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La técnica de impresión calcográfica, en gran parte histórica,consiste en realizar impresiones en color aplicando diferentes colores de tinta a una sola placa de impresión utilizando bolas de tela, una para cada color. El papel pasa una sola vez por la prensa, pero el entintado debe repetirse cuidadosamente después de cada impresión. Cada impresión suele variar al menos levemente, a veces de manera muy significativa. [2]
Aunque se inventó mucho antes, la técnica se volvió común desde finales del siglo XVII hasta principios del siglo XIX. Siempre fue una alternativa a la coloración a mano, generalmente con acuarela y pincel, y a menudo se combinaba con ella. [3] Las áreas grandes, como el cielo en los paisajes, se podían hacer a la manera de una muñeca, con partes más detalladas coloreadas a mano. [4] Se usaba con todas las diversas técnicas de grabado en huecograbado, pero tendía a ser más efectiva con el grabado punteado , "dando un aspecto brillante y limpio". [5]
El término à la poupée significa "con la muñeca" en francés, y la "muñeca" es el fajo de tela con forma de pelota. [6] El término comenzó a usarse recién después de 1900, y en diferentes idiomas se utilizaron diversos términos contemporáneos. De hecho, las descripciones técnicas dejan en claro que la tinta se aplicaba con un "pincel de muñón" al menos tanto como con la "muñeca". [7] En inglés, se lo puede llamar el "método dolly". [8]
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Al igual que en el caso de una impresión monocromática con una técnica de huecograbado (como el grabado , el aguafuerte , el mezzotinta y el aguatinta ), la tinta se extendía sobre la placa (normalmente de cobre) y luego se limpiaba de la superficie, dejando tinta solo en las líneas u otras áreas por debajo del nivel principal de la placa. Esto era mucho más difícil y más lento cuando se aplicaban diferentes colores de tinta a diferentes áreas, lo que requería lo que en realidad era un proceso de pintura en lugar de simplemente extender un solo color sobre toda la placa con lo que hoy llamaríamos una escobilla de goma . Cuando se quería un " tono de superficie ", no se limpiaba toda la tinta de la cara de la placa. La prensa de alta presión empujaba el papel ligeramente húmedo hacia estos huecos para recoger la tinta e imprimir la imagen. Para preparar la placa para la siguiente impresión, se limpiaba y se repetía todo el proceso. Es de suponer que el impresor normalmente trabajaba a partir de un modelo, probablemente en acuarela. [10]
Mary Cassatt , un artista de renombre, entintó ella misma su famoso grupo de 1891, algo que no es habitual en ella, y descubrió que imprimir 25 impresiones de diez estampas, con la ayuda de un impresor profesional, "era un gran trabajo... A veces trabajábamos todo el día (ocho horas) tan duro como podíamos y sólo imprimimos ocho o diez pruebas al día". [11]
La técnica variaba un poco; un relato basado en una práctica parisina del siglo XIX decía que primero se aplicaba un "tinte de fondo bastante claro, generalmente marrón, negro o gris", en todas partes excepto en las áreas de piel, dando un "tono leve" que "dominaba la imagen". [12] Pero el principal practicante temprano Johannes Teyler por ejemplo no hizo esto, entintando placas puramente lineales en diferentes colores, arriesgándose a que, según Antony Griffiths , los resultados "parecieran muy extraños". [13] Los grabadores posteriores generalmente usaban entintado à la poupée con técnicas que daban tono en lugar de solo línea, como el grabado punteado , el mezzotinta y el aguatinta. Se usaba comúnmente con placas de mezzotinta que habían comenzado a desgastarse (como sucedía bastante rápido) para disimular esto, aunque este no es siempre el caso, ya que algunas impresiones de prueba lo usan. [14]
El ejemplo más antiguo conocido de esta técnica es una impresión de un grabado religioso de Agostino Veneziano de alrededor de 1525 , en el que la Virgen y el Niño están impresos en rojo, y los santos que los rodean y el fondo en azul. No se sabe con certeza cuándo se imprimió. Otros usos tempranos de la técnica, muchas décadas después, son las portadas ilustradas en color de libros que, de otro modo, se ilustraban en blanco y negro. La primera portada en la que se utilizó esta técnica fue la Architectura de Wendel Dietterlin , con varias ediciones de Núremberg entre 1593 y 1598; se trataba de un libro muy ilustrado y muy influyente sobre el ornamento arquitectónico. [15]
El resurgimiento del interés por la técnica aproximadamente un siglo después se debió al artista holandés (entre otras profesiones) Johannes Teyler , quien en 1688 recibió una patente para la técnica y financió un taller holandés para producir grabados con la técnica. [16] Esto no duró mucho; durante unos diez años, el taller produjo más de 800 grabados diferentes utilizando hasta ocho colores. Se trataba principalmente de temas decorativos de todos los diversos tipos de la época, pero incluían grabados reproductivos de viejos maestros , más a menudo franceses que holandeses o italianos. [17] La técnica pronto fue adoptada por otros, especialmente en los Países Bajos y más tarde en Francia. A partir de 1695, varios editores de Ámsterdam comenzaron a publicar grabados con la técnica. [18]
La primera descripción publicada de la técnica se encuentra en la tercera edición de 1745 del manual sobre grabado del artista francés Abraham Bosse , De la manière de graver à l'eaux-forte et au burin... , publicado por primera vez un siglo antes. [19]
En la segunda mitad del siglo XVIII, la técnica comenzó a utilizarse para colorear impresiones más elaboradas que también se emitieron en monocromo , [20] siendo las impresiones en color mucho más caras y probablemente destinadas a enmarcar. [21] Los esquemas de color considerablemente diferentes en diferentes impresiones de algunas impresiones sugieren que a veces se extrajeron versiones en color individualmente para un pedido específico. [22] En Inglaterra, Elisha Kirkall fue uno de los primeros usuarios, en mezzotintas de la década de 1720, y Robert Laurie , un grabador de mapas y otros temas más tarde en el siglo, amplió el número de colores que se usaban, lo que ayudó a que la técnica volviera a estar de moda. [23]
Hacia finales de siglo, el italiano Francesco Bartolozzi y sus seguidores hicieron un gran uso de ella, y en Francia se utilizó para las ilustraciones de libros científicos de lujo, culminando con las del ilustrador botánico Pierre-Joseph Redouté , como su Les Roses (1817-1824). [24] Redouté hizo que los numerosos artistas que trabajaban con sus acuarelas las imprimieran con tinta à la poupée y luego colorearan a mano los detalles cuando fuera necesario. [25]
A mediados del siglo XIX, a medida que se desarrollaron otros métodos de impresión en color más económicos, el uso de à la poupée disminuyó. Pero a finales de siglo, un conjunto de diez grabados de Mary Cassatt fue un ejemplo temprano de la técnica aplicada individualmente por un artista importante, en lugar de un trabajador de un taller de impresión que seguía un modelo pintado. Utilizó punta seca , aguafuerte y aguatinta y color aplicado à la poupée. Las impresiones estaban influenciadas por las xilografías japonesas , especialmente las de Utamaru , que se hacían utilizando bloques múltiples complicados. [26] Peter Ilsted también utilizó la técnica, principalmente con mezzotinta . [27] y el grabador francés Manuel Robbe la utilizó con aguatinta. [28] Varios artistas posteriores han utilizado la técnica en ocasiones.
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