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La escultura barroca es la escultura asociada al estilo barroco del periodo comprendido entre principios del siglo XVII y mediados del XVIII. En la escultura barroca, los grupos de figuras asumieron una nueva importancia y hubo un movimiento dinámico y energía de las formas humanas: giraban en espiral alrededor de un vórtice central vacío o se extendían hacia el espacio circundante. La escultura barroca a menudo tenía múltiples ángulos de visión ideales y reflejaba una continuación general del movimiento renacentista que se alejaba del relieve hacia la escultura creada en forma redonda y diseñada para colocarse en el medio de un gran espacio: fuentes elaboradas como las de Gian Lorenzo Bernini . Las Fontana dei Quattro Fiumi (Roma, 1651), o las de los Jardines de Versalles, eran una especialidad barroca. El estilo barroco se adaptaba perfectamente a la escultura, siendo Bernini la figura dominante de la época en obras como El éxtasis de Santa Teresa (1647-1652). [1] Gran parte de la escultura barroca agregó elementos extraescultóricos, por ejemplo, iluminación oculta, fuentes de agua, o escultura y arquitectura fusionadas para crear una experiencia transformadora para el espectador. Los artistas se veían a sí mismos en la tradición clásica, pero admiraban la escultura helenística y posteriormente romana, en lugar de la de los períodos más "clásicos" como se ven hoy. [2]
La escultura barroca siguió a la escultura renacentista y manierista y fue sucedida por la escultura rococó y neoclásica . Roma fue el primer centro donde se formó el estilo. El estilo se extendió al resto de Europa y, especialmente, a Francia le dio una nueva dirección a finales del siglo XVII. Con el tiempo se extendió más allá de Europa a las posesiones coloniales de las potencias europeas, especialmente en América Latina y Filipinas.
La Reforma Protestante había provocado un cese casi total de la escultura religiosa en gran parte del norte de Europa, y aunque la escultura secular, especialmente para los bustos de retratos y los monumentos funerarios , continuó, la Edad de Oro holandesa no tiene ningún componente escultórico significativo fuera de la orfebrería. [3] En parte como reacción directa, la escultura fue tan prominente en el catolicismo como en la Baja Edad Media. Los Países Bajos católicos del sur vieron un florecimiento de la escultura barroca a partir de la segunda mitad del siglo XVII, con muchos talleres locales que producían una amplia gama de esculturas barrocas, incluidos muebles de iglesia, monumentos funerarios y esculturas de pequeña escala ejecutadas en marfil y maderas duraderas como el boj. . Los escultores flamencos jugarían un papel destacado en la difusión del idioma barroco en el extranjero, incluidos la República Holandesa, Italia, Inglaterra, Suecia y Francia. [4]
En el siglo XVIII, gran parte de la escultura continuó con las líneas barrocas: la Fontana de Trevi no se completó hasta 1762. El estilo rococó se adaptaba mejor a obras más pequeñas. [5]
El estilo barroco surgió de la escultura renacentista que, basándose en la escultura clásica griega y romana, había idealizado la forma humana. Esto fue modificado por el Manierismo , cuando los artistas se esforzaron por darle a sus obras un estilo único y personal. El manierismo introdujo la idea de esculturas con fuertes contrastes; juventud y edad, belleza y fealdad, hombres y mujeres. El manierismo también introdujo la figura serpentina , que se convirtió en una característica importante de la escultura barroca. Se trataba de la disposición de figuras o grupos de figuras en espiral ascendente, lo que daba ligereza y movimiento a la obra. [6]
Miguel Ángel había introducido la figura serpentina en El esclavo moribundo (1513-1516) y El genio victorioso (1520-1525), pero estas obras debían verse desde un único punto de vista. Obra de finales del siglo XVI del escultor italiano Giambologna , El rapto de las sabinas (1581-1583). introdujo un nuevo elemento; Esta obra estaba destinada a ser vista no desde uno, sino desde varios puntos de vista, y cambiaba según el punto de vista. Esto se convirtió en una característica muy común en la escultura barroca. La obra de Giambologna tuvo una fuerte influencia en los maestros de la época barroca, particularmente en Bernini . [6]
Otra influencia importante que condujo al estilo barroco fue la Iglesia Católica, que buscaba armas artísticas en la batalla contra el ascenso del protestantismo. El Concilio de Trento (1545-1563) otorgó al Papa mayores poderes para guiar la creación artística y expresó una fuerte desaprobación de las doctrinas del humanismo , que habían sido fundamentales para las artes durante el Renacimiento. [7] Durante el pontificado de Pablo V (1605-1621), la iglesia comenzó a desarrollar doctrinas artísticas para contrarrestar la Reforma y encargó a nuevos artistas que las llevaran a cabo. [ cita necesaria ]
La figura dominante de la escultura barroca fue Gian Lorenzo Bernini (1598-1680). Era hijo de un escultor florentino, Pietro Bernini , que había sido llamado a Roma por el Papa Pablo V. El joven Bernini hizo sus primeras obras en solitario a la edad de quince años, y entre 1618 y 1625 recibió un importante encargo de estatuas para la villa del cardenal Escipión Borghese. Sus obras, muy dramáticas, diseñadas para ser vistas desde múltiples puntos de vista y en espiral hacia arriba, tuvieron un inmenso impacto en la escultura europea. Continuó dominando la escultura italiana a través de sus obras en fuentes romanas, el Baldequín de San Pedro y la tumba del Papa Alejandro VII dentro de la Basílica de San Pedro, y su conjunto de altar para la Iglesia de Santa María della Vittoria en Roma. Recibió su último encargo de escultura para la Fuente del Elefante (1665-1667), seguido de una serie de ángeles para el Puente de Sant Angelo en Roma (1667-69). [8]
Bernini murió en 1680, pero su estilo influyó en los escultores de toda Europa, particularmente en Francia, Baviera y Austria. [ cita necesaria ]
Los generosos encargos papales convirtieron a Roma en un imán para los escultores de Italia y de toda Europa. Decoraron iglesias, plazas y, una especialidad de Roma, las nuevas y populares fuentes creadas por los Papas en la ciudad. Stefano Maderna (1576-1636), originario de Bissone en Lombardía, precedió a la obra de Bernini. Inició su carrera realizando copias en tamaño reducido de obras clásicas en bronce. Su principal obra a gran escala fue una estatua de Santa Cecilia (1600, para la Iglesia de Santa Cecilia en el Trastevere en Roma. El cuerpo de la santa yace estirado, como si estuviera en un sarcófago, evocando una sensación de patetismo. [9 ]
Otro escultor romano importante fue Francesco Mochi (1580-1654), nacido en Montevarchi , cerca de Florencia. Hizo una célebre estatua ecuestre de bronce de Alejandro Farnesio para la plaza principal de Piacenza (1620-1625) y una vívida estatua de Santa Verónica para la Basílica de San Pedro, tan activa que parece estar a punto de saltar del nicho. [9]
Otros escultores barrocos italianos notables incluyeron a Alessandro Algardi (1598-1654), cuyo primer encargo importante fue la tumba del Papa León XI en el Vaticano. Se le consideraba un rival de Bernini, aunque su obra era similar en estilo. Sus otras obras importantes incluyeron un gran bajorrelieve esculpido del legendario encuentro entre el Papa León I y Atila el Huno (1646-1653), en el que el Papa persuadió a Atila de no atacar Roma. [10]
El escultor flamenco François Duquesnoy (1597-1643) fue otra figura importante del barroco italiano. Era amigo del pintor Poussin y era especialmente conocido por su estatua de Santa Susana en Santa María de Loreto en Roma, y su estatua de San Andrés (1629-1633) en el Vaticano. Fue nombrado escultor real de Luis XIII de Francia , pero murió en 1643 durante el viaje de Roma a París. [11]
Los principales escultores del período tardío incluyeron a Niccolo Salvi (1697-1751), cuya obra más famosa fue el diseño de la Fontana de Trevi (1732-1751). La fuente también contenía obras alegóricas de otros destacados escultores barrocos italianos, entre ellos Filippo della Valle , Pietro Bracci y Giovanni Grossi. La fuente, en toda su grandeza y exuberancia, representó el acto final del estilo barroco italiano. [12]
La mayor parte de la escultura barroca francesa tenía como objetivo glorificar no a la Iglesia, sino al monarca francés, Luis XIV de Francia , y a su sucesor, Luis XV . Gran parte fue realizada por los escultores de la nueva Real Academia de Pintura y Escultura, fundada en 1648 y posteriormente supervisada de cerca por Jean-Baptiste Colbert, Ministro de Finanzas del Rey. Los escultores franceses trabajaron en estrecha colaboración con pintores, arquitectos y paisajistas como André Le Notre para crear los efectos escultóricos que se encuentran en el Palacio de Versalles y sus jardines, las otras residencias reales y las estatuas para las nuevas plazas de la ciudad creadas en París y otros. ciudades francesas. Colbert también estableció la Academia Francesa en Roma para que los escultores y pintores franceses pudieran estudiar los modelos clásicos. [13]
En la primera parte del período barroco, los escultores franceses estuvieron en gran medida influenciados por los pintores de Flandes y los Países Bajos. particularmente el manierismo de Giambologna , más que la escultura de Italia. Estos artistas incluyeron a Germain Pilon (1525-1590); Jean Varin (1604-1672) y Jacques Sarrazin (1592-1660). El propio Bernini , en la cima de su fama, vino a París en 1665 para presentar su propio plan para el Louvre a Luis XIV. Al rey no le agradaron Bernini ni su obra, y el plan fue rechazado, aunque Bernini produjo un excelente busto de Luis XIV que ahora se exhibe en el Palacio de Versalles . [14]
Se contrató a los mejores escultores franceses para realizar estatuas para los jardines de las fuentes del Palacio de Versalles y otras residencias reales. Entre ellos se encontraban Pierre Puget , Jacques Sarazin , François Girardon , Jean-Baptiste Tuby , Antoine Coysevox y Edme Bouchardon . Guillaume Coustou creó un grupo de caballos particularmente bello para los jardines del castillo de Marly . [15]
En los últimos años de la época barroca, Jean Baptiste Lemoyne (1704-1778), director de la Academia Francesa en Roma, era considerado el mejor escultor rococó , aunque su fama fue eclipsada por su alumno, Jean-Antoine Houdon , quien dirigió el Transición de la escultura francesa del Barroco al clasicismo . [dieciséis]
Los Países Bajos del Sur, que permanecieron bajo el dominio católico español , desempeñaron un papel importante en la difusión de la escultura barroca en el norte de Europa. La Contrarreforma católica romana exigió que los artistas crearan pinturas y esculturas en contextos eclesiásticos que hablaran a los analfabetos en lugar de a los bien informados. La Contrarreforma destacó ciertos puntos de la doctrina religiosa, como resultado de lo cual ciertos muebles de la iglesia, como el confesionario , adquirieron una mayor importancia. Estos acontecimientos provocaron un fuerte aumento de la demanda de escultura religiosa en el sur de los Países Bajos. [17] El escultor bruselense François Duquesnoy , que trabajó la mayor parte de su carrera en Roma, desempeñó un papel fundamental . Su estilo barroco más elaborado y cercano al clasicismo de Bernini se difundió en el sur de los Países Bajos a través de su hermano Jerôme Duquesnoy (II) y otros artistas flamencos que estudiaron en su taller de Roma como Rombaut Pauwels y posiblemente Artus Quellinus el Viejo . [18] [19]
El escultor más destacado fue Artus Quellinus el Viejo , miembro de una familia de escultores y pintores famosos, y primo y maestro de otro destacado escultor flamenco, Artus Quellinus el Joven . Nacido en Amberes, pasó una temporada en Roma donde conoció la escultura barroca local y la de su compatriota François Duquesnoy. A su regreso a Amberes en 1640, trajo consigo una nueva visión del papel del escultor. El escultor ya no sería un ornamentalista sino un creador de una obra de arte total en la que los componentes arquitectónicos serían reemplazados por esculturas. El mobiliario de la iglesia se convirtió en una ocasión para la creación de composiciones a gran escala, incorporadas al interior de la iglesia. [4] A partir de 1650, Quellinus trabajó durante 15 años en el nuevo ayuntamiento de Ámsterdam junto con el arquitecto principal Jacob van Campen . Este proyecto de construcción, ahora llamado Palacio Real de la Presa , y en particular las decoraciones de mármol que él y su taller produjeron, se convirtieron en un ejemplo para otros edificios de Ámsterdam. El equipo de escultores que Artus supervisó durante su trabajo en el ayuntamiento de Ámsterdam incluía muchos escultores, principalmente de Flandes, que se convertirían en escultores destacados por derecho propio, como su primo Artus Quellinus II , Rombout Verhulst , Bartholomeus Eggers y Gabriël Grupello y probablemente también Grinling Gibbons . Más tarde difundirían su lenguaje barroco en la República Holandesa, Alemania e Inglaterra. [20] [21] Otro importante escultor barroco flamenco fue Lucas Faydherbe (1617-1697), de Malinas , el segundo centro importante de escultura barroca en el sur de los Países Bajos. Se formó en Amberes en el taller de Rubens y desempeñó un papel importante en la difusión de la escultura del Alto Barroco en el sur de los Países Bajos. [22]
Mientras que los Países Bajos del Sur habían sido testigos de una fuerte caída en el nivel de producción y reputación de su escuela de pintura en la segunda mitad del siglo XVII, la escultura reemplazó en importancia a la pintura, bajo el impulso de la demanda nacional e internacional y la enorme y alta demanda. producción de calidad de varios talleres familiares en Amberes. En particular, los talleres de Quellinus, Jan y Robrecht Colyn de Nole, Jan y Cornelis van Mildert, Hubrecht y Norbert van den Eynde , Peter I, Peter II y Hendrik Frans Verbrugghen , Willem y Willem Ignatius Kerricx , Pieter Scheemaeckers y Lodewijk Willemsens produjeron una amplia gama de escultura que incluye mobiliario de iglesia, monumentos funerarios y esculturas de pequeña escala ejecutadas en marfil y maderas duraderas como el boj. [17] Si bien Artus Quellinus el Viejo representó el alto Barroco, a partir de la década de 1660 comenzó una fase más exuberante del Barroco denominada Barroco tardío. Durante esta fase las obras se volvieron más teatrales, manifestadas a través de representaciones religioso-extáticas y decoraciones fastuosas y vistosas. [4]
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Después de romper con el dominio de España, la República Holandesa predominantemente calvinista produjo un escultor de reputación internacional, Hendrick de Keyser (1565-1621). También fue el arquitecto principal de Ámsterdam y creador de importantes iglesias y monumentos. Su obra escultórica más famosa es la tumba de Guillermo el Silencioso (1614-1622) en la Nieuwe Kerk de Delft . La tumba fue esculpida en mármol, originalmente negro pero ahora blanco, con estatuas de bronce que representan a Guillermo el Silencioso, la Gloria a sus pies y las cuatro Virtudes Cardinales en las esquinas. Como la iglesia era calvinista, las figuras femeninas de las Virtudes Cardenales estaban completamente vestidas de pies a cabeza. [23]
Los alumnos y ayudantes del escultor flamenco Artus Quellinus el Viejo , que a partir de 1650 trabajó durante quince años en el nuevo ayuntamiento de Ámsterdam, desempeñaron un papel importante en la difusión de la escultura barroca en la República Holandesa. Este proyecto de construcción, ahora llamado Palacio Real de la Presa , y en particular las decoraciones de mármol que él y su taller produjeron, se convirtieron en un ejemplo para otros edificios de Ámsterdam. Los numerosos escultores flamencos que se unieron a Quellinus para trabajar en este proyecto tuvieron una importante influencia en la escultura barroca holandesa. Entre ellos se encuentra Rombout Verhulst , que se convirtió en el principal escultor de monumentos de mármol, incluidos monumentos funerarios, figuras de jardín y retratos. [24]
Otros escultores flamencos que contribuyeron a la escultura barroca en la República Holandesa fueron Jan Claudius de Cock , Jan Baptist Xavery , Pieter Xavery , Bartholomeus Eggers y Francis van Bossuit . Algunos de ellos formaron a escultores locales. Por ejemplo, el escultor holandés Johannes Ebbelaer (c. 1666-1706) probablemente recibió formación de Rombout Verhulst, Pieter Xavery y Francis van Bossuit. [25] Se cree que Van Bossuit también fue el maestro de Ignatius van Logteren . [26] Van Logteren y su hijo Jan van Logteren dejaron una huella importante en toda la arquitectura y decoración de las fachadas de Ámsterdam del siglo XVIII. Su obra constituye la última cumbre del barroco tardío y el primer estilo rococó en escultura en la República Holandesa. [27]
La escultura del barroco temprano en Inglaterra estuvo influenciada por una afluencia de refugiados de las guerras de religión en el continente. Uno de los primeros escultores ingleses en adoptar el estilo fue Nicholas Stone (también conocido como Nicholas Stone el Viejo) (1586-1652). Fue aprendiz de otro escultor inglés, Isaak James, y luego, en 1601, del destacado escultor holandés Hendrick de Keyser , que se había refugiado en Inglaterra. Stone regresó a Holanda con De Keyser, se casó con su hija y trabajó en su estudio en la República Holandesa hasta que regresó a Inglaterra en 1613. Stone adaptó el estilo barroco de los monumentos funerarios, por los que De Keyser era conocido, particularmente en la tumba. de Lady Elizabeth Carey (1617-18) y la tumba de Sir William Curle (1617). Al igual que los escultores holandeses, también adaptó el uso de mármol blanco y negro contrastante en los monumentos funerarios, cortinas cuidadosamente detalladas y realizó rostros y manos con un naturalismo y realismo notables. Al mismo tiempo que trabajó como escultor, también colaboró como arquitecto con Inigo Jones . [28]
En la segunda mitad del siglo XVIII, el escultor y tallista angloholandés Grinling Gibbons (1648 – 1721), que probablemente se había formado en la República Holandesa, creó importantes esculturas barrocas en Inglaterra, incluidas el Castillo de Windsor y el Palacio de Hampton Court, St. La Catedral de San Pablo y otras iglesias de Londres. La mayor parte de su obra es en madera de tilo ( Tilia ), especialmente las guirnaldas decorativas barrocas . [29] Inglaterra no tenía una escuela de escultura propia que pudiera satisfacer la demanda de tumbas monumentales, retratos escultóricos y monumentos a hombres geniales (los llamados dignos ingleses). Como resultado, los escultores del continente jugaron un papel importante en el desarrollo de la escultura barroca en Inglaterra. Varios escultores flamencos estuvieron activos en Inglaterra desde la segunda mitad del siglo XVII, entre ellos Artus Quellinus III , Antoon Verhuke, John Nost , Peter van Dievoet y Laurens van der Meulen . [30] Estos artistas flamencos colaboraron a menudo con artistas locales como Gibbons. Un ejemplo es la estatua ecuestre de Carlos II para la que Quellinus probablemente talló los paneles en relieve del pedestal de mármol, según diseños de Gibbons. [31]
En el siglo XVIII, el estilo barroco sería continuado por una nueva afluencia de artistas continentales, entre ellos los escultores flamencos Peter Scheemakers , Laurent Delvaux y John Michael Rysbrack y el francés Louis François Roubiliac (1707-1767). Rysbrack fue uno de los principales escultores de monumentos, decoraciones arquitectónicas y retratos de la primera mitad del siglo XVIII. Su estilo combinó el barroco flamenco con influencias clásicas. Dirigió un importante taller cuya producción dejó una huella importante en la práctica de la escultura en Inglaterra. [32] Roubiliac llegó a Londres c. 1730, después de formarse con Balthasar Permoser en Dresde y Nicolas Coustou en París. Se ganó reputación como retratista y más tarde también trabajó en monumentos funerarios. [33] Sus obras más famosas incluyeron un busto del compositor Handel , [34] realizado durante la vida de Handel para el patrón de los jardines de Vauxhall y la tumba de José y Lady Elizabeth Nightengale (1760). Lady Isabel había muerto trágicamente a causa de un parto falso provocado por un rayo en 1731, y el monumento funerario captó con gran realismo el patetismo de su muerte. Sus esculturas y bustos representaban a sus sujetos tal como eran. Estaban vestidos con ropa normal y se les daban posturas y expresiones naturales, sin pretensiones de heroísmo. [35] Sus bustos de retratos muestran una gran vivacidad y, por lo tanto, se diferenciaban del tratamiento más amplio de Rysbrack. [33]
El movimiento barroco floreció especialmente a finales del siglo XVII y principios del XVIII en Alemania y los estados del Imperio Habsburgo gobernados desde Viena . Los iconoclastas protestantes habían destruido un gran número de iglesias y estatuas durante la Reforma y las Guerras de Religión , y se realizaron un gran número de nuevas obras para reemplazarlas. Muchas de las nuevas obras expresaron temas triunfales; Hércules matando a un león, San Miguel matando a un dragón y otros temas que representaron el triunfo de la iglesia católica sobre los protestantes. [36]
Varios escultores vinieron de los Países Bajos para participar en la reconstrucción. Entre ellos se encontraba Hubert Gerhard (1550-1622) de Ámsterdam, un alumno de Giambologna , a quien el banquero alemán Hans Fugger le encargó la construcción de una fuente monumental para su castillo en Kirchheim . Esta fue la primera fuente de estilo barroco italiano construida al norte de los Alpes. Pronto, Gerhard recibió el encargo de realizar una fuente de estilo barroco italiano para la plaza de la ciudad de Augsburgo y una estatua de San Miguel matando a un dragón para la residencia del príncipe en Múnich . Los escultores Hans Krumper (1570-1634), Hans Reichle (1570-1624) y el holandés Adrien de Vries (1545-1626) crearon fuentes y estatuas monumentales de bronce similares, llenas de acción y dramatismo, para fachadas de iglesias y plazas. en Baviera. [36]
Uno de los escultores alemanes más inusuales del Barroco tardío fue Franz Xaver Messerschmidt , conocido tanto por su escultura religiosa como por una serie de retratos esculpidos que retrataban expresiones extremas. [37]
Balthasar Permoser (1651-1732) pasó catorce años en Italia, de 1675 a 1689, antes de convertirse en escultor de la corte de Dresde . Trabajó en Venecia, Roma y Florencia, y llevó el barroco italiano a Dresde, particularmente en los jardines y la decoración interior del Palacio Zwinger . Su obra más famosa fue una escultura de La apoteosis del príncipe Eugenio de Saboya , el general que había derrotado la invasión de los turcos otomanos. El Príncipe está retratado con el pie sobre un turco derrotado y con los atributos de Hércules. Su púlpito esculpido para la Hofkirche de Dresde es otra obra maestra de la escultura barroca. [38]
El teatro más espectacular de la escultura barroca en Alemania fue la arquitectura de las iglesias. Retablos y altares mayores particularmente complejos. repletas de estatuas y casi hasta el techo, fueron creadas por Hans Riechle, Jorg Zurn, Hans Degler y otros artistas. La familia Michael Zürn produjo varias generaciones de escultores muy productivos, que realizaron figuras de madera policromada o dorada y estuco. Otros artistas que produjeron retablos notables fueron Thomas Schwanthaler. [37]
En Viena, los últimos años del siglo XVIII produjeron algunas obras extraordinarias que marcaron la transición del barroco al rococó . Entre ellas se encontraba la Caída de los Ángeles en la Iglesia de San Miguel de Viena, de Karl Georg Merville. [ cita necesaria ]
El surgimiento del estilo barroco en España, como en Italia, fue impulsado en gran medida por la Iglesia católica, que lo utilizó durante la Contrarreforma como un arma poderosa contra los protestantes. La gran mayoría de obras se realizaron para sepulcros, altares y capillas. Al mismo tiempo, el siglo XVII fue un período de decadencia económica y aislamiento político y cultural; pocos artistas españoles viajaron al extranjero y sólo un puñado de escultores del norte de Europa, en particular el artista flamenco José de Arce, llegaron a España. Como resultado, el Barroco español se desarrolló independientemente del resto de Europa, y tuvo sus propias características específicas. [39]
La coronación del francés Felipe V, nieto de Luis XIV, como rey de España, y la primera dinastía borbónica a principios del siglo XVIII trajeron un cambio dramático en la política cultural y en el estilo. A partir de entonces, los encargos de obras de arte importantes estuvieron controlados por el rey, no por la iglesia, y por la Real Academia de las Artes. como en Francia, determinó los temas, el estilo y los materiales. Este período continuó hasta aproximadamente 1770. [40]
Se encargaron grandes cantidades de esculturas para retablos, relicarios y monumentos funerarios en las iglesias, así como estatuas para procesiones religiosas. Aparecieron nuevos temas, particularmente obras dedicadas al culto de la Virgen María . El estilo, pensado para lo popular, se inclinaba hacia el realismo. El material más utilizado era la madera, que frecuentemente se pintaba de diferentes colores. A partir de 1610 aproximadamente apareció un elemento de realismo específicamente español; los escultores dieron a sus estatuas pelucas de cabello real, usaron trozos de cristal para las lágrimas, dientes de marfil real y colores de piel pintados con cuidadoso realismo. [40]
Existían dos escuelas importantes de escultura española a principios del siglo XVI, la de Castilla y la de Andalucía . El énfasis en la escuela castellana estaba más en el sacrificio y el martirio, con abundante sufrimiento vívido. La escuela de Andalucía utilizó generalmente mayor ornamentación y menos violencia; el niño Cristo y la Virgen María fueron temas más frecuentes que en Castilla. [41] El primer centro del estilo castellano fue Valladolid , donde residió el rey Felipe III de España de 1601 a 1606. El artista más importante de la primera escuela castellana fue Gregorio Fernández (1576-1636). Sus primeros trabajos mostraron un realismo y un naturalismo extraordinarios, mostrando todas las heridas. Su Descendimiento de la Cruz en Valladolid, muy detallado y realista, fue realizado para ser llevado en procesión. [40] Su éxito le permitió crear un gran taller con numerosos ayudantes y realizar obras de gran formato, entre las que destaca el retablo de la Catedral de Plasencia realizado entre 1625 y 1632, considerado uno de los puntos culminantes del arte español en la primera mitad del siglo XVII. [42]
El otro centro temprano de la escultura barroca española fue la ciudad de Sevilla , que se había enriquecido enormemente con la riqueza de las colonias españolas en el Nuevo Mundo. El escultor más importante de la primera escuela sevillana fue Juan Martínez Montañés (1568-1649), cuyas obras retrataban el equilibrio y la armonía, con un mínimo de violencia y sangre. [42] Otro escultor sevillano importante fue Pedro Roldán (1624-1699), cuya obra principal fue el fastuoso retablo que representa el descenso de la Cruz de Cristo, realizado para el Hospital de Caidad de Sevilla (1670-72). La hija de Roldán, Luisa Roldán (1654-1704), también alcanzó fama por su obra y se convirtió en la primera mujer nombrada escultora real en España. [43]
Otros escultores barrocos españoles notables incluyen a Alonso Cano de Granada (1601-1634), quien también estuvo activo como pintor y escultor, y cuyas obras presentaban un naturalismo idealizado. Su alumno, Pedro de Mena (1628-1688), se convirtió en uno de los escultores más importantes de la escuela sevillana, con sus delicadas y realistas estatuas de santos de tamaño natural. [44]
A principios del siglo XVIII se crearon varias obras fastuosamente barrocas, incluido el altar El Transparente de Narciso Tomé en Toledo , un enorme altar creado de manera que, a medida que cambia la luz, parece moverse. Fue una de las pocas obras en España realizada en bronce y mármol, en lugar de madera. Fue la pieza central de un enorme complejo de arte compuesto de escultura, pintura y arquitectura que ocupa el centro de la catedral. [45]
Con la llegada al poder de la dinastía Borbón, el centro del mundo del arte se trasladó a Madrid, origen de los encargos reales. El aislamiento del arte español del arte del resto de Europa terminó con la llegada de artistas franceses e italianos, que fueron invitados a decorar el palacio real. También trajo nuevas obras de arte de tendencia extrema, entre ellas la torturada La cabeza de San Pablo de Juan Alonso Villabrille y Ron , junto con obras más delicadas, entre ellas una escultura de San Florentino de Francisco Salzillo . [ cita necesaria ]
El reinado de Carlos III de España (1760-1788) supuso un final abrupto del barroco español y una transición al neoclasicismo. El Rey decretó en 1777 que todas las esculturas de altar y retablos debían ser aprobados previamente por la Real Academia de San Fernando, y que en la escultura se debía utilizar mármol y piedra, y no madera, siempre que fuera posible. [ cita necesaria ]
El primer escultor y arquitecto barroco que trabajó en América Latina fue Pedro de Noguera (1580-), que nació en Barcelona y fue aprendiz en Sevilla . En 1619 se trasladó al Virreinato del Perú , donde, con Martín Alonso de Mesa, esculpió la sillería del coro barroco de la Catedral Basílica de Lima (1619-).
El estilo barroco de escultura fue transportado a otras partes de América Latina por misioneros españoles y portugueses en el siglo XVIII, quienes encargaron artistas locales. Se utilizó principalmente en las iglesias. La Escuela de Quito en Ecuador fue un importante grupo de escultores barrocos. Entre los artistas destacados de la escuela se encuentran Bernardo de Legarda y Caspicara .
Caspicara (1723-1796) fue un artista ecuatoriano que realizó figuras elegantes y ornamentadas para exhibir en las iglesias. Fue figura central de lo que se conoce como la Escuela Quiteña .
Aleijadinho (1730 o 1738 a 1814), era hijo de un colono portugués y una esclava africana. Se destaca por un grupo de estatuas monumentales de santos en esteatita (1800-1805) para el Santuário de Bom Jesus de Matosinhos en Congonhas , ahora declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. También realizó una serie de figuras de la Pasión de tamaño natural, que representan los acontecimientos que condujeron a la Crucifixión de Cristo (1780-1790).
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