El grabado en madera es una técnica de impresión en relieve en el sector del grabado . Un artista talla una imagen en la superficie de un bloque de madera (normalmente con gubias ) dejando las partes de impresión al mismo nivel que la superficie y eliminando las partes que no se imprimen. Las áreas que el artista corta no llevan tinta, mientras que los caracteres o imágenes a nivel de la superficie llevan la tinta para producir la impresión. El bloque se corta a lo largo de la veta de la madera (a diferencia del grabado en madera , en el que el bloque se corta en la veta final). La superficie se cubre con tinta pasando un rodillo cubierto de tinta ( brayer ) sobre ella, dejando tinta sobre la superficie plana, pero no en las áreas que no se imprimen.
Se pueden imprimir varios colores fijando el papel a un marco alrededor de los bloques de madera (usando un bloque diferente para cada color). El arte de tallar el grabado en madera se puede llamar "xilografía", pero rara vez se usa en inglés para imágenes únicamente, aunque ese término y "xylographic" se usan en relación con los libros de bloques , que son pequeños libros que contienen texto e imágenes en el mismo bloque. Se hicieron populares en Europa durante la segunda mitad del siglo XV. Un grabado en madera de una sola hoja es un grabado en madera presentado como una sola imagen o impresión independiente , a diferencia de una ilustración de libro.
Desde sus orígenes en China, la práctica del grabado en madera se ha extendido por todo el mundo, desde Europa a otras partes de Asia y América Latina. [1]
En Europa y Asia Oriental, tradicionalmente el artista solo diseñaba el grabado en madera, y el tallado en bloque se dejaba en manos de artesanos especializados, llamados tallistas de formas o talladores de bloques , algunos de los cuales llegaron a ser muy famosos por derecho propio. Entre ellos, los más conocidos son Hieronymus Andreae (del siglo XVI, que también usaba "Formschneider" como apellido), Hans Lützelburger y Jost de Negker , todos ellos regentaban talleres y también operaban como impresores y editores. Los tallistas de formas, a su vez, entregaban el bloque a impresores especializados. Había otros especialistas que fabricaban los bloques en bruto.
Por eso, en los museos o en los libros, a veces se dice que los grabados en madera fueron "diseñados por" un artista, en lugar de "por" él; pero la mayoría de las autoridades no utilizan esta distinción. La división del trabajo tenía la ventaja de que un artista entrenado podía adaptarse al medio con relativa facilidad, sin necesidad de aprender a usar herramientas para trabajar la madera .
Existían varios métodos para transferir el diseño dibujado por el artista al bloque para que el cortador lo siguiera. O bien el dibujo se hacía directamente sobre el bloque (a menudo blanqueado primero) o bien se pegaba un dibujo en papel al bloque. En cualquier caso, el dibujo del artista se destruía durante el proceso de corte. Se utilizaban otros métodos, incluido el calco.
A principios del siglo XX, tanto en Europa como en Asia oriental, algunos artistas comenzaron a realizar todo el proceso ellos mismos. En Japón, este movimiento se denominó sōsaku-hanga (創作版画, grabados creativos ) , en contraposición a shin-hanga (新版画, nuevos grabados ) , un movimiento que conservaba los métodos tradicionales. En Occidente, muchos artistas utilizaron la técnica más sencilla del linograbado .
En comparación con las técnicas de huecograbado , como el aguafuerte y el grabado , para imprimir solo se necesita poca presión. Como método de relieve, solo es necesario entintar el bloque y ponerlo en contacto firme y uniforme con el papel o la tela para lograr una impresión aceptable. En Europa, se utilizaban comúnmente una variedad de maderas, entre ellas el boj y varias maderas de frutos secos y frutas como el peral o el cerezo; [2] en Japón, se prefería la madera de la especie de cerezo Prunus serrulata . [ cita requerida ]
Hay tres métodos de impresión a considerar:
La xilografía se originó en China en la antigüedad como un método de impresión sobre textiles y más tarde sobre papel. Los primeros fragmentos de xilografía impresos que sobreviven son de China, de la dinastía Han (antes de 220), y son de seda impresa con flores en tres colores. [4] "En el siglo XIII, la técnica china de la estampación en bloque se transmitió a Europa". [5] El papel llegó a Europa, también desde China a través de al-Andalus , un poco más tarde, y se fabricaba en Italia a fines del siglo XIII, y en Borgoña y Alemania a fines del XIV.
En Europa, la xilografía es la técnica más antigua utilizada para las estampas de los maestros antiguos , desarrollándose alrededor de 1400, mediante el uso, sobre papel, de las técnicas existentes para la impresión. Uno de los grabados en madera de una sola hoja sobre papel más antiguos que se pueden ver hoy en día es La Madonna del Fuego ( Madonna del Fuoco , en italiano), en la Catedral de Forlì , en Italia. Inicialmente, los temas religiosos, a menudo muy pequeños, eran con diferencia los más comunes. Muchos se vendían a los peregrinos en su destino, y se pegaban en las paredes de las casas, dentro de las tapas de las cajas, y a veces incluso se incluían en vendajes sobre las heridas, lo que se creía supersticiosamente que ayudaba a la curación.
La explosión de ventas de xilografías baratas a mediados de siglo provocó una caída de los estándares, y muchos grabados populares eran muy rudimentarios. El desarrollo del rayado llegó bastante después que el del grabado . Michael Wolgemut fue importante en la sofisticación de las xilografías alemanas a partir de 1475, y Erhard Reuwich fue el primero en utilizar el rayado cruzado (mucho más difícil de hacer que el grabado o el aguafuerte ). Ambos produjeron principalmente ilustraciones de libros, al igual que varios artistas italianos que también estaban elevando los estándares allí en el mismo período. A finales de siglo, Alberto Durero llevó la xilografía occidental a un nivel que, podría decirse, nunca ha sido superado, y aumentó enormemente el estatus de la xilografía de "una sola hoja" (es decir, una imagen vendida por separado). Lo hizo equivalente durante un tiempo en calidad y estatus a los grabados, antes de dedicarse a ellos él mismo.
En la primera mitad del siglo XVI, se siguieron produciendo xilografías de gran calidad en Alemania e Italia, donde Tiziano y otros artistas encargaron que se hicieran algunas. Gran parte del interés se centró en el desarrollo de la xilografía en claroscuro , utilizando múltiples bloques impresos en diferentes colores.
Como tanto los grabados en madera como los tipos móviles se imprimen en relieve, se pueden imprimir juntos fácilmente. Por consiguiente, el grabado en madera fue el principal medio para las ilustraciones de libros hasta finales del siglo XVI. La primera ilustración de libro en xilografía data de alrededor de 1461, solo unos años después del comienzo de la impresión con tipos móviles, impresa por Albrecht Pfister en Bamberg . El grabado en madera se utilizó con menos frecuencia para impresiones de bellas artes individuales ("de una sola hoja") desde aproximadamente 1550 hasta finales del siglo XIX, cuando se reanudó el interés. Siguió siendo importante para las impresiones populares hasta el siglo XIX en la mayor parte de Europa y más tarde en algunos lugares.
El arte alcanzó un alto nivel de desarrollo técnico y artístico en Asia oriental e Irán . La impresión en madera en Japón se llama moku-hanga y se introdujo en el siglo XVII, tanto para libros como para arte. El género popular de "mundo flotante" del ukiyo-e se originó en la segunda mitad del siglo XVII, con impresiones en monocromo o en dos colores. A veces, se coloreaban a mano después de la impresión. Más tarde, se desarrollaron impresiones con muchos colores. La xilografía japonesa se convirtió en una forma artística importante, aunque en ese momento se le concedió un estatus mucho menor que la pintura. Continuó desarrollándose hasta el siglo XX.
Esta técnica simplemente talla la imagen en líneas en su mayoría delgadas, similar a un grabado bastante rudimentario. El bloque se imprime de la manera normal, de modo que la mayor parte de la impresión es negra y la imagen se crea con líneas blancas. Este proceso fue inventado por el artista suizo del siglo XVI Urs Graf , pero se hizo más popular en los siglos XIX y XX, a menudo en una forma modificada donde las imágenes usaban grandes áreas de línea blanca en contraste con áreas en el estilo normal de línea negra. Esto fue iniciado por Félix Vallotton .
En la década de 1860, cuando los propios japoneses empezaban a tomar conciencia del arte occidental en general, los grabados japoneses empezaron a llegar a Europa en cantidades considerables y se pusieron muy de moda, especialmente en Francia. Tuvieron una gran influencia en muchos artistas, en particular Édouard Manet , Pierre Bonnard , Henri de Toulouse-Lautrec , Edgar Degas , Paul Gauguin , Vincent van Gogh , Félix Vallotton y Mary Cassatt . En 1872, Jules Claretie denominó la tendencia "Le Japonisme". [6]
Aunque la influencia japonesa se reflejó en muchos medios artísticos, incluida la pintura, condujo a un resurgimiento de la xilografía en Europa, que había estado en peligro de extinción como medio artístico serio. La mayoría de los artistas mencionados, a excepción de Félix Vallotton y Paul Gauguin, utilizaron de hecho la litografía , especialmente para impresiones en color. Vea a continuación la influencia japonesa en las ilustraciones de libros infantiles.
Los artistas, en particular Edvard Munch y Franz Masereel , siguieron utilizando este medio, que en el modernismo resultó muy atractivo porque era relativamente fácil completar todo el proceso, incluida la impresión, en un estudio con poco equipo especial. Los expresionistas alemanes utilizaron mucho el grabado en madera.
Los primeros grabados en madera en color aparecieron en la antigua China. Los más antiguos que se conocen son tres imágenes budistas que datan del siglo X. Los grabados en madera europeos con bloques de color se inventaron en Alemania en 1508 y se conocen como grabados en madera en claroscuro (véase más abajo). Sin embargo, el color no se convirtió en la norma, como sí sucedió en Japón con el ukiyo-e y otras formas.
En Europa y Japón, las xilografías en color se utilizaban normalmente sólo para grabados, no para ilustraciones de libros. En China, donde la estampa individual no se desarrolló hasta el siglo XIX, ocurre lo contrario, y las primeras xilografías en color aparecen sobre todo en libros de lujo sobre arte, especialmente sobre el medio más prestigioso de la pintura. El primer ejemplo conocido es un libro sobre pastillas de tinta impreso en 1606, y la técnica del color alcanzó su apogeo en los libros sobre pintura publicados en el siglo XVII. Ejemplos notables son el Tratado sobre las pinturas y los escritos del Estudio de los Diez Bambúes de Hu Zhengyan de 1633, [7] y el Manual de pintura del Jardín de Semillas de Mostaza publicado en 1679 y 1701. [8]
En Japón, la técnica del color, llamada nishiki-e en su forma más desarrollada, se difundió más ampliamente y se utilizó para grabados a partir de la década de 1760. El texto era casi siempre monocromo, al igual que las imágenes en los libros, pero la creciente popularidad del ukiyo-e trajo consigo una demanda cada vez mayor de colores y una complejidad de técnicas. En el siglo XIX, la mayoría de los artistas trabajaban en color. Las etapas de este desarrollo fueron:
En el siglo XIX se desarrollaron en Europa diversos métodos de impresión en color mediante xilografía (técnicamente llamada cromoxilografía ). En 1835, George Baxter patentó un método que utilizaba una placa de línea de huecograbado (o, en ocasiones, una litografía ), impresa en negro o en un color oscuro y luego sobreimpresa con hasta veinte colores diferentes a partir de bloques de madera. Edmund Evans utilizó relieve y madera en todas partes, con hasta once colores diferentes, y más tarde se especializó en ilustraciones para libros infantiles, utilizando menos bloques pero sobreimprimiendo áreas de color no sólidas para lograr colores mezclados. Artistas como Randolph Caldecott , Walter Crane y Kate Greenaway se vieron influenciados por los grabados japoneses que ahora estaban disponibles y de moda en Europa para crear un estilo adecuado, con áreas planas de color.
En el siglo XX, Ernst Ludwig Kirchner, del grupo Die Brücke, desarrolló un proceso de producción de xilografías coloreadas utilizando un único bloque al que se aplicaban diferentes colores con un pincel à la poupée y luego se imprimían (a medio camino entre una xilografía y una monotipia ). [9] Un ejemplo notable de esta técnica es la xilografía Retrato de Otto Müller de 1915 de la colección del Museo Británico . [10]
Los grabados en madera en claroscuro son grabados de antiguos maestros en madera que utilizan dos o más bloques impresos en diferentes colores; no necesariamente presentan fuertes contrastes de luz y oscuridad. Se produjeron por primera vez para lograr efectos similares a los dibujos en claroscuro. Después de algunos experimentos tempranos en la impresión de libros, el verdadero grabado en madera en claroscuro concebido para dos bloques probablemente fue inventado por primera vez por Lucas Cranach el Viejo en Alemania en 1508 o 1509, aunque antedató algunas de sus primeras impresiones y agregó bloques de tonos a algunas impresiones producidas primero para impresión monocroma, seguido rápidamente por Hans Burgkmair . [11] A pesar de la reivindicación de Giorgio Vasari de la precedencia italiana en Ugo da Carpi , está claro que sus primeros ejemplos italianos datan de alrededor de 1516. [12] [13]
Otros grabadores que utilizaron esta técnica fueron Hans Baldung y Parmigianino . En los estados alemanes, la técnica se utilizó en gran medida durante las primeras décadas del siglo XVI, pero los italianos continuaron utilizándola durante todo el siglo y, posteriormente, artistas como Hendrik Goltzius la utilizaron en ocasiones. En el estilo alemán, un bloque generalmente tenía solo líneas y se denomina "bloque de línea", mientras que el otro bloque o bloques tenían áreas planas de color y se denominan "bloques de tono". Los italianos generalmente usaban solo bloques de tono, para lograr un efecto muy diferente, mucho más cercano a los dibujos en claroscuro para los que se usó originalmente el término, o a las pinturas de acuarela . [14]
El grabador sueco Torsten Billman (1909-1989) desarrolló durante los años 1930 y 1940 una variante de la técnica del claroscuro con varios tonos grises a partir de tinta de imprenta común. El historiador de arte Gunnar Jungmarker (1902-1983) del Museo Nacional de Estocolmo denominó esta técnica "xilografía en grisalla". Se trata de un proceso de impresión que requiere mucho tiempo, exclusivamente para la impresión a mano, con varios bloques de madera gris además del bloque clave en blanco y negro. [15]
El grabado en madera se convirtió en una forma popular de arte en México a principios y mediados del siglo XX. [1] El medio en México se utilizó para transmitir el malestar político y fue una forma de activismo político, especialmente después de la Revolución Mexicana (1910-1920). En Europa, Rusia y China, el arte del grabado en madera también se utilizó durante este tiempo para difundir la política de izquierda como el socialismo, el comunismo y el antifascismo. [16] En México, el estilo artístico se hizo popular por José Guadalupe Posada , quien fue conocido como el padre del arte gráfico y el grabado en México y es considerado el primer artista moderno mexicano. [17] [18] Fue un caricaturista satírico y grabador antes y durante la Revolución Mexicana y popularizó el arte popular e indígena mexicano. Creó los grabados en madera de las icónicas figuras de esqueletos ( calaveras ) que son prominentes en las artes y la cultura mexicanas actuales (como en Coco de Disney Pixar ). [19] Véase La Calavera Catrina para más información sobre las calaveras de Posada .
En 1921, Jean Charlot , un grabador francés, se mudó a la Ciudad de México . Reconociendo la importancia de los grabados en madera de Posada, comenzó a enseñar técnicas de xilografía en las escuelas de arte al aire libre de Coyoacán . Muchos jóvenes artistas mexicanos asistieron a estas lecciones, incluido Fernando Leal . [17] [18] [20]
Después de la Revolución Mexicana, el país se encontraba en un estado de agitación política y social: hubo huelgas de trabajadores, protestas y marchas. Estos eventos necesitaban impresiones visuales baratas y producidas en masa para pegarlas en las paredes o distribuirlas durante las protestas. [17] La información necesitaba difundirse de manera rápida y económica al público en general. [17] Muchas personas todavía eran analfabetas durante esta época y, después de la Revolución, hubo un impulso para una educación generalizada. En 1910, cuando comenzó la Revolución, solo el 20% de los mexicanos sabía leer. [21] El arte se consideraba muy importante en esta causa y los artistas políticos usaban revistas y periódicos para comunicar sus ideas a través de la ilustración. [18] El Machete (1924-29) fue una revista comunista popular que usaba grabados en madera. [18] El arte del grabado en madera funcionó bien porque era un estilo popular que muchos podían entender.
Artistas y activistas crearon colectivos como el Taller de Gráfica Popular (TGP) (1937-presente) y Los Treintatreintistas (1928-1930) para crear grabados (muchos de ellos xilografías) que reflejaran sus valores socialistas y comunistas. [22] [20] El TGP atrajo a artistas de todo el mundo, incluida la grabadora afroamericana Elizabeth Catlett , cuyos grabados en madera influyeron más tarde en el arte de los movimientos sociales en los EE. UU. en las décadas de 1960 y 1970. [1] Los Treintatreintistas incluso enseñaron a trabajadores y niños. Las herramientas para el grabado en madera son fáciles de conseguir y las técnicas eran sencillas de aprender. Se consideraba un arte para el pueblo. [20]
En esa época, México intentaba descubrir su identidad y desarrollarse como una nación unificada. La forma y el estilo de la estética de los grabados en madera permitían que una amplia gama de temas y culturas visuales lucieran unificados. Las imágenes tradicionales y populares y las imágenes vanguardistas y modernas compartían una estética similar cuando se grababan en madera. La imagen del campo y de un granjero tradicional parecía similar a la imagen de una ciudad. [20] Este simbolismo era beneficioso para los políticos que querían una nación unificada. Las acciones físicas de tallar e imprimir grabados en madera también respaldaban los valores que muchos tenían sobre el trabajo manual y el apoyo a los derechos de los trabajadores. [20]
Hoy en día, en México, la tradición activista del grabado en madera sigue viva. En Oaxaca, durante las protestas de 2006 se formó un colectivo llamado Asamblea de Artistas Revolucionarios de Oaxaca (ASARO) . Están comprometidos con el cambio social a través del arte del grabado en madera. [23] Sus impresiones se convierten en carteles de pasta de trigo que se colocan en secreto por toda la ciudad. [24] Artermio Rodríguez es otro artista que vive en Tacambaro, Michoacán, que hace grabados en madera con carga política sobre temas contemporáneos. [1]
Europa
Japón ( Ukiyo-e )
En algunas partes del mundo (como el Ártico ) donde la madera es rara y cara, se utiliza la técnica del grabado en madera con piedra como medio para la imagen grabada. [25]
,_Malo-Renault_(1870-1938).jpg/1280px-Bois-grav%C3%A9s,_Menu_des_Cent_Bibliophiles_(1922),_Malo-Renault_(1870-1938).jpg)
![Xilografía moderna[¿cuándo?] Pintura de carpa, pintura de Đông Hồ, Vietnam.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/68/Tranh_%C4%90%C3%B4ng_H%E1%BB%93_-_C%C3%A1_ch%C3%A9p.jpg/1280px-Tranh_%C4%90%C3%B4ng_H%E1%BB%93_-_C%C3%A1_ch%C3%A9p.jpg)