La ópera cómica , a veces conocida como ópera ligera , es una obra dramática cantada de naturaleza ligera o cómica, generalmente con un final feliz y que a menudo incluye diálogo hablado.
Las primeras formas de ópera cómica se desarrollaron a finales del siglo XVII en Italia. En la década de 1730, surgió un nuevo género operístico, la ópera buffa , como alternativa a la ópera seria . Rápidamente llegó a Francia, donde se convirtió en la opéra comique y, finalmente, en el siglo siguiente, en la opereta francesa , con Jacques Offenbach como su más destacado intérprete.
La influencia de las formas italianas y francesas se extendió a otras partes de Europa. Muchos países desarrollaron sus propios géneros de ópera cómica, incorporando los modelos italiano y francés junto con sus propias tradiciones musicales. Algunos ejemplos incluyen el singspiel alemán , la opereta vienesa , la zarzuela española , la ópera cómica rusa, la balada inglesa y la ópera de Saboya , la opereta norteamericana y la comedia musical .
A finales del siglo XVII en Italia, comenzaron a ofrecerse obras musicales de tono ligero como alternativa a la ópera seria (ópera italiana del siglo XVII basada en la mitología clásica ), más pesada. Il Trespolo tutore (1679) de Alessandro Stradella fue un precursor temprano de la ópera buffa . La ópera tiene una trama burlesca, y los personajes del ridículo guardián Trespolo y la criada Despina son prototipos de personajes ampliamente utilizados más tarde en el género de la ópera buffa .
La forma comenzó a florecer en Nápoles con Il trionfo dell'onore (1718) de Alessandro Scarlatti . Escritas inicialmente en dialecto napolitano, estas obras se "italianizaron" con las óperas de Scarlatti, Pergolesi ( La serva padrona , 1733), Galuppi ( Il filosofo di campagna , 1754), Piccinni ( La Cecchina , 1760), Paisiello ( Nina , 1789), Cimarosa ( Il matrimonio segreto , 1792), y luego las grandes óperas cómicas de Mozart y, más tarde, Rossini y Donizetti .
Al principio, las óperas cómicas se representaban generalmente como intermezzi entre actos de obras más serias. La ópera cómica napolitana y luego la italiana se convirtieron en una forma independiente y se convirtieron en la forma de entretenimiento escénico más popular en Italia desde aproximadamente 1750 hasta 1800. En 1749, trece años después de la muerte de Pergolesi, su La serva padrona arrasó en Italia y Francia, evocando el elogio de figuras de la Ilustración francesa como Rousseau .
En 1760, Niccolò Piccinni escribió la música de La Cecchina a partir de un texto del gran dramaturgo veneciano Carlo Goldoni . Ese texto estaba basado en la popular novela inglesa de Samuel Richardson , Pamela, o la virtud recompensada (1740). Muchos años después, Verdi llamó a La Cecchina la "primera ópera cómica italiana auténtica", es decir, lo tenía todo: estaba en italiano estándar y no en dialecto; ya no era simplemente un intermezzo, sino una pieza independiente; tenía una historia real que le gustaba a la gente; tenía variedad dramática; y, musicalmente, tenía melodías fuertes e incluso partes orquestales de apoyo fuertes, incluida una obertura "independiente" fuerte (es decir, incluso se podía disfrutar de la obertura como una pieza orquestal independiente). Verdi también estaba entusiasmado porque la música era de un italiano del sur y el texto de un norteño, lo que apelaba a la visión panitaliana de Verdi.
El género fue desarrollado aún más en la primera mitad del siglo XIX por Gioachino Rossini en obras como El barbero de Sevilla (1816) y La Cenerentola (1817) y por Gaetano Donizetti en L'elisir d'amore (1832) y Don Pasquale (1843), pero decayó a mediados del siglo XIX, a pesar de Falstaff de Giuseppe Verdi puesta en escena en 1893.
Los compositores franceses adoptaron con entusiasmo el modelo italiano y lo hicieron suyo, llamándolo opéra comique . Entre los primeros defensores se encuentran los italianos Egidio Duni , François-André Philidor , Pierre-Alexandre Monsigny , André Grétry , François-Adrien Boïeldieu , Daniel François Auber y Adolphe Adam . Aunque originalmente estaba reservado para obras menos serias, el término opéra comique pasó a referirse a cualquier ópera que incluyera diálogo hablado, incluidas obras como Médée de Cherubini y Carmen de Bizet que no son "cómicas" en ningún sentido de la palabra.
A Florimond Hervé se le atribuye la invención de la ópera bufa francesa u opérette . [1] Jacques Offenbach , que trabajaba sobre el mismo modelo, lo superó rápidamente y escribió más de noventa operetas . Mientras que las óperas cómicas francesas anteriores tenían una mezcla de sentimiento y humor, las obras de Offenbach estaban destinadas únicamente a divertir. Aunque en general estaban bien elaboradas y llenas de sátira humorística y parodias de grandes óperas, las tramas y los personajes de sus obras a menudo eran intercambiables. Dado el ritmo frenético al que trabajaba, Offenbach a veces utilizaba el mismo material en más de una ópera. Otro francés que adoptó esta forma fue Charles Lecocq .
El singspiel se desarrolló en la Viena del siglo XVIII y se extendió por toda Austria y Alemania. Al igual que en la opéra comique francesa , el singspiel era una ópera con diálogo hablado y, por lo general, de temática cómica, como en El rapto del serrallo (1782) y La flauta mágica (1791) de Mozart . Los singspiels posteriores , como Fidelio (1805) de Beethoven y El cazador furtivo (1821) de Weber , conservaron la forma, pero exploraron temas más serios.
La opereta vienesa del siglo XIX se basó tanto en el singspiel como en el modelo francés. Franz von Suppé es recordado principalmente por sus oberturas. Johann Strauss II , el "rey del vals", contribuyó con Die Fledermaus (1874) y El barón gitano (1885). Carl Millöcker, director de orquesta durante mucho tiempo en el Theater an der Wien , también compuso algunas de las operetas vienesas más populares de finales del siglo XIX, entre ellas Der Bettelstudent (1882), Gasparone (1884) y Der arme Jonathan (1890).
Después del cambio de siglo, Franz Lehár escribió La viuda alegre (1905); Oscar Straus escribió Ein Walzertraum ("Un sueño de vals", 1907) y El soldado de chocolate (1908); y Emmerich Kálmán compuso Die Csárdásfürstin (1915).
La zarzuela , introducida en España en el siglo XVII, tiene sus raíces en el teatro musical tradicional español popular. Alterna entre escenas habladas y cantadas, estas últimas incorporando bailes, con números corales y escenas humorísticas que suelen ser duetos. Estas obras son relativamente cortas y los precios de las entradas a menudo eran bajos, para atraer al público en general. Hay dos formas principales de zarzuela : la zarzuela barroca ( c. 1630-1750 ), el estilo más temprano, y la zarzuela romántica ( c. 1850-1950 ), que puede dividirse a su vez en los dos subgéneros de género grande y género chico .
Pedro Calderón de la Barca fue el primer dramaturgo que adoptó el término zarzuela para su obra titulada El golfo de las sirenas (1657). Lope de Vega pronto escribió una obra titulada La selva sin amor, drama con orquesta. La orquesta de instrumentos estaba oculta al público, los actores cantaban en armonía y la composición musical en sí misma tenía como objetivo evocar una respuesta emocional. Algunas de estas primeras piezas se perdieron, pero Los celos hacen estrellas de Juan Hidalgo y Juan Vélez, que se estrenó en 1672, sobrevive y nos da una idea de cómo era el género en el siglo XVII.
En el siglo XVIII, el estilo operístico italiano influyó en la zarzuela . Pero a partir del reinado del rey borbón Carlos III , el sentimiento antiitaliano aumentó. La zarzuela volvió a sus raíces en la tradición popular española en obras como los sainetes (o entreactos) de Don Ramón de la Cruz. La primera obra de este autor en este género fue Las segadoras de Vallecas (1768), con música de Rodríguez de Hita .
Las zarzuelas de un solo acto se clasificaban como género chico y las de tres o más actos como género grande . La zarzuela grande siguió luchando en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, pero con poco éxito y escasa asistencia. A pesar de ello, en 1873 se inauguró un nuevo teatro, el Teatro Apolo , para zarzuela grande , que compartió los fracasos del Teatro de la Zarzuela, hasta que se vio obligado a cambiar su programación al género chico .
La primera ópera representada en Rusia , en 1731, fue una ópera cómica (o "commedia per musica"), Calandro , del compositor italiano Giovanni Alberto Ristori . Le siguieron las óperas cómicas de otros italianos, como Galuppi , Paisiello y Cimarosa , y también del compositor belga / francés Grétry .
La primera ópera cómica rusa fue Anyuta (1772). El texto fue escrito por Mijaíl Popov , con música de un compositor desconocido, que consta de una selección de canciones populares especificadas en el libreto. Otra ópera cómica de éxito, El molinero que era mago, tramposo y casamentero , texto de Aleksandr Ablesimov (1779), sobre un tema parecido al Devin de Rousseau , se atribuye a Mijaíl Sokolovsky . Iván Kerzelli , Vasili Pashkevich y Yevstigney Fomin también escribieron una serie de óperas cómicas de éxito en el siglo XVIII.
En el siglo XIX, la ópera cómica rusa fue desarrollada por Alexey Verstovsky , que compuso más de 30 óperas vodeviles y 6 grandes óperas (la mayoría de ellas con diálogo hablado). Más tarde, Modest Mussorgsky trabajó en dos óperas cómicas, La feria de Sorochyntsi y Zhenitba ("El matrimonio"), que dejó inacabadas (no se completaron hasta el siglo XX). Pyotr Tchaikovsky escribió una ópera cómica, Cherevichki (1885). Nikolai Rimsky-Korsakov compuso La noche de mayo (1878-1879) y El gallo de oro (1906-1907).
En el siglo XX, los mejores ejemplos de ópera cómica de compositores rusos fueron Mavra (1922) y El progreso del libertino (1951) de Ígor Stravinski , El amor de las tres naranjas (1919) y Desposorios en un monasterio (1940-1941, puesta en escena en 1946) de Serguéi Prokófiev , y La nariz (1927-1928, puesta en escena en 1930) de Dmitri Shostakóvich . Al mismo tiempo, los géneros de música ligera , opereta , comedia musical y, más tarde, ópera rock , fueron desarrollados por compositores como Isaak Dunayevsky , Dmitri Kabalevsky , Dmitri Shostakovich (Opus 105: Moscú, Cheryomushki , opereta en 3 actos, (1958)), Tikhon Khrennikov y, más tarde, por Gennady Gladkov , Alexey Rybnikov y Alexander Zhurbin .
El siglo XXI en la ópera cómica rusa comenzó con los estrenos ruidosos de dos obras cuyo género podría calificarse de "ópera-farsa": Zar Demyan ( Царь Демьян ) - una representación operística aterradora . Un proyecto colectivo de cinco autores escribió la obra: Leonid Desyatnikov y Vyacheslav Gaivoronsky de San Petersburgo , Iraida Yusupova y Vladimir Nikolayev de Moscú , y el colectivo creativo "Kompozitor", que es un seudónimo del conocido crítico musical Pyotr Pospelov. El libreto es de Elena Polenova, basado en un drama popular, Zar Maksimilyan , y la obra se estrenó el 20 de junio de 2001 en el Teatro Mariinski de San Petersburgo. Premio "Máscara de oro, 2002" y "Sofito de oro, 2002".
Los hijos de Rosenthal ( Дети Розенталя ), ópera en dos actos de Leonid Desyatnikov , con libreto de Vladimir Sorokin . Esta obra fue un encargo del Teatro Bolshói y se estrenó el 23 de marzo de 2005. La puesta en escena de la ópera estuvo acompañada de un jugoso escándalo; sin embargo, fue un enorme éxito.
La tradición de la ópera ligera en Inglaterra se remonta a la ópera balada , una obra cómica que incorporaba canciones con melodías populares. La ópera del mendigo de John Gay fue la primera y más popular de estas. La dueña de Richard Brinsley Sheridan (1775), con partitura de Thomas Linley , fue expresamente descrita como "una ópera cómica". [2] [3]
En la segunda mitad del siglo XIX, el escenario musical londinense estaba dominado por la pantomima y el burlesque musical , así como por operetas continentales obscenas y mal traducidas, que a menudo incluían "ballets" con un interés muy lascivo, y las visitas al teatro se volvieron desagradables para el público respetable, especialmente para las mujeres y los niños. El Sr. y la Sra. Thomas German Reed , a partir de 1855, y varios otros británicos, deploraron el estado atrevido del teatro musical e introdujeron óperas cómicas cortas diseñadas para ser más aptas para la familia y para elevar el nivel intelectual de los entretenimientos musicales. Jessie Bond escribió:
El escenario estaba en su punto más bajo, las glorias isabelinas y las artificialidades georgianas se habían desvanecido en el pasado, la tragedia forzada y la farsa vulgar eran todo lo que el potencial espectador tenía para elegir, y el teatro se había convertido en un lugar de mala reputación para el honrado jefe de familia británico... Un primer esfuerzo para llenar el vacío fue realizado por los artistas alemanes Reed Entertainers. [4]
Sin embargo, una producción de 1867 de La gran duquesa de Gerolstein de Offenbach (siete meses después de su estreno en Francia) encendió el apetito inglés por las óperas ligeras con libretos y partituras más cuidadosamente elaborados, y las operetas de Europa continental continuaron siendo extremadamente populares en Gran Bretaña en las décadas de 1860 y 1870, incluidas Les Cloches de Corneville , Madame Favart y otras en la década de 1880, a menudo adaptadas por HB Farnie y Robert Reece . [3] FC Burnand colaboró con varios compositores, incluido Arthur Sullivan en Cox and Box , para escribir varias óperas cómicas sobre temas ingleses en las décadas de 1860 y 1870.
En 1875, Richard D'Oyly Carte , uno de los empresarios que aspiraba a establecer una escuela inglesa de ópera ligera para toda la familia con compositores como Frederic Clay y Edward Solomon como contramedida a las operetas continentales, encargó al colaborador de Clay, WS Gilbert , y al prometedor joven compositor Arthur Sullivan que escribieran una ópera corta de un acto que sirviera como pieza final a La Périchole de Offenbach . El resultado fue Trial by Jury ; su éxito lanzó la asociación Gilbert y Sullivan . La "Compañía de Ópera Bouffe del Sr. R. D'Oyly Carte" llevó Trial de gira, interpretándola junto a obras francesas de Offenbach y Alexandre Charles Lecocq . Ansioso por liberar el escenario inglés de las atrevidas influencias francesas, y envalentonado por el éxito de Trial by Jury , Carte formó un sindicato en 1877 para representar "ópera ligera de un tipo legítimo". [5] Gilbert y Sullivan recibieron el encargo de escribir una nueva ópera cómica, The Sorcerer , con lo que se inició la serie que se conocería como las óperas Savoy (llamadas así por el Teatro Savoy , que Carte construyó más tarde para estas obras) que incluían HMS Pinafore , Los piratas de Penzance y El Mikado , que se hicieron populares en todo el mundo. La D'Oyly Carte Opera Company continuó interpretando a Gilbert y Sullivan casi continuamente hasta que cerró en 1982.
El estilo de Gilbert y Sullivan fue ampliamente imitado por sus contemporáneos (por ejemplo, en Dorothy ), y los propios creadores escribieron obras en este estilo con otros colaboradores en la década de 1890. Ninguna de ellas, sin embargo, tuvo una popularidad duradera, dejando a las Óperas de Savoy como prácticamente los únicos representantes del género que sobreviven hoy en día. Solo recientemente, algunas de estas otras óperas ligeras inglesas han comenzado a ser exploradas por los académicos y a recibir representaciones y grabaciones.
En Estados Unidos, Victor Herbert fue uno de los primeros en adoptar el estilo familiar de ópera ligera que Gilbert y Sullivan habían popularizado, aunque su música también estuvo influenciada por los compositores de operetas europeos. Sus primeras piezas, comenzando con El príncipe Ananías en 1894, fueron calificadas de "óperas cómicas", pero sus obras posteriores fueron descritas como "extravagancia musical", "comedia musical", "obra musical", "farsa musical" e incluso "ópera cómica". Sus dos piezas más exitosas, de más de media docena de éxitos, fueron Babes in Toyland (1903) y Naughty Marietta (1910). [6]
Otros que escribieron en una línea similar fueron Reginald de Koven , John Philip Sousa , Sigmund Romberg y Rudolf Friml . El musical estadounidense moderno incorporó elementos de las óperas ligeras británicas y estadounidenses, con obras como Show Boat y West Side Story , que exploraron temas más serios y presentaron una estrecha integración entre el libro, el movimiento y las letras.
En Canadá, Oscar Ferdinand Telgmann y George Frederick Cameron compusieron óperas ligeras al estilo de Gilbert y Sullivan. Leo, el cadete real se estrenó el 11 de julio de 1889 en la Ópera Martin de Kingston, Ontario .
La línea divisoria entre la ópera ligera y otras formas musicales recientes es difícil de trazar. Varias obras reciben diversos nombres, como operetas o musicales, como Cándido y Sweeney Todd , según se representen en teatros o en casas de ópera. Además, algunos musicales estadounidenses y británicos recientes hacen uso de una estructura operística, por ejemplo, que contiene motivos recurrentes, e incluso pueden cantarse sin diálogos. Aquellos con partituras orquestales suelen denominarse "musicales", mientras que aquellos interpretados con instrumentos electrónicos suelen denominarse óperas rock .