que presagiaron la dirección del álbum incluyeron "Win", "Can You Hear Me?" y "Who Can I Be Now?". [5] [104] Station to Station continuó la racha de éxito comercial de Bowie, alcanzando el número tres en los EE. UU. [105] Sin embargo, su consumo de cocaína continuó durante 1975, hasta el punto de que casi no recordaba haber grabado Station to Station . [101] Después de completar el Isolar Tour en mayo de 1976, se mudó a Europa para deshacerse de su adicción a las drogas. [106] [107]
Los comentaristas han reconocido a Young Americans como el primer álbum de Bowie que interpretó como él mismo en lugar de como un personaje. [108] [109] [18] Sandford creía que Bowie mostró madurez al no presentar a Ziggy Stardust , lo que aseguró su avance en el mercado estadounidense. [28] Pegg dice que el álbum convirtió a Bowie de "un artista de culto ligeramente desagradable a una personalidad del mundo del espectáculo amigable con los programas de entrevistas" en los EE. UU. [1] Bowie, sin embargo, expresó diversas declaraciones sobre el álbum a lo largo de su vida. [37] A fines de 1975, lo describió como "el R&B más falso que he escuchado. Si alguna vez hubiera tenido ese disco en mis manos cuando estaba creciendo, lo habría hecho estallar sobre mi rodilla". [44] Lo describió además como "una fase" en una entrevista de 1976 con Melody Maker . [110] Más tarde cambió su postura en 1990, diciéndole a la revista Q : "No debería haber sido tan duro conmigo mismo, porque mirando hacia atrás era un soul blanco de ojos azules bastante bueno [y] definitivamente fue una de las mejores bandas que tuve". [111]
Young Americans ha sido llamado uno de los discos más influyentes de Bowie. [71] Con el álbum, Bowie fue uno de los primeros artistas blancos convencionales en adoptar estilos musicales negros, [28] allanando el camino para que otros artistas se involucraran en estilos similares. [1] Daryl Easlea resumió en Record Collector : "Si bien todo el rock'n'roll se basó en la apropiación de la música popular negra por parte de los hombres blancos, muy pocos artistas habían adoptado la forma al por mayor, hasta el punto de usar los mismos estudios y músicos, como Bowie [lo hizo]". [6] Buckley comentó que unió a los fanáticos del glam rock y el soul a raíz de la era disco. [71] En los años posteriores, los artistas que experimentaron con el funk y el soul después de Bowie incluyeron a Elton John , Roxy Music , Rod Stewart , los Rolling Stones , Bee Gees , Talking Heads , Spandau Ballet , Japan y ABC . [1] [6] Bowie también fue mencionado directamente por George Clinton en la canción de Parliament " P. Funk (Wants to Get Funked Up) " (1976) y en la película Saturday Night Fever (1977). [6] Clinton también usó una versión modificada del instrumental de "Fame" para " Give Up the Funk (Tear the Roof off the Sucker) " (1976) de Parliament, mientras que James Brown usó el riff de "Fame" textualmente para " Hot (I Need to Be Loved, Loved, Loved) " (1975). [32] En 2016, Joe Lynch de Billboard argumentó que "Fame" y Young Americans en su conjunto sirvieron como influencia no solo para otros artistas de funk como Clinton, sino también para los primeros artistas de hip hop y el género G-funk de la Costa Oeste de principios de la década de 1990. [34]
Young Americans ha recibido críticas mixtas de críticos y fans en décadas posteriores, [18] siendo descartado como un disco puramente de transición [32] y una excursión poco auténtica de un artista cuyos talentos estaban en otra parte. [1] Otros lo han criticado por ser inconsistente, [119] y carecer de una composición fuerte [29] y la cohesión musical de otros álbumes de Bowie de la década de 1970. [38] Douglas Wolk afirmó en Pitchfork : "No tiene el alcance teatral loco de Diamond Dogs o la audacia formal de Station to Station ; a veces, parece un artista que se esfuerza mucho por demostrar lo impredecible que es". [32] Stephen Thomas Erlewine de AllMusic dijo que Young Americans es "más disfrutable como una aventura estilística que como un disco sustancial". [29]
Algunos críticos han visto a Young Americans como un álbum pasado por alto [6] [120] que ocupa un lugar problemático en la discografía de Bowie, [37] estando secuenciado entre los períodos Ziggy y Thin White Duke de Bowie . [6] [14] Rob Sheffield opinó que el álbum es "fácil de pasar por alto" porque Bowie "hizo la mayoría de estos trucos de space-funk de robot-soul mejor dos años después en Station to Station ". [120] Mark Beaumont de The Independent argumentó: "Esos historiadores del rock que descartan el álbum como un elefante blanco entre la producción de Bowie de la década de 1970 [...] subestiman su importancia. Porque esta fue la primera exhibición de verdadera valentía de Bowie, el metamorfo más célebre del rock intentando su primera metamorfosis real post-fama". [14] Otros coinciden en que Young Americans merece un lugar en la discografía de Bowie, [121] con Sam Kemp de Far Out argumentando que "es imposible imaginar los álbumes posteriores de Bowie sin Young Americans ". [18] Las críticas positivas del álbum dicen que ha envejecido bien, [18] [116] incluso siendo considerado por algunos como una obra maestra del soul blanco. [109] [116] En 1991, Jon Wilde de Melody Maker argumentó que, al igual que otros discos de Bowie de los años 70, Young Americans se adelantó a su tiempo. [122] El actor Bob Geldof dijo: " Young Americans es un disco de soul fantástico, pero soul con algo más. Tiene un toque de vanguardia". [1]
Young Americans fue votado como el noveno mejor álbum de Bowie en una encuesta de lectores de 2013 para Rolling Stone . La revista argumentó que su cambio de estilo ayudó a presentar a Bowie a una audiencia más amplia. [123] Ese mismo año, NME clasificó el álbum en el puesto número 175 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . [124] En 2004, el crítico Charles Shaar Murray lo votó como el 88.º mejor álbum británico en una lista para The Observer . [125] El álbum también fue incluido en la edición de 2018 del libro de Robert Dimery 1001 Albums You Must Hear Before You Die . [126]
Young Americans fue lanzado por primera vez en CD por RCA en 1984, [1] y luego por Rykodisc / EMI en 1991, con tres pistas adicionales. [128] La reedición se ubicó en el puesto número 54 en la lista de álbumes del Reino Unido durante una semana en abril de 1991. [129] Una edición de 1999 en EMI presentó sonido remasterizado digitalmente de 24 bits y sin pistas adicionales. [130] La reedición de 2007, comercializada como una "Edición especial", incluyó un DVD adjunto que contenía mezclas de sonido envolvente 5.1 del álbum y la entrevista y las actuaciones de Bowie de noviembre de 1974 en The Dick Cavett Show . [1] [120] [127] [131] En 2016, el álbum fue remasterizado para Who Can I Be Now? (1974–1976) box set , que también incluye un borrador anterior, con un sonido más crudo, del álbum, titulado The Gouster . [132] Fue lanzado en CD, vinilo y formatos digitales, tanto como parte de esta compilación como por separado. [133]
Las reediciones de 1991 y 2007 incluyeron «Who Can I Be Now?», «John, I'm Only Dancing (Again)» y «It's Gonna Be Me» como pistas adicionales; esta última fue lanzada en una versión alternativa con cuerdas en la edición de 2007. [1] La reedición de 1991 reemplazó las versiones originales de «Win», «Fascination» y «Right» con mezclas alternativas, pero las reediciones posteriores restauraron las mezclas originales. Otra versión descartada, «After Today», apareció en el box set de 1989 Sound + Vision , al igual que la mezcla alternativa de «Fascination». [5] [134]
Todas las pistas están escritas por David Bowie , excepto donde se indique lo contrario [135]
Según las notas del álbum y el biógrafo Nicholas Pegg , [1] [135] excepto donde se indique lo contrario.
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