Joan Mitchell (12 de febrero de 1925 – 30 de octubre de 1992) fue una artista estadounidense que trabajó principalmente en pintura y grabado , y también utilizó pastel y realizó otras obras sobre papel. Participó activamente en la Escuela de artistas de Nueva York en la década de 1950. Originaria de Chicago , está asociada con el movimiento expresionista abstracto estadounidense , aunque vivió en Francia durante gran parte de su carrera.
El estilo intensamente emocional de Mitchell y su pincelada gestual fueron influenciados por los pintores postimpresionistas del siglo XIX, en particular Henri Matisse . Los recuerdos de paisajes inspiraron sus composiciones; ella misma le dijo al crítico de arte Irving Sandler : "Llevo mis paisajes conmigo". Su trabajo posterior estuvo influenciado y limitado por su salud en declive.
Mitchell fue una de las pocas pintoras de su época que obtuvo el reconocimiento de la crítica y el público. Sus pinturas, dibujos y grabados se pueden ver en importantes museos y colecciones de todo el mundo y se han vendido a precios récord. En 2021, el Museo de Arte Moderno de San Francisco y el Museo de Arte de Baltimore organizaron conjuntamente una retrospectiva integral de su obra.
En su testamento, Mitchell dispuso la creación de la Fundación Joan Mitchell, una corporación sin fines de lucro que otorga subvenciones y becas a artistas en activo y mantiene sus archivos.
Mitchell nació en Chicago, Illinois , hija del dermatólogo James Herbert Mitchell y la poeta Marion Strobel Mitchell. [1] Disfrutaba del buceo y el patinaje mientras crecía, y su arte más tarde reflejaría este atletismo; un dueño de galería comentó que Mitchell "abordó la pintura casi como un deporte competitivo". [2] Mitchell asistía con frecuencia a clases de arte los sábados en el Art Institute of Chicago , y eventualmente pasaría sus veranos de la adolescencia tardía en una colonia de arte dirigida por el Instituto , Ox-Bow . Vivía en Chestnut Street en el vecindario de Streeterville y asistió a la escuela secundaria en Francis W. Parker School en el vecindario de Lincoln Park . Era cercana a su compañero de clase de Parker, Edward Gorey, y siguió siendo amiga de él en años posteriores, aunque a ninguno le importaba el trabajo del otro. [3]
Mitchell estudió en el Smith College de Massachusetts y en el Art Institute of Chicago, [4] donde obtuvo su licenciatura en Bellas Artes en 1947 y su maestría en Bellas Artes en 1950. [5] Después de mudarse a Manhattan en 1947, quiso estudiar en la escuela de Hans Hofmann en la ciudad de Nueva York pero, según la curadora Jane Livingston , Mitchell asistió solo a una clase y declaró: "No pude entender una palabra de lo que dijo, así que me fui aterrorizada". [6] Una beca de viaje de $2000 le permitió estudiar en París y Provenza en 1948-49, [7] y también viajó a España e Italia. Durante este período, su trabajo se volvió cada vez más abstracto . [8]
Mitchell se casó con el editor estadounidense Barney Rosset en septiembre de 1949 en Le Lavandou , Francia. La pareja regresó a la ciudad de Nueva York ese mismo año. [9] Se divorciaron en 1952. [8]
En 1950, Mitchell pintó lo que sería su último cuadro con una figura humana incorporada en la obra Figure and the City , de la que dijo más tarde "Sabía que sería mi última figura". [10] Luego, a lo largo de la década de 1950, Mitchell estuvo activa en la Escuela de artistas y poetas de Nueva York, y se asoció con el movimiento expresionista abstracto estadounidense, [11] aunque personalmente aborrecía las etiquetas estéticas. [12] A partir de 1950, mantuvo un estudio en Greenwich Village , primero en la calle Once y luego en la calle Novena. [9] Era una habitual en lugares de reunión de artistas establecidos como Cedar Tavern y The Club, un espacio tipo loft al que solo se podía asistir con invitación en la calle Octava, donde Mitchell participó en mesas redondas y asistió a reuniones sociales a lo largo de la década de 1950. [8] : 32
Mitchell mantuvo un sólido discurso creativo con sus compañeros pintores de la Escuela de Nueva York Philip Guston , Franz Kline y Willem de Kooning , cuyo trabajo admiraba enormemente. [8] Como escribió Katy Siegel en Joan Mitchell , "Ella iba a sus estudios y exposiciones, y ellos iban al de ella; cenaba y bebía con ellos, en compañía y sola, hablando de materiales de pintura y de grandes obras de arte". [13] : 31 Junto con Lee Krasner , Grace Hartigan , Helen Frankenthaler , Shirley Jaffe , Elaine de Kooning y Sonia Gechtoff , Mitchell fue una de las pocas artistas femeninas de su época que obtuvo elogios y reconocimiento de la crítica. [14]
En 1951, la obra de Mitchell se exhibió en la histórica " Ninth Street Show ", organizada por el comerciante de arte Leo Castelli y por miembros del Artists' Club; la muestra también incluyó obras de Jackson Pollock , Willem de Kooning y Hans Hofmann . [15] Joan Mitchell llevó su gran pintura abstracta por toda la ciudad con la ayuda de Castelli. [16] Sus amigos Franz Kline y Willem de Kooning pensaron que su trabajo era excelente y colocaron la pintura en un buen lugar en la exposición. [1] Su primera exposición individual se realizó en la New Gallery de Nueva York en 1952. [6]
A mediados de la década de 1950, Mitchell pasaba cada vez más tiempo viajando y trabajando en Francia. [17] Continuó exponiendo regularmente en Nueva York, con numerosas exposiciones individuales en la Stable Gallery durante las décadas de 1950 y 1960. [18] En una entrevista con Linda Nochlin, Mitchell admitió que, aunque muchos de sus colegas apoyaban mucho su carrera artística, debido a que era una mujer en el campo del arte, tuvo algunos reveses. Dijo que una vez Hans Hofmann le dijo que debería pintar, lo cual suena muy bien, pero ella lo interpretó como que los artistas masculinos no se sentían tan amenazados por las artistas femeninas como para que no les importara si avanzaban en su carrera artística. [19]
En 1955, mientras estaba en París, Mitchell conoció al pintor canadiense Jean-Paul Riopelle , con quien tendría una larga, rica y tumultuosa relación (de 1955 a 1979). [20] Mantenían casas y estudios separados, pero cenaban y bebían juntos casi a diario. [1] En el mismo año, Mitchell conoció al autor Samuel Beckett por primera vez. Su relación fue tanto personal como intelectual. La crítica Lucy Jeffery escribe sobre su mutua influencia e interés en Paul Cézanne , explicando que 'Mitchell y Beckett comparten un estilo que, como el péndulo, oscila entre el dinamismo y la vacilación, la limpidez y la oscuridad y, al hacerlo, oscurece el significado para resistir el encasillamiento reductivo. En [el texto breve de Beckett] 'Una tarde' y [la pintura de Mitchell] Tondo crearon fragmentos autorreflexivos que nos hacen, como caminantes del texto/lienzo, atravesar 'una luz interminable de final o comienzo' (Beckett, 2009, 126).' [21]
En 1956, Mitchell pintó una de sus obras más revolucionarias, Hemlock , llamada así por la artista después de completarla por lo que ella llamó el "sentimiento oscuro y azul" del poema Domination of Black de Wallace Stevens de 1916. [22] [23]
En octubre de 1957, ARTnews publicó el primer artículo importante sobre la obra de Mitchell . En el artículo, titulado "Mitchell pinta un cuadro", el crítico de arte Irving Sandler escribió: "Los sentimientos que ella se esfuerza por expresar los define como 'las cualidades que diferencian un verso de poesía de un verso de prosa'. Sin embargo, la emoción debe tener una referencia externa, y la naturaleza proporciona la sustancia externa a su obra". [12]
En 1959, Mitchell vivía a tiempo completo en Francia y pintaba en un estudio en la rue Fremicourt en el distrito 15 de París. [24] Durante este tiempo, sus pinturas aparecieron en una serie de exposiciones internacionales de alto perfil, incluida la exposición de Osaka International Art of a New Era: Informel and Gutai; la 29.ª Bienal de Venecia; la V Bienal do Museo de Arte Moderna, São Paulo; y la Documenta II en Kassel . [25] Junto con exposiciones individuales regulares en la Stable Gallery y exposiciones grupales en otros lugares de Nueva York, comenzó a exponer en París con la Galerie Jean Fournier (conocida como Galerie Kléber hasta 1963). [18] Fournier seguiría siendo el distribuidor de Mitchell en París durante más de tres décadas.
También a principios de los años 1960, Mitchell realizó exposiciones individuales en París con la Galerie Neufville (1960) y la Galerie Lawrence (1962). [18] Realizó exposiciones individuales adicionales en Italia (Galleria Dell'Ariete, Milán, 1960) y Suiza (Klipstein und Kornfeld, Berna, 1962). [18] A lo largo de los años 1960, la obra de Mitchell se incluyó en el Salon de Mai y el Salon des Réalités Nouvelles en París, así como en numerosas exposiciones colectivas celebradas en Francia, Alemania, Italia, Suiza, Japón, los Países Bajos y otros lugares internacionales. [18]
Durante el período entre 1960 y 1964, Mitchell se alejó del estilo general y los colores brillantes de sus composiciones anteriores, y en su lugar utilizó tonos sombríos y densas masas centrales de color para expresar algo incipiente y primordial. Se decía que las marcas en estas obras eran extraordinarias: "La pintura se derramaba y se apretaba sobre los lienzos, derramándose y chisporroteando sobre sus superficies y esparciéndose con los dedos de la artista". [26] La propia artista se refirió a la obra creada en este período de principios de la década de 1960 como "muy violenta y furiosa", pero en 1964 estaba "tratando de salir de una fase violenta y entrar en algo más". [27]
En 1967, Mitchell heredó suficiente dinero tras la muerte de su madre para comprar una finca de dos acres en la ciudad de Vétheuil , Francia, cerca de Giverny , cuya cabaña del jardinero había sido el hogar de Claude Monet . Mitchell compró la casa "para no tener que pasear a los perros" y eso le resultó útil para sus 13 perros. [19] Vivió y trabajó allí durante el resto de su vida. [28] El paisaje de Vétheuil , en particular la vista del Sena y los jardines de su propiedad, se convirtieron en puntos de referencia frecuentes para su trabajo. [8] : 122 Mitchell a menudo invitaba a amigos artistas de Nueva York a realizar retiros creativos en Vétheuil. La pintora Joyce Pensato recordó: "Quería dar a los jóvenes. Carl [Plansky] y yo lo llamábamos el Fondo de Aire Fresco... La primera vez que me invitó a pasar el verano, terminó siendo de marzo a septiembre. Me lavaron el cerebro durante seis meses, y así fue como descubrí quién soy". [29]
En 1968, Mitchell comenzó a exponer en la Martha Jackson Gallery de Nueva York; continuó exponiendo en la galería hasta la década de 1970. [18] En 1972, Mitchell organizó su primera gran exposición en un museo, titulada My Five Years in the Country , en el Everson Museum of Art de Syracuse, Nueva York. [30] La exposición, especialmente las pinturas "Girasoles" de Mitchell de finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, recibió elogios de la crítica. [31] Escribiendo para The New York Times , Peter Schjeldahl predijo que Mitchell finalmente sería reconocido "como uno de los mejores pintores estadounidenses no solo de los años cincuenta, sino también de los sesenta y setenta". Continuó: "Esta afirmación no parecerá, creo, grande para cualquiera que haya tenido la suerte de haber visto la reciente exposición masiva y casi asombrosamente hermosa de Mitchell (49 pinturas, algunas de ellas enormes, realizadas durante los cinco años que el artista ha estado viviendo en Francia) en el Everson Museum de Syracuse". [30] La exposición viajó a la Galería Martha Jackson después de la presentación en el Museo Everson. [18]
En 1969, Mitchell completó su primer tríptico a gran escala, Sans Neige (sin nieve), de 5 metros de ancho. [32]
En 1976, Mitchell comenzó a exponer regularmente con el galerista neoyorquino Xavier Fourcade , quien fue su comerciante en Nueva York hasta su muerte en 1987.
En 1979, Mitchell completó dos de sus obras a gran escala más conocidas, los polípticos La Vie en Rose (nombrada en honor a la famosa canción de la cantante francesa Edith Piaf ) y Salut Tom (dedicada a su amigo, el crítico de arte y curador Thomas B. Hess , quien murió en 1978). [33] [34] Tausif Noor, escribiendo para el New York Times, dice de La Vie en Rose [que en ella] ... "Mitchell yuxtapone secciones enérgicas -casi violentas- de pinceladas negras y azules contra una neblina de lavanda y rosa pálido, deformando la sensación del espectador de la escala de la pintura y dirigiendo la mirada"... [35]
En 1982, Mitchell se convirtió en la primera artista estadounidense en tener una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París . [36] En París, Mitchell tenía un círculo de amigos artistas, como la compositora Gisèle Barreau y pintores como Kate Van Houten, Claude Bauret Allard, Michaële-Andréa Schatt, Monique Frydman, Mâkhi Xenakis, Shirley Jaffe, Zuka y Katy Crowe. [1] En noviembre de 1984, Mitchell comenzó sesiones con la psicoanalista parisina Christiane Rousseaux-Mosettig en el área de la Bastilla. Allí conoció y se hizo amiga de la artista estadounidense Sara Holt y su esposo, el artista Jean-Max Albert . Ella escribió: "Niños... Realmente amo su trabajo plural y por supuesto a los dos. Es tan agradable que me guste el trabajo y el artista también, es bastante raro que haya encontrado... Estoy muy, muy feliz...". [1]
En 1984, a Mitchell le diagnosticaron un cáncer oral avanzado y le recomendaron una mandibulectomía (extirpación de la mandíbula). En octubre, obtuvo una segunda opinión de Jean-Pierre Bataini, un pionero en oncología radioterápica del Instituto Curie , cuya terapia tuvo éxito, pero dejó a Mitchell con una mandíbula muerta ( osteonecrosis ), junto con ansiedad y depresión. Había dejado de fumar por orden médica, pero seguía bebiendo mucho . [1]
Después de 1985, las pinturas post-cáncer de Mitchell reflejan los cambios psicológicos que el cáncer había efectuado: seis pinturas Between , Faded Air I , Faded Air II , el ciclo A Few Days , el ciclo Before, Again y el grupo de cuatro Then, Last Time . [1] : 382–383 Su salud se deterioró aún más cuando Mitchell desarrolló osteoartritis como resultado de una displasia de cadera . Se sometió a una cirugía de reemplazo de cadera en el Hôpital Cochin en diciembre de 1985, pero con poco éxito. Durante su posterior recuperación en una clínica en Louveciennes , comenzó a pintar con acuarela . Sus dificultades postoperatorias requirieron el uso de un caballete y trabajar en un formato más pequeño. Su ciclo River es emblemático de este período. [1]
Por la misma época, al marchante neoyorquino de Mitchell, Xavier Fourcade, se le había diagnosticado sida y, en 1986, viajó a Francia para someterse a un tratamiento. Fourcade y Mitchell visitaron Lille en diciembre para ver una exposición de obras de Matisse del Museo Estatal del Hermitage , en Leningrado . El viaje dio lugar al ciclo de pinturas de Lille , seguido, tras la muerte de Xavier Fourcade el 28 de abril de 1987, por las pinturas de Chord . Las pinturas de River , Lille y Chord se expusieron en la Galerie Jean Fournier, París, entre el 10 de junio y el 13 de julio de 1987. [37]
En 1988, la obra de Mitchell se exhibió en una importante exposición retrospectiva, a la que se refirió como "arte-historizado en vivo". [1] Titulada The Paintings of Joan Mitchell: Thirty-six Years of Natural Expressionism (Las pinturas de Joan Mitchell: treinta y seis años de expresionismo natural ) , la exposición recorrió los Estados Unidos en 1988 y 1989, y se originó en la Galería de Arte Corcoran antes de viajar al Museo de Arte de San Francisco , la Galería de Arte Albright-Knox , el Museo de Arte Contemporáneo de La Jolla y el Museo de Arte Herbert F. Johnson de la Universidad de Cornell. [9]
La primera exposición individual de Mitchell en la Galería Robert Miller (de nueve pinturas) se realizó del 25 de octubre al 25 de noviembre de 1989. [38] Su segunda exposición individual en la Galería Robert Miller se realizó del 26 de marzo al 20 de abril de 1991. [37] Resultó ser muy popular y contó con pinturas descritas por John Russell de The New York Times como "autorretratos de alguien que ha apostado todo por marcas autónomas que le son peculiares". [39]
En los últimos años de su vida, Mitchell volvió al tema de los girasoles con un enfoque renovado. [40] Girasoles, 1990-91 fue pintado para "transmitir la sensación de un girasol moribundo". [41]
En octubre de 1992, Mitchell voló a Nueva York para una exposición de Matisse [42] en el Museo de Arte Moderno . A su llegada, fue llevada a un médico, quien le diagnosticó un cáncer de pulmón avanzado . [43] Regresó a París el 22 de octubre, regresando brevemente a Vétheuil antes de ingresar al hospital en París, donde amigos como John Cheim y Joseph Strick la visitaron. [43] Murió en la mañana del 30 de octubre de 1992 en el Hospital Americano de París . [44]
Aunque su estilo pictórico evolucionó con los años, Mitchell se mantuvo comprometida con la abstracción desde principios de la década de 1950 hasta sus obras finales en 1992. Basada en años de visitas al Art Institute of Chicago cuando era niña para observar la pintura del siglo XIX, Mitchell citó a Paul Cézanne , Wassily Kandinsky , Henri Matisse y Vincent van Gogh como influencias en su trabajo, [8] y una vez dijo: "Si pudiera pintar como Matisse, estaría en el cielo". [45] Sus pinturas son expansivas, a menudo cubren múltiples paneles. Los recuerdos y los sentimientos que asociaba con los paisajes recordados proporcionaron el material fuente principal para su trabajo. Mitchell le dijo al crítico Irving Sandler: "Llevo mis paisajes conmigo". [12]
Mitchell pintaba principalmente con óleo sobre lienzo preparado o fondo blanco, utilizando pinceladas gestuales, a veces violentas. Ha descrito una pintura como "un organismo que gira en el espacio". [46]
Según la historiadora de arte Linda Nochlin , "el significado y la intensidad emocional [de las pinturas de Mitchell] se producen estructuralmente, por así decirlo, por toda una serie de oposiciones: trazos densos versus transparentes; estructura cuadriculada versus construcción ad hoc más caótica ; peso en la parte inferior del lienzo versus peso en la parte superior; claro versus oscuro; trazos entrecortados versus continuos; yuxtaposiciones de tonos armoniosas y contrastantes: todos son signos potentes de significado y sentimiento". [47]
Mitchell dijo que quería que sus pinturas "transmitieran la sensación del girasol moribundo" y "algunas de ellas parecen niñas, muy tímidas... son muy humanas". [46] Mitchell estaba muy influenciada por sus sentimientos y los incorporó a sus obras de arte. Incluso comparó estos sentimientos que influyeron en sus pinturas con la poesía. [48]
En su testamento, Mitchell dispuso la creación de una fundación que "ayudaría y asistiría" a los artistas mientras administraba su legado. [49] Establecida en Nueva York en 1993 como una corporación sin fines de lucro, la Fundación Joan Mitchell otorga subvenciones y becas a pintores , escultores y colectivos de artistas con sede en Estados Unidos . [50] Más de 1.000 artistas radicados en Estados Unidos han recibido subvenciones de la Fundación, [51] entre ellos Mel Chin (1995), [52] Amy Sillman (1999), [53] Mark Bradford (2002), [52] Wangechi Mutu (2007), [52] Simone Leigh (2011), [54] Amy Sherald (2013), [52] Amanda Ross-Ho (2013), [55] Ann Purcell (2014), [56] Michi Meko (2017), [57] Elisabeth Condon (2018), [58] Daniel Lind-Ramos (2019), [59] y Zarouhie Abdalian (2020). [60] La Fundación ofrece a los artistas recursos e instrucción gratuitos en las áreas de documentación de carreras, gestión de inventarios y planificación de legados. [61]
En 2015, se inauguró un programa de residencia de artistas en el Centro Joan Mitchell de Nueva Orleans , Luisiana, en 2275 Bayou Road, en el Séptimo Distrito. [62] El Centro Joan Mitchell de Nueva Orleans ofrece a los artistas tiempo y espacio para el proceso creativo a través de residencias de 6 o 14 semanas. Los artistas tienen la oportunidad de interactuar con profesionales de las artes, organizaciones artísticas asociadas y otras personas de la comunidad. Los solicitantes deben haber residido en Nueva Orleans durante los últimos 5 años, ser nativos de Nueva Orleans o haber recibido una subvención de la Fundación Joan Mitchell. [63] Entre los participantes de residencias anteriores se encuentran Laylah Ali , Firelei Báez , Heather Hart , Maren Hassinger , Laura Kina , Carrie Moyer , Shani Peters , Alison Saar , Amy Sherald , Cullen Washington, Jr. , Carl Joe Williams y Mel Ziegler . [64]
Además, la Fundación administra una colección de obras de arte de Mitchell, sus documentos (incluida correspondencia y fotografías) y otros materiales de archivo relacionados con su vida y obra. [50] En 2015, la Fundación estableció el proyecto Catálogo Razonado Joan Mitchell, que investiga las pinturas de Mitchell para la eventual publicación de un catálogo razonado. [65]
La obra de Mitchell apareció en muestras de mitad de carrera en 1961 y 1974, [18] y una importante retrospectiva de finales de carrera se realizó en 1988 y 1989. Una muestra retrospectiva, The Paintings of Joan Mitchell , se inauguró en el Museo Whitney de Arte Estadounidense en 2002. En vísperas de la inauguración de la exposición, el amigo y escritor de arte Klaus Kertess escribió en el New York Times : " Una visión interior apasionada guió el pincel de Joan. Al igual que su colega Cy Twombly , amplió el vocabulario de sus antecesores expresionistas abstractos. Imbuyó su pictórica con una valentía compositiva y cromática que nos alarma desafiantemente para que captemos su belleza". [66]
En 2016 su obra fue incluida en la exposición Mujeres del expresionismo abstracto organizada por el Museo de Arte de Denver . [67] En 2015, Kunsthaus Bregenz, Austria, organizó Joan Mitchell Retrospective: Her Life and Paintings , que viajó al Museo Ludwig, Colonia, Alemania (2015-2016). [68]
En septiembre de 2021, se inauguró una retrospectiva integral, Joan Mitchell , en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (del 4 de septiembre de 2021 al 17 de enero de 2022). La retrospectiva fue co-curada por Sarah Roberts, SFMOMA, y Katy Siegel, Museo de Arte de Baltimore. En una reseña para The New York Times , el crítico Tausif Noor escribió que la exposición "sigue la pista de cómo la férrea determinación de Mitchell de ser escrita en la historia como una de las más grandes pintoras produjo un estilo característico que amplió los contornos del expresionismo abstracto". [69] Después de la presentación en el SFMOMA, la muestra viajó al Museo de Arte de Baltimore (del 6 de marzo al 14 de agosto de 2022) y a la Fundación Louis Vuitton, París (otoño de 2022). [70] En 2023 su obra fue incluida en la exposición Action, Gesture, Paint: Women Artists and Global Abstraction 1940-1970 en la Whitechapel Gallery de Londres. [71]
El arte de Mitchell se conserva en la colección permanente de más de 100 instituciones públicas en todo el mundo. [72]
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Las obras de arte de Mitchell han tenido un gran éxito comercial, tanto durante su vida como después de su muerte. Mitchell ganó más de 30.000 dólares en ventas de arte entre 1960 y 1962, cuando todavía estaba en la mitad de su carrera. Esta era una cifra significativa para una pintora en ese momento. [73]
En el momento de su muerte en 1992, Mitchell estaba representada por Robert Miller Gallery en Nueva York y Galerie Jean Fournier en París. Ambas galerías continuaron presentando exposiciones de su trabajo a lo largo de la década de 1990. [18] En 2004, Cheim & Read en Nueva York asumió la representación de la galería para la Fundación Joan Mitchell; la galería presentó numerosas exposiciones individuales del trabajo de Mitchell hasta 2018, cuando la Fundación trasladó la representación a David Zwirner . [74] En 2019, las obras de múltiples paneles de Mitchell fueron objeto de una exposición individual en David Zwirner Nueva York, titulada Joan Mitchell: I carry my landscapes around with me . [75]
En 2007, el Art Institute of Chicago vendió Ste. Hilaire, 1957 [17] en Christie's Nueva York por 3,8 millones de dólares. [76] En 2012, una pintura sin título de 1971 de Mitchell se vendió por 5,2 millones de euros (7 millones de dólares) en Christie's París. [76] Ese año, los lienzos de Mitchell fueron las dos obras más caras de cualquier artista mujer vendidas en subasta, según la base de datos de subastas Artnet . [77] Las obras de Mitchell alcanzaron los 239,8 millones de dólares en ventas entre 1985 y 2013, según cifras compiladas por Bloomberg . [78]
En Christie's Nueva York en 2014, la pintura abstracta sin título de 1960 de Mitchell se vendió por $11.9 millones, superando la estimación más alta y estableciendo un récord de subasta para el artista. El resultado también estableció un nuevo récord para una obra de arte de cualquier artista femenina en subasta, anteriormente en manos de Berthe Morisot por Apres le dejeuner (1881). [79] [80] [81] Este precio a su vez fue superado por los $44.4 millones alcanzados por la pintura de 1932 Jimson Weed/White Flower No 1 de Georgia O'Keeffe el 20 de noviembre de 2014. [82] En junio de 2018, se esperaba que nueve de las pinturas de Mitchell se vendieran por más de $70 millones en la feria de arte moderno más grande del mundo, Art Basel . [2] En mayo de 2021, la pintura de Mitchell 12 Hawks at 3 O'Clock (ca. 1962) se vendió por un récord de 20 millones de dólares en Art Basel Hong Kong. [83]
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