Un coro ( / ˈk w aɪər / KWIRE ; también conocido como coral o coro (del latín chorus , que significa 'una danza en círculo') es un conjunto musical de cantantes. La música coral , a su vez, es la música escrita específicamente para que la interprete dicho conjunto o, en otras palabras, es la música interpretada por el conjunto. Los coros pueden interpretar música del repertorio de música clásica , que abarca desde la época medieval hasta la actualidad, o del repertorio de música popular . La mayoría de los coros están dirigidos por un director , que dirige las interpretaciones con gestos de brazos, manos y cara.
El término coro se aplica muy a menudo a los grupos afiliados a una iglesia (ya sea que ocupen o no el coro ), mientras que un coro actúa en teatros o salas de conciertos, pero esta distinción no es rígida. Los coros pueden cantar sin instrumentos o acompañados por un piano , un acordeón, un órgano de tubos , un pequeño conjunto o una orquesta .
Un coro puede ser un subconjunto de un conjunto; por lo tanto, se habla del "coro de instrumentos de viento" de una orquesta, o de diferentes "coros" de voces o instrumentos en una composición policoral . En los oratorios y misas típicos de los siglos XVIII al XXI , "coro" implica que hay más de un cantante por parte, en contraste con el cuarteto de solistas que también aparece en estas obras.
Los coros suelen estar dirigidos por un director de coro o un maestro de coro. La mayoría de las veces, los coros constan de cuatro secciones destinadas a cantar en armonía a cuatro voces, pero no hay límite en el número de partes posibles siempre que haya un cantante disponible para cantar la parte: Thomas Tallis escribió un motete de 40 partes titulado Spem in alium , para ocho coros de cinco voces cada uno; el Stabat Mater de Krzysztof Penderecki es para tres coros de 16 voces cada uno, un total de 48 partes. Aparte de cuatro, el número más común de partes son tres, cinco, seis y ocho.
Los coros pueden cantar con o sin acompañamiento instrumental. Cantar sin acompañamiento se denomina canto a capela (aunque la Asociación Estadounidense de Directores Corales [1] desaconseja este uso en favor de "sin acompañamiento", ya que "capela" denota cantar "como en la capilla" y mucha música sin acompañamiento hoy en día es secular ). Los instrumentos de acompañamiento varían ampliamente, desde un solo instrumento (un piano o un órgano de tubos) hasta una orquesta completa de 70 a 100 músicos; para los ensayos, a menudo se utiliza un acompañamiento de piano u órgano , incluso si se planea una instrumentación diferente para la interpretación, o si el coro está ensayando música sin acompañamiento. Con la nueva prevalencia de los dispositivos electrónicos, los grupos pequeños pueden usarlos junto con pistas de aprendizaje tanto para ensayos grupales como para práctica privada.
Muchos coros actúan en uno o varios lugares, como una iglesia, un teatro de ópera, una escuela o un salón de actos. En algunos casos, los coros se unen para convertirse en un coro "de masas" que actúa en un concierto especial. En este caso, ofrecen una serie de canciones u obras musicales para celebrar y entretener a los demás.
La dirección es el arte de dirigir una interpretación musical , como un concierto coral , mediante gestos visibles con las manos, los brazos, la cara y la cabeza. Las principales funciones del director o director de coro son unificar a los intérpretes , marcar el ritmo , ejecutar preparaciones y ritmos claros ( métrica ) y escuchar críticamente y dar forma al sonido del conjunto. [2]
En la mayoría de los coros, la misma persona actúa como director musical (responsable de decidir el repertorio y contratar solistas y acompañantes), maestro/a del coro (o repetidor) (responsable de entrenar y ensayar a los cantantes) y director (responsable de dirigir la actuación). Sin embargo, estos roles pueden dividirse, especialmente cuando el coro se combina con otras fuerzas, por ejemplo en la ópera .
El director o director coral normalmente se para sobre una plataforma elevada y puede o no usar una batuta ; el uso de una batuta da mayor visibilidad a los gestos del director, pero muchos directores corales prefieren dirigir con sus manos para una mayor expresividad, particularmente cuando trabajan con un conjunto más pequeño. En la década de 2010, la mayoría de los directores no tocan un instrumento cuando dirigen, aunque en períodos anteriores de la historia de la música clásica , era común dirigir un conjunto mientras se tocaba un instrumento. En la música barroca de los años 1600 a 1750, los directores que actuaban en la década de 2010 podían dirigir un conjunto mientras tocaban un clavicémbalo o el violín (ver Concertino ). La dirección mientras se toca el piano también puede hacerse con orquestas de foso de teatro musical . La comunicación es típicamente no verbal durante una actuación (este es estrictamente el caso en la música de arte , pero en las big bands de jazz o los grandes conjuntos pop, puede haber instrucciones habladas ocasionales). Sin embargo, en los ensayos , el director a menudo dará instrucciones verbales al conjunto, ya que generalmente también actúa como director artístico que elabora la interpretación de la música del conjunto.
Los directores actúan como guías de los coros que dirigen. Eligen las obras que se van a interpretar y estudian sus partituras , a las que pueden hacer ciertos ajustes (por ejemplo, en cuanto al tempo, las repeticiones de secciones, la asignación de solos vocales, etc.), elaboran su interpretación y transmiten su visión a los cantantes. Los directores corales también pueden tener que dirigir conjuntos instrumentales como orquestas si el coro está cantando una pieza para coro y orquesta. También pueden ocuparse de cuestiones organizativas, como programar ensayos, [3] planificar una temporada de conciertos, escuchar audiciones y promocionar su conjunto en los medios de comunicación.
Históricamente, el repertorio cantado se divide en música sacra o religiosa y música profana . Si bien gran parte de la música religiosa se ha escrito pensando en la interpretación en concierto, su origen se encuentra en su papel dentro del contexto de la liturgia .
La mayoría de las iglesias cristianas ortodoxas orientales , algunos grupos protestantes estadounidenses y sinagogas judías tradicionales no acompañan sus canciones con instrumentos musicales. En las iglesias de rito occidental , el instrumento de acompañamiento suele ser el órgano, aunque en la América colonial , la Iglesia Morava utilizaba grupos de cuerdas y vientos. Muchas iglesias que utilizan un formato de culto contemporáneo utilizan una pequeña banda amplificada para acompañar el canto, y las iglesias católicas romanas pueden utilizar, a su discreción, un acompañamiento orquestal adicional.
Además de dirigir los cantos en los que participa la congregación, como los himnos y la música del servicio, algunos coros de iglesias cantan liturgias completas, incluidos los propios (introito, gradual, antífonas de comunión apropiadas para los diferentes momentos del año litúrgico ). Entre ellos, los más importantes son las iglesias anglicana y católica romana ; sin embargo, mucho más común es la interpretación de himnos o motetes en momentos designados del servicio.
Una de las principales clasificaciones de los coros es por género y edad, ya que tradicionalmente se ha pensado que estos factores afectan el sonido del coro [4] y la música que interpreta. [5] Los tipos se enumeran aquí en orden descendente aproximado de prevalencia en los niveles profesional y amateur avanzado o semiprofesional.
Los coros de niños formados exclusivamente por mujeres o mixtos tienden a ser menos frecuentes profesionalmente que los coros de niños de voces agudas, los coros de hombres de voces graves o los coros SATB completos. [6] Esto se debe en cierta medida a la falta de becas y otros tipos de financiación, y a la falta de oportunidades profesionales para las mujeres, como la de ser secretarias laicas o directoras musicales. [5]
Los coros también se clasifican según las instituciones en las que operan:
Algunos coros se clasifican según el tipo de música que interpretan, como
En los Estados Unidos, las escuelas intermedias y secundarias a menudo ofrecen coro como una clase o actividad. Algunos coros participan en competiciones. Un tipo de coro popular en las escuelas secundarias es el coro de exhibición . Durante la escuela intermedia y secundaria, las voces de los estudiantes van cambiando. Aunque las niñas experimentan cambios de voz , es mucho más significativo en los niños. Mucha literatura sobre educación musical se ha centrado en cómo funciona el cambio de voz masculino y cómo ayudar a los cantantes adolescentes masculinos. [9] La investigación realizada por John Cooksey clasifica el cambio de voz masculino en cinco etapas, y la mayoría de los niños de la escuela secundaria se encuentran en las primeras etapas del cambio. [9] El rango vocal de los estudiantes masculinos y femeninos puede ser limitado mientras su voz está cambiando, y los profesores de coro deben poder adaptarse, lo que puede ser un desafío para la enseñanza en este rango de edad. [10]
A nivel nacional, los estudiantes varones están inscritos en coros en cantidades mucho menores que sus estudiantes mujeres. [11] El campo de la educación musical ha tenido un interés de larga data en los "hombres ausentes" en los programas de música. [11] Las especulaciones sobre por qué no hay tantos niños en el coro, y las posibles soluciones, varían ampliamente. Un investigador descubrió que los niños que disfrutan del coro en la escuela secundaria pueden no siempre pasar al coro de la escuela secundaria porque simplemente no se adapta a sus horarios. [12] Algunas investigaciones especulan que una razón por la que la participación de los niños en el coro es tan baja es porque Estados Unidos no fomenta la participación de cantantes masculinos. [13] A menudo, las escuelas tendrán un coro de mujeres, lo que ayuda a equilibrar los problemas que enfrentan los coros mixtos al contratar cantantes femeninas adicionales. Sin embargo, sin un coro masculino también, esto puede empeorar el problema al no brindarles a los niños tantas oportunidades de cantar como a las niñas. [11] Otros investigadores han notado que tener un conjunto, o un taller dedicado a cantantes masculinos, puede ayudar con su confianza y habilidades para el canto. [12] [13] Los coros de las catedrales británicas suelen estar formados por alumnos matriculados en escuelas.
Existen diversas escuelas de pensamiento sobre cómo deben organizarse las distintas secciones en el escenario. La ubicación de los diferentes tipos de voces depende del director. En los coros sinfónicos es habitual (aunque de ninguna manera universal) ordenar el coro detrás de la orquesta desde las voces más agudas hasta las más graves de izquierda a derecha, lo que corresponde a la disposición típica de las cuerdas. En las situaciones a capela o con acompañamiento de piano no es inusual que los hombres estén atrás y las mujeres adelante; algunos directores prefieren colocar los bajos detrás de las sopranos, argumentando que las voces externas deben afinarse entre sí.
Los coros más experimentados pueden cantar con las voces mezcladas. A veces, los cantantes de la misma voz se agrupan en parejas o tríos. Los defensores de este método argumentan que hace que sea más fácil para cada cantante individual escuchar y afinar las otras partes, pero requiere más independencia de cada cantante. Los oponentes argumentan que este método pierde la separación espacial de las líneas de voz individuales, una característica valiosa para la audiencia, y que elimina la resonancia seccional, lo que disminuye el volumen efectivo del coro. Para la música con coros dobles (o múltiples), generalmente los miembros de cada coro están juntos, a veces significativamente separados, especialmente en interpretaciones de música del siglo XVI (como obras en el estilo policoral veneciano ). Algunos compositores de hecho especifican que los coros deben estar separados, como en el Réquiem de guerra de Benjamin Britten . Algunos compositores usan coros separados para crear efectos "antífonales", en los que un coro parece "responder" al otro coro en un diálogo musical.
También se tiene en cuenta el espaciamiento de los cantantes. Los estudios han demostrado que no sólo la formación real, sino también la cantidad de espacio (tanto lateral como circundante) afecta la percepción del sonido por parte de los coristas y los oyentes. [14]
Los orígenes de la música coral se encuentran en la música tradicional , ya que el canto en grandes grupos está muy extendido en las culturas tradicionales (tanto el canto a una voz o al unísono , como en la Antigua Grecia, como el canto a voces o en armonía , como en la música coral europea contemporánea). [15]
El repertorio coral más antiguo que sobrevive sin ambigüedades es el de la antigua Grecia , del que los himnos de Delfos del siglo II a. C. y los himnos de Mesomedes del siglo II d. C. son los más completos. El coro griego original cantaba su parte en el drama griego , y se conocen fragmentos de obras de Eurípides ( Orestes ) y Sófocles ( Áyax ) a partir de papiros . El epitafio de Seikilos (s. II a. C.) es una canción completa (aunque posiblemente para voz solista). Uno de los ejemplos más recientes, el himno de Oxirrinco (s. III), también es de interés como la música cristiana más antigua .
De la música del drama romano , en el siglo XVIII apareció un solo verso de Terencio . Sin embargo, el musicólogo Thomas J. Mathiesen comenta que ya no se cree que sea auténtico. [16]
La música escrita más antigua de Europa occidental es el canto gregoriano , junto con algunos otros tipos de canto que luego fueron absorbidos (o a veces suprimidos) por la Iglesia católica. Esta tradición de canto coral al unísono perduró desde algún momento entre los tiempos de San Ambrosio (siglo IV) y Gregorio Magno (siglo VI) hasta la actualidad. Durante la Baja Edad Media, un nuevo tipo de canto que involucraba múltiples partes melódicas, llamado organum , se volvió predominante para ciertas funciones, pero inicialmente esta polifonía solo era cantada por solistas. Los desarrollos posteriores de esta técnica incluyeron clausulae , conductus y el motete (más notablemente el motete isorrítmico ), que, a diferencia del motete renacentista , describe una composición con diferentes textos cantados simultáneamente en diferentes voces. La primera evidencia de polifonía con más de un cantante por parte aparece en el Manuscrito Old Hall (1420, aunque contiene música de finales del siglo XIV), en el que hay aparentes divisi , una parte dividiéndose en dos notas que suenan simultáneamente.
Durante el Renacimiento , la música coral sacra fue el principal tipo de música formalmente notada en Europa occidental. A lo largo de la era, cientos de misas y motetes (así como varias otras formas) fueron compuestos para coros a capela , aunque existe cierta disputa sobre el papel de los instrumentos durante ciertos períodos y en ciertas áreas. Algunos de los compositores más conocidos de esta época incluyen a Guillaume Dufay , Josquin des Prez , Giovanni Pierluigi da Palestrina , John Dunstable y William Byrd ; las glorias de la polifonía renacentista fueron corales, cantadas por coros de gran habilidad y distinción en toda Europa. La música coral de este período continúa siendo popular entre [17] muchos coros en todo el mundo hoy en día.
El madrigal , una canción de cámara concebida para que la cantaran aficionados , se originó en este período. Aunque en Italia los madrigales eran inicialmente escenarios dramáticos de poesía de amor no correspondido o historias mitológicas, se importaron a Inglaterra y se fusionaron con el balletto , más parecido a la danza , que celebraba canciones despreocupadas de las estaciones o de comer y beber. Para la mayoría de los angloparlantes, la palabra madrigal ahora se refiere a esto último, en lugar de a los madrigales propiamente dichos, que se refieren a una forma poética de versos que constan de siete y once sílabas cada uno.
La interacción de las voces cantadas en la polifonía renacentista influyó en la música occidental durante siglos. Los compositores se forman rutinariamente en el "estilo Palestrina" hasta el día de hoy, especialmente según lo codificó el teórico musical del siglo XVIII Johann Joseph Fux . Los compositores de principios del siglo XX también escribieron en estilos inspirados en el Renacimiento. Herbert Howells escribió una Misa en modo dórico completamente en estricto estilo renacentista, y la Misa en sol menor de Ralph Vaughan Williams es una extensión de este estilo. Anton Webern escribió su disertación sobre la Choralis Constantinus de Heinrich Isaac y las técnicas contrapuntísticas de su música serial pueden obtenerse de este estudio.
El período barroco en la música está asociado con el desarrollo alrededor de 1600 del bajo cifrado y el sistema de bajo continuo . La parte del bajo cifrado era interpretada por el grupo de bajo continuo, que como mínimo incluía un instrumento que tocara acordes (por ejemplo, órgano de tubos , clavicémbalo , laúd ) y un instrumento bajo (por ejemplo, violone ). La música vocal barroca exploró las implicaciones dramáticas en el ámbito de la música vocal solista, como las monodias de la Camerata florentina y el desarrollo de la ópera temprana . Esta innovación fue de hecho una extensión de la práctica establecida de acompañar la música coral en el órgano, ya sea a partir de una partitura reducida esquemática (a partir de la cual a veces se pueden reconstruir piezas que de otro modo se perderían) o de un bajo siguiente , una parte en un solo pentagrama que contiene la parte de sonido más bajo (la parte del bajo).
Un nuevo género fue el concertato vocal , que combinaba voces e instrumentos; sus orígenes se pueden buscar en la música policoral de la escuela veneciana . Claudio Monteverdi (1567-1643) lo perfeccionó con sus Vísperas y su Octavo Libro de Madrigales, que exigen un gran virtuosismo tanto por parte de los cantantes como de los instrumentos. (Su Quinto Libro incluye un bajo continuo "para clave o laúd"). Su alumno Heinrich Schütz (1585-1672) (que había estudiado anteriormente con Giovanni Gabrieli ) introdujo el nuevo estilo en Alemania. Junto a la nueva música de la seconda pratica , se siguieron escribiendo motetes contrapuntísticos en el stile antico o estilo antiguo hasta bien entrado el siglo XIX. Los coros en esta época solían ser bastante pequeños y los cantantes podían clasificarse como aptos para el canto eclesiástico o de cámara. Se documenta que Monteverdi, él mismo cantante, participó en representaciones de su Magnificat con una voz por parte. [18]
El acompañamiento instrumental independiente abrió nuevas posibilidades para la música coral. Los himnos en verso alternaban solos acompañados con secciones corales; los compositores más conocidos de este género fueron Orlando Gibbons y Henry Purcell . Los grandes motetes (como los de Lully y Delalande ) separaban estas secciones en movimientos separados. Los oratorios (de los que Giacomo Carissimi fue pionero) extendieron este concepto a obras de duración de concierto, generalmente basadas en historias bíblicas o morales.
La cumbre de la música coral barroca (en particular, el oratorio) se encuentra en las obras de Georg Friedrich Handel , en particular El Mesías e Israel en Egipto . Mientras que el coro moderno de cientos de personas tuvo que esperar el crecimiento de las sociedades corales y su concierto conmemorativo del centenario, vemos que Handel ya utilizaba una variedad de fuerzas interpretativas, desde los solistas de los Himnos de Chandos hasta grupos más grandes (cuyas proporciones aún son bastante diferentes de los coros de orquesta modernos):
Ayer [6 de octubre] hubo un ensayo del Himno de la Coronación en la Abadía de Westminster , musicalizado por el famoso Sr. Hendall: hubo 40 voces y alrededor de 160 violines , trompetas , trompetas , timbales y bajos proporcionales.
— Norwich Gazette , 14 de octubre de 1727
Los compositores luteranos escribieron cantatas con acompañamiento instrumental , a menudo basadas en melodías corales . Existen importantes obras corales sacras de finales del siglo XVII en la emergente tradición alemana (las cantatas de Dietrich Buxtehude son un excelente ejemplo), aunque la cantata de la iglesia luterana no asumió su forma más codificada y reconocible hasta principios del siglo XVIII. Georg Philipp Telemann (con sede en Frankfurt) escribió más de 1000 cantatas, muchas de las cuales fueron grabadas y publicadas (por ejemplo, su Harmonische Gottesdienst ) y Christoph Graupner (con sede en Darmstadt) más de 1400. Las cantatas de Johann Sebastian Bach (1685-1750) son quizás la contribución más reconocible (y a menudo interpretada) a este repertorio: su obituario menciona cinco ciclos completos de sus cantatas , de los cuales tres, que comprenden unas 200 obras, se conocen hoy en día, además de los motetes . Bach rara vez utilizó el término cantata. Motete se refiere a su música sacra sin acompañamiento de orquesta, sino instrumentos que tocan colla parte con las voces. Sus obras con acompañamiento son sus Pasiones , Misas , el Magníficat y las cantatas.
Un punto de gran controversia en la actualidad es la llamada "hipótesis de Rifkin", que reexamina el famoso " Entwurff ", el memorando de Bach de 1730 al Ayuntamiento de Leipzig ( Un borrador breve pero muy necesario para una música sacra bien equipada ) que exigía al menos 12 cantantes. A la luz de la responsabilidad de Bach de proporcionar música a cuatro iglesias y poder interpretar composiciones para coros dobles con un sustituto para cada voz, Joshua Rifkin concluye que la música de Bach se escribió normalmente con una voz por parte en mente. Algunos conjuntos de partes interpretativas originales incluyen ripieni que refuerzan en lugar de duplicar servilmente el cuarteto vocal.
Los compositores de finales del siglo XVIII se fascinaron con las nuevas posibilidades de la sinfonía y otra música instrumental, y generalmente descuidaron la música coral. Las obras corales principalmente sacras de Mozart se destacan como algunas de sus mejores (como la "Gran" Misa en do menor y el Réquiem en re menor, este último muy valorado). Haydn se interesó más en la música coral cerca del final de su vida después de sus visitas a Inglaterra en la década de 1790, cuando escuchó varios oratorios de Handel interpretados por grandes grupos; escribió una serie de misas a partir de 1797 y sus dos grandes oratorios La Creación y Las estaciones . Beethoven escribió solo dos misas, ambas destinadas al uso litúrgico, aunque su Missa solemnis probablemente sea adecuada solo para las ceremonias más grandiosas debido a su extensión, dificultad y partitura a gran escala. También fue pionero en el uso del coro como parte de la textura sinfónica con su Novena sinfonía y Fantasía coral .
En el siglo XIX, la música sacra se escapó de la iglesia y saltó al escenario de conciertos, con grandes obras sacras no aptas para el uso eclesiástico, como el Te Deum y el Réquiem de Berlioz , y el Ein deutsches Requiem de Brahms . El Stabat mater de Rossini , las misas de Schubert y el Réquiem de Verdi también explotaron la grandiosidad que ofrecía el acompañamiento instrumental. También se siguieron escribiendo oratorios, claramente influenciados por los modelos de Händel. La infancia de Cristo de Berlioz y Elías y San Pablo de Mendelssohn se encuentran en esta categoría. Schubert, Mendelssohn y Brahms también escribieron cantatas profanas, las más conocidas de las cuales son Schicksalslied y Nänie de Brahms .
Algunos compositores desarrollaron música a capela, especialmente Bruckner , cuyas misas y motetes yuxtaponen de manera sorprendente el contrapunto renacentista con la armonía cromática. Mendelssohn y Brahms también escribieron motetes a capela importantes. El coro amateur (que comenzó principalmente como un medio social) comenzó a recibir una consideración seria como un lugar de composición para las canciones a capela de Schubert, Schumann , Mendelssohn, Brahms y otros. Estos "clubes de canto" a menudo eran para mujeres u hombres por separado, y la música era típicamente a cuatro voces (de ahí el nombre de " canción a capela ") y a capela o con instrumentación simple. Al mismo tiempo, el movimiento ceciliano intentó una restauración del estilo renacentista puro en las iglesias católicas.
En Estados Unidos, el desarrollo de coros mixtos fue iniciado por grupos como The St. Olaf Choir y Westminster Choir College . Estos grupos se caracterizaban por arreglos de himnos y otras obras sacras de naturaleza cristiana que ayudaron a definir el sonido coral de los Estados Unidos durante la mayor parte del siglo XX. La música coral secular en los Estados Unidos fue popularizada por grupos como los Dale Warland Singers a lo largo de finales del siglo XX.
La encuesta en línea Big Choral Census se estableció para averiguar cuántos coros había en el Reino Unido, de qué tipo, con cuántos miembros, cantando qué tipo de música y con qué tipo de financiación. Los resultados estimaron que había unos 40.000 grupos corales operando en el Reino Unido y más de 2 millones de personas cantando regularmente en un coro. Más del 30 por ciento de los grupos enumerados se describieron a sí mismos como coros comunitarios, la mitad de los coros enumerados cantan música contemporánea, aunque cantar música clásica sigue siendo popular. La mayoría de los coros se autofinancian. Se cree que el aumento de la popularidad de cantar juntos en grupos ha sido alimentado en cierta medida en el Reino Unido por programas de televisión como 'The Choir' de Gareth Malone . [19] En 2017, el Purwa Caraka Music Studio Choir de Indonesia comenzó la tendencia cuando versionaron canciones infantiles en un arreglo coral para la película Surat Kecil untuk Tuhan . [20]
Además de sus funciones en la liturgia y el entretenimiento, los coros y coros también pueden tener funciones de servicio social, [21] incluso para el tratamiento de la salud mental [22] o como terapia para personas sin hogar y desfavorecidas, como el Coro de Golpes Duros [23] o para grupos especiales como las Esposas de Militares .
Realización
Este estudio descriptivo es una investigación sobre la historia de la formación del primer coro de hombres gay del país y su relevancia para la comunidad lesbigay como servicio social.
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