La grabación y reproducción de sonido es la grabación y recreación eléctrica , mecánica , electrónica o digital de ondas sonoras , como la voz hablada, el canto, la música instrumental o los efectos de sonido . Las dos clases principales de tecnología de grabación de sonido son la grabación analógica y la grabación digital .
La grabación acústica analógica se logra mediante un diafragma de micrófono que detecta los cambios en la presión atmosférica causados por las ondas sonoras acústicas y los graba como una representación mecánica de las ondas sonoras en un medio como un disco fonográfico (en el que una aguja corta surcos en un disco). En la grabación en cinta magnética , las ondas sonoras hacen vibrar el diafragma del micrófono y se convierten en una corriente eléctrica variable , que luego se convierte en un campo magnético variable por un electroimán , que hace una representación del sonido como áreas magnetizadas en una cinta de plástico con un revestimiento magnético sobre ella. La reproducción de sonido analógico es el proceso inverso, con un diafragma de altavoz más grande que provoca cambios en la presión atmosférica para formar ondas sonoras acústicas.
La grabación y reproducción digital convierte la señal de sonido analógica captada por el micrófono a formato digital mediante el proceso de muestreo . Esto permite almacenar y transmitir los datos de audio a través de una mayor variedad de medios. La grabación digital almacena el audio como una serie de números binarios (ceros y unos) que representan muestras de la amplitud de la señal de audio en intervalos de tiempo iguales, a una frecuencia de muestreo lo suficientemente alta como para transmitir todos los sonidos que se pueden escuchar . Una señal de audio digital debe reconvertirse a formato analógico durante la reproducción antes de amplificarla y conectarla a un altavoz para producir sonido.
Mucho antes de que se registrara el sonido por primera vez, se grababa música, primero mediante notación musical escrita y luego también mediante dispositivos mecánicos (por ejemplo, cajas de música de cuerda , en las que un mecanismo hace girar un huso, que pulsa púas de metal, reproduciendo así una melodía ). La reproducción automática de música se remonta al siglo IX, cuando los hermanos Banū Mūsā inventaron el primer instrumento musical mecánico conocido, en este caso, un órgano impulsado por agua que tocaba cilindros intercambiables. Según Charles B. Fowler, este "... cilindro con clavijas elevadas en la superficie siguió siendo el dispositivo básico para producir y reproducir música mecánicamente hasta la segunda mitad del siglo XIX". [1] [2]
Las tallas de la Capilla Rosslyn de la década de 1560 pueden representar un intento temprano de registrar los patrones de Chladni producidos por el sonido en representaciones de piedra, aunque esta teoría no ha sido probada de manera concluyente. [3] [4]
En el siglo XIV se introdujo en Flandes un campanero mecánico controlado por un cilindro giratorio . [ cita requerida ] Diseños similares aparecieron en organillos (siglo XV), relojes musicales (1598), pianos de barril (1805) y cajas de música ( c. 1800 ). Una caja de música es un instrumento musical automático que produce sonidos mediante el uso de un conjunto de clavijas colocadas en un cilindro o disco giratorio para pulsar los dientes afinados (o láminas ) de un peine de acero.
El órgano de feria , desarrollado en 1892, utilizaba un sistema de libros de cartón perforados plegados en acordeón. El pianola , que se presentó por primera vez en 1876, utilizaba un rollo de papel perforado que podía almacenar una pieza musical larga. Los rollos de piano más sofisticados se "tocaban a mano", lo que significa que eran duplicados de un rollo maestro que se había creado en un piano especial, que perforaba agujeros en el máster mientras un intérprete en vivo tocaba la canción. Por lo tanto, el rollo representaba una grabación de la interpretación real de un individuo, no solo el método más común de perforar el rollo maestro a través de la transcripción de la partitura. Esta tecnología para grabar una interpretación en vivo en un rollo de piano no se desarrolló hasta 1904. Los rollos de piano estuvieron en producción en masa continua desde 1896 hasta 2008. [5] [6] Un caso de derechos de autor de la Corte Suprema de los EE. UU. de 1908 señaló que, solo en 1902, se fabricaron entre 70 000 y 75 000 pianolas y se produjeron entre 1 000 000 y 1 500 000 de rollos de piano. [7]
El primer dispositivo que podía grabar sonidos reales mientras pasaban por el aire (pero no podía reproducirlos, el propósito era solo el estudio visual) fue el fonautograma , patentado en 1857 por el inventor parisino Édouard-Léon Scott de Martinville . Las primeras grabaciones conocidas de la voz humana son grabaciones fonográficas, llamadas fonoautogramas , realizadas en 1857. [8] Consisten en hojas de papel con líneas blancas moduladas por ondas de sonido creadas por un estilete vibrante que cortaba una capa de hollín al pasar el papel por debajo. Un fonoautograma de 1860 de " Au Clair de la Lune ", una canción popular francesa, se reprodujo como sonido por primera vez en 2008 escaneándolo y utilizando un software para convertir la línea ondulada, que codificaba gráficamente el sonido, en un archivo de audio digital correspondiente. [8] [9]
El trabajo de Thomas Edison en otras dos innovaciones, el telégrafo y el teléfono, condujo al desarrollo del fonógrafo. En 1877, Edison estaba trabajando en una máquina que transcribía las señales telegráficas en cinta de papel, que luego podía transferirse una y otra vez por el telégrafo. El fonógrafo tenía forma de cilindro y de disco. [ cita requerida ]
El 30 de abril de 1877, el poeta, escritor humorístico e inventor francés Charles Cros envió un sobre sellado que contenía una carta a la Academia de Ciencias de París, explicando detalladamente el método que proponía, llamado paleófono. [10] Aunque nunca se encontró rastro alguno de un paleófono en funcionamiento, algunos historiadores recuerdan a Cros como uno de los primeros inventores de una máquina de grabación y reproducción de sonido. [11]
El primer dispositivo práctico de grabación y reproducción de sonido fue el cilindro fonógrafo mecánico , inventado por Thomas Edison en 1877 y patentado en 1878. [12] [13] La invención pronto se extendió por todo el mundo y durante las siguientes dos décadas la grabación comercial, distribución y venta de grabaciones de sonido se convirtió en una nueva industria internacional en crecimiento, y los títulos más populares vendieron millones de unidades a principios de la década de 1900. [14] En 1901 se puso en marcha un proceso para producir en masa cilindros de cera duplicados moldeándolos en lugar de grabarlos. [15] El desarrollo de técnicas de producción en masa permitió que las grabaciones en cilindro se convirtieran en un nuevo artículo de consumo importante en los países industriales y el cilindro fue el principal formato de consumo desde finales de la década de 1880 hasta alrededor de 1910. [ cita requerida ]
El siguiente gran desarrollo técnico fue la invención del disco de gramófono , generalmente atribuido a Emile Berliner [ ¿por quién? ] y patentado en 1887, [16] aunque otros habían demostrado aparatos de disco similares antes, más notablemente Alexander Graham Bell en 1881. [17] Los discos eran más fáciles de fabricar, transportar y almacenar, y tenían el beneficio adicional de ser marginalmente más ruidosos que los cilindros. Las ventas del disco de gramófono superaron a las del cilindro alrededor de 1910, y para el final de la Primera Guerra Mundial el disco se había convertido en el formato de grabación comercial dominante. Edison, quien era el principal productor de cilindros, creó el Edison Disc Record en un intento de recuperar su mercado. El disco de goma laca de doble cara (nominalmente 78 rpm) fue el formato de música de consumo estándar desde principios de la década de 1910 hasta fines de la década de 1950. En varias permutaciones, el formato de disco de audio se convirtió en el medio principal para grabaciones de sonido de consumo hasta fines del siglo XX.
Aunque no había una velocidad universalmente aceptada y varias compañías ofrecían discos que se reproducían a distintas velocidades, las principales compañías discográficas finalmente se decidieron por un estándar industrial de facto de 78 revoluciones por minuto nominales. La velocidad especificada era de 78,26 rpm en Estados Unidos y de 77,92 rpm en el resto del mundo. La diferencia de velocidades se debía a la diferencia en las frecuencias de ciclo de la electricidad de CA que alimentaba los estroboscopios utilizados para calibrar los tornos de grabación y los platos giratorios. [18] La velocidad nominal del formato de disco dio lugar a su apodo común, el "setenta y ocho" (aunque no hasta que aparecieron otras velocidades). Los discos estaban hechos de goma laca o materiales similares frágiles parecidos al plástico, y se tocaban con agujas hechas de una variedad de materiales, incluido acero dulce, espino e incluso zafiro. Los discos tenían una vida útil claramente limitada que variaba según cómo se fabricaban.
Anteriormente, los métodos de grabación puramente acústicos tenían una sensibilidad y un rango de frecuencias limitados. Se podían grabar notas de rango medio, pero no frecuencias muy bajas ni muy altas. Los instrumentos como el violín eran difíciles de transferir a un disco. Una técnica para solucionar este problema consistía en utilizar un violín Stroh que utiliza un instrumento cónico conectado a un diafragma que, a su vez, está conectado al puente del violín. El instrumento ya no era necesario una vez que se desarrolló la grabación eléctrica.
El disco LP de larga duración de 33 1 ⁄ 3 rpm con microsurco fue desarrollado en Columbia Records y presentado en 1948. El sencillo de vinilo de 7 pulgadas (18 cm) con microsurco y 45 rpm, de corta duración pero conveniente, fue presentado por RCA Victor en 1949. En los EE. UU. y la mayoría de los países desarrollados, los dos nuevos formatos de vinilo reemplazaron por completo a los discos de goma laca de 78 rpm a fines de la década de 1950, pero en algunos rincones del mundo, el 78 se mantuvo hasta bien entrada la década de 1960. [19] El vinilo era mucho más caro que la goma laca, uno de los varios factores que hicieron que su uso para discos de 78 rpm fuera muy inusual, pero con un disco de larga duración el costo adicional era aceptable. El formato compacto de 45 requería muy poco material. El vinilo ofrecía un rendimiento mejorado, tanto en el estampado como en la reproducción. Los discos de vinilo se publicitaban, de manera demasiado optimista, como "irrompibles". No lo eran, pero eran mucho menos frágiles que la goma laca, que en su día se había promocionado como "irrompible" en comparación con los cilindros de cera.
La grabación de sonido comenzó como un proceso puramente mecánico. A excepción de algunos dispositivos de grabación rudimentarios basados en el teléfono sin medios de amplificación, como el telégrafo , [a] siguió siendo así hasta la década de 1920. Entre la invención del fonógrafo en 1877 y las primeras grabaciones digitales comerciales a principios de la década de 1970, podría decirse que el hito más importante en la historia de la grabación de sonido fue la introducción de lo que entonces se llamaba grabación eléctrica , en la que se utilizaba un micrófono para convertir el sonido en una señal eléctrica que se amplificaba y se utilizaba para accionar la aguja de grabación. Esta innovación eliminó las resonancias de "sonido de bocina" características del proceso acústico, produjo grabaciones más claras y con más cuerpo al ampliar en gran medida el rango útil de frecuencias de audio y permitió capturar sonidos distantes y débiles que antes no se podían grabar. Durante este tiempo, varios desarrollos relacionados con la radio en la electrónica convergieron para revolucionar el proceso de grabación. Estos incluían micrófonos mejorados y dispositivos auxiliares como filtros electrónicos, todos ellos dependientes de la amplificación electrónica para ser de uso práctico en la grabación.
En 1906, Lee De Forest inventó el tubo de vacío Audion triodo , una válvula electrónica que podía amplificar señales eléctricas débiles. En 1915, ya se utilizaba en circuitos telefónicos de larga distancia que facilitaban las conversaciones entre Nueva York y San Francisco. Las versiones refinadas de este tubo fueron la base de todos los sistemas de sonido electrónicos hasta la introducción comercial de los primeros dispositivos de audio basados en transistores a mediados de la década de 1950.
Durante la Primera Guerra Mundial, ingenieros de Estados Unidos y Gran Bretaña trabajaron en formas de grabar y reproducir, entre otras cosas, el sonido de un submarino alemán con fines de entrenamiento. Los métodos de grabación acústica de la época no lograban reproducir los sonidos con precisión. Los primeros resultados no fueron prometedores.
La primera grabación eléctrica que se hizo pública, sin demasiado ruido, fue la del funeral del 11 de noviembre de 1920 por el Soldado Desconocido en la Abadía de Westminster , en Londres. Los ingenieros de grabación utilizaron micrófonos del tipo que se utiliza en los teléfonos de la época. Se instalaron cuatro discretamente en la abadía y se conectaron a un equipo de grabación en un vehículo en el exterior. Aunque se utilizó amplificación electrónica, el audio era débil y poco claro, como solo es posible en esas circunstancias. Durante varios años, este disco, que pasó casi desapercibido, fue la única grabación eléctrica que se publicó.
Varias compañías discográficas e inventores independientes, en particular Orlando Marsh , experimentaron con equipos y técnicas de grabación eléctrica a principios de la década de 1920. Los discos Autograph Records de Marsh grabados eléctricamente ya se vendían al público en 1924, un año antes de las primeras ofertas de este tipo de las principales compañías discográficas, pero su calidad de sonido general era demasiado baja para demostrar alguna ventaja obvia sobre los métodos acústicos tradicionales. La técnica de micrófono de Marsh era idiosincrásica y su trabajo tuvo poco o ningún impacto en los sistemas que estaban desarrollando otros. [20]
El gigante de la industria telefónica, Western Electric, contaba con laboratorios de investigación [b] con recursos materiales y humanos que ninguna compañía discográfica o inventor independiente podía igualar. Tenían el mejor micrófono, un tipo de condensador desarrollado allí en 1916 y mejorado enormemente en 1922, [21] y los mejores amplificadores y equipos de prueba. Ya habían patentado una grabadora electromecánica en 1918 y, a principios de la década de 1920, decidieron aplicar intensivamente su hardware y su experiencia al desarrollo de dos sistemas de última generación para grabar y reproducir electrónicamente el sonido: uno que empleaba discos convencionales y otro que grababa ópticamente en película cinematográfica. Sus ingenieros fueron pioneros en el uso de análogos mecánicos de circuitos eléctricos y desarrollaron una grabadora superior de "línea de goma" para cortar el surco en el master de cera en el sistema de grabación de discos. [22]
En 1924, se habían logrado avances tan espectaculares que Western Electric organizó una demostración para las dos compañías discográficas más importantes, la Victor Talking Machine Company y la Columbia Phonograph Company . Ambas pronto licenciaron el sistema y realizaron sus primeras grabaciones eléctricas publicadas en febrero de 1925, pero ninguna de ellas las publicó hasta varios meses después. Para evitar que sus catálogos existentes quedaran obsoletos de inmediato, los dos archirrivales de toda la vida acordaron en privado no publicitar el nuevo proceso hasta noviembre de 1925, fecha en la que habría suficiente repertorio grabado eléctricamente para satisfacer la demanda prevista. Durante los años siguientes, las compañías discográficas más pequeñas licenciaron o desarrollaron otros sistemas de grabación eléctrica. En 1929, solo el sello económico Harmony seguía publicando nuevas grabaciones realizadas con el antiguo proceso acústico.
La comparación de algunas grabaciones de prueba supervivientes de Western Electric con los primeros lanzamientos comerciales indica que las compañías discográficas redujeron artificialmente el rango de frecuencia de las grabaciones para no saturar los equipos de reproducción no electrónicos, que reproducían frecuencias muy bajas como un traqueteo desagradable y desgastaban rápidamente los discos con frecuencias altas grabadas con fuerza. [ cita requerida ]
En la década de 1920, Phonofilm y otros sistemas de sonido cinematográficos tempranos emplearon tecnología de grabación óptica , en la que la señal de audio se grababa gráficamente en película fotográfica. Las variaciones de amplitud que comprendían la señal se utilizaban para modular una fuente de luz que se proyectaba en la película en movimiento a través de una ranura estrecha, lo que permitía fotografiar la señal como variaciones en la densidad o el ancho de una pista de sonido . El proyector utilizaba una luz constante y un fotodetector para convertir estas variaciones de nuevo en una señal eléctrica, que se amplificaba y enviaba a altavoces detrás de la pantalla. [c] El sonido óptico se convirtió en el sistema de audio cinematográfico estándar en todo el mundo y sigue siéndolo para las copias de estreno en salas a pesar de los intentos en la década de 1950 de sustituir las bandas sonoras magnéticas. Actualmente, todas las copias de estreno en película de 35 mm incluyen una banda sonora óptica analógica, normalmente estéreo con reducción de ruido Dolby SR . Además, es probable que esté presente una banda sonora digital grabada ópticamente en formato Dolby Digital o Sony SDDS. También se suele incluir un código de tiempo grabado ópticamente para sincronizar CD-ROM que contienen una banda sonora DTS.
Este período también fue testigo de varios otros desarrollos históricos, incluida la introducción del primer sistema práctico de grabación de sonido magnético, la grabadora de alambre magnético , que se basó en el trabajo del inventor danés Valdemar Poulsen . Las grabadoras de alambre magnético eran efectivas, pero la calidad del sonido era mala, por lo que, entre las guerras, se utilizaron principalmente para la grabación de voz y se comercializaron como máquinas de dictado comerciales. En 1924, un ingeniero alemán, Kurt Stille, mejoró el Telegraphone con un amplificador electrónico. [23] Al año siguiente, Ludwig Blattner comenzó el trabajo que finalmente produjo el Blattnerphone, [24] que usaba cinta de acero en lugar de alambre. La BBC comenzó a usar Blattnerphones en 1930 para grabar programas de radio. En 1933, la compañía del pionero de la radio Guglielmo Marconi compró los derechos del Blattnerphone, y en marzo de 1935 se instalaron en los estudios Maida Vale de la BBC las grabadoras Marconi-Stille de nuevo desarrollo. [25] La cinta que se utilizaba en los Blattnerphones y las grabadoras Marconi-Stille era del mismo material que se utilizaba para fabricar hojas de afeitar, y no es de extrañar que las temibles grabadoras Marconi-Stille se consideraran tan peligrosas que los técnicos tenían que manejarlas desde otra habitación por seguridad. Debido a las altas velocidades de grabación requeridas, utilizaban enormes carretes de aproximadamente un metro de diámetro, y la delgada cinta se rompía con frecuencia, haciendo que trozos irregulares de acero de afeitar volaran por el estudio.
La grabación en cinta magnética utiliza una señal de audio eléctrica amplificada para generar variaciones análogas del campo magnético producido por un cabezal de cinta , que imprime variaciones correspondientes de magnetización en la cinta en movimiento. En el modo de reproducción, la ruta de la señal se invierte, y el cabezal de la cinta actúa como un generador eléctrico en miniatura a medida que la cinta magnetizada de forma variable pasa sobre él. [26] La cinta de acero sólido original fue reemplazada por una cinta de papel recubierto mucho más práctica, pero el acetato pronto reemplazó al papel como base de cinta estándar. El acetato tiene una resistencia a la tracción bastante baja y, si es muy delgado, se romperá fácilmente, por lo que a su vez fue reemplazado por el poliéster. Esta tecnología, la base de casi todas las grabaciones comerciales desde la década de 1950 hasta la de 1980, fue desarrollada en la década de 1930 por ingenieros de audio alemanes que también redescubrieron el principio de polarización de CA (utilizado por primera vez en la década de 1920 para grabadoras de alambre ), que mejoró drásticamente la respuesta de frecuencia de las grabaciones en cinta. El magnetófono K1 fue el primer magnetófono práctico, desarrollado por AEG en Alemania en 1935. La tecnología fue mejorada aún más justo después de la Segunda Guerra Mundial por el ingeniero de audio estadounidense John T. Mullin con el respaldo de Bing Crosby Enterprises. Los grabadores pioneros de Mullin eran modificaciones de grabadoras alemanas capturadas. A fines de la década de 1940, la empresa Ampex produjo los primeros magnetófonos disponibles comercialmente en los EE. UU.
La cinta magnética trajo consigo cambios radicales tanto en la radio como en la industria discográfica. El sonido podía grabarse, borrarse y volver a grabarse en la misma cinta muchas veces, los sonidos podían duplicarse de una cinta a otra con una pérdida mínima de calidad y las grabaciones podían editarse con mucha precisión cortando físicamente la cinta y volviéndola a unir.
A los pocos años de la introducción de la primera grabadora de cinta comercial (el modelo Ampex 200, lanzado en 1948), el músico e inventor estadounidense Les Paul había inventado la primera grabadora de cinta multipista , marcando el comienzo de otra revolución técnica en la industria discográfica. La cinta hizo posibles las primeras grabaciones de sonido creadas totalmente por medios electrónicos, abriendo el camino para los audaces experimentos sonoros de la escuela de la música concreta y compositores de vanguardia como Karlheinz Stockhausen , que a su vez condujeron a las innovadoras grabaciones de música pop de artistas como los Beatles y los Beach Boys .
La facilidad y precisión de la edición en cinta, en comparación con los engorrosos procedimientos de edición de disco a disco que antes se utilizaban de forma limitada, junto con la alta calidad de audio de la cinta, convencieron finalmente a las cadenas de radio a pregrabar rutinariamente su programación de entretenimiento, la mayor parte de la cual se había transmitido anteriormente en vivo. Además, por primera vez, las emisoras, los reguladores y otras partes interesadas pudieron realizar un registro de audio completo de las transmisiones de radio de cada día. Innovaciones como la multipista y el eco de cinta permitieron producir programas de radio y anuncios con un alto nivel de complejidad y sofisticación. El impacto combinado con innovaciones como el cartucho de transmisión de bucle infinito condujo a cambios significativos en el ritmo y el estilo de producción del contenido de los programas de radio y la publicidad.
En 1881, durante los experimentos de transmisión de sonido de la Ópera de París, se observó que era posible seguir el movimiento de los cantantes en el escenario si se colocaban auriculares conectados a diferentes micrófonos en ambos oídos. Este descubrimiento se comercializó en 1890 con el sistema Théâtrophone , que funcionó durante más de cuarenta años hasta 1932. En 1931, Alan Blumlein , un ingeniero electrónico británico que trabajaba para EMI , diseñó una forma de hacer que el sonido de un actor en una película siguiera su movimiento a través de la pantalla. En diciembre de 1931, presentó una solicitud de patente que incluía la idea, y en 1933 se convirtió en la patente del Reino Unido número 394.325 . [27] Durante los dos años siguientes, Blumlein desarrolló micrófonos estéreo y un cabezal de corte de discos estéreo, y grabó varios cortometrajes con bandas sonoras estéreo.
En la década de 1930, los experimentos con cinta magnética permitieron el desarrollo de los primeros sistemas de sonido comerciales prácticos que podían grabar y reproducir sonido estereofónico de alta fidelidad. Los experimentos con estéreo durante las décadas de 1930 y 1940 se vieron obstaculizados por problemas de sincronización. Bell Laboratories realizó un gran avance en el sonido estéreo práctico , que en 1937 demostró un sistema práctico de estéreo de dos canales, utilizando pistas de sonido ópticas duales en película. [28] Los principales estudios cinematográficos desarrollaron rápidamente sistemas de sonido de tres y cuatro pistas, y la primera grabación de sonido estéreo para una película comercial fue realizada por Judy Garland para la película de MGM Listen, Darling en 1938. [ cita requerida ] La primera película lanzada comercialmente con una banda sonora estéreo fue Fantasía de Walt Disney , estrenada en 1940. El lanzamiento de Fantasía en 1941 utilizó el sistema de sonido Fantasound . Este sistema utilizó una película separada para el sonido, sincronizada con la película que contenía la imagen. La película sonora tenía cuatro pistas de sonido ópticas de doble ancho, tres para el audio izquierdo, central y derecho, y una cuarta como pista de "control" con tres tonos grabados que controlaban el volumen de reproducción de los tres canales de audio. Debido al complejo equipo que requería este sistema, Disney exhibió la película como un espectáculo itinerante y solo en los Estados Unidos. Los lanzamientos regulares de la película usaban material óptico mono estándar de 35 mm hasta 1956, cuando Disney lanzó la película con una banda sonora estéreo que usaba el sistema de sonido magnético de cuatro pistas Cinemascope .
Los ingenieros de audio alemanes que trabajaban con cintas magnéticas desarrollaron la grabación estereofónica en 1941. De las 250 grabaciones estereofónicas realizadas durante la Segunda Guerra Mundial, solo sobreviven tres: el quinto concierto para piano de Beethoven con Walter Gieseking y Arthur Rother, una serenata de Brahms y el último movimiento de la octava sinfonía de Bruckner con Von Karajan. [d] Se cree que otras cintas estereofónicas alemanas antiguas fueron destruidas en bombardeos. La grabación en cinta estéreo no se volvió comercialmente viable hasta que Ampex introdujo las primeras grabadoras de cinta de dos pistas comerciales a fines de la década de 1940. A pesar de la disponibilidad de cintas multipista, el estéreo no se convirtió en el sistema estándar para la grabación comercial de música durante algunos años y siguió siendo un mercado especializado durante la década de 1950. EMI (Reino Unido) fue la primera compañía en lanzar cintas estereofónicas comerciales. Lanzó su primera cinta Stereosonic en 1954. Otras siguieron rápidamente, bajo los sellos His Master's Voice (HMV) y Columbia . Se lanzaron 161 cintas estereofónicas, en su mayoría de música clásica o grabaciones de letras. RCA importó estas cintas a los EE. UU. Aunque algunas cintas HMV lanzadas en los EE. UU. costaban hasta 15 dólares, las cintas estereofónicas de dos pistas tuvieron más éxito en los Estados Unidos durante la segunda mitad de la década de 1950.
La historia de la grabación estéreo cambió después de la introducción a fines de 1957 del disco fonográfico estéreo Westrex , que utilizaba el formato groove desarrollado anteriormente por Blumlein. Decca Records en Inglaterra lanzó FFRR (Full Frequency Range Recording) en la década de 1940, que se aceptó internacionalmente como un estándar mundial para la grabación de mayor calidad en discos de vinilo. La grabación de Ernest Ansermet de Petrushka de Igor Stravinsky fue clave en el desarrollo de discos de rango de frecuencia completo y alertó al público oyente sobre la alta fidelidad en 1946. [29]
Hasta mediados de los años 60, las compañías discográficas mezclaban y lanzaban la mayoría de la música popular en sonido monofónico. Desde mediados de los años 60 hasta principios de los años 70, las grabaciones más importantes se lanzaban comúnmente tanto en mono como en estéreo. Las grabaciones lanzadas originalmente solo en mono se han vuelto a reproducir y lanzar en estéreo utilizando una variedad de técnicas, desde la remezcla hasta el pseudoestéreo .
La cinta magnética transformó la industria discográfica. A principios de la década de 1950, la mayoría de las grabaciones comerciales se masterizaban en cinta en lugar de grabarse directamente en disco. La cinta facilitaba un grado de manipulación en el proceso de grabación que era poco práctico con mezclas y múltiples generaciones de discos grabados directamente. Un ejemplo temprano es la grabación de How High the Moon de Les Paul en 1951 , en la que Paul tocó ocho pistas de guitarra sobregrabadas. [30] En la década de 1960 , Brian Wilson de The Beach Boys , Frank Zappa y The Beatles (con el productor George Martin ) estuvieron entre los primeros artistas populares en explorar las posibilidades de las técnicas de grabación multipista y los efectos en sus álbumes emblemáticos Pet Sounds , [31] Freak Out! y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band . [32]
La siguiente innovación importante fueron los sistemas de cintas de pequeño tamaño basados en cartuchos, de los cuales el casete compacto , comercializado por la empresa de electrónica Philips en 1964, es el más conocido. Inicialmente un formato de baja fidelidad para la grabación de voz hablada e inadecuado para la reproducción de música, después de una serie de mejoras reemplazó por completo a los formatos de cinta de consumo de la competencia: la cinta de 8 pistas más grande [33] (utilizada principalmente en automóviles). El casete compacto se convirtió en un importante formato de audio de consumo y los avances en la miniaturización electrónica y mecánica llevaron al desarrollo del Sony Walkman , un reproductor de casetes de bolsillo presentado en 1979. El Walkman fue el primer reproductor de música personal y dio un gran impulso a las ventas de casetes pregrabados. [34]
Un avance clave en la fidelidad de audio llegó con el sistema de reducción de ruido Dolby A , inventado por Ray Dolby e introducido en los estudios de grabación profesionales en 1966. Suprimió el fondo de silbido, que era el único inconveniente fácilmente audible de masterizar en cinta en lugar de grabar directamente en disco. [35] Un sistema competidor, dbx , inventado por David Blackmer, [36] también tuvo éxito en el audio profesional. [37] Una variante más simple del sistema de reducción de ruido de Dolby, conocida como Dolby B, mejoró enormemente el sonido de las grabaciones en cinta de casete al reducir el nivel especialmente alto de silbido que resultaba del formato de cinta miniaturizado del casete. El formato de casete compacto también se benefició de las mejoras en la propia cinta, ya que se desarrollaron recubrimientos con respuestas de frecuencia más amplias y menor ruido inherente, a menudo basados en óxidos de cobalto y cromo como material magnético en lugar del óxido de hierro más habitual.
El cartucho de audio multipista se había utilizado ampliamente en la industria de la radio, desde finales de la década de 1950 hasta la de 1980, pero en la década de 1960 la cinta de 8 pistas pregrabada fue lanzada como un formato de audio de consumo por la empresa de aviones Lear Jet . [e] Dirigidos especialmente al mercado automovilístico, fueron los primeros sistemas de alta fidelidad para automóviles prácticos y asequibles, y podían producir una calidad de sonido superior a la del casete compacto. El tamaño más pequeño y la mayor durabilidad, aumentada por la capacidad de crear mixtapes de música grabados en casa , ya que las grabadoras de 8 pistas eran raras, hicieron que el casete se convirtiera en el formato de consumo dominante para dispositivos de audio portátiles en las décadas de 1970 y 1980. [38]
Se habían realizado experimentos con sonido multicanal durante muchos años, generalmente para eventos musicales o culturales especiales, pero la primera aplicación comercial del concepto llegó a principios de la década de 1970 con la introducción del sonido cuadrafónico . Este desarrollo derivado de la grabación multipista usaba cuatro pistas (en lugar de las dos que se usaban en estéreo) y cuatro parlantes para crear un campo de audio de 360 grados alrededor del oyente. [39] Después del lanzamiento de los primeros sistemas de alta fidelidad de 4 canales para el consumidor , se lanzaron varios álbumes populares en uno de los formatos de cuatro canales en competencia; entre los más conocidos se encuentran Tubular Bells de Mike Oldfield y The Dark Side of the Moon de Pink Floyd . El sonido cuadrafónico no fue un éxito comercial, en parte debido a los sistemas de sonido de cuatro canales en competencia y algo incompatibles (por ejemplo, CBS , JVC , Dynaco y otros tenían sistemas) y, en general, a la mala calidad, incluso cuando se reproducía como se esperaba en el equipo correcto, de la música lanzada. Finalmente desapareció a finales de la década de 1970, aunque esta aventura temprana allanó el camino para la eventual introducción de sistemas de sonido envolvente domésticos para uso en cine en casa, que ganaron popularidad después de la introducción del DVD. [40]
La sustitución del relativamente frágil tubo de vacío por el transistor , más pequeño, resistente y eficiente, también aceleró la venta de sistemas de sonido de alta fidelidad para el consumidor a partir de la década de 1960. En la década de 1950, la mayoría de los tocadiscos eran monofónicos y tenían una calidad de sonido relativamente baja. Pocos consumidores podían permitirse sistemas de sonido estereofónico de alta calidad. En la década de 1960, los fabricantes estadounidenses introdujeron una nueva generación de componentes modulares de alta fidelidad: tocadiscos separados, preamplificadores, amplificadores, ambos combinados como amplificadores integrados, grabadoras de cinta y otros equipos auxiliares como el ecualizador gráfico , que podían conectarse entre sí para crear un sistema de sonido doméstico completo. Estos desarrollos fueron rápidamente adoptados por las principales empresas de electrónica japonesas, que pronto inundaron el mercado mundial con componentes de audio transistorizados relativamente asequibles y de alta calidad. En la década de 1980, corporaciones como Sony se habían convertido en líderes mundiales en la industria de grabación y reproducción de música.
La llegada de la grabación de sonido digital y, posteriormente, del disco compacto (CD) en 1982 trajo consigo mejoras significativas en la calidad y durabilidad de las grabaciones. El CD inició otra ola de cambios masivos en la industria de la música de consumo, y a mediados de los años 90 los discos de vinilo quedaron relegados a un pequeño nicho de mercado. La industria discográfica se resistió ferozmente a la introducción de los sistemas digitales, por temor a la piratería a gran escala en un medio capaz de producir copias perfectas de las grabaciones originales publicadas.
Los desarrollos más recientes y revolucionarios han sido en la grabación digital, con el desarrollo de varios formatos de archivos de audio digital comprimidos y sin comprimir , procesadores capaces y lo suficientemente rápidos para convertir los datos digitales en sonido en tiempo real y almacenamiento masivo económico . [41] Esto generó nuevos tipos de reproductores de audio digitales portátiles . El reproductor de minidisc , que utiliza compresión ATRAC en discos pequeños y regrabables, se introdujo en la década de 1990, pero se volvió obsoleto cuando la memoria flash no volátil de estado sólido bajó de precio. A medida que estuvieron disponibles tecnologías que aumentan la cantidad de datos que se pueden almacenar en un solo medio, como Super Audio CD , DVD-A , Blu-ray Disc y HD DVD , los programas más largos de mayor calidad caben en un solo disco. Los archivos de sonido se descargan fácilmente de Internet y otras fuentes, y se copian en computadoras y reproductores de audio digital. La tecnología de audio digital ahora se usa en todas las áreas del audio, desde el uso casual de archivos de música de calidad moderada hasta las aplicaciones profesionales más exigentes. Han aparecido nuevas aplicaciones como la radio por Internet y el podcasting .
Los avances tecnológicos en grabación, edición y consumo han transformado las industrias discográfica , cinematográfica y televisiva en las últimas décadas. La edición de audio se hizo posible con la invención de la grabación en cinta magnética , pero tecnologías como MIDI , síntesis de sonido y estaciones de trabajo de audio digital permiten un mayor control y eficiencia para compositores y artistas. Las técnicas de audio digital y el almacenamiento masivo han reducido los costos de grabación de tal manera que se pueden producir grabaciones de alta calidad en estudios pequeños. [42]
Hoy en día, el proceso de grabación se divide en grabación, mezcla y masterización . La grabación multipista permite capturar señales de varios micrófonos o de diferentes tomas en cinta, disco o almacenamiento masivo, lo que permite una flexibilidad que antes no estaba disponible en las etapas de mezcla y masterización.
Hay muchos programas diferentes de grabación y procesamiento de audio digital que se ejecutan en varios sistemas operativos de computadora para todos los propósitos, desde usuarios ocasionales y aficionados serios que trabajan en pequeños proyectos hasta ingenieros de sonido profesionales que graban álbumes, bandas sonoras de películas y realizan diseños de sonido para videojuegos .
El software de dictado digital para grabar y transcribir el habla tiene requisitos diferentes: la inteligibilidad y las facilidades de reproducción flexibles son prioridades, mientras que un amplio rango de frecuencias y una alta calidad de audio no lo son.
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El desarrollo de la grabación de sonido analógico en el siglo XIX y su uso generalizado a lo largo del siglo XX tuvieron un enorme impacto en el desarrollo de la música. Antes de que se inventara la grabación de sonido analógico, la mayor parte de la música se interpretaba en vivo. A lo largo de la era de la música medieval , renacentista , barroca , clásica y durante gran parte de la romántica , la principal forma de grabar canciones y piezas instrumentales era mediante notación musical . Si bien la notación indica los tonos de la melodía y su ritmo, muchos aspectos de la interpretación no están documentados. De hecho, en la era medieval, el canto gregoriano no indicaba el ritmo del canto. En la era barroca, las piezas instrumentales a menudo carecen de una indicación de tempo [43] y, por lo general, ninguno de los adornos estaba escrito. Como resultado, cada interpretación de una canción o pieza sería ligeramente diferente.
Sin embargo, con el desarrollo de la grabación de sonido analógica, una interpretación podía ser fijada de forma permanente, en todos sus elementos: tono, ritmo, timbre, adornos y expresión. Esto significaba que muchos más elementos de una interpretación podían ser capturados y difundidos a otros oyentes. El desarrollo de la grabación de sonido también permitió que una proporción mucho mayor de personas escuchara orquestas, óperas, cantantes y bandas famosas, porque incluso si una persona no podía permitirse escuchar el concierto en vivo, podía escuchar la grabación. [44] La disponibilidad de la grabación de sonido ayudó así a difundir estilos musicales a nuevas regiones, países y continentes. La influencia cultural fue en varias direcciones. Las grabaciones de sonido permitieron a los amantes de la música occidentales escuchar grabaciones reales de grupos e intérpretes asiáticos, de Oriente Medio y africanos, aumentando el conocimiento de los estilos musicales no occidentales. Al mismo tiempo, las grabaciones de sonido permitieron a los amantes de la música fuera de Occidente escuchar a los grupos y cantantes norteamericanos y europeos más famosos. [45]
A medida que se desarrollaba la grabación digital, también lo hacía una controversia conocida comúnmente como la controversia analógico versus digital . Los profesionales del audio, los audiófilos, los consumidores y los músicos contribuyeron al debate basándose en su interacción con los medios y las preferencias por los procesos analógicos o digitales. [46] El discurso académico sobre la controversia llegó a centrarse en la preocupación por la percepción de la imagen y el sonido en movimiento. [47] Existen preferencias individuales y culturales por ambos métodos. Si bien los enfoques y las opiniones varían, algunos enfatizan el sonido como algo primordial, otros se centran en las preferencias tecnológicas como el factor decisivo. Los fanáticos de lo analógico pueden aceptar las limitaciones como fortalezas del medio inherentes a las fases de composición, edición, mezcla y escucha. [48] Los defensores de lo digital se jactan de flexibilidad en procesos similares. Este debate fomenta un resurgimiento del vinilo en la industria musical, [49] así como de la electrónica analógica y los complementos de tipo analógico para el software de grabación y mezcla.
En el derecho de autor, un fonograma o grabación sonora es una obra que resulta de la fijación de sonidos en un medio. La mención de derechos de autor en un fonograma utiliza el símbolo de derechos de autor de grabación sonora , que la Convención de Fonogramas de Ginebra define como ℗ (la letra P dentro de un círculo completo). Este símbolo suele acompañar a la mención de derechos de autor de la composición musical subyacente, que utiliza el símbolo © habitual.
La grabación es independiente de la canción, por lo que los derechos de autor de una grabación suelen pertenecer a la compañía discográfica. Es menos habitual que un artista o productor posea estos derechos. Los derechos de autor de las grabaciones existen desde 1972, mientras que los derechos de autor de las composiciones musicales o canciones existen desde 1831. Las disputas sobre el sampling y los beats [ aclaración necesaria ] siguen en curso. [42]
La ley de derechos de autor de los Estados Unidos define las "grabaciones de sonido" como "obras que resultan de la fijación de una serie de sonidos musicales, hablados o de otro tipo" distintos de la banda sonora de una obra audiovisual. [50] Antes de la Enmienda sobre Grabación de Sonido (SRA), [51] que entró en vigor en 1972, los derechos de autor sobre grabaciones de sonido se gestionaban a nivel estatal. La ley federal de derechos de autor prevalece sobre la mayoría de las leyes de derechos de autor estatales, pero permite que los derechos de autor estatales sobre grabaciones de sonido continúen durante un período completo de derechos de autor después de la fecha de entrada en vigor de la SRA, [52] es decir, 2067.
Desde 1934, la legislación sobre derechos de autor en Gran Bretaña ha tratado las grabaciones sonoras (o fonogramas ) de forma diferente a las obras musicales . [53] La Ley de Derechos de Autor, Diseños y Patentes de 1988 define una grabación sonora como (a) una grabación de sonidos, a partir de la cual se pueden reproducir los sonidos, o (b) una grabación de la totalidad o parte de una obra literaria, dramática o musical, a partir de la cual se pueden producir sonidos que reproduzcan la obra o parte de ella, independientemente del medio en el que se realice la grabación o del método por el que se reproduzcan o produzcan los sonidos. Por lo tanto, cubre los discos de vinilo, las cintas, los discos compactos , las cintas de audio digitales y los MP3 que incorporan grabaciones.
El discurso de apertura se presentó en la 104.ª Convención de la Audio Engineering Society en Ámsterdam durante la celebración del aniversario de oro de la sociedad el 17 de mayo de 1998.
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