Orfeo en el inframundo [1] y Orfeo en el infierno [2] son nombres en inglés de Orphée aux enfers ( francés: [ɔʁfe oz‿ɑ̃fɛʁ] ), una ópera cómica con música de Jacques Offenbach y letra de Hector Crémieux y Ludovic Halévy . Se representó por primera vez como una " opéra bouffon " en dos actosen el Théâtre des Bouffes-Parisiens , París, el 21 de octubre de 1858, y fue ampliamente revisada y ampliada en una versión de " opéra féerie " en cuatro actos, presentada en el Théâtre de la Gaîté , París, el 7 de febrero de 1874.
La ópera es un satirismo de la antigua leyenda de Orfeo y Eurídice . En esta versión Orfeo no es hijo de Apolo sino un rústico profesor de violín. Se alegra de deshacerse de su esposa, Eurídice, cuando ésta es secuestrada por el dios del inframundo, Plutón . Orfeo tiene que ser intimidado por la opinión pública para que intente rescatar a Eurídice. La conducta reprobable de los dioses del Olimpo en la ópera fue ampliamente vista como una sátira velada de la corte y el gobierno de Napoleón III , emperador de los franceses. Algunos críticos expresaron indignación por la falta de respeto de los libretistas hacia la mitología clásica y la parodia del compositor de la ópera Orfeo ed Euridice de Gluck ; otros elogiaron mucho la pieza.
Orphée aux enfers fue la primera ópera de larga duración de Offenbach. La producción original de 1858 se convirtió en un éxito de taquilla y se prolongó hasta bien entrado el año siguiente, rescatando a Offenbach y su empresa Bouffes de dificultades financieras. La reposición de 1874 batió récords de taquilla en la Gaîté. La obra se representó con frecuencia en Francia e internacionalmente durante la vida del compositor y durante todo el siglo XX. Es una de sus óperas más representadas y sigue reviviéndose en el siglo XXI.
En la última década del siglo XIX los cabarets parisinos Moulin Rouge y Folies Bergère adoptaron la música del " Galop infernal" de la escena culminante de la ópera para acompañar el can-can , y desde entonces la melodía ha sido asociada popularmente con el baile.
Entre 1855 y 1858, Offenbach presentó más de dos docenas de operetas en un acto , primero en las Bouffes-Parisiens, Salle Lacaze , y luego en las Bouffes-Parisiens, Salle Choiseul . Las leyes de licencias teatrales entonces le permitían sólo cuatro cantantes en cada pieza, y con elencos tan pequeños, las obras de larga duración estaban fuera de discusión. [3] En 1858 se relajaron las restricciones de licencia y Offenbach quedó libre de seguir adelante con una obra en dos actos que había estado en su mente durante algún tiempo. Dos años antes le había dicho a su amigo el escritor Héctor Crémieux que cuando era director musical de la Comédie-Française a principios de la década de 1850 juró vengarse del aburrimiento que sufría ante las posturas de héroes míticos y dioses del Olimpo en las obras presentadas allí. . [4] Cremieux y Ludovic Halévy le esbozaron un libreto satirizando a estos personajes. [5] [n 1] En 1858, cuando a Offenbach finalmente se le permitió un elenco lo suficientemente grande para hacer justicia al tema, Halévy estaba preocupado por su trabajo como alto funcionario, y el libreto final se le atribuyó únicamente a Crémieux. [3] [n 2] La mayoría de los papeles fueron escritos teniendo en mente a miembros populares de la compañía Bouffes, incluidos Désiré , Léonce , Lise Tautin y Henri Tayau como un Orfeo que realmente podía tocar el violín de Orfeo. [1] [n 3]
La primera representación tuvo lugar en la Sala Choiseul el 21 de octubre de 1858. Al principio la obra tuvo un éxito razonable de taquilla, pero no obtuvo el tremendo éxito que Offenbach esperaba. Insistió en escenificaciones lujosas para sus óperas: los gastos solían superar los ingresos y necesitaba una fuente sustancial de dinero. [8] Los negocios recibieron un impulso involuntario por parte del crítico Jules Janin del Journal des débats . Había elogiado producciones anteriores en los Bouffes-Parisiens, pero se indignó vehementemente por lo que, según él, era un ultraje blasfemo y lascivo: "una profanación de la santa y gloriosa antigüedad". [9] Su ataque, y las irreverentes respuestas públicas de Crémieux y Offenbach, fueron noticia y provocaron un gran interés en la pieza entre el público parisino, que acudió en masa para verla. [9] [n 4] En su estudio de 1980 sobre Offenbach, Alexander Faris escribe: " Orphée se convirtió no sólo en un triunfo, sino en un culto". [14] [n 5] Tuvo 228 funciones, en un momento en que una ejecución de 100 noches se consideraba un éxito. [16] Albert Lasalle, en su Historia de los Bouffes-Parisiens (1860), escribió que la pieza terminó en junio de 1859 – aunque todavía obtuvo buenos resultados en taquilla – "porque los actores, que no podían cansar al público , estaban ellos mismos agotados". [17]
En 1874, Offenbach amplió sustancialmente la pieza, duplicando la duración de la partitura y convirtiendo la íntima ópera bouffon de 1858 en una extravagancia de ópera féerie en cuatro actos , con importantes secuencias de ballet. Esta versión se estrenó en el Théâtre de la Gaîté el 7 de febrero de 1874, tuvo 290 funciones [18] y batió récords de taquilla para ese teatro. [19] [n 6] Durante la primera ejecución de la versión revisada, Offenbach la amplió aún más, agregando ballets que ilustran el reino de Neptuno en el Acto 3 [n 7] y elevando el número total de escenas en los cuatro actos a veintidós. . [19] [n 8]
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Una introducción hablada con acompañamiento orquestal (Introducción y Melodrame) abre la obra. La opinión pública explica quién es ella: la guardiana de la moralidad ( "Qui suis-je? du Théâtre Antique" ). [28] Ella dice que, a diferencia del coro en las obras de teatro griegas antiguas, ella no se limita a comentar la acción, sino que interviene en ella para asegurarse de que la historia mantenga un alto tono moral. Sus esfuerzos se ven obstaculizados por los hechos del asunto: Orfeo no es hijo de Apolo , como en el mito clásico, sino un rústico profesor de música, cuyo disgusto por su esposa, Eurídice, es correspondido de todo corazón. Está enamorada del pastor Aristée (Aristaeus), que vive al lado ( "La femme dont le coeur rêve" ), [29] y Orphée está enamorada de Chloë, una pastora. Cuando Orfeo confunde a Eurídice con ella, todo sale a la luz y Eurídice insiste en que abandonen el matrimonio. Orphée, temiendo la reacción de la opinión pública, atormenta a su esposa para que mantenga en silencio el escándalo utilizando música de violín, que ella odia ( "Ah, c'est ainsi" ). [30]
Entra Aristée. Aunque aparentemente es un pastor, en realidad es Plutón (Plutón), Dios del inframundo. Mantiene su disfraz cantando una canción pastoral sobre ovejas ( "Moi, je suis Aristée" ). [31] Eurídice ha descubierto lo que cree que es un complot de Orfeo para matar a Aristée – dejando sueltas serpientes en los campos – pero en realidad es una conspiración entre Orfeo y Plutón para matarla, para que Plutón pueda deshacerse de ella y de Orfeo. su. Pluton la engaña para que entre en la trampa mostrándole inmunidad y es mordida. [n 12] Cuando ella muere, Pluton se transforma en su verdadera forma (Escena de transformación). [33] Eurídice descubre que la muerte no es tan mala cuando el Dios de la Muerte está enamorado de uno ( "La mort m'apparaît souriante" ). [34] Descienden al inframundo tan pronto como Eurídice ha dejado una nota diciéndole a su marido que ha sido inevitablemente detenida. [35]
Todo parece ir bien para Orphée hasta que la Opinión Pública lo alcanza y amenaza con arruinar su carrera como profesor de violín a menos que vaya a rescatar a su esposa. Orphée acepta de mala gana. [36]
La escena cambia al Olimpo, donde los dioses duermen ( "Dormons, dormons" ). Cupidon y Venus entran por separado de sus escapadas nocturnas amatorias y se unen a sus colegas dormidos, [n 13] pero pronto todos son despertados por el sonido del cuerno de Diana, supuestamente casta cazadora y diosa. [38] Lamenta la repentina ausencia de Acteón , su amor actual ( "Quand Diane descend dans la Plaine" ); [39] para su indignación, Júpiter le dice que ha convertido a Acteón en un ciervo para proteger su reputación. [40] Mercurio llega e informa que ha visitado el Inframundo, al que Plutón acaba de regresar con una hermosa mujer. [41] Plutón entra y Júpiter lo reprende por su escandalosa vida privada. [42] Para alivio de Plutón, los otros dioses eligen este momento para rebelarse contra el reinado de Júpiter, su aburrida dieta de ambrosía y néctar y el puro tedio del Olimpo ( "Aux armes, dieux et demi-dieux!" ). [43] Las exigencias de Júpiter de saber qué está pasando les llevan a señalar detalladamente su hipocresía, burlándose de todos sus asuntos mitológicos ( "Pour séduire Alcmène la fière" ). [44]
La llegada de Orfeo, con la opinión pública a su lado, hace que los dioses se porten lo mejor posible ( "Il approche! Il s'avance" ). [45] Orfeo obedece a la opinión pública y finge añorar a Eurídice: ilustra su supuesto dolor con un fragmento de "Che farò senza Euridice" del Orfeo de Gluck . [46] A Plutón le preocupa verse obligado a devolver a Eurídice; Júpiter anuncia que irá al inframundo para arreglar todo. Los otros dioses le ruegan ir con él, él accede y estallan celebraciones masivas en esta festividad ( "Gloire! gloire à Jupiter... Partons, partons" ). [47]
Plutón mantiene encerrada a Eurídice y la vida le resulta muy tediosa. Su carcelero es un bebedor tonto llamado John Styx. Antes de morir, era rey de Beocia (una región de Grecia que Aristófanes convirtió en sinónimo de campesinos), [48] y le canta a Eurídice un triste lamento por su reinado perdido ( "Quand j'étais roi de Béotie" ). [49]
Júpiter descubre dónde Plutón ha escondido a Eurídice y se cuela por el ojo de la cerradura convirtiéndose en una preciosa mosca dorada. Al otro lado se encuentra con Eurídice y canta con ella un dúo de amor en el que su parte consiste enteramente en zumbar ( "Duo de la mouche" ). [50] Luego, él se revela a ella y promete ayudarla, en gran parte porque la quiere para él. Pluton se queda reprendiendo furiosamente a John Styx. [51]
La escena cambia a una gran fiesta que están celebrando los dioses, donde la ambrosía, el néctar y el decoro no se ven por ningún lado ( "Vive le vin! ¡Vive Pluton!" ). [52] Eurídice está presente, disfrazada de bacante ( "J'ai vu le dieu Bacchus" ), [53] pero el plan de Júpiter para sacarla a escondidas se ve interrumpido por llamadas para un baile. Júpiter insiste en un minueto, que todos los demás encuentran aburrido ( "La la la. Le menuet n'est vraiment si charmant" ). Las cosas se animan cuando comienza el número más famoso de la ópera, el "Galop infernal", y todos los presentes se lanzan a él con salvaje abandono ( "Ce bal est original" ). [54]
Una siniestra música de violín presagia la llegada de Orfeo (Entrada de Orfeo y opinión pública), [55] pero Júpiter tiene un plan y promete mantener a Eurídice alejada de su marido. Como ocurre con el mito estándar, Orfeo no debe mirar atrás, o perderá a Eurídice para siempre ( "Ne mirare pas en arrière!" ). [56] La opinión pública lo vigila de cerca para evitar que haga trampa, pero Júpiter lanza un rayo, haciéndolo saltar y mirar hacia atrás, y Eurídice desaparece. [57] En medio de la confusión que siguió, Júpiter proclama que en adelante pertenecerá al dios Baco y se convertirá en una de sus sacerdotisas. La opinión pública no está contenta, pero Plutón se hartó de Eurídice, Orfeo se libera de ella y todo termina felizmente. [58]
La trama es esencialmente la de la versión de 1858. En lugar de dos actos con dos escenas cada uno, la versión posterior consta de cuatro actos, que siguen la trama de las cuatro escenas del original. La versión revisada se diferencia de la primera en que tiene varias secuencias de ballet interpoladas y algunos personajes y números musicales adicionales. Las adiciones no afectan la narrativa principal, pero aumentan considerablemente la longitud de la partitura. [n 14] En el Acto I hay un coro de apertura para pastores y pastoras reunidos, y Orfeo tiene un grupo de jóvenes estudiantes de violín, que se despiden de él al final del acto. En el segundo acto, Mercure recibe un número de entrada en solitario ( "Eh hop!" ). En el tercer acto, Eurídice tiene un nuevo solo, los "Couplets des arrepentimientos" ( "¡Ah! quelle triste destinée!" ), Cupidon tiene un nuevo número, los "Couplets des baisers" ( "Allons, mes fins limiers" ), el Se añaden al reparto tres jueces del Hades y un pequeño grupo de policías para participar en la búsqueda de Júpiter de la oculta Eurídice, y al final del acto, el furioso Plutón es apresado y raptado por un enjambre de moscas. [59] [60]
Faris describe la partitura de la ópera, que formó el patrón para las muchas óperas de Offenbach que siguieron, como una "abundancia de coplas" (canciones con versos repetidos para uno o más cantantes), "una variedad de otras solos y dúos, varios grandes coros y dos finales extendidos". Offenbach escribió en una variedad de estilos, desde la vena pastoral rococó , pasando por el pastiche de la ópera italiana, hasta el estruendoso galope, mostrando, en el análisis de Faris, muchas de sus características personales, como melodías que "saltan hacia adelante y hacia atrás de una manera notablemente acrobática". sin dejar de sonar no sólo suavemente lírico, sino también espontáneo". En números tan acelerados como "Galop infernal", Offenbach hace de la simplicidad una virtud, manteniendo a menudo la misma tonalidad durante la mayor parte del número, con una instrumentación prácticamente invariable en todo momento. [61] En otras partes de la partitura, Offenbach le da a la orquesta una mayor prominencia. En el "duo de la mouche", la parte de Júpiter, que consiste en zumbar como una mosca, está acompañada por el primer y segundo violines que tocan sul ponticello , para producir un zumbido similar. [62] En Le Figaro , Gustave Lafargue comentó que el uso de Offenbach de un trino de flautín puntuado por un golpe en un platillo en el final de la primera escena era una recreación moderna de un efecto inventado por Gluck en su partitura de Iphigénie en Aulide . [63] Wilfrid Mellers también comenta sobre el uso del flautín por parte de Offenbach para realzar los versos de Eurídice con "risas de niña" en el instrumento. [64] Gervase Hughes comenta sobre la elaborada partitura del "ballet des mouches" [Acto 3, versión de 1874], y lo llama "un tour de force " que podría haber inspirado a Tchaikovsky . [sesenta y cinco]
Faris comenta que en Orphée aux enfers Offenbach muestra que era un maestro en establecer el estado de ánimo mediante el uso de figuras rítmicas. Faris cita tres números del segundo acto (versión de 1858), todos en clave de La mayor y usan notas idénticas casi en el mismo orden, "pero sería difícil imaginar una diferencia de sentimiento más extrema que la que existe entre los Canción del rey de los beocios y del Galope ". [67] En un estudio de 2014, Heather Hadlock comenta que para el primero, Offenbach compuso "una melodía lánguida pero inquieta" sobre un acompañamiento estático de bajo drone estilo musette de armonías dominantes y tónicas alternas , evocando y burlándose simultáneamente de la nostalgia por un lugar perdido. y el tiempo y "creando una tensión perpetuamente no resuelta entre patetismo e ironía". [68] Mellers considera que el aria de Styx tiene "un patetismo que toca el corazón"; tal vez, sugiere, el único ejemplo de verdadero sentimiento en la ópera. [69]
En 1999, Thomas Schipperges escribió en el International Journal of Musicology que muchos estudiosos sostienen que la música de Offenbach desafía todos los métodos musicológicos . No estuvo de acuerdo y analizó el "Galop infernal", encontrándolo sofisticado en muchos detalles: "A pesar de su sencillez, revela un diseño calculado. La 'economía' general de la pieza sirve a una dramaturgia musical deliberada ". [70] Hadlock observa que aunque la música más conocida de la ópera está "impulsada por las energías propulsoras de la comedia rossiniana " y el galope acelerado, números tan animados van de la mano con música más majestuosa en una vena del siglo XVIII: "La sofisticación de la partitura es el resultado del entrelazamiento de Offenbach del lenguaje musical urbano contemporáneo con un tono sobrio y melancólico que se socava e ironiza sin deshacerse por completo". [71]
Orphée aux enfers fue la primera de las obras principales de Offenbach en tener coro. [n 15] En un estudio de 2017, Melissa Cummins comenta que, aunque el compositor usó ampliamente el coro como secuaces de Plutón, residentes aburridos del Olimpo y bacantes en el Hades, simplemente están ahí para completar las partes vocales en los grandes números del conjunto, y "Son tratados como una multitud sin nombre y sin rostro que simplemente está por ahí". [73] En la escena del Olimpo, el coro tiene una sección inusual de bocca chiusa , marcada como "Bouche fermée", un efecto utilizado más tarde por Bizet en Djamileh y Puccini en el "Humming Chorus" de Madama Butterfly . [74] [75]
La orquesta de Bouffes-Parisiens era pequeña: probablemente unos treinta músicos. [59] La versión de 1858 de Orphée aux enfers está compuesta para dos flautas (el segundo flautín doblado), un oboe, dos clarinetes, un fagot, dos trompas, dos cornetas , [n 16] un trombón, timbales, percusión (bombo /platillos, triángulo) y cuerdas. [78] El estudioso de Offenbach Jean-Christophe Keck especula que las secciones de cuerdas constaban como máximo de seis primeros violines, cuatro segundos violines, tres violas, cuatro violonchelos y un contrabajo. [78] La partitura de 1874 exige fuerzas orquestales considerablemente mayores: Offenbach añadió partes adicionales para las secciones de instrumentos de viento, metales y percusión. Para el estreno de la versión revisada contrató a una orquesta de sesenta músicos, así como a una banda militar de cuarenta músicos más para la procesión de los dioses desde el Olimpo al final del segundo acto. [79]
La música de la revisión de 1874 fue bien recibida por los críticos contemporáneos, [63] [80] pero algunos críticos posteriores sintieron que la partitura más larga, con sus secciones de ballet extendidas, tiene ocasionales parches aburridos. [23] [81] [82] [n 14] Sin embargo, algunos de los números añadidos, en particular "Couplets des baisers" de Cupidon , el rondó "Eh hop" de Mercure y el "Coro de policías" han ganado popularidad, y algunos o todos a menudo se agregan a representaciones que de otro modo utilizarían el texto de 1858. [1] [82] [83]
Durante más de un siglo después de la muerte del compositor, una causa de reservas críticas sobre esta y otras obras fue la persistencia de lo que el musicólogo Nigel Simeone ha llamado versiones "chapuceras, masacradas y expurgadas". [59] Desde principios del siglo XXI se ha puesto en marcha un proyecto para publicar partituras académicas y fiables de las óperas de Offenbach, bajo la dirección de Keck. La primera en publicarse, en 2002, fue la versión de 1858 de Orphée aux enfers . [59] La edición de Offenbach Keck publicó posteriormente la partitura de 1874 y otro dibujo de las versiones de 1858 y 1874. [83]
La obertura Orphée aux enfers [84] más conocida y grabada no es de Offenbach y no forma parte ni de las partituras de 1858 ni de 1874. Fue arreglado por el músico austriaco Carl Binder (1816-1860) para la primera producción de la ópera en Viena, en 1860. [84] La partitura de Offenbach de 1858 tiene una breve introducción orquestal de 104 compases; Comienza con una melodía tranquila para instrumentos de viento, seguida del tema del minueto del Acto 2 de Júpiter, en La ♭ mayor y continúa a través de una fuga pomposa en Fa mayor hasta el monólogo de apertura de Public Opinion. [85] La obertura de la revisión de 1874 es una pieza de 393 compases, en la que se repiten el minueto de Júpiter y la canción de John Styx, intercalados con muchos temas de la partitura, incluido "J'ai vu le Dieu Bacchus" , los pareados "Je suis Vénus " , el Rondeau des métamorphoses , la sección "Partons, partons" del final del Acto 2 y el galope del Acto 4. [86] [n.17]
Unos quince años después de la muerte de Offenbach, el galope del Acto 2 (o Acto 4 en la versión de 1874) se convirtió en una de las piezas musicales más famosas del mundo, [59] cuando el Moulin Rouge y el Folies Bergère lo adoptaron como música habitual para su cancán . Keck ha comentado que el "galope infernal" original fue un asunto considerablemente más espontáneo y desenfrenado que el can-can de fin de siècle (Keck compara el original con una rave moderna ), pero la melodía ahora es inseparable en la mente del público de las patadas altas. bailarinas de cancán. [59]
Desde el principio, Orphée aux transmite una opinión crítica dividida. La furiosa condena de Janin hizo a la obra mucho más bien que mal, [9] y contrastaba con la crítica elogiosa del estreno hecha por Jules Noriac en el Programa Figaro , que calificó la obra de "sin precedentes, espléndida, escandalosa, graciosa, deliciosa". , ingenioso, divertido, exitoso, perfecto, melodioso". [91] [n 18] Bertrand Jouvin, en Le Figaro , criticó a algunos miembros del elenco pero elogió la puesta en escena: "un espectáculo de fantasía, que tiene toda la variedad, todas las sorpresas de la ópera de hadas". [93] La Revue et gazette musicale de Paris pensó que, aunque sería un error esperar demasiado de una pieza de este género, Orphée aux enfers fue una de las obras más destacadas de Offenbach, con encantadoras coplas para Eurídice, Aristée-Pluton y el Rey de Beocia. [94] Le Ménestrel calificó al elenco de "pura sangre" que hicieron plena justicia a "todos los chistes encantadores, todas las originalidades deliciosas, todas las rarezas ridículas arrojadas en profusión a la música de Offenbach". [95]
Al escribir la versión revisada de 1874, los autores de Les Annales du théâtre et de la musique dijeron: " Orphée aux enfers es ante todo un buen espectáculo. La música de Offenbach ha conservado su juventud y su espíritu. La divertida opereta de antaño se ha convertido en un espléndida extravagancia", [81] contra la cual Félix Clément y Pierre Larousse escribieron en su Dictionnaire des Opéras (1881) que la pieza es "una parodia grotesca y grotesca" llena de "escenas vulgares e indecentes" que "desprenden un olor insalubre" . [96]
Se consideró ampliamente que la ópera contenía una sátira apenas disfrazada del régimen de Napoleón III , [9] [97] pero las primeras críticas de la prensa a la obra se centraron en su burla de autores clásicos venerados como Ovidio [n 19] y el igualmente sacrosanto música del Orfeo de Gluck . [99] [n 20] Faris comenta que la sátira perpetrada por Offenbach y sus libretistas era más descarada que contundente, [101] y Richard Taruskin en su estudio de la música del siglo XIX observa: "El libertinaje calculado y el sacrilegio fingido, que acosaron con éxito a los críticos más rígidos, fueron reconocidos por todos como lo que eran: un paliativo social, todo lo contrario de la crítica social [...] El espectáculo de los dioses olímpicos ejecutando el cancán no amenazaba la dignidad de nadie." [102] El Emperador disfrutó mucho de Orphée aux enfers cuando lo vio en una actuación de mando en 1860; Le dijo a Offenbach que "nunca olvidaría esa noche deslumbrante". [103]
Después de la muerte de Offenbach, su reputación en Francia sufrió un eclipse temporal. En palabras de Faris, sus óperas cómicas fueron "descartadas como recuerdos irrelevantes y meritorios de un Imperio desacreditado". [104] Los obituaristas de otros países también daban por sentado que las óperas cómicas, incluida Orphée , eran efímeras y serían olvidadas. [105] [106] En el momento del centenario del compositor, en 1919, había quedado claro durante algunos años que tales predicciones habían sido erróneas. [107] Orphée fue revivido con frecuencia, [108] al igual que varias de sus óperas, [109] y las críticas por motivos morales o musicales habían cesado en gran medida. Gabriel Groviez escribió en The Musical Quarterly :
El libreto de Orphée rebosa espíritu y humor y la partitura está llena de ingenio chispeante y encanto melodioso. Es imposible analizar adecuadamente una pieza en la que la más sublime idiotez y la fantasía más asombrosa chocan a cada paso. [...] Offenbach nunca produjo una obra más completa. [110]
Entre los críticos modernos, Traubner describe a Orphée como "la primera gran opereta francesa clásica de larga duración [...] clásica (en ambos sentidos del término)", aunque considera que la revisión de 1874 es "exagerada". [23] Peter Gammond escribe que el público apreció la frivolidad de la obra al tiempo que reconoció que está arraigada en las mejores tradiciones de la ópera cómica. [111] Entre los escritores del siglo XXI, Bernard Holland ha comentado que la música está "bellamente hecha, implacablemente alegre, a regañadientes seria", pero no muestra, como lo hace el último Cuentos de Hoffmann , "lo que Offenbach era realmente un compositor profundamente talentoso"; [112] Andrew Lamb ha comentado que aunque Orphée aux enfers sigue siendo la obra más conocida de Offenbach, "un consenso sobre las mejores de sus operetas probablemente preferiría La vie parisienne por su brillo, La Périchole por su encanto y La belle Hélène por su brillantez total". [113] Kurt Gänzl escribe en La Enciclopedia del Teatro Musical que, en comparación con esfuerzos anteriores, Orphée aux enfers era "algo en una escala diferente [...] una parodia gloriosamente imaginativa de la mitología clásica y de los acontecimientos modernos decorada con los personajes más risueños de Offenbach". música bufé." [114] En un estudio de 2014 sobre parodia y burlesco en Orphée aux enfers , Hadlock escribe:
Con Orphée aux enfers , el género que ahora conocemos como opereta reunió sus fuerzas y dio un salto adelante, conservando al mismo tiempo el estilo rápido y conciso de sus predecesores de un acto, su sensibilidad absurda y atrevida, y su economía a la hora de crear el máximo impacto cómico con limitaciones. recursos. Al mismo tiempo, refleja el deseo de Offenbach de establecerse a sí mismo y a su compañía como herederos legítimos de la tradición cómica francesa del siglo XVIII de Philidor y Grétry . [115]
Entre la primera carrera y el primer resurgimiento de París, en 1860, la compañía Bouffes-Parisiens recorrió las provincias francesas, donde se informó que Orphée aux enfers tuvo un éxito "inmenso" e "increíble". [116] Tautin fue sucedido como Eurídice por Delphine Ugalde cuando la producción fue reactivada en Bouffes-Parisiens en 1862 y nuevamente en 1867. [2]
La primera reposición de la versión de 1874 tuvo lugar en el Théâtre de la Gaîté en 1875 con Marie Blanche Peschard como Eurídice. [2] Fue revivido nuevamente allí en enero de 1878 con Meyronnet (Orphée), Peschard (Eurydice), Christian (Jupiter), Habay (Pluton) y Pierre Grivot como Mercure y John Styx, [117] Para la temporada posterior de la Exposición Universal. ese año Offenbach revivió la pieza, [118] con Grivot como Orphée, Peschard como Eurydice, [119] el viejo amigo y rival del compositor, Hervé , como Júpiter [120] y Léonce como Plutón. [119] La ópera se volvió a ver en la Gaîté en 1887 con Taufenberger (Orphée), Jeanne Granier (Eurydice), Eugène Vauthier (Júpiter) y Alexandre (Plutón). [121] Hubo un resurgimiento en el Éden-Théâtre (1889) con Minart, Granier, Christian y Alexandre. [122]
Los resurgimientos del siglo XX en París incluyeron producciones en el Théâtre des Variétés (1902) con Charles Prince (Orphée), Juliette Méaly (Eurydice), Guy (Jupiter) y Albert Brasseur (Pluton), [123] y en 1912 con Paul Bourillon, Méaly, Guy y Prince; [124] el Théâtre Mogador (1931) con Adrien Lamy, Manse Beaujon, Max Dearly y Lucien Muratore ; [125] la Opéra-Comique (1970) con Rémy Corazza, Anne-Marie Sanial, Michel Roux y Robert Andreozzi; [126] el Théâtre de la Gaïté-Lyrique (1972) con Jean Giraudeau , Jean Brun, Albert Voli y Sanial; y por el Théâtre français de l'Opérette en el Espace Cardin (1984) con múltiples elencos que incluyen (en orden alfabético) André Dran , Maarten Koningsberger, Martine March, Martine Masquelin, Marcel Quillevere, Ghyslaine Raphanel, Bernard Sinclair y Michel Trempont . [2] En enero de 1988, la obra se estrenó por primera vez en la Ópera de París , con Michel Sénéchal (Orphée), Danielle Borst (Eurydice), François Le Roux (Júpiter) y Laurence Dale (Plutón). [127]
En diciembre de 1997, una producción de Laurent Pelly fue vista en la Ópera Nacional de Lyon , donde fue filmada en DVD, con Yann Beuron (Orphée), Natalie Dessay (Eurydice), Laurent Naouri (Júpiter) y Jean-Paul Fouchécourt (Plutón). con Marc Minkowski dirigiendo. [128] La producción tuvo su origen en Ginebra, donde había sido representada en septiembre – en una antigua central hidroeléctrica utilizada mientras se renovaba el escenario del Grand Théâtre – por un elenco encabezado por Beuron, Annick Massis , Naouri y Éric Huchet. . [129]
Se cree que la primera producción fuera de Francia tuvo lugar en Breslau en octubre de 1859. [130] En diciembre del mismo año se inauguró la ópera en Praga. La obra fue presentada en alemán en el Carltheater de Viena, en marzo de 1860, en una versión de Ludwig Kalisch , revisada y embellecida por Johann Nestroy , que interpretó a Júpiter. Burlarse de la mitología grecorromana tenía una larga tradición en el teatro popular de Viena, y el público no tenía dificultades con la falta de respeto que había indignado a Jules Janin y otros en París. [131] Fue para esta producción que Carl Binder preparó la versión de la obertura que ahora es la más conocida. [59] Hubo reposiciones en el mismo teatro en febrero y junio de 1861 (ambas en francés) y en el Theatre an der Wien en enero de 1867. En 1860 se produjeron los estrenos locales de la obra en Bruselas, Estocolmo, Copenhague y Berlín. [2] Siguieron producciones en Varsovia, San Petersburgo y Budapest, y luego en Zurich, Madrid, Ámsterdam, Milán y Nápoles. [130]
Gänzl menciona entre "incontables otras producciones [...] un gran y ostentoso resurgimiento alemán bajo la dirección de Max Reinhardt " en el Großes Schauspielhaus de Berlín en 1922. [22] [n 21] Una producción berlinesa más reciente fue dirigida por Götz Friedrich en 1983 ; [132] Se publicó un vídeo de la producción. [133] Las producciones de 2019 incluyen las dirigidas por Helmut Baumann en la Volksoper de Viena , [134] y por Barrie Kosky en la Haus für Mozart , Salzburgo , con un elenco encabezado por Anne Sophie von Otter como L'Opinion publique, una coproducción. entre el Festival de Salzburgo , la Komische Oper Berlin y la Deutsche Oper am Rhein . [135]
La primera producción londinense de la obra fue en el Her Majesty's Theatre en diciembre de 1865, en una versión en inglés de JR Planché titulada Orpheus in the Haymarket . [136] [n 22] Hubo producciones del West End en francés original en 1869 y 1870 por compañías encabezadas por Hortense Schneider . [137] [138] [n 23] Versiones en inglés seguidas por Alfred Thompson (1876) y Henry S. Leigh (1877). [139] [140] [n 24] Una adaptación de Herbert Beerbohm Tree y Alfred Noyes se estrenó en His Majesty's en 1911. [141] [n 25] La ópera no se volvió a ver en Londres hasta 1960, cuando se realizó una nueva adaptación de Geoffrey. Dunn abrió en el Teatro Sadler's Wells ; [142] [n 26] esta producción de Wendy Toye fue revivida con frecuencia entre 1960 y 1974. [143] Se revivió una versión en inglés de Snoo Wilson para la English National Opera (ENO), montada en el London Coliseum en 1985, [144] allí en 1987. [145] Una coproducción de Opera North y D'Oyly Carte Opera Company en una versión de Jeremy Sams se estrenó en 1992 y fue revivida varias veces. [146] En 2019 ENO presentó una nueva producción dirigida por Emma Rice , que se abrió a críticas desfavorables. [147]
La primera producción neoyorquina fue en el Stadt Theatre , en alemán, en marzo de 1861; la producción duró hasta febrero de 1862. Se cantaron dos producciones más en alemán: diciembre de 1863 con Fritze, Knorr, Klein y Frin von Hedemann y diciembre de 1866 con Brügmann, Knorr, Klein y Frin Steglich-Fuchs. [2] La ópera fue producida en el Teatro Francés en enero de 1867 con Elvira Naddie, y en el Teatro de la Quinta Avenida en abril de 1868 con Lucille Tostée . En diciembre de 1883 se produjo en el Bijou Theatre con Max Freeman, Marie Vanoni, Digby Bell y Harry Pepper. [2] Hubo producciones en Río de Janeiro en 1865, Buenos Aires en 1866, Ciudad de México en 1867 y Valparaíso en 1868. [130] La ópera se representó por primera vez en Australia en el Princess Theatre de Melbourne en marzo de 1872, en el Londres de Planché. texto, con Alice May como Eurídice. [148]
Una espectacular producción de Reinhardt se presentó en Nueva York en 1926. [149] La Ópera de la Ciudad de Nueva York representó la obra, dirigida por Erich Leinsdorf , en 1956, con Sylvia Stahlman como Eurídice y Norman Kelley como Plutón. [150] Las producciones estadounidenses más recientes han incluido una versión de 1985 de la Ópera de Santa Fe , [151] y la versión ENO de 1985, que fue representada en los EE. UU. por la Gran Ópera de Houston (coproductores) en 1986, y la Ópera de Los Ángeles en 1989. [152]
En abril de 2019, el sitio web Operabase registró 25 producciones pasadas o programadas de la ópera a partir de 2016, en francés o traducidas: nueve en Alemania, cuatro en Francia, dos en Gran Bretaña, dos en Suiza, dos en Estados Unidos y producciones en Gdańsk . , Lieja , Liubliana , Malmö , Praga y Tokio. [153]
Hay tres grabaciones de larga duración. El primero, de 1951, cuenta con el Coro y la Orquesta Filarmónica de París, dirigidos por René Leibowitz , con Jean Mollien (Orphée), Claudine Collart (Eurydice), Bernard Demigny (Júpiter) y André Dran (Pluton); Utiliza la versión de 1858. [154] Una edición de 1978 de EMI emplea la versión ampliada de 1874; cuenta con el Coro y la Orquesta del Capitolio de Toulouse dirigidos por Michel Plasson , con Michel Sénéchal (Orphée), Mady Mesplé (Eurydice), Michel Trempont (Júpiter) y Charles Burles (Plutón). [155] Una grabación de 1997 de la partitura de 1858 con algunas adiciones de la revisión de 1874 presenta el Coro y la Orquesta de la Ópera Nacional de Lyon, dirigida por Marc Minkowski, con Yann Beuron (Orphée), Natalie Dessay (Eurydice), Laurent Naouri ( Júpiter) y Jean-Paul Fouchécourt (Plutón). [156]
En 2022, [actualizar]la única grabación de la obra completa realizada en inglés es la producción de D'Oyly Carte de 1995, dirigida por John Owen Edwards con David Fieldsend (Orfeo), Mary Hegarty (Eurydice), Richard Suart (Júpiter) y Barry Patterson ( Plutón). Utiliza la partitura de 1858 con algunas adiciones de la revisión de 1874. El texto en inglés es de Jeremy Sams. [157] Se grabaron extractos extensos de dos producciones anteriores: Sadler's Wells (1960), dirigida por Alexander Faris, con June Bronhill como Eurídice y Eric Shilling como Júpiter; [158] y English National Opera (1985), dirigida por Mark Elder , con Stuart Kale (Orfeo), Lillian Watson (Eurydice), Richard Angas (Júpiter) y Émile Belcourt (Plutón). [159]
Ha habido tres grabaciones de larga duración en alemán. El primero, grabado en 1958, cuenta con la Orquesta Sinfónica y el Coro de la Radio del Norte de Alemania dirigidos por Paul Burkhard , con Heinz Hoppe (Orfeo), Anneliese Rothenberger como Eurydice (Eurydike), Max Hansen como Júpiter y Ferry Gruber como Plutón. [160] Rothenberger repitió su papel en un set de EMI de 1978, con la Filarmónica Hungarica y el Coro de la Ópera de Colonia dirigidos por Willy Mattes, con Adolf Dellapozza (Orfeo), Benno Kusche (Júpiter) y Gruber (Plutón). [161] Una grabación basada en la producción berlinesa de 1983 de Götz Friedrich cuenta con la Orquesta y el Coro de la Deutsche Oper Berlin , dirigidos por Jesús López Cobos , con Donald Grobe (Orfeo), Julia Migenes (Eurydike), Hans Beirer (Júpiter) y George Shirley (Plutón). [162]
Se han editado grabaciones en DVD basadas en la producción de Herbert Wernicke de 1997 en el Théâtre de la Monnaie de Bruselas, con Alexandru Badea (Orpheus), Elizabeth Vidal (Eurydice), Dale Duesing (Jupiter) y Reinaldo Macias (Pluton), [163 ] y la producción de Laurent Pelly del mismo año, con Natalie Dessay (Eurydice), Yann Beuron (Orphée), Laurent Naouri (Jupiter) y Jean-Paul Fouchécourt (Pluton). [128] Se ha publicado en DVD una versión en inglés realizada para la BBC en 1983. Está dirigida por Faris y cuenta con Alexander Oliver (Orfeo), Lillian Watson (Eurydice), Denis Quilley (Júpiter) y Émile Belcourt (Plutón). [164] La producción berlinesa de Friedrich se filmó en 1984 y se lanzó en formato DVD; [133] En 2019 se publicó un DVD de la producción del Festival de Salzburgo dirigida por Kosky. [165]
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