Amy Sillman (nacida en 1955) es una artista visual radicada en Nueva York, conocida por sus pinturas basadas en procesos que se mueven entre la abstracción y la figuración, y utilizan medios no tradicionales como la animación, los fanzines y la instalación. [1] [2] [3] Su obra se basa en tropos históricos del arte, en particular la pintura gestual estadounidense de posguerra, como influencias y contrastes; aborda las críticas feministas de los discursos de maestría, genio y poder para introducir cualidades como el humor, la torpeza, la autodesprecio, el afecto y la duda en su práctica. [4] [5] [6] Los perfiles en The New York Times , ARTnews , [3] Frieze , [7] y Interview , [8] caracterizan a Sillman como defensora de "la relevancia de la pintura" [2] y "un modo revitalizado de abstracción que recupera la potencia de la pincelada activa y los gestos visibles". [1] La crítica Phyllis Tuchman describió a Sillman como "un abstraccionista inventivo" cuyo arte "desordenado, multivalente y vivo" "replantea nociones sostenidas durante mucho tiempo sobre la apariencia y el carácter emocional de la abstracción". [9]
Sillman ha expuesto en instituciones como el Museo de Arte Moderno (MoMA), [10] el Museo Whitney , [11] el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston , [12] y Portikus (Frankfurt). [13] Ha recibido una beca Guggenheim [14] y premios de las fundaciones Joan Mitchell , Louis Comfort Tiffany y Pollock-Krasner , [15] [16] [17] y su arte pertenece a las colecciones públicas del MoMA, [10] el Museo Metropolitano de Arte , [18] y la Tate Modern , entre otros reconocimientos. [19]
Amy Sillman está representada por Gladstone Gallery. [20]
Sillman nació en Detroit , Michigan en 1955 y se crió en Chicago. [1] [7] A los 19 años, se mudó a Nueva York para estudiar japonés, pero se pasó al arte, obteniendo una licenciatura en Bellas Artes en la Escuela de Artes Visuales en 1979. [7] [21] [6] Durante ese tiempo, se sumergió en los debates en curso sobre la viabilidad de la pintura contemporánea y se involucró con los movimientos feministas y de contracultura del centro de la ciudad, como asistente de la artista Pat Steir y miembro y colaboradora de la revista feminista Heresies . [6] [1] [22] Expuso esporádicamente, participando en muestras colectivas en PS 122 , New Museum , Drawing Center y PS1 , entre otros. [23] [24] [10] [17] Comenzó a ganar atención a mediados de la década de 1990 por exposiciones individuales en Lipton Owens Company, [25] [26] Casey Kaplan , [27] [28] y a principios de la década de 2000, Brent Sikkema (más tarde llamado Sikkema Jenkins). [29] [30]
Durante ese período, Sillman obtuvo una maestría en Bellas Artes del Bard College (1995) y se unió a la facultad de arte de la escuela en 1996. [1] Enseñó en el programa de maestría en Bellas Artes de pintura de Bard de 1997 a 2013, y se desempeñó como presidenta del departamento de pintura de 2002 a 2013. [7] [31] Posteriormente enseñó en la Städelschule en Frankfurt, Alemania. [32]
El arte de Sillman combina preocupaciones formales tradicionales (exploraciones de color, forma, superficie y línea, juego con figura y fondo, escala y espacio plano versus recesivo) que ella complica con enfoques de otros medios (dibujo, caricaturas, collage, animación) y estrategias de exhibición no convencionales. [4] [33] [1] Ella emplea un proceso interior, personal (en gran medida basado en el dibujo) que implica construir, deconstruir y reconstruir el espacio de pintura a través de capas de transformación, acción improvisada y redacción. [5] [34] [3] [8] La crítica de Artforum Linda Norden escribió que este compromiso con el "borrado constructivo" y el "despintado" distingue a Sillman de los expresionistas abstractos (por ejemplo, de Kooning y Guston ) con los que se la compara. [5] El arte de Sillman está marcado por un compromiso directo con los materiales y cambios radicales en la paleta, el trabajo del pincel, la escala y la lógica estructurante del dibujo o la pintura. [4] [21] Los críticos atribuyen la calidad dialéctica de su obra (humor y angustia lúdicos e incisivos, torpeza y destreza cómicas, figuración y abstracción) a estos cambios. [2] [7] [8]
Los primeros trabajos de Sillman oscilaban entre la figura, el paisaje y la abstracción, fusionando pintura suelta y dibujo en lo que las críticas describieron como narrativas psicológicas oníricas, absurdas o melancólicas. [25] [35] [30] Representadas en paletas alegres y vagamente ácidas, estas pinturas mostraban figuras simples y autónomas (a menudo una mujer pequeña, parecida a Eva, que deambulaba por terrenos abiertos) en medio de montones de formas biomórficas, manchas abstractas, goteos y líneas caligráficas al estilo de Bosch . [5] [35] [29] La crítica del New York Times, Roberta Smith, destacó su densa "maleza" de imágenes y su "delicadeza translúcida", que, según escribió, "se burlaba del sentido a menudo masculino de bravura de la pintura, al tiempo que ofrecía formas alternativas de turbulencia y poder". [25] Helen Molesworth escribió que pinturas como Me and Ugly Mountain (2003) —que representa una figura solitaria arrastrando un enorme conjunto de formas, garabatos y "energía neurótica" a lo largo de una línea finamente pintada— desplazaron la crítica feminista de la mirada desde la estructura de la representación a los sentimientos que surgen cuando uno es consciente de que lo están mirando. [4] [30]
A mediados de la década de 2000, las composiciones apiladas de Sillman dieron paso a una escala ampliada, gestos más amplios y físicos y exploraciones del cuerpo, la dinámica interpersonal, la tensión erótica y psicosexual. [36] [5] [37] [38] Estas obras consistían en parches de color de alto contraste llenos de líneas caóticas y andamiajes en forma de red, campos abiertos de color sutilmente modulados y elementos figurativos crudos que emergían a lo largo de líneas de falla compositivas o de bordes ásperos y matorrales de pinceladas ( The Elephant in the Room , 2006). [36] [39] [5] En 2007, Sillman comenzó a crear grandes pinturas abstractas gestuales basadas en dibujos en blanco y negro que hizo al observar a parejas de amigos en momentos casuales de intimidad doméstica. [5] [40] [4] Recreó los dibujos originales de memoria, luego los rotó y reelaboró en "plantillas" de pintura abstracta. Las pinturas consistían en formas trapezoidales contiguas y de colores intensos sobre planos pictóricos planos, que estaban entrecruzadas y circunscritas por líneas angulares y diagramáticas audaces que recordaban la arquitectura o la construcción escultórica. [40] [4] Expuso las pinturas y los dibujos en el Museo Hirshhorn en 2008; Artforum describió los dibujos como "igualmente tiernos y despiadados" en el tacto y económicos en sus trazos. [40]
Sillman realizó varias exposiciones en la década de 2010 que se destacaron por su invención, inquietud y nuevos formatos que enfatizaban los aspectos temporales de su trabajo. [13] [41] [42] [43] Su primera gran retrospectiva en un museo, "One Lump or Two" en el Instituto de Arte Contemporáneo (2013), incluyó pinturas basadas en una aplicación de dibujo para teléfonos inteligentes y caricaturas, diagramas, fanzines y "dibujos animados" que Cameron Martin de Artforum escribió, "tienen tanto impacto como sus lienzos crudamente físicos". [12] [44] Los dibujos animados iniciales ampliaron o reelaboraron variaciones de pinturas individuales y se exhibieron en pantallas pequeñas, lo que refleja la escala modesta de su creación. [2] [45] [46] Las muestras "the All-Over" (Portikus, 2016) y "Mostly Drawing" (Gladstone, 2018) presentaron instalaciones secuenciales de extremo a extremo (como fotogramas de películas o libros de acordeón) de obras multimedia que combinaban elementos serigrafiados o impresos con chorro de tinta, pintados y dibujados. [13] [41] [8] Sus redes en capas de elementos figurativos, gestos abstractos y pasajes de color mezclados crearon una sensación de transformación metamórfica en las piezas y borraron las líneas entre la reproducción y la espontaneidad, la pintura y la impresión. [34] [47] [8] [33] [3] La crítica de Frieze Elisa R. Linn escribió sobre Panorama (2016): "los rastros del pensamiento [de Sillman] se fusionan en el lienzo, revelando formas frágiles aparentemente atrapadas en el proceso constante de su propia reconstrucción". [13]
En 2017, Sillman presentó After Metamorphoses (The Drawing Center), un dibujo animado de cinco minutos, en bucle y proyectado, que fue su trabajo más complejo y ambicioso hasta la fecha. [48] [45] Condensó el poema épico de quince libros de Ovidio Metamorfosis en una amalgama cambiante de pintura abstracta y formas y paisajes interpenetrantes y en capas. Sus formas y personajes dibujados digitalmente sufrieron mutaciones extrañas, a veces míticas o cómicas, en un ritmo maníaco que extendió la oscilación figuración-abstracción característica de su práctica más amplia. [48] [45] [21]
Sillman presentó un trabajo menos orientado al proceso, marcado por preocupaciones políticas actuales, en la exposición "Landline" ( Camden Arts Centre , Londres, 2018). [42] [21] La muestra incluyó "Dub Stamp" (2018), doce obras de doble cara sobre papel colgadas de una cuerda estirada en diagonal, que se basaban en dibujos de una figura que se arrastraba abyectamente después de las elecciones presidenciales estadounidenses de 2016. Serigrafió los originales a un tamaño más grande y trabajó sobre ellos; Artforum escribió sobre su efecto simultáneamente lúdico y violento: "formas rotas, magnificadas y desplazadas entran en la brecha de un mundo que se des-constituye a sí mismo como realidad objetiva. Indican... lo resbaladizo de una realidad que es cada vez más inasible, una en la que el espacio entre las cosas se está evaporando rápidamente". [42] [34] [41]
La exposición de Sillman de 2020, "Twice Removed" (Gladstone) yuxtapuso grandes lienzos improvisados y obras en papel (capas de pasajes de lunares serigrafiados, trazos caligráficos, rayas y manchas de color con pincel y toques de figuración) con un sorprendente nuevo cuerpo de trabajo: pequeñas y delicadas naturalezas muertas de flores. [9] [1] [49] Las reseñas describieron las composiciones ligeramente torcidas de las pinturas como evocadoras de una sensación de cosas que se avecinan a punto de tambalearse o de terreno cambiante, un reflejo de un año tenso plagado por la pandemia de COVID . [1] [7] Hilton Als, de The New Yorker , escribió que la espontaneidad de las naturalezas muertas (pintadas en reclusión impulsada por la pandemia) transmitía "la exuberante desesperación y soledad de los girasoles y lirios de van Gogh " y "la alegría y la tristeza inherentes al tiempo". [43]
En 2009, mientras vivía en Berlín, Sillman comenzó a producir un fanzine, The OG , que a menudo combinaba con sus exposiciones o pinturas; en 2020 había llegado a su decimocuarto número. [33] [48] [50] The OG ha incluido una amplia gama de material: caricaturas, gráficos satíricos de asientos para cenas en el mundo del arte, ensayos, piezas visuales y textuales que desarrollan hilos en el arte de Sillman, así como trabajos de otros artistas y escritores. [42] [51] [52]
Sillman ha escrito sobre arte y artistas para catálogos y revistas como Artforum , ARTnews , Texte zur Kunst y Frieze . [31] [6] Ha publicado cuatro colecciones de sus escritos, la última de las cuales es Faux Pas (2020, After 8 Books, París), [53] que incluye ensayos sobre John Chamberlain , Eugène Delacroix , Rachel Harrison , Laura Owens y las herencias de la pintura contemporánea del expresionismo abstracto. [1] [7]
Sillman ha comisariado exposiciones en el MoMA (2019), el Hammer Museum (2008) y Artists Space (2005). [54] [55] [56] La muestra del MoMA, "The Shape of Shape" (reunida con la curadora del MoMA Michelle Kuo y Jenny Harris), reunió 75 objetos de la colección del museo, desde artistas conocidos hasta algunos que nunca habían expuesto en el MoMA; Roberta Smith escribió que el "robusto apetito visual" de la muestra abordaba el "miedo a la pintura, el color y la forma" que ha permitido que la pintura contemporánea pierda terreno frente al arte conceptual y sus derivados. [57] [7]
Sillman ha sido reconocido con una beca Guggenheim (2001), [14] elección para la Academia Americana de las Artes y las Letras (2020), [58] y premios del National Endowment for the Arts (1995), fundaciones Joan Mitchell , Louis Comfort Tiffany y Pollock-Krasner (1999), [15] [16] Academia Americana en Berlín (2009), [59] y Museo de Brooklyn (2012), entre otros. [60] [61]
Su obra pertenece a las colecciones públicas del Art Institute of Chicago , [62] Baltimore Museum of Art , [63] Blanton Museum of Art , [64] Brooklyn Museum, [65] Hammer Museum , [55] Los Angeles Museum of Contemporary Art , [66] Metropolitan Museum of Art, [18] Milwaukee Art Museum , [67] Moderna Museet (Estocolmo), [68] Museum Brandhorst (Múnich), [69] Museum of Modern and Contemporary Art of Trento and Rovereto (MART), Museum of Fine Arts, Boston , [70] MoMA, [10] National Gallery of Art , [71] Saatchi Gallery , [72] San Francisco Museum of Modern Art , [73] Tate Modern, [19] Weatherspoon Art Museum, [74] y Whitney Museum, [75] entre otros. [17]