John Anthony Baldessari (17 de junio de 1931 – 2 de enero de 2020) [1] fue un artista conceptual estadounidense conocido por su trabajo con fotografías encontradas e imágenes apropiadas. Vivió y trabajó en Santa Mónica y Venice, California .
Inicialmente pintor, Baldessari comenzó a incorporar textos y fotografías en sus lienzos a mediados de la década de 1960. En 1970 comenzó a trabajar en grabado, cine, video, instalación, escultura y fotografía. [2] Creó miles de obras que demuestran, y, en muchos casos, combinan, el potencial narrativo de las imágenes y el poder asociativo del lenguaje dentro de los límites de la obra de arte. Su arte ha aparecido en más de 200 exposiciones individuales en los EE. UU. y Europa. [3] Su trabajo influyó en el de Cindy Sherman , David Salle , Annette Lemieux y Barbara Kruger , entre otros. [4] [5]
Baldessari nació en National City, California , [6] hijo de Hedvig Marie Jensen (1896-1950), una enfermera danesa, [7] y Antonio Baldessari (1877-1976), un comerciante de chatarra italiano. Baldessari y su hermana mayor se criaron en el sur de California . [8] Asistió a la Sweetwater High School y al San Diego State College . [7] Baldessari creció en un relativo aislamiento durante la Gran Depresión. [9]
En 1959, Baldessari comenzó a enseñar arte en el sistema escolar de San Diego. Enseñó durante casi tres décadas, en escuelas y colegios universitarios y comunitarios, y finalmente a nivel universitario. Cuando la Universidad de California decidió abrir un campus en San Diego, el nuevo director del Departamento de Artes Visuales, Paul Brach , le pidió a Baldessari que fuera parte del cuerpo docente original en 1968. En la UCSD compartió una oficina con David Antin . [10] En 1970, Baldessari se mudó a Santa Mónica, donde conoció a muchos artistas y escritores, y comenzó a enseñar en CalArts . Sus primeras clases incluyeron a David Salle , Jack Goldstein , Mike Kelley , Ken Feingold , Tony Oursler , James Welling , Barbara Bloom , Matt Mullican y Troy Brauntuch . [11] [12] Mientras estaba en CalArts, Baldessari enseñó "la infame clase Post Studio", que pretendía "indicar a las personas que no pintaban lienzos ni picaban piedras, que podría haber algún otro tipo de situación de clase". [13] La clase, que operaba fuera de la especificidad del medio, fue influyente al informar el contexto para abordar la práctica artística de un estudiante en CalArts, y estableció una tradición de crítica conceptual en CalArts que fue continuada por artistas como Michael Asher . [14] Dejó de enseñar en CalArts en 1986, pasando a enseñar en UCLA, donde continuó hasta 2008. [11] En UCLA, sus estudiantes incluyeron a Elliott Hundley y Analia Saban .
En 1966, Baldessari utilizaba fotografías y texto, o simplemente texto, sobre lienzo. [2] Sus primeras obras importantes fueron pinturas sobre lienzo que estaban vacías, salvo por declaraciones pintadas derivadas de la teoría del arte contemporáneo . Uno de los primeros intentos de Baldessari incluía la frase pintada a mano "Supongamos que es verdad después de todo? ¿ENTONCES QUÉ?" (1967) sobre una superficie pintada muy trabajada. Sin embargo, esto resultó personalmente decepcionante porque la forma y el método entraban en conflicto con el uso objetivo del lenguaje que prefería emplear. Baldessari decidió que la solución era eliminar su propia mano de la construcción de la imagen y emplear un estilo comercial y sin vida para que el texto impactara al espectador sin distracciones. Luego, las palabras fueron rotuladas físicamente por pintores de carteles, en una fuente negra sin adornos . La primera de esta serie presentó la declaración irónica "UNA SUPERFICIE BIDIMENSIONAL SIN NINGUNA ARTICULACIÓN ES UNA EXPERIENCIA MUERTA" (1967).
Otra obra, Painting for Kubler (1967-68), ofrecía al espectador instrucciones teóricas sobre cómo verla y sobre la importancia del contexto y la continuidad con obras anteriores. Esta obra hacía referencia al influyente libro del historiador de arte George Kubler , The Shape of Time: Remarks on the History of Things (La forma del tiempo: comentarios sobre la historia de las cosas) . Baldessari pretendía que las preocupaciones artísticas aparentemente legítimas se volvieran huecas y ridículas al presentarlas de una manera tan puramente autorreferencial.
En 1970, Baldessari y cinco amigos [8] quemaron todas las pinturas que había creado entre 1953 y 1966 como parte de una nueva pieza, titulada The Cremation Project . Las cenizas de estas pinturas se hornearon en galletas [15] y se colocaron en una urna, y la instalación de arte resultante consiste en una placa conmemorativa de bronce con las fechas de nacimiento y muerte de las pinturas destruidas, así como la receta para hacer las galletas. [16] A través del ritual de la cremación, Baldessari establece una conexión entre la práctica artística y el ciclo de vida humano. Así, el acto de negación se vuelve generativo como en el trabajo del artista autodestructivo Jean Tinguely .
Baldessari es más conocido por sus obras que mezclan materiales fotográficos (como fotogramas de películas), los sacan de su contexto original y reorganizan su forma, a menudo incluyendo la adición de palabras u oraciones. Relacionada con sus primeras pinturas de texto estaba su serie Wrong (1966-1968), que combinaba imágenes fotográficas con líneas de texto de un libro de fotografía amateur, con el objetivo de violar un conjunto de "reglas" básicas sobre la composición de instantáneas. [17] En una de las obras, Baldessari se fotografió frente a una palmera precisamente para que pareciera que el árbol crecía de su cabeza. [18] Su proyecto fotográfico California Map Project (1969) creó formas físicas que se parecían a las letras de " California " geográficamente cerca de los mismos puntos del mapa en los que estaban impresas. En la serie Binary Code , Baldessari utilizó imágenes como soportes de información alternando fotografías para representar el estado encendido-apagado del código binario ; un ejemplo alternaba fotos de una mujer sosteniendo un cigarrillo paralelo a su boca y luego dejándolo caer.
Otra de las series de Baldessari yuxtaponía la imagen de un objeto como un vaso o un bloque de madera , y la frase «Un vaso es un vaso» o «La madera es madera» combinada con «pero un cigarro es un buen humo» y la imagen del artista fumando un cigarro. Estas referencias se refieren directamente a La traición de las imágenes de René Magritte ; las imágenes también se usaban para representar a los objetos descritos. Sin embargo, la serie también hace referencia aparentemente a la famosa observación atribuida a Sigmund Freud de que «A veces un cigarro es sólo un cigarro», [19] así como a la de Rudyard Kipling «… una mujer es sólo una mujer, pero un buen cigarro es un humo». [20]
En "Double Bill", una serie de impresiones de inyección de tinta de gran tamaño de 2012, [21] Baldessari emparejó el trabajo de dos artistas seleccionados (como Giovanni di Paolo con David Hockney o Fernand Léger con Max Ernst ) en un solo lienzo, alterando aún más el plano de la imagen apropiado al superponer sus propios añadidos de color pintados a mano. Baldessari luego nombra solo a uno de sus dos "colaboradores" artísticos en el borde inferior de cada lienzo, como ... Y MANET o ... Y DUCHAMP . [22] [23]
Baldessari ha expresado que su interés por el lenguaje proviene de sus similitudes en la estructura con los juegos, ya que ambos operan mediante un sistema de reglas arbitrario y obligatorio. En este espíritu, muchas de sus obras son secuencias que muestran intentos de lograr un objetivo arbitrario, como Lanzar tres pelotas al aire para obtener una línea recta (1973), en la que el artista intentó hacer exactamente eso, fotografiando los resultados y finalmente seleccionando el "mejor de 36 intentos", siendo 36 el número determinante simplemente porque ese es el número estándar de disparos en un rollo de película de 35 mm. El escritor eldritch Priest vincula la pieza de John Baldessari Lanzar cuatro pelotas al aire para obtener un cuadrado (mejor de 36 intentos) como un ejemplo temprano de arte posconceptual . [24] Esta obra fue publicada en 1973 por un joven editor italiano: Giampaolo Prearo, que fue uno de los primeros en creer e invertir en la obra de Baldessari. Imprimió dos series, una de 2000 ejemplares y una segunda más valiosa reservada al editor de 500 ejemplares. Siguiendo la declaración seminal de Baldessari "No haré más arte aburrido", concibió la obra El artista golpeando varios objetos con un palo de golf (1972-73), compuesta por 30 fotografías del artista balanceando y golpeando con un palo de golf objetos excavados en un vertedero, como una parodia de la catalogación en lugar de una clasificación estricta y exhaustiva. [25]
Gran parte de la obra de Baldessari consiste en señalar, con lo que le dice al espectador no solo qué mirar sino también cómo hacer selecciones y comparaciones, a menudo simplemente por el hecho de hacerlo. La serie Pinturas por encargo (1969) de Baldessari tomó la idea de señalar literalmente, después de leer una crítica del arte conceptual que afirmaba que no era más que señalar. Empezando con fotos de una mano que señalaba varios objetos, Baldessari contrató a artistas aficionados pero técnicamente hábiles para pintar los cuadros. Luego agregó una leyenda "Un cuadro de [nombre del pintor]" a cada cuadro terminado. En este caso, se lo ha comparado con un coreógrafo , que dirige la acción sin tener una participación directa en ella, y estas pinturas suelen leerse como un cuestionamiento de la idea de la autoría artística. Los artistas aficionados han sido comparados con los pintores de carteles de esta serie, elegidos por sus métodos pedestres que eran indiferentes a lo que se estaba pintando. [26] Baldessari critica las valoraciones formalistas del arte en un segmento de su vídeo How We Do Art Now (1973), titulado "Examining Three 8d Nails", en el que presta una atención obsesiva a los detalles minuciosos de los clavos, como la cantidad de óxido que tienen, o cualidades descriptivas como cuál parece "más frío, más distante, menos importante" que los demás.
Los puntos adhesivos circulares que cubren los rostros de los retratos fotografiados y pintados son un motivo predominante en la obra de Baldessari desde mediados de la década de 1980 en adelante. [27] El propio artista sospechaba que, a pesar de la amplia gama de enfoques que había adoptado a lo largo de su carrera, se lo recordaría más como "el tipo que pone puntos sobre los rostros de las personas". [28] Algunos ejemplos de "retratos de puntos" incluirían, por ejemplo, Domingo sangriento (1987) o Stonehenge con dos personas (2005), aunque estas obras son numerosas y es difícil identificar un ejemplar. Los puntos en estas pinturas evocan las pegatinas de precios de colores brillantes que a veces se ven en ventas de garaje, tiendas de segunda mano o se colocan en artículos minoristas durante una venta. De hecho, estas pegatinas parecen haber sido la inspiración para el método. Al describir su salto intuitivo inicial en esta dirección, Baldessari dijo: "Simplemente tenía estas etiquetas de precios que estaba usando para otra cosa, de alguna manera gráfica y las puse en todas las caras y sentí que nivelaba el campo de juego". [29] Las obras con caras de puntos a veces pueden describirse como pinturas, collages o pueden publicarse como ediciones impresas.
Baldessari comenzó a realizar grabados a principios de los años 70 y continuó produciendo ediciones. Creó su primer grabado, I Will Not Make Any More Boring Art (1971), como una edición para recaudar fondos para el Nova Scotia College of Art and Design , Halifax. La litografía se creó en conjunto con la ahora famosa exposición para la que, a pedido de Baldessari, los estudiantes escribieron sin cesar la frase "No haré más arte aburrido" en las paredes de la galería. Desde entonces, el artista ha trabajado a nivel internacional con editoriales de primer nivel, entre ellas Arion Press de San Francisco, Brook Alexander Editions de Nueva York, Cirrus Editions de Los Ángeles, Crown Point Press de San Francisco, Edition Jacob Samuel de Santa Mónica, Gemini GEL de Los Ángeles, Mixografia de Los Ángeles, Multiples, Multi Editions de Los Ángeles, Inc. de Nueva York y Peter Blum Editions de Nueva York. Sus grabados de 1988, The Fallen Easel y Object (with Flaw) , representaron un cambio importante en el enfoque de Baldessari hacia la presentación, permitiendo una relación más compleja entre sus imágenes encontradas. En ambos grabados, Baldessari contrasta expertamente fotografías no relacionadas para sugerir un trasfondo misterioso y/o siniestro. En la década de 1990, Baldessari comenzó a trabajar con Mixografia Workshop para crear impresiones tridimensionales utilizando su proceso único de impresión a partir de moldes de metal. El interés de Baldessari en la dimensionalidad se ha trasladado a ediciones recientes de Gemini GEL , incluida la serie Person with Guitar (2005) y la serie de grabados Noses & Ears, Etc. (2006-2007) en la que las imágenes serigrafiadas se construyen en tres capas sobre sintra con pintura a mano. Una publicación de 2007 de Gemini es God Nose , una pieza de aluminio fundido que está diseñada para colgar del techo. [30] Baldessari también contribuyó al portafolio Artists for Obama de 2008 , un conjunto de grabados en una edición limitada de 150 publicado por Gemini GEL.
Originalmente concebida en 1970, Unrealised Proposal for Cadavre Piece haría que los visitantes miraran a través de una mirilla y vieran un cuerpo masculino muerto tendido con sus pies hacia ellos dentro de una vitrina con clima controlado, [31] hecha para parecerse a la pintura de Andrea Mantegna , La lamentación sobre Cristo muerto (1480). Hans Ulrich Obrist , codirector de la Serpentine Gallery de Londres y Klaus Biesenbach , director del MoMA PS1 , intentaron por primera vez hacer realidad la idea de Baldessari en 2011 y el papeleo resultante de los intentos fallidos de obtener un cadáver masculino voluntario se exhibió en la exposición "11 Rooms" en el Festival Internacional de Manchester . [32]
La película de Baldessari Police Drawing documenta una actuación de 1971, Police Drawing Project . En esta pieza, el artista entró en una clase de estudiantes de arte que nunca lo habían visto, instaló una cámara de video para documentar los procedimientos y salió de la sala. Posteriormente, un artista policial entró y, basándose en el testimonio de los estudiantes, dibujó una imagen del artista. [33] En el video en blanco y negro I Am Making Art (1971), Baldessari se para frente a la cámara; durante casi 20 minutos, hace y luego mantiene varias poses (cruzando los brazos sobre el pecho o balanceando un brazo hacia un lado o apuntando directamente a la lente, por ejemplo) y con cada nuevo gesto, afirma "Estoy haciendo arte". [5] En un homenaje de 1972 a su colega artista Sol LeWitt , Baldessari cantó líneas de las treinta y cinco declaraciones de LeWitt sobre el arte conceptual al son de canciones populares. [34] Otras películas incluyen Teaching a Plant the Alphabet y los videos Inventory , también de 1972.
Una variación de su video en color de 1977 Six Colourful Inside Jobs , en Thirteen Colorful Inside Jobs (2013) una habitación es pintada por un artista con un color diferente cada día durante la duración de la exhibición, siguiendo cuidadosamente las instrucciones del artista. [32] [35]
Baldessari creó su primera escultura, Beethoven's Trumpet (with Ear) Opus # 127, 130, 131, 132, 133, 135 (2007), una serie de 6 componentes de resina, fibra de vidrio, bronce, aluminio y electrónica en forma de una gigantesca trompeta de bronce que se extiende desde una oreja de gran tamaño esculpida en la pared. [36] La escultura fue producida con Beyer Projects. [37] Cuando el espectador habla en la trompeta, los sonidos provocan un breve recital de una frase de un cuarteto de cuerdas de Beethoven. Baldessari ha continuado creando obras escultóricas que a menudo incorporan resina, bronce y acero, como la zanahoria de aproximadamente 2,4 m ( Fake Carrot , 2016) y una figura de bronce alargada atrapada con un barril de madera en un guiño a Giacometti ( Giacometti Variation , 2018). [38]
Baldessari participó en más de 200 exposiciones individuales y 1.000 exposiciones colectivas en sus seis décadas de carrera. [39] Tuvo su primera exposición individual en una galería en la Molly Barnes Gallery de Los Ángeles en 1968. [7] Su primera exposición retrospectiva en los EE. UU. en 1981 fue organizada por el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, [11] y viajó al Centro de Artes Contemporáneas de Cincinnati, el CAM de Houston, el Van Abbemuseum de Eindhoven y el Museo Folkwang de Essen.
Desde entonces su obra ha sido expuesta en:
Las presentaciones individuales de su obra en museos incluyen exposiciones en:
Se exhibieron retrospectivas de su obra en el MOCA de Los Ángeles, que luego viajaron al SFMOMA , al Hirshhorn Museum and Sculpture Garden , al Whitney Museum y al Musée d'Art Contemporain de Montreal en 1990-92; en Cornerhouse de Manchester, y viajó a Londres, Stuttgart, Liubliana, Oslo y Lisboa en 1995-96 con el título "This Not That"; y Pure Beauty se inauguró en el Tate Modern de Londres en 2009 y viajó al MACBA de Barcelona; al LACMA de Los Ángeles y al Metropolitan Museum of Art de Nueva York hasta 2011.
En 1994 se realizó una exposición "Elección del artista: John Baldessari" en el Museo de Arte Moderno , y el artista fue invitado a curar la exposición "Formas de ver: John Baldessari explora la colección" en el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn en 2006, y creó el diseño de la exposición "Magritte y el arte contemporáneo: la traición de las imágenes" en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles .
Para la temporada 2017/2018 en la Ópera Estatal de Viena diseñó la imagen de gran formato (176 m2 ( 1.890 pies cuadrados)) "Graduación" para la serie en curso "Cortina de seguridad", concebida por Museum in Progress . [40] [41]
La obra de Baldessari se conserva en las siguientes colecciones permanentes :
Baldessari ha sido galardonado con numerosos premios, entre otros:
En 2013, el Instituto de las Artes de California inauguró su edificio de estudio de arte John Baldessari, que cuenta con aproximadamente 7.000 pies cuadrados de espacio, gran parte del cual se utiliza como espacio de estudio para estudiantes y profesores de arte. [52]
Baldessari estableció un récord personal en una subasta cuando su pieza de acrílico sobre lienzo Quality Material (1966-1968) se vendió por 4,4 millones de dólares en Christie's Nueva York en 2007. [55]
En 1972, Ileana Sonnabend aceptó representarlo en todo el mundo. En 1999, después de veintiséis años con la galería Sonnabend , Baldessari pasó a manos de Marian Goodman . [11] También estuvo representado por Margo Leavin (1984-2013), [7] Sprüth Magers (desde 1998), Mai 36 Galerie y Galerie Greta Meert. [56] Desde 2021, el patrimonio del artista ha estado trabajando con Sprüth Magers en todo el mundo. [57]
Entre 1960 y 1984, Baldessari estuvo casado con la maestra montessoriana Carol Ann Wixom; [8] tuvieron dos hijos.
En 1990, Baldessari compró un bungalow en el barrio costero Ocean Park de Santa Mónica y contrató a los arquitectos Ron Godfredsen y Danna Sigal para que lo rediseñaran. También poseía una casa de vacaciones diseñada por Frank Gehry en Venice, California. [58] Dirigía un estudio en Main Street en Santa Mónica junto a Richard Diebenkorn y James Turrell . [59]
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