La era moderna de los cómics es un período en la historia de los cómics de superhéroes estadounidenses que comenzó a mediados de la década de 1980 y continúa hasta la actualidad. [1] [2] Durante aproximadamente los primeros 15 años de este período, muchos personajes de cómics fueron rediseñados, los creadores ganaron prominencia en la industria, los cómics independientes florecieron y las editoriales más grandes se volvieron más comerciales. [3]
Un nombre alternativo para este período es la Edad Oscura del Cómic , debido a la popularidad e influencia artística de títulos con contenido serio, como Batman: The Dark Knight Returns y Watchmen . [4]
Debido a que el período de tiempo que abarca la Edad Moderna no está bien definido, y en algunos casos es disputado tanto por los fanáticos como por la mayoría de los profesionales, una historia completa está abierta al debate. Muchas influencias de la Edad de Bronce de los cómics se superpondrían con la infancia de la Edad Moderna. El trabajo de creadores como John Byrne ( Alpha Flight , Fantastic Four ), Chris Claremont ( Iron Fist , Uncanny X-Men ) y Frank Miller ( Daredevil ) llegaría a buen puerto en la Edad de Bronce, pero su impacto todavía se sintió en la Edad Moderna. Los Uncanny X-Men son el ejemplo más definitivo de este impacto, ya que los personajes de la Edad de Bronce como Wolverine y Sabretooth tendrían una gran influencia en el Universo Marvel en la década de 1980 y más allá. [ cita requerida ]
Para DC, Crisis on Infinite Earths es el puente que une las dos eras. El resultado fue la cancelación de The Flash (con el número 350), Superman (con el número 423) y Wonder Woman (con el número 329). El mundo posterior a Crisis tendría a Wally West como el nuevo Flash, a John Byrne escribiendo una nueva serie de Superman y a George Pérez trabajando en una nueva serie de Wonder Woman. Batman también se renovaría, ya que la historia de Batman: Año Uno sería una de las historias de Batman más populares jamás publicadas. [ cita requerida ]
En orden cronológico aproximado según el inicio de la tendencia, aquí se presentan algunos desarrollos importantes que ocurrieron durante la Era Moderna, muchos de los cuales están relacionados entre sí:
A finales de los años 70, creadores famosos empezaron a trabajar para nuevas editoriales independientes. La llegada de Jim Shooter como editor jefe de Marvel Comics supuso la marcha de creadores clave de Marvel, como Steve Gerber , Marv Wolfman y otros. En estas nuevas empresas ( Pacific , Eclipse , First ), los creadores tenían libertad para crear historias muy personales. Jon Sable Freelance de Mike Grell , American Flagg! de Howard Chaykin , Nexus de Mike Baron y Steve Rude , Rocketeer de Dave Steven y GrimJack de John Ostrander atrajeron cierta atención y obtuvieron numerosos premios. Estos creadores fueron contratados por el editor de DC Mike Gold para crear obras definitorias como Green Arrow: The Longbow Hunters de Grell, Blackhawk de Chaykin y Hawkworld de Truman. Con Maus de Alan Moore , Frank Miller y Art Spiegelman (que más tarde recibiría el Premio Pulitzer ), este período marca la cumbre de la forma de arte según el experto en cómics Scott McCloud . [ cita requerida ]
La Comics Code Authority se estableció en 1954 y especificó que ningún cómic debía contener las palabras "horror" o "terror" en su título. Esto llevó a EC Comics a abandonar su línea de cómics de terror. Editoriales como Dell Comics y Gold Key Comics sí dirigieron una línea en expansión de títulos de terror y "misterio" de la edad de plata durante los primeros años de la década de 1960, y Charlton mantuvo un historial de publicación continuo de ellos. Durante los últimos años de la década de 1960, una relajación gradual de las normas de aplicación finalmente llevó al restablecimiento de los títulos de terror dentro de las líneas de DC y Marvel a finales de la década. Las series antológicas de terror de la década de 1970 simplemente continuaron lo que ya se había establecido a fines de la década de 1960 y perduraron hasta la década de 1980 hasta que se transformaron notablemente en nuevos formatos, muchos de los cuales estaban muy influenciados por, o reimprimían directamente, el contenido y los estilos "pre-Code" de principios de la década de 1950. [ cita requerida ]
A partir del trabajo pionero de Alan Moore en Swamp Thing de DC en 1984-1987, los cómics de terror incorporaron elementos de ciencia ficción/fantasía y se esforzaron por alcanzar un nuevo estándar artístico. Otros ejemplos incluyen The Sandman de Neil Gaiman (seguido unos años más tarde por Preacher de Garth Ennis y Steve Dillon ). La línea Vertigo de DC , bajo la dirección editorial de Karen Berger , se lanzó en 1993, con el objetivo de especializarse en este género. Títulos existentes como Animal Man , Doom Patrol , Hellblazer y Shade, the Changing Man fueron absorbidos por esta nueva línea. Más tarde se crearon otros títulos para la línea, que continuó con éxito hasta la década de 2010. [ cita requerida ]
A partir de la década de 1990 y durante toda la década de 2000, una serie de adaptaciones cinematográficas exitosas de cómics, en parte debido a las mejoras en la tecnología de efectos especiales, ayudaron a ampliar su audiencia en el mercado, atrayendo la atención de muchos nuevos lectores que anteriormente no habían estado interesados en los cómics. Esto también condujo a una avalancha de otras adaptaciones cinematográficas que incluyeron títulos de Vertigo menos conocidos hasta entonces, en particular Constantine (basada en el cómic Hellblazer ) y V de Vendetta . [ cita requerida ]
A mediados de la década de 1980, los antihéroes de Marvel como Wolverine de los X-Men , Punisher y la versión más oscura de Daredevil del escritor/artista Frank Miller desafiaron el modelo anterior del superhéroe como un humanitario alegre . Miller también creó a Elektra , que se encontraba a caballo entre el límite convencional entre interés amoroso y villano . [ cita requerida ]
Dos series limitadas de DC Comics artísticamente influyentes contribuyeron a la tendencia: Batman: The Dark Knight Returns , también de Frank Miller y Watchmen de Alan Moore y Dave Gibbons , ambas series de profundidad psicológica protagonizadas por héroes con problemas. [ cita requerida ]
A finales de los años 1980, DC había publicado muchos títulos para adultos como John Constantine, Hellblazer , Swamp Thing y Lobo . Presentaban personajes moralmente ambiguos como el cínico John Constantine y el violento Lobo con violencia gráfica y contenido para adultos que los diferenciaban de otros títulos convencionales. DC luego separó estos títulos para su sello Vertigo que publica títulos fuera del Universo DC. [ cita requerida ]
A principios de la década de 1990, los antihéroes se habían convertido en la regla más que la excepción; entre los más populares estaban Cable y Venom de Marvel Comics y Spawn de Image Comics . [ cita requerida ]
La tendencia de crear personajes con más profundidad psicológica que fueran menos en blanco y negro, también afectó a los supervillanos . Por ejemplo, el Joker , el némesis de Batman, fue retratado menos como un criminal malvado y más como un psicópata con problemas mentales que no puede controlar sus acciones, el devorador de planetas galáctico de Marvel Comics, Galactus, se convirtió en una fuerza de la naturaleza que no significa ninguna malicia personal en sus acciones, y el némesis de los X-Men, Magneto, se volvió más benigno y simpático como un hombre que lucha por un pueblo oprimido, aunque a través de medios que otros consideran inaceptables. [ cita requerida ]
A mediados de la década de 1980, los X-Men se habían convertido en uno de los títulos más populares de los cómics. Marvel decidió aprovechar este éxito creando una serie de títulos derivados , a veces denominados colectivamente "libros X". Estos primeros libros X incluían New Mutants (que luego se convertiría en X-Force ), X-Factor , Excalibur y una serie en solitario de Wolverine . Hubo muchas nuevas incorporaciones populares a los X-Men en la década de 1990, incluidos Cable y Bishop .
A principios de los años 90, X-Men se había convertido en la franquicia más grande de los cómics y, a mediados de la década, se publicaban más de una docena de cómics relacionados con X-Men, tanto series continuas como limitadas , cada mes. Casi todos los años, desde 1986 hasta 1999, una historia se cruzaba en casi todos los cómics de X-Men durante dos o tres meses. Estos "cruces" generalmente conducían a un aumento en las ventas.
Este boom de ventas se tradujo en una gran cantidad de productos de merchandising, como figuras de acción , videojuegos y cromos . Este éxito se debió en gran parte a la serie animada X-Men de la cadena Fox , que debutó en 1992 y atrajo a un gran número de fans más jóvenes.
El auge de las ventas comenzó a decaer a mediados y finales de los años 90, debido al desplome del mercado de especuladores y el efecto que tuvo en la industria. Marvel se declaró en quiebra en 1996, [5] y, como resultado, redujo todas sus franquicias, incluida X-Men. Se cancelaron varios "libros X" y se redujo la cantidad de series limitadas publicadas, así como la mercancía general.
A principios de la década de 2000, una serie de películas de gran éxito de los X-Men han mantenido saludable a la franquicia de los X-Men y han dado como resultado una mayor presencia en el mercado fuera de los cómics. En 1999-2000, debutó una nueva serie animada, X-Men: Evolution , mientras que se han desarrollado y vendido nuevos juguetes desde el éxito de la primera película de los X-Men . Los propios cómics se han reinventado en series como New X-Men de Grant Morrison y Ultimate X-Men , que, como otras series " Ultimate " de Marvel, es una historia de universo alternativo, comenzando la historia de los X-Men de nuevo. Esto se hizo para X-Men y otros libros porque Marvel temía que las largas y complejas historias de las historias establecidas de ciertos títulos estuvieran asustando a los nuevos lectores.
Muchas series intentaron imitar el modelo que los X-Men forjaron como franquicia. Marvel y DC expandieron propiedades populares, como Punisher , Spider-Man , Batman y Superman en redes de libros derivados a mediados y fines de la década de 1980. Al igual que los libros X, algunos de estos spin-offs destacaron un concepto o personaje(s) secundario(s) de una serie principal, mientras que otros eran simplemente series mensuales adicionales que presentaban a un personaje popular. En otra similitud con los libros X, estas franquicias presentaban regularmente crossovers, en los que una historia se superponía con cada título de la "familia" durante unos meses.
En cuanto a las historias superpuestas, las historias de Superman de 1991 a 2000 se escribieron semanalmente. Uno necesitaba comprar Superman , Adventures of Superman , Action Comics y Superman: The Man of Steel (y, finalmente, Superman: The Man of Tomorrow ) para mantenerse al día con las historias existentes. Si un coleccionista solo compraba Action Comics , solo obtendría el veinticinco por ciento de la historia. En la portada de cada título de Superman aparecía un triángulo con un número. Este número indicaba en qué semana del año se lanzó el título de Superman.
Como complemento a la creación de estas franquicias se planteó el concepto de rediseñar los personajes. La Era Moderna de los cómics marcaría el comienzo de esta era de cambio. El impacto de Crisis on Infinite Earths fue el primer ejemplo, ya que Supergirl murió en el número 7 y Flash (Barry Allen) murió en el número 8. En concreto, Barry Allen marcó el comienzo de la Edad de Plata de los cómics y su muerte fue muy impactante en su momento. Secret Wars de Marvel Comics marcaría el comienzo de un nuevo cambio, ya que Spider-Man llevaría un traje negro. Este cambio de vestuario condujo al desarrollo del personaje Venom .
El interés en el mercado especulativo de un nuevo traje de Spider-Man condujo a otros cambios para los personajes de Marvel en la década de 1980. Iron Man tendría una armadura plateada y roja en el número 200. El Capitán América sería despedido y renacería como el Capitán, vistiendo un traje negro en el número 337 de la serie. El Increíble Hulk volvería a su color de piel gris original en el número 325. El número 300 de la primera serie de Avengers resultó en una nueva alineación que incluía a Mister Fantastic y a la Mujer Invisible , de los Cuatro Fantásticos . Dentro de la década, Wolverine cambiaría a un traje marrón y amarillo, Thor sería reemplazado por Thunderstrike , Archangel surgiría como la contraparte oscura de Angel de los X-Men después de servir como uno de los Jinetes de Apocalipsis , y muchos otros personajes de Marvel tendrían revisiones de imagen completas. Los cambios en Spider-Man, Thor, Capitán América, Iron Man, Wolverine y la mayoría de los otros personajes de Marvel se desharían a principios de la década de 1990.
La década de 1990 traería cambios similares al Universo DC , incluida la muerte de Superman [6] y la mutilación de Bruce Wayne [7] en 1993. El único cambio duradero fue Kyle Rayner reemplazando a Hal Jordan como Linterna Verde .
Además de los cambios de imagen de personajes individuales o de franquicias o familias, Crisis en Tierras Infinitas marcó el comienzo de una tendencia popular de "reinicio", "rehacer" o reimaginar en gran medida los universos de toda la editorial cada 5 a 10 años en diferentes escalas. La práctica de reiniciar universos enteros ocurrió con la suficiente frecuencia como para que esta era también se haya denominado La Edad de Hierro. Esto a menudo resultó en que se volvieran a contar los orígenes, se reescribieran las historias, etc. Estas reinvenciones podían ser a gran escala, como rehacer repentinamente los puntos fundamentales de la historia y reescribir las historias de los personajes, o simplemente introducir y/o matar/escribir varios elementos importantes y menores de un universo. Crisis en Tierras Infinitas resultó en varias miniseries que rehicieron explícitamente las historias de los personajes, como Batman: Año Uno , Superman: El Hombre de Acero y Wonder Woman: Dioses y Mortales . Un ejemplo de una escala de cambios menos ambiciosa es Green Arrow: The Longbow Hunters , que no reinterpretó ni volvió a contar explícitamente la historia de Green Arrow, sino que simplemente cambió su ambientación y otros elementos del presente, dejando el pasado prácticamente intacto. Esta tendencia de reinvenciones a nivel editorial, que a menudo consiste en una nueva miniserie y varias historias derivadas de libros establecidos, continuó durante décadas, con New 52 de DC en 2011 y Secret Wars de Marvel en 2015.
.jpg/1280px-Spawn_(no._1_-_cover_art).jpg)
A mediados de la década de 1980, el artista Jack Kirby , cocreador de muchos de los personajes más populares de Marvel, entró en disputa con Marvel por la desaparición de páginas originales de ilustraciones de algunos de sus títulos más famosos. Alan Moore , Frank Miller y muchas otras estrellas contemporáneas se convirtieron en defensores vocales de Kirby.
A principios de la década de 1990, estos eventos, así como la influencia de los defensores vocales de la publicación independiente, ayudaron a inspirar a varios artistas de Marvel a formar su propia compañía, Image Comics , que serviría como un ejemplo destacado de publicación de cómics propiedad de creadores . Los artistas de Marvel como Jim Lee de X-Men , Rob Liefeld de The New Mutants / X-Force y Todd McFarlane de Spider-Man eran extremadamente populares y eran idolatrados por los lectores más jóvenes de maneras más comunes para los atletas profesionales y los músicos de rock que los artistas de cómics. Impulsados por el poder de las estrellas y molestos por no poseer los personajes populares que crearon para Marvel, varios ilustradores, incluidos los tres anteriores, formaron Image Comics en 1992, una etiqueta paraguas bajo la cual existían varias empresas autónomas propiedad de creadores. [8] Las propiedades de Image, como WildC.ATs , Gen 13 , Witchblade y especialmente Spawn de McFarlane, proporcionaron una fuerte competencia para los superhéroes de larga data. Algunos críticos señalan a Image en particular por contribuir a las condiciones que llevaron al colapso del mercado especulativo , ya que los títulos de Image favorecían portadas alternativas, portadas metalizadas y otros cómics "coleccionables". [9]
Muchos creadores populares siguieron el ejemplo de Image e intentaron usar su poder estelar para lanzar sus propias series; aquellas para las que tendrían derechos de licencia y control editorial. Chris Claremont , famoso por su larga trayectoria como escritor de Uncanny X-Men , creó Sovereign Seven para DC ; Joe Madureira , también popularizado por Uncanny X-Men , lanzó Battle Chasers para WildStorm Productions ; y Kurt Busiek , Alex Ross y Brent Anderson crearon Astro City para Image.
En 1993, una coalición de escritores y artistas afroamericanos comenzó Milestone Comics , creyendo que los personajes minoritarios estaban subrepresentados en los cómics de superhéroes estadounidenses. Algunas de las series más conocidas de la compañía incluyen Static , sobre un adolescente afroamericano que se convirtió en el personaje clave de Milestone; Hardware , un ejemplo de afrofuturismo ; Icon , sobre un extraterrestre que imita la apariencia de un afroamericano; y Blood Syndicate , una serie sobre una pandilla multicultural de superhéroes. Todos estos títulos emblemáticos fueron co-creados por Dwayne McDuffie . En 1997, el Universo Milestone se fusionó con el Universo DC .
A finales de los años 80, los cómics importantes, como la primera aparición de un personaje clásico o el primer número de una serie de larga trayectoria, se vendían por miles de dólares. Los periódicos tradicionales publicaban artículos en los que se decía que los cómics eran buenas inversiones financieras y pronto los coleccionistas empezaron a comprar cantidades masivas de cómics que creían que serían valiosos en el futuro.
Los editores respondieron fabricando artículos de colección, como tarjetas coleccionables y "ediciones limitadas" de ciertos números con una portada especial o variante. Los primeros números de X-Force , X-Men vol. 2 y Spider-Man de Marvel Comics se convirtieron en algunos de los primeros y más notorios ejemplos de esta tendencia. Otra tendencia que surgió fueron las cubiertas estampadas con papel de aluminio. El primer cómic de Marvel con una cubierta estampada con papel de aluminio fue el tercer volumen de Silver Surfer , número 50 (junio de 1991). También apareció una cubierta que brillaba en la oscuridad para Ghost Rider , volumen 3, número 15. Esto provocó un auge del mercado, donde las tiendas minoristas y los editores obtuvieron enormes ganancias y muchas empresas, grandes y pequeñas, expandieron sus líneas. Image Comics en particular se hizo famoso por esto, con muchas de sus series debutando con cubiertas alternativas, un amplio uso de cubiertas en relieve y con papel de aluminio y otros rasgos "coleccionables".
Esta tendencia no se limitó a los libros en sí, y se esperaba que muchos otros artículos, como juguetes, en particular figuras de acción de "persecución" (figuras fabricadas en tiradas más pequeñas que otras de una línea en particular), tarjetas coleccionables y otros artículos, también aumentaran de valor. McFarlane Toys se destacó por esto, ya que creó muchas variaciones en sus juguetes de alta calidad, la mayoría de los cuales eran personajes principales o estrellas invitadas ocasionales en la serie Spawn.
Pero pocos, en la superabundancia de nuevas series, poseían una calidad artística duradera y los artículos que se predijo que serían valiosos no lo fueron, a menudo debido a las enormes tiradas que los hicieron comunes. El mercado especulativo comenzó a colapsar en el verano de 1993 después de que Turok #1 (vendido sin mejoras de portada) tuviera un rendimiento muy inferior y el regreso de Superman en Adventures of Superman #500 vendiera menos que su muerte en Superman #75, algo que los especuladores y los minoristas no habían esperado. Las empresas comenzaron a esperar una contracción y el director de ventas de Marvel UK , Lou Marks, declaró el 29 de septiembre que los minoristas decían que "simplemente no había espacio para exhibir todos los cómics que se estaban produciendo". [10] El colapso del mercado del cómic resultante devastó la industria: las ventas se desplomaron, cientos de tiendas minoristas cerraron y muchas editoriales redujeron su personal. Marvel tomó una decisión desacertada durante la crisis al comprar Heroes World Distribution para utilizarla como su propio distribuidor exclusivo, [11] lo que resultó en problemas de distribución tanto para Marvel como para los otros editores principales de la industria que hicieron acuerdos de distribución exclusivos con otras compañías, lo que llevaría a Diamond Comic Distributors Inc. a convertirse en el único distribuidor destacado en América del Norte. [12] [13] En 1996, Marvel Comics, la compañía más grande de la industria y enormemente rentable solo tres años antes, se declaró en quiebra . [14]
La crisis también marcó la caída relativa de las grandes franquicias y las "familias" de títulos interconectados, lo que dio lugar a un exceso de merchandising. Si bien las grandes franquicias todavía tienen una gran cantidad de títulos regulares y merchandising asociado a ellos, todas estas cosas se redujeron notablemente después de la crisis.
Aunque las ventas de publicaciones periódicas de cómics individuales cayeron a finales de los años 1990 y principios de los años 2000, las ventas de libros de bolsillo aumentaron para las ediciones de colección , [15] [16] en las que varios números están encuadernados con un lomo y que a menudo se venden en librerías, así como en tiendas de cómics. Los editores de cómics comenzaron a publicar libros de bolsillo de arcos narrativos recopilados directamente después de la publicación periódica original de esas historias porque un nuevo lector podía comprar los libros de bolsillo y acceder a las historias de la serie completa hasta la fecha. The Librarian's Guide to Graphic Novels for Children and Tweens de David S. Serchay explica: "Al principio se recopilaban las historias más populares, pero ahora cada vez se colocan más historias de cómics en los intercambios, a veces menos de dos meses después de que se vende el número 'más nuevo'. Y [...] no solo material reciente, sino una gran cantidad de material más antiguo finalmente se está recopilando en los intercambios". [16] : 15 En 2015, Polygon destacó que "aunque esto era mucho menos común hace una década, prácticamente todos los cómics mensuales que hay en la actualidad se recopilan en ediciones de bolsillo o de tapa dura que imprimen varios números en un solo paquete". [17] A los libros de bolsillo comerciales a menudo se les asignan números de volumen, lo que los convierte en una especie de serialización. Debido a esto, muchos escritores ahora consideran sus tramas con la edición de bolsillo comercial en mente, escribiendo historias que duran de cuatro a doce números, que podrían leerse fácilmente como una " novela gráfica ".
Además, el formato de publicación ha ganado tal respetabilidad como literatura que se convirtió en una parte cada vez más importante tanto de las librerías como de las colecciones de bibliotecas públicas . [ cita requerida ] Los libros de bolsillo comerciales y las novelas gráficas son el formato preferido para las colecciones de bibliotecas en circulación, ya que estas colecciones se crean para ser leídas y no para ser conservadas como artículos de colección o como inversiones. [18] [19] Los intentos de catalogar y hacer circular cómics de un solo número pueden plantear problemas difíciles [20] [21] y la durabilidad del formato de libro de bolsillo comercial es una consideración importante para la longevidad y el desarrollo de la colección en bibliotecas públicas y escolares. Los libros de bolsillo comerciales "también son los principales culpables de la confusión de la gente sobre el léxico, ya que 'los TPB constituyen el 95% de lo que muchos bibliotecarios denominan novelas gráficas'". [15]
A pesar de la creciente popularidad de los libros de bolsillo, los números individuales serializados todavía se consideran el modo principal de venta por parte de los editores de cómics, y una serie que no se vende bien puede enfrentar la cancelación independientemente de las ventas de los libros de bolsillo. [22] [23] [24] Sin embargo, algunas series [25] "sobreviven gracias a la popularidad de sus ventas comerciales, no solo en el mercado directo y en las tiendas de cómics locales, sino también en las librerías de todo el mundo" y en " ferias [del libro] Scholastic y similares". [26]
La popularidad de los libros de bolsillo ha hecho que también se reimpriman material más antiguo. La línea Essential Marvel de libros de bolsillo ha reimpreso héroes como Spider-Man y los Cuatro Fantásticos y ha podido presentar estas historias de la Edad de Plata a una nueva generación de fanáticos. Estas ediciones tienden a parecerse a una guía telefónica en el sentido de que son libros muy gruesos y en blanco y negro (para ayudar a mantener el costo bajo). DC Comics ha seguido su ejemplo al presentar una línea llamada Showcase Presents . Los primeros cuatro han incluido a Superman, Green Lantern , Jonah Hex y Metamorpho the Elemental Man. Otros personajes han incluido Green Arrow , la Familia Superman , los Teen Titans y Elongated Man . [ cita requerida ]
En 2018, Screen Rant destacó que "los editores y minoristas tradicionalmente ignoran las ventas de libros de bolsillo comerciales cuando se trata de decidir si un título específico está funcionando bien o no. Durante décadas, el número único ha sido el rey, a pesar de que esas cifras de ventas están lejos de ser útiles. [...] Los libros de bolsillo comerciales son cada vez más importantes como un marcador de lo que se vende, y en 2016 se vio un aumento del 12% en las ventas comerciales con respecto a 2015, un período en el que las ventas de números únicos cayeron. Incluso en 2017, cuando tanto las ventas comerciales como las de números únicos cayeron en comparación con 2016, las ventas comerciales cayeron un 9,38%, en comparación con la caída del 10,4% de los números únicos". [23] En 2019, Bleeding Cool enfatizó que "en los últimos años, los números recopilados/libros de bolsillo comerciales son más populares y rentables que las publicaciones periódicas mensuales de cómics. Como las ventas de un solo número han caído en picado constantemente, los libros de bolsillo comerciales y las novelas gráficas han llenado los vacíos. De 2013 a 2018, las novelas gráficas fueron el formato de cómics más vendido". [24] Según informes de la industria, [27] [28] "el cambio masivo a las novelas gráficas como el formato preferido para los cómics continuó en 2019, lo que llevó las ventas en el canal de libros por encima del canal de tiendas de cómics en América del Norte por primera vez en la historia del medio" [29] y que "las ventas de novelas gráficas estaban creciendo más rápido en el comercio de libros que en las tiendas de cómics". [30]
Si bien muchos artistas y escritores de cómics se habían vuelto conocidos por sus lectores ya en la década de 1940, algunos creadores de cómics de finales de la década de 1980 y en la de 1990 se hicieron conocidos por el público en general. Entre ellos se encontraban Todd McFarlane , Neil Gaiman , Alan Moore y Frank Miller . Algunos, como Gaiman, llegaron a escribir novelas de éxito comercial y de crítica. Otros, como Miller, se convirtieron en guionistas y directores de Hollywood.
Por el contrario, los directores y productores de cine y televisión se involucraron con los cómics. J. Michael Straczynski , creador de la serie de televisión Babylon 5 , fue reclutado para escribir The Amazing Spider-Man de Marvel Comics y, más tarde, el cineasta de Los Cuatro Fantásticos, Reginald Hudlin, se convirtió en el escritor de Black Panther de Marvel . Joss Whedon , creador de Buffy the Vampire Slayer de televisión , escribió Astonishing X-Men y Runaways de Marvel , entre otras series. Richard Donner , quien dirigió las películas de Superman de los años 1970 y 1980, se convirtió en escritor de la función de Superman en Action Comics en 2006, coescribiendo con el escritor de cómics (y ex asistente de producción de Donner ) Geoff Johns . Paul Dini , productor y escritor de Batman: The Animated Series y Superman: The Animated Series , comenzó a escribir para DC en 1994 en proyectos especiales y tomó el mando como escritor de Detective Comics en 2006.
La carrera del escritor de cómics Peter David como novelista se desarrolló simultáneamente con su carrera de cómics. [31] [32] El escritor de Sandman Neil Gaiman también ha disfrutado del éxito como escritor de fantasía y el bestseller número uno del New York Times . Michael Chabon, que ganó el premio Pulitzer con The Amazing Adventures of Kavalier and Clay , una novela sobre el comienzo de la Edad de Oro de los cómics , luego pasó a escribir cómics para DC y Dark Horse. El novelista Brad Meltzer tuvo éxito en el campo de los cómics con la controvertida miniserie Identity Crisis , así como con sus carreras en Green Arrow y Justice League of America .
El interés por el anime y el manga en los Estados Unidos se remonta a mediados de la década de 1970 en la costa oeste estadounidense, aunque a mediados y finales de la década de 1980 se produjo la introducción silenciosa de varios mangas japoneses traducidos en América del Norte. Si bien no fue la primera en lanzar manga traducido , la primera compañía en hacerlo en gran medida fue Eclipse, que presentó Area 88 , Legend of Kamui y Mai the Psychic Girl , los tres títulos que generalmente se asocian con la primera ola de manga traducido al inglés. Con tendencias e influencias sociales como la burbuja económica japonesa de la década de 1980 y el estudio empresarial promovido por las corporaciones centrado en las relaciones y los negocios japoneses en las universidades, el interés y el conocimiento de la cultura popular japonesa, incluido el anime y el manga, pronto comenzaron a difundirse de manera lenta pero constante entre los fanáticos en los Estados Unidos a mediados de la década de 1990. A raíz de la quiebra de Marvel y DC y el languidecer de los cómics estadounidenses después de 1996, y con el auge del boom de los medios alternativos de la década, el interés en el manga aumentó enormemente en la década de 2000. El consenso de los fanáticos del manga, tanto antiguos como nuevos, a menudo hablaba de cómo el léxico de obras del manga variaba mucho más que la variedad a menudo restringida limitada a historias de superhéroes en el mercado estadounidense, y brindaba una mejor calidad al no someterse a la censura y estándares opresivos como la Comics Code Authority o la influencia estadounidense altamente conservadora; predominantemente blanca que era prominente años antes. Durante la década de 1990, se establecieron editoriales como Dark Horse Comics , Kodansha USA y Viz Media para satisfacer la demanda de manga. En la década de 2000, Shonen Jump establecería una sucursal en América del Norte en 2001. Si bien las traducciones de manga se presentaban anteriormente en el formato tradicional de revista de cómics estadounidense, las publicaciones de tamaño de resumen tradicionales del manga se han vuelto comunes. Como resultado de la demanda y para respetar sus orígenes culturales, los libros se presentan en su forma original pensada para ser leída de derecha a izquierda.
Los mangas originales en inglés , u OEL, han sido prominentes desde incluso antes del auge del anime y el manga de principios de la década de 2000. Los OEL son material original escrito por autores no japoneses que emulan directamente el estilo manga tanto en la narración como en el arte e identifican abiertamente sus obras como manga. En la década de 1980, junto con la adaptación de la serie animada Robotech de Comico y Eternity Comics , varias otras compañías lanzarían cómics de estilo manga como Ninja High School de Ben Dunn y Samurai de Barry Blair . Tokyopop fue la primera compañía en papel en contratar artistas no japoneses para producir y comercializar ( manga original en inglés ). Aunque los cómics de estilo manga anteriores consistían principalmente en préstamos selectivos de elementos de manga o anime para un trabajo que no estaba destinado a ser considerado manga, sus inspiraciones y métodos artísticos los categorizan bajo el término.
En octubre de 2019, el analista de la industria Milton Griepp presentó datos en una conferencia ICv2 en Nueva York que mostraban que, por primera vez en décadas, el mercado no estaba dominado por los cómics mensuales tradicionalmente estadounidenses del género de superhéroes, sino por novelas gráficas y libros de bolsillo comerciales de otros géneros, en particular los dirigidos a lectores más jóvenes, como Dog Man de Dav Pilkey y Guts de Raina Telgemeier , y manga japonés y libros inspirados en el manga. Estos libros registran altas ventas en las librerías, aunque el cambio también se reflejó en las tiendas de cómics. Según datos de Bookscan , los cómics y las novelas gráficas orientados a los niños representaron el 41% de las ventas en las librerías, y el manga el 28%, mientras que los libros del género de superhéroes constituyeron menos del 10%, una caída del 9,6% año tras año. [33]
Portal de cómics
Portal de los años 1980
Portal de los años 90
Portal de los años 2000
Portal de la década de 2010
Portal de la década de 2020{{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link)