La cerámica , debido a su relativa durabilidad, comprende una gran parte del registro arqueológico de la antigua Grecia , y dado que hay tanta (más de 100.000 jarrones pintados están registrados en el Corpus vasorum antiquorum ), [1] ha ejercido una influencia desproporcionadamente grande en nuestra comprensión de la sociedad griega . Los fragmentos de vasijas descartadas o enterradas en el primer milenio a. C. siguen siendo la mejor guía disponible para comprender la vida y la mente consuetudinarias de los antiguos griegos. Hubo varias vasijas producidas localmente para uso diario y de cocina, pero la cerámica más fina de regiones como Ática fue importada por otras civilizaciones en todo el Mediterráneo , como los etruscos en Italia . [2] Hubo una multitud de variedades regionales específicas, como la cerámica griega antigua del sur de Italia .
En estos lugares se utilizaron diversos tipos y formas de vasos . No todos eran puramente utilitarios; las grandes ánforas geométricas se utilizaban como marcadores de tumbas, las cráteras de Apulia servían como ofrendas funerarias y las ánforas panateneas parecen haber sido consideradas en parte como objetos de arte , al igual que las figurillas de terracota posteriores. Algunas eran altamente decorativas y estaban destinadas al consumo de la élite y al embellecimiento doméstico, además de servir como almacenamiento u otra función, como la crátera con su uso habitual para diluir el vino.
Los estilos de cerámica griegos más antiguos, llamados "egeos" en lugar de "griegos antiguos", [ cita requerida ] incluyen la cerámica minoica , muy sofisticada en sus etapas finales, la cerámica cicládica , la cerámica miniana y luego la cerámica micénica en la Edad del Bronce , seguida por la disrupción cultural de la Edad Oscura griega . A medida que la cultura se recuperaba, la cerámica submicénica finalmente se fusionó con el estilo protogeométrico , que comienza la cerámica griega antigua propiamente dicha. [ cita requerida ]
El auge de la pintura de vasos fue acompañado por un aumento de la decoración. El arte geométrico en la cerámica griega fue contiguo a la Edad Oscura tardía y la Grecia Arcaica temprana , que vio el surgimiento del período orientalizante . La cerámica producida en la Grecia Arcaica y Clásica incluyó al principio la cerámica de figuras negras , pero luego surgieron otros estilos, como la cerámica de figuras rojas y la técnica de fondo blanco . Estilos como West Slope Ware fueron característicos del período helenístico posterior , que vio el declive de la pintura de vasos.
El interés por el arte griego se quedó rezagado con respecto al resurgimiento de la erudición clásica durante el Renacimiento y revivió en el círculo académico que rodeaba a Nicolas Poussin en Roma en la década de 1630. Aunque se realizaron modestas colecciones de jarrones recuperados de tumbas antiguas en Italia en los siglos XV y XVI, se los consideró etruscos . Es posible que Lorenzo de Medici comprara varios jarrones áticos directamente de Grecia ; [3] sin embargo, la conexión entre ellos y los ejemplos excavados en el centro de Italia no se hizo hasta mucho después. La Geschichte der Kunst des Alterthums de Winckelmann de 1764 fue la primera en refutar el origen etrusco de lo que ahora sabemos que es cerámica griega [4] sin embargo, las dos colecciones de Sir William Hamilton , una perdida en el mar y la otra ahora en el Museo Británico , todavía se publicaban como "jarrones etruscos"; habría que esperar hasta 1837 con Gräber der Hellenen de Stackelberg para poner fin de manera concluyente a la controversia. [5]
Gran parte de los primeros estudios sobre los vasos griegos se realizaron mediante la producción de álbumes con las imágenes que representan, pero ni los folios de D'Hancarville ni los de Tischbein registran las formas ni intentan proporcionar una fecha y, por lo tanto, no son fiables como registro arqueológico. Los intentos serios de estudio académico lograron un progreso constante durante el siglo XIX, comenzando con la fundación del Instituto di Corrispondenza en Roma en 1828 (más tarde el Instituto Arqueológico Alemán), seguido por el estudio pionero de Eduard Gerhard Auserlesene Griechische Vasenbilder (1840 a 1858), el establecimiento de la revista Archaeologische Zeitung en 1843 y la Ecole d'Athens en 1846. Fue Gerhard quien primero describió la cronología que ahora utilizamos, a saber: Orientalizante (Geométrica, Arcaica), Figura Negra, Figura Roja, Policromática (Helenística).
Finalmente, fue el catálogo Vasensammlung de la Pinakothek de Múnich, de Otto Jahn , de 1854 , el que estableció el estándar para la descripción científica de la cerámica griega, registrando las formas e inscripciones con una minuciosidad nunca vista hasta entonces. El estudio de Jahn fue el libro de texto estándar sobre la historia y la cronología de la cerámica griega durante muchos años, pero, al igual que Gerhard, fechó la introducción de la técnica de figuras rojas un siglo después de lo que realmente sucedió. Este error se corrigió cuando la Sociedad Arqueológica de Atenas emprendió la excavación de la Acrópolis en 1885 y descubrió los llamados " restos persas " de vasijas de figuras rojas destruidas por invasores persas en el 480 a. C. Con una cronología más sólidamente establecida, Adolf Furtwängler y sus estudiantes pudieron en las décadas de 1880 y 1890 fechar los estratos de sus excavaciones arqueológicas por la naturaleza de la cerámica encontrada en ellos, un método de seriación que Flinders Petrie aplicaría más tarde a la cerámica egipcia sin pintar.
Si bien el siglo XIX fue un período de descubrimiento griego y de establecimiento de los primeros principios, el siglo XX ha sido un período de consolidación e industria intelectual. Los esfuerzos por registrar y publicar la totalidad de las colecciones públicas de vasos comenzaron con la creación del Corpus vasorum antiquorum bajo la dirección de Edmond Pottier y el archivo Beazley de John Beazley .
Beazley y otros que le siguieron también estudiaron fragmentos de cerámica griega en colecciones institucionales y atribuyó muchas piezas pintadas a artistas individuales. Los investigadores llamaron a estos fragmentos disjecta membra (del latín "partes dispersas") y en varios casos pudieron identificar fragmentos que ahora se encuentran en diferentes colecciones y que pertenecen al mismo vaso. [6]
Los nombres que utilizamos para las formas de los vasos griegos suelen ser una cuestión de convención más que de hechos históricos. Algunos ilustran su propio uso o están etiquetados con sus nombres originales, mientras que otros son el resultado del intento de los primeros arqueólogos de conciliar el objeto físico con un nombre conocido de la literatura griega, no siempre con éxito. Para comprender la relación entre forma y función, la cerámica griega puede dividirse en cuatro grandes categorías, que se presentan aquí con los tipos más comunes: [2] [7] [8]
Además de estas funciones utilitarias, ciertas formas de vasos se asociaban especialmente con rituales , otras con el atletismo y el gimnasio . [9] No se conocen todos sus usos, pero cuando hay incertidumbre, los investigadores hacen buenas conjeturas aproximadas sobre el uso que habría tenido una pieza. Algunas tienen una función puramente ritual, por ejemplo
Algunas vasijas fueron diseñadas como marcadores de tumbas . Los cráteres marcaban los lugares de los hombres y las ánforas marcaban los de las mujeres. [10] Esto les ayudó a sobrevivir, y es por eso que algunas representan procesiones funerarias. [11] Los lekythoi de fondo blanco contenían el aceite utilizado como ofrendas funerarias y parecen haber sido hechos únicamente con ese objeto en mente. Muchos ejemplos tienen una segunda copa oculta en su interior para dar la impresión de estar llenos de aceite, por lo que no habrían servido para ningún otro fin útil.
Desde el siglo VIII a. C. existía un mercado internacional para la cerámica griega, que Atenas y Corinto dominaron hasta finales del siglo IV a. C. [12] Se puede obtener una idea de la magnitud de este comercio trazando los mapas de hallazgos de estos vasos fuera de Grecia, aunque esto no podría explicar los regalos o la inmigración. Solo la existencia de un mercado de segunda mano podría explicar el número de panateneas encontradas en las tumbas etruscas . Las mercancías del sur de Italia llegaron a dominar el comercio de exportación en el Mediterráneo occidental a medida que Atenas perdía importancia política durante el período helenístico .
Las pocas formas en que la cerámica de arcilla puede dañarse son al romperse, desgastarse o entrar en contacto con el fuego. [13] El proceso de hacer una vasija y cocerla es bastante simple. Lo primero que necesita un alfarero es arcilla . La arcilla con alto contenido de hierro del Ática le daba a sus vasijas un color naranja. [14]
Cuando se extrae la arcilla de la tierra, está llena de rocas, conchas y otros elementos inútiles que deben eliminarse. Para ello, el alfarero mezcla la arcilla con agua y deja que todas las impurezas se hundan hasta el fondo. Esto se llama levigación o elutriación . Este proceso se puede realizar muchas veces. Cuantas más veces se haga, más suave quedará la arcilla.
El alfarero amasa la arcilla y la coloca en un torno . Una vez que la arcilla está en el torno, el alfarero puede darle cualquiera de las muchas formas que se muestran a continuación, o cualquier otra que desee. La cerámica hecha con torno se remonta aproximadamente al año 2500 a. C. Antes de esto, se empleaba el método de bobina para construir las paredes de la vasija. La mayoría de los vasos griegos se hacían con torno, aunque, como en el caso de Rhyton, también se encuentran piezas hechas con molde (las llamadas piezas "de plástico") y se añadían elementos decorativos formados a mano o con molde a las vasijas torneadas. Las piezas más complejas se hacían en partes que luego se ensamblaban cuando estaban duras como el cuero mediante la unión con un engobe, y el alfarero volvía al torno para darles la forma o el torneado final. A veces, un joven ayudaba a girar el torno. [16] [17]
Una vez realizada la pieza, el alfarero la pintaba con una mezcla de arcilla de grano muy fino; la pintura se aplicaba sobre las zonas que se pretendía que se volvieran negras después de la cocción, según los dos estilos diferentes, es decir, la figura negra y la figura roja. [18] Para la decoración, los pintores de vasos utilizaban pinceles de diferente grosor, herramientas de punta fina para las incisiones y probablemente herramientas de un solo pelo para las líneas de relieve. [19]
Una serie de estudios analíticos han demostrado que el llamativo brillo negro con un brillo metálico, tan característico de la cerámica griega, surgió de la fracción coloidal de una arcilla ilítica con un contenido muy bajo de óxido de calcio. Esta engobe de arcilla era rica en óxidos e hidróxidos de hierro, diferenciándose de la utilizada para el cuerpo del vaso en términos de contenido de calcio, la composición mineral exacta y el tamaño de partícula. La suspensión de arcilla fina utilizada para la pintura se produjo utilizando varios aditivos defloculantes para la arcilla (potasa, urea, posos de vino, cenizas de huesos, cenizas de algas, etc.) o recogiéndola in situ de lechos de arcilla ilítica después de períodos de lluvia. Estudios recientes han demostrado que algunos oligoelementos en el vidriado negro (es decir, Zn en particular) pueden ser característicos de los lechos de arcilla utilizados en la antigüedad. En general, diferentes equipos de investigadores sugieren diferentes enfoques en relación con la producción de la engobe de arcilla utilizada en la antigüedad. [20] [21] [22]
La cerámica griega, a diferencia de la cerámica actual, se cocía solo una vez, mediante un proceso muy sofisticado. [23] El efecto de color negro se lograba modificando la cantidad de oxígeno presente durante la cocción. Esto se hacía en un proceso conocido como cocción en tres fases que implicaba condiciones alternas de oxidación y reducción. Primero, el horno se calentaba a alrededor de 920–950 °C, con todos los respiraderos abiertos, lo que llevaba oxígeno a la cámara de cocción y convertía tanto la olla como la barbotina en un marrón rojizo (condiciones oxidantes) debido a la formación de hematita (Fe 2 O 3 ) tanto en la pintura como en el cuerpo de arcilla. Luego, el respiradero se cerraba y se introducía madera verde, lo que creaba monóxido de carbono que convertía la hematita roja en magnetita negra (Fe 3 O 4 ); en esta etapa, la temperatura disminuye debido a una combustión incompleta. En una fase final de reoxidación (a unos 800–850 °C) se abrió el horno y se reintrodujo oxígeno, lo que provocó que la arcilla reservada sin engobe volviera a un color rojo anaranjado, mientras que el área engobada del jarrón que se había sinterizado/vitrificado en la fase anterior ya no se pudo oxidar y permaneció negra.
Si bien la descripción de una única cocción con tres etapas puede parecer económica y eficiente, algunos estudiosos afirman que es igualmente posible que cada una de estas etapas se limitara a cocciones separadas [24] en las que la cerámica se somete a múltiples cocciones, en diferentes atmósferas. En cualquier caso, la reproducción fiel del proceso que implicó un extenso trabajo experimental que condujo a la creación de una unidad de producción moderna en Atenas desde el año 2000, [25] ha demostrado que los vasos antiguos pueden haber sido sometidos a múltiples cocciones en tres etapas después del repintado o como un intento de corregir fallas de color [20] La técnica que se conoce principalmente como la "técnica de reducción de hierro" fue descifrada con la contribución de eruditos, ceramistas y científicos desde mediados del siglo XVIII en adelante hasta finales del siglo XX, es decir, Comte de Caylus (1752), Durand-Greville (1891), Binns y Fraser (1925), Schumann (1942), Winter (1959), Bimson (1956), Noble (1960, 1965), Hofmann (1962), Oberlies (1968), Pavicevic (1974), Aloupi (1993). Estudios más recientes de Walton et al. (2009), Walton et al.(2014), Lühl et al.(2014) y Chaviara & Aloupi-Siotis (2016) mediante el uso de técnicas analíticas avanzadas proporcionan información detallada sobre el proceso y las materias primas utilizadas. [26]
El aspecto más conocido de la cerámica griega antigua son los vasos pintados de gran calidad. No se trataba de la cerámica que utilizaba la mayoría de la gente a diario, pero eran lo suficientemente baratos como para que estuvieran al alcance de una amplia gama de la población.
Han sobrevivido pocos ejemplos de pintura griega antigua , por lo que los estudiosos modernos tienen que rastrear el desarrollo del arte griego antiguo en parte a través de la pintura de vasos griegos antiguos, que sobrevive en grandes cantidades y es también, junto con la literatura griega antigua , la mejor guía que tenemos sobre la vida y la mente habituales de los antiguos griegos.
La cerámica griega se remonta a la Edad de Piedra , como las encontradas en Sesklo y Dimini .
Una pintura más elaborada sobre cerámica griega se remonta a la cerámica minoica y micénica de la Edad del Bronce , algunos ejemplos posteriores de las cuales muestran la ambiciosa pintura figurativa que llegaría a ser muy desarrollada y típica.
Tras muchos siglos dominados por estilos de decoración geométrica, cada vez más complejos, los elementos figurativos volvieron con fuerza en el siglo VIII. Desde finales del siglo VII hasta aproximadamente el año 300 a. C., los estilos de pintura con figuras en constante evolución alcanzaron su máximo nivel de producción y calidad y se exportaron ampliamente.
Durante la Edad Oscura griega , que abarcó desde el siglo XI hasta el VIII a. C., el estilo predominante fue el del arte protogeométrico , que utilizaba predominantemente patrones decorativos circulares y ondulados. A este estilo de cerámica le siguió en la Grecia continental , el Egeo , Anatolia e Italia el conocido como arte geométrico , que empleaba hileras ordenadas de formas geométricas. [27]
El período de la Grecia Arcaica , que comienza en el siglo VIII a. C. y dura hasta finales del siglo V a. C., vio el nacimiento del período orientalizante , liderado en gran medida por la antigua Corinto , donde las figuras de palitos anteriores de la cerámica geométrica se desarrollaron en medio de motivos que reemplazaron los patrones geométricos. [12]
La decoración cerámica clásica está dominada principalmente por la pintura de vasos áticos . La producción ática fue la primera en reanudarse después de la Edad Oscura griega e influyó en el resto de Grecia, especialmente Beocia , Corinto , las Cícladas (en particular Naxos ) y las colonias jónicas en el este del Egeo . [28] La producción de vasos era en gran medida prerrogativa de Atenas: está bien atestiguado que en Corinto, Beocia, Argos, Creta y las Cícladas, los pintores y alfareros se conformaron con seguir el estilo ático. A finales del período Arcaico, los estilos de cerámica de figuras negras , cerámica de figuras rojas y la técnica de fondo blanco se habían establecido plenamente y continuarían en uso durante la era de la Grecia clásica , desde principios del siglo V hasta finales del IV a. C. Corinto fue eclipsada por las tendencias atenienses, ya que Atenas fue la progenitora tanto de los estilos de figuras rojas como de fondo blanco. [12]
Los vasos del período protogeométrico ( c. 1050-900 a. C.) representan el regreso de la producción artesanal después del colapso de la cultura del palacio micénico y la consiguiente edad oscura griega . Es uno de los pocos modos de expresión artística además de la joyería en este período, ya que la escultura, la arquitectura monumental y la pintura mural de esta era nos son desconocidas. Hacia 1050 a. C., la vida en la península griega parece haberse asentado lo suficiente como para permitir una marcada mejora en la producción de loza. El estilo se limita a la representación de círculos, triángulos, líneas onduladas y arcos, pero colocados con evidente consideración y notable destreza, probablemente ayudados por compases y múltiples pinceles. [29] El sitio de Lefkandi es una de nuestras fuentes más importantes de cerámica de este período, donde se ha encontrado un escondite de ajuares funerarios que da evidencia de un estilo protogeométrico eubeo distintivo que perduró hasta principios del siglo VIII. [30]
El arte geométrico floreció en los siglos IX y VIII a. C. y se caracterizó por nuevos motivos que rompían con la representación de los períodos minoico y micénico : meandros, triángulos y otras decoraciones geométricas (de ahí el nombre del estilo) que se diferenciaban de las figuras predominantemente circulares del estilo anterior. Sin embargo, nuestra cronología para esta nueva forma de arte proviene de objetos exportados que se encontraron en contextos datables en el extranjero.
En el estilo geométrico temprano (aproximadamente 900-850 a. C.) se encuentran solo motivos abstractos, en lo que se llama el estilo "Dipilo Negro", que se caracteriza por el uso extensivo de barniz negro; en el estilo geométrico medio (aproximadamente 850-770 a. C.) aparece la decoración figurativa: inicialmente son bandas idénticas de animales como caballos, ciervos, cabras, gansos, etc. que se alternan con las bandas geométricas. Al mismo tiempo, la decoración se vuelve más complicada y cada vez más recargada; el pintor se siente reacio a dejar espacios vacíos y los llena con meandros o esvásticas . Esta fase se llama horror vacui (miedo al vacío) y no cesará hasta el final del período geométrico.
A mediados de siglo comienzan a aparecer figuras humanas, cuyas representaciones más conocidas son las de los vasos hallados en Dipylon , uno de los cementerios de Atenas . Los fragmentos de estos grandes vasos funerarios muestran principalmente procesiones de carros o guerreros o de escenas funerarias: πρόθεσις ( prothesis ; exposición y lamentación de los muertos) o ἐκφορά ( ekphora ; transporte del féretro al cementerio). Los cuerpos están representados de forma geométrica a excepción de las pantorrillas, que son más bien protuberantes. En el caso de los soldados, un escudo en forma de diábolo , llamado "escudo de dipylon" por su característico dibujo, cubre la parte central del cuerpo. Las piernas y los cuellos de los caballos, las ruedas de los carros están representados uno al lado del otro sin perspectiva. La mano de este pintor, así llamado a falta de firma, es el Maestro Dipylon , y se ha podido identificar en varias piezas, en particular en ánforas monumentales. [32]
Al final del período aparecen representaciones de la mitología, probablemente en el momento en que Homero codifica las tradiciones del ciclo troyano en la Ilíada y la Odisea . Sin embargo, en este caso la interpretación constituye un riesgo para el observador moderno: un enfrentamiento entre dos guerreros puede ser un duelo homérico o un simple combate; un barco averiado puede representar el naufragio de Odiseo o de cualquier marinero desventurado.
Por último, están las escuelas locales que aparecen en Grecia. La producción de vasos era en gran medida prerrogativa de Atenas; está bien atestiguado que, como en el período protogeométrico, en Corinto, Beocia, Argos , Creta y las Cícladas , los pintores y alfareros se conformaron con seguir el estilo ático . A partir del siglo VIII a. C., crearon sus propios estilos: Argos se especializó en las escenas figurativas, mientras que Creta permaneció apegada a una abstracción más estricta. [33]
El estilo orientalizante fue el producto del fermento cultural en el Egeo y el Mediterráneo oriental de los siglos VIII y VII a. C. Fomentados por los vínculos comerciales con las ciudades-estado de Asia Menor , los artefactos de Oriente influyeron en un arte representativo altamente estilizado pero reconocible. Marfiles, cerámica y metalistería de los principados neohititas del norte de Siria y Fenicia encontraron su camino hacia Grecia, al igual que bienes de Urartu y Frigia de Anatolia , pero hubo poco contacto con los centros culturales de Egipto o Asiria . El nuevo idioma se desarrolló inicialmente en Corinto (como protocorintio) y más tarde en Atenas entre 725 a. C. y 625 a. C. (como protoático). [34]
Se caracterizaba por un vocabulario ampliado de motivos: esfinge , grifo , leones , etc., así como por un repertorio de animales no mitológicos dispuestos en frisos a lo largo del vientre del vaso. En estos frisos, los pintores también comenzaron a aplicar lotos o palmetas. Las representaciones de humanos eran relativamente raras. Las que se han encontrado son figuras en silueta con algún detalle inciso, tal vez el origen de las figuras de silueta incisa del período de figuras negras. Hay suficientes detalles en estas figuras para permitir a los estudiosos discernir varias manos de artistas diferentes. Las características geométricas permanecieron en el estilo llamado protocorintio que abrazó estos experimentos orientalizantes, pero que coexistió con un estilo subgeométrico conservador.
La cerámica de Corinto se exportó a toda Grecia y su técnica llegó a Atenas, lo que impulsó el desarrollo de un lenguaje menos marcadamente oriental. Durante esta época descrita como protoática, aparecen los motivos orientalizantes, pero los rasgos siguen siendo poco realistas. Los pintores muestran una preferencia por las escenas típicas del Periodo Geométrico, como las procesiones de carros. Sin embargo, adoptan el principio del dibujo lineal para reemplazar la silueta. A mediados del siglo VII a. C., aparece el estilo en blanco y negro: figuras negras sobre una zona blanca, acompañadas de policromía para reproducir el color de la carne o la vestimenta. La arcilla utilizada en Atenas era mucho más anaranjada que la de Corinto, por lo que no se prestaba tan fácilmente a la representación de la carne. Entre los pintores orientalizantes áticos se encuentran el pintor de Analatos , el pintor de Mesogeia y el pintor de Polifemo .
Creta , y especialmente las islas Cícladas, se caracterizan por su atracción por los vasos denominados «de plástico», es decir, aquellos cuyo vientre o cuello está moldeado en forma de cabeza de animal o de hombre. En Egina , la forma más popular del vaso de plástico es la cabeza de grifo. Las ánforas melanesias, fabricadas en Paros , muestran un escaso conocimiento de los desarrollos corintios. Presentan un marcado gusto por la composición épica y un horror vacui, que se expresa en una abundancia de esvásticas y meandros.
Finalmente, se puede identificar el último gran estilo del período, el de la cabra salvaje , asignado tradicionalmente a Rodas debido a un importante descubrimiento en la necrópolis de Kameiros . De hecho, está muy extendido en toda Asia Menor , con centros de producción en Mileto y Quíos . Predominan dos formas: los enochoes , que copian modelos de bronce, y los platos, con o sin pies. La decoración se organiza en registros superpuestos en los que animales estilizados, en particular cabras salvajes (de ahí el nombre) se suceden en frisos. Numerosos motivos decorativos (triángulos florales, esvásticas, etc.) llenan los espacios vacíos.
La cerámica de figuras negras es la que más se nos viene a la cabeza cuando pensamos en la cerámica griega. Fue un estilo popular en la antigua Grecia durante muchos años. El período de las figuras negras coincide aproximadamente con la era designada por Winckelmann como Arcaica media a tardía , desde c. 620 a 480 a. C. La técnica de incidir figuras silueteadas con detalles vívidos que ahora llamamos el método de las figuras negras fue una invención corintia del siglo VII [35] y se extendió desde allí a otras ciudades-estado y regiones, incluidas Esparta , [36] Beocia , [37] Eubea , [38] las islas griegas orientales [39] y Atenas.
El tejido corintio, estudiado extensamente por Humfry Payne [40] y Darrell Amyx [41] , se puede rastrear a través del tratamiento paralelo de las figuras humanas y animales. Los motivos animales tienen mayor prominencia en el vaso y muestran la mayor experimentación en la fase temprana de las figuras negras corintias. A medida que los artistas corintios ganaron confianza en su representación de la figura humana, el friso de animales disminuyó en tamaño en relación con la escena humana durante la fase media y tardía. A mediados del siglo VI a. C., la calidad de la cerámica corintia había disminuido significativamente hasta el punto de que algunos alfareros corintios disfrazaban sus vasijas con un engobe rojo en imitación de la cerámica ateniense superior.
En Atenas, los investigadores han encontrado los primeros ejemplos conocidos de pintores de vasos que firmaban sus obras; el primero es un dinosaurio de Sófilo (ilustración siguiente, BM, c. 580 ), lo que quizás sea indicativo de su creciente ambición como artistas a la hora de producir la obra monumental que se demandaba como lápidas, como por ejemplo el Vaso de Francisco de Cletias . Muchos estudiosos consideran que las mejores obras de este estilo pertenecen a Exequias y al Pintor de Amasis , que son conocidos por su sensibilidad para la composición y la narrativa.
Hacia el año 520 a. C. se desarrolló la técnica de figuras rojas, que fue introducida gradualmente en forma de vaso bilingüe por el pintor Andokides , Oltos y Psiax . [42] Las figuras rojas eclipsaron rápidamente a las figuras negras, aunque en la forma única del ánfora Panathanaic, las figuras negras continuaron utilizándose hasta bien entrado el siglo IV a. C.
La técnica de las figuras rojas fue una innovación de Atenas, inventada a finales del siglo VI. Era todo lo contrario de la técnica de las figuras negras, que tenía un fondo rojo. La capacidad de reproducir detalles mediante pintura directa en lugar de incisión ofreció nuevas posibilidades expresivas a los artistas, como perfiles de tres cuartos, mayor detalle anatómico y la representación de la perspectiva.
La primera generación de pintores de figuras rojas trabajó tanto en figuras rojas como negras, así como en otros métodos, incluida la técnica de Six y el fondo blanco ; este último se desarrolló al mismo tiempo que las figuras rojas. Sin embargo, en veinte años, la experimentación había dado paso a la especialización, como se ve en los jarrones del Grupo Pionero , cuyo trabajo figurativo era exclusivamente en figuras rojas, aunque conservaron el uso de figuras negras para algunas ornamentaciones florales tempranas. Los valores y objetivos compartidos de los pioneros, como Euphronios y Euthymides, indican que eran algo parecido a un movimiento autoconsciente, aunque no dejaron ningún testimonio más allá de su propio trabajo. John Boardman dijo sobre la investigación sobre su trabajo que "la reconstrucción de sus carreras, propósito común, incluso rivalidades, puede tomarse como un triunfo arqueológico". [43]
La siguiente generación de pintores de vasos del Arcaico tardío ( c. 500 a 480 a. C.) aportó un naturalismo creciente al estilo, como se puede apreciar en el cambio gradual del ojo de perfil. Esta fase también ve la especialización de los pintores en pintores de vasos y copas, con los pintores de Berlín y Cleofrades notables en la primera categoría y Douris y Onésimo en la segunda.
En la época clásica temprana y alta de la pintura de figuras rojas ( c. 480-425 a. C.), se habían desarrollado varias escuelas distintas. Los manieristas asociados con el taller de Myson y ejemplificados por el Pintor de Pan se aferran a las características arcaicas de los drapeados rígidos y las poses torpes y las combinan con gestos exagerados. Por el contrario, la escuela del Pintor de Berlín en la forma del Pintor de Aquiles y sus compañeros (que pueden haber sido alumnos del Pintor de Berlín) favorecieron una pose naturalista generalmente de una sola figura contra un fondo negro sólido o de lekythoi sobrios sobre fondo blanco. Polignoto y el Pintor de Cleofón pueden incluirse en la escuela del Pintor de Nióbidas , ya que su trabajo indica algo de la influencia de las esculturas del Partenón tanto en el tema (por ejemplo, la centauromaquia de Polignoto, Bruselas, Musées Royaux A. & Hist., A 134) como en el sentido de la composición.
Hacia finales de siglo, el estilo "rico" de la escultura ática, como se ve en la balaustrada de Niké, se refleja en la pintura de jarrones contemporánea, con una atención cada vez mayor a los detalles incidentales, como el cabello y las joyas. El pintor de Meidias suele ser el más identificado con este estilo.
La producción de vasos en Atenas se detuvo alrededor del 330-320 a. C., posiblemente debido al control de la ciudad por parte de Alejandro Magno , y había estado en lento declive durante el siglo IV junto con la fortuna política de la propia Atenas. Sin embargo, la producción de vasos continuó en los siglos IV y III en las colonias griegas del sur de Italia, donde se pueden distinguir cinco estilos regionales: el de Apulia , el de Lucania , el de Sicilia , el de Campania y el de Paestan . El trabajo de figuras rojas floreció allí con la adición distintiva de la pintura policromática y, en el caso de la colonia del Mar Negro de Panticapeum, el trabajo dorado del estilo Kerch . El trabajo de varios artistas notables nos ha llegado, incluido el Pintor de Darío y el Pintor del Inframundo , ambos activos a fines del siglo IV, cuyas escenas policromadas abarrotadas a menudo ensayan una complejidad de emoción que no intentaron los pintores anteriores. Su trabajo representa una fase manierista tardía en el logro de la pintura de vasos griegos.
La técnica de fondo blanco se desarrolló a finales del siglo VI a. C. A diferencia de las más conocidas técnicas de figuras negras y figuras rojas, su coloración no se conseguía mediante la aplicación y cocción de engobes sino mediante el uso de pinturas y dorados sobre una superficie de arcilla blanca. Permitía un mayor nivel de policromía que las otras técnicas, aunque los vasos acaban siendo menos llamativos visualmente. La técnica adquirió gran importancia durante los siglos V y IV, especialmente en forma de pequeños lecitos que se convirtieron en ofrendas funerarias típicas. Entre los representantes importantes se encuentran su inventor, el Pintor de Aquiles , así como Psiax , el Pintor de Pistoxenos y el Pintor de Tánatos .
Los jarrones en relieve y de plástico se hicieron especialmente populares en el siglo IV a. C. y continuaron fabricándose en el período helenístico. Se inspiraron en el llamado "estilo rico" desarrollado principalmente en el Ática después del 420 a. C. Las características principales fueron las composiciones de múltiples figuras con uso de colores añadidos (rosa/rojizo, azul, verde, dorado) y un énfasis en las figuras mitológicas femeninas. El teatro y la interpretación constituyeron una fuente más de inspiración.
El Museo Arqueológico de Delfos posee algunos ejemplos particularmente buenos de este estilo, incluyendo un vaso con Afrodita y Eros . La base es redonda, cilíndrica, y su asa vertical, con bandas, recubiertas de color negro. La figura femenina (Afrodita) está representada sentada, luciendo un himatión . Junto a ella se encuentra una figura masculina, desnuda y alada. Ambas figuras llevan coronas hechas de hojas y sus cabellos conservan restos de pintura dorada. Los rasgos de sus rostros están estilizados. El vaso tiene un fondo blanco y mantiene en varias partes los restos de pintura azulada, verdosa y rojiza. Data del siglo IV a.C.
En la misma sala se conserva un pequeño lecito con decoración plástica que representa a una bailarina alada. La figura lleva un tocado persa y un vestido oriental, lo que indica que ya en esa época las bailarinas orientales, posiblemente esclavas, se habían puesto de moda. La figura también está cubierta de un color blanco. La altura total del vaso es de 18 centímetros y data del siglo IV a. C.
El período helenístico , iniciado por las conquistas de Alejandro Magno , vio la desaparición virtual de la cerámica de figuras negras y rojas, pero también el surgimiento de nuevos estilos como la cerámica de la vertiente occidental en el este, la cerámica Centuripe en Sicilia y los vasos Gnathia en el oeste. [44] Fuera de la Grecia continental, se desarrollaron otras tradiciones griegas regionales, como las de la Magna Grecia con los diversos estilos del sur de Italia, incluidos Apulia , Lucania , Paestan , Campania y Sicilia . [12]
Las inscripciones en la cerámica griega son de dos tipos: las incisas (las más antiguas son contemporáneas a los inicios del alfabeto griego en el siglo VIII a. C.) y las pintadas, que sólo comienzan a aparecer un siglo después. Ambas formas son relativamente comunes en los vasos pintados hasta el período helenístico, cuando la práctica de inscribir en los vasos parece desaparecer. Se encuentran con mucha más frecuencia en la cerámica ática.
Se pueden distinguir varias subclases de inscripción. Los alfareros y pintores firmaban ocasionalmente sus obras con epoiesen y egraphsen respectivamente. Se han encontrado marcas registradas desde principios del siglo VI en piezas corintias; es posible que pertenecieran a un comerciante exportador en lugar de al sector de la cerámica y esto sigue siendo un tema de conjeturas. También se registran a veces los nombres de los clientes, así como los nombres de los personajes y objetos representados. A veces podemos encontrar un fragmento de diálogo que acompaña a una escena, como en "El caballo de Disnéquito ha ganado", anuncia un heraldo en un ánfora de las Panateneas (BM, B 144). Más desconcertantes, sin embargo, son las inscripciones kalos y kalee , que podrían haber formado parte del ritual de cortejo en la alta sociedad ateniense, pero que se encuentran en una amplia variedad de vasos no necesariamente asociados con un entorno social. Finalmente, hay abecedarios e inscripciones sin sentido, aunque se limitan en gran medida a las vasijas de figuras negras. [45]
Las figurillas de terracota griegas fueron otro tipo importante de cerámica, inicialmente mayoritariamente religiosas, pero cada vez más representaban temas puramente decorativos. Las llamadas figurillas de Tanagra , de hecho fabricadas también en otros lugares, son uno de los tipos más importantes. Las figurillas anteriores solían ser ofrendas votivas en los templos.
Varias vasijas de arcilla debieron su inspiración a formas de metalistería en bronce, plata y, a veces, oro. Estas fueron cada vez más utilizadas por la élite en las cenas, pero no se colocaban en las tumbas, donde habrían sido robadas, y a menudo se consideraban una reserva de valor que se podía canjear como lingotes cuando fuera necesario. Muy pocas vasijas de metal han sobrevivido, ya que en algún momento se fundieron y el metal se reutilizó.
En las últimas décadas, muchos estudiosos han cuestionado la relación convencional entre ambos materiales, al ver que se ha producido una cantidad mucho mayor de jarrones pintados de lo que se creía anteriormente, hechos para ser colocados en tumbas, como un sustituto más barato de los objetos de metal, tanto en Grecia como en Etruria. La propia pintura también puede copiar la de los vasos de metal con mayor exactitud de lo que se pensaba. [46]
La crátera de Derveni , procedente de las cercanías de Tesalónica , es una gran crátera de bronce con voluta de aproximadamente el año 320 a. C., que pesa 40 kilogramos y está finamente decorada con un friso de 32 centímetros de alto con figuras en relieve que representan a Dioniso rodeado de Ariadna y su procesión de sátiros y ménades .
El nombre del alabastrón deriva del alabastro , del que se fabricaba originalmente. [47] También se utilizaba vidrio, sobre todo para pequeños y elegantes frascos de perfume, aunque algunos vidrios helenísticos rivalizaban con la metalistería en calidad y probablemente en precio.
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