La pintura de cerámica de figuras negras , también conocida como estilo de figuras negras o cerámica de figuras negras ( griego antiguo : μελανόμορφα , romanizado : melanómorpha ), es uno de los estilos de pintura sobre vasos griegos antiguos . Fue especialmente común entre los siglos VII y V a. C., aunque hay ejemplares que datan del siglo II a. C. Estilísticamente se puede distinguir del periodo orientalizante precedente y del estilo de cerámica de figuras rojas posterior .
Las figuras y los adornos se pintaban en el cuerpo de la vasija utilizando formas y colores que recordaban a las siluetas . Los contornos delicados se grababan en la pintura antes de la cocción, y los detalles se podían reforzar y resaltar con colores opacos, generalmente blanco y rojo. Los principales centros de este estilo fueron inicialmente el centro comercial de Corinto y más tarde Atenas . Se sabe que otros sitios de producción importantes estuvieron en Laconia , Beocia , Grecia oriental e Italia. Particularmente en Italia se desarrollaron estilos individuales que estaban destinados al menos en parte al mercado etrusco. Los jarrones griegos de figuras negras eran muy populares entre los etruscos , como lo demuestran las frecuentes importaciones. Los artistas griegos crearon productos personalizados para el mercado etrusco que diferían en forma y decoración de sus productos normales. Los etruscos también desarrollaron su propia industria de cerámica de figuras negras orientada a los modelos griegos.
La pintura de figuras negras sobre jarrones fue el primer estilo artístico que dio origen a un número significativo de artistas identificables. Algunos son conocidos por sus verdaderos nombres, otros solo por los nombres pragmáticos que se les dieron en la literatura científica. El Ática en particular fue el hogar de artistas muy conocidos. Algunos alfareros introdujeron una variedad de innovaciones que a menudo influyeron en la obra de los pintores; a veces fueron los pintores quienes inspiraron la originalidad de los alfareros. Los jarrones de figuras rojas y negras son algunas de las fuentes más importantes de mitología e iconografía , y a veces también para investigar la vida cotidiana de la antigua Grecia. Desde el siglo XIX d.C. a más tardar, estos jarrones han sido objeto de una intensa investigación.
La base de la pintura de cerámica es el vaso sobre el que se pinta una imagen. Las formas populares se alternaban con modas pasajeras. Mientras que muchas volvían a aparecer después de intervalos, otras se reemplazaban con el tiempo. Todas tenían un método de fabricación común: una vez hecho el vaso, primero se secaba antes de pintarlo. Los talleres estaban bajo el control de los alfareros, quienes, como dueños de negocios, tenían una posición social elevada [ cita requerida ] .
No se sabe con certeza hasta qué punto los alfareros y los pintores eran idénticos. Es probable que muchos maestros alfareros hicieran su principal contribución al proceso de producción como pintores de vasos, al tiempo que empleaban a pintores adicionales. Sin embargo, no es fácil reconstruir vínculos entre alfareros y pintores. En muchos casos, como Tleson y el Pintor de Tleson, Amasis y el Pintor de Amasis o incluso Nikosthenes y el Pintor N, es imposible hacer atribuciones inequívocas, aunque en gran parte de la literatura científica se supone que estos pintores y alfareros son la misma persona [ cita requerida ] . Pero tales atribuciones solo se pueden hacer con confianza si se tienen a mano las firmas del alfarero y del pintor.
Los pintores, que eran esclavos o artesanos a los que se les pagaba como pintores de cerámica, trabajaban sobre jarrones sin cocer y secados al sol. En el caso de la producción de figuras negras, el tema se pintaba sobre el jarrón con una lechada de arcilla (una barbotina , que en la literatura antigua también se denominaba barniz) que se volvía negra y brillante después de la cocción. Esto no era "pintura" en el sentido habitual, ya que esta barbotina superficial estaba hecha del mismo material de arcilla que el propio jarrón, solo diferenciándose en el tamaño de las partículas componentes, que se lograba durante el refinamiento de la arcilla antes de comenzar el proceso de alfarería. El área para las figuras se pintaba primero con un instrumento parecido a un pincel. Los contornos internos y los detalles estructurales se grababan en la barbotina para que la arcilla subyacente pudiera verse a través de los rasguños. Otros dos pigmentos a base de tierra que dan el rojo y el blanco se usaban para agregar detalles como adornos, ropa o partes de ropa, cabello, crines de animales, partes de armas y otros equipos. El blanco también se usaba con frecuencia para representar la piel de las mujeres.
El éxito de todo este esfuerzo sólo se pudo juzgar tras un complicado proceso de cocción en tres fases que generó el color rojo de la arcilla del cuerpo y el negro del engobe aplicado. El recipiente se coció en un horno a una temperatura de unos 800 °C, con la oxidación resultante que le dio un color naranja rojizo. A continuación, la temperatura se elevó a unos 950 °C con los respiraderos del horno cerrados y se añadió madera verde para eliminar el oxígeno. El recipiente se volvió entonces completamente negro. La etapa final requirió que se volvieran a abrir los respiraderos para permitir que entrara oxígeno en el horno, que se dejó enfriar. El recipiente volvió entonces a su color naranja rojizo debido a la oxidación renovada, mientras que la capa pintada ahora sinterizada mantuvo el color negro brillante que se había creado en la segunda etapa.
Aunque la partitura es uno de los principales indicadores estilísticos, algunas piezas prescinden de ella. En estas, la forma es técnicamente similar al estilo orientalizante, pero el repertorio de imágenes ya no refleja la práctica orientalizante. [1]
La evolución de la pintura cerámica de figuras negras se describe tradicionalmente en función de los distintos estilos y escuelas regionales. Si tomamos como eje a Corinto, las producciones de las distintas regiones presentan diferencias fundamentales, aunque se influyeron mutuamente. Especialmente en el Ática, aunque no exclusivamente allí, los mejores y más influyentes artistas de su tiempo caracterizaron la pintura cerámica griega clásica. El desarrollo posterior y la calidad de los vasos como portadores de imágenes son los temas de esta sección.
.jpg/1280px-Trois_aryballes_(collection_Campana,_le_Louvre,_2007).jpg)
La técnica de figuras negras se desarrolló alrededor del año 700 a. C. en Corinto [2] y fue utilizada por primera vez a principios del siglo VII a. C. por los pintores de cerámica protocorintios, que todavía pintaban en estilo orientalizante . La nueva técnica recordaba a las piezas de metal grabadas, y las vajillas de metal, más costosas, fueron sustituidas por jarrones de cerámica con figuras pintadas sobre ellos. Antes de finales de siglo se desarrolló un estilo característico de figuras negras. La mayoría de los elementos orientalizantes habían sido abandonados y no había adornos, salvo rosetas con pinceladas (las rosetas se formaban mediante una disposición de pequeños puntos individuales).
La arcilla utilizada en Corinto era blanda, con un tinte amarillo, a veces verde. La cocción defectuosa era algo normal, que ocurría cuando el complicado procedimiento de cocción no funcionaba como se deseaba. El resultado era a menudo una coloración no deseada de todo el vaso, o de partes del mismo. Después de la cocción, el engobe brillante aplicado al vaso se volvía negro opaco. Los colores complementarios rojo y blanco aparecieron por primera vez en Corinto y luego se hicieron muy comunes. Los vasos pintados suelen ser de pequeño formato, rara vez de más de 30 cm. Los frascos de aceite ( alabastra , aríbalo ), píxides , cráteras , enócoas y copas eran los vasos pintados más comunes. Los vasos esculpidos también estaban muy extendidos. A diferencia de los vasos áticos, las inscripciones son raras, y las firmas de los pintores aún más. La mayoría de los vasos supervivientes producidos en Corinto se han encontrado en Etruria , la Baja Italia y Sicilia. En el siglo VII y la primera mitad del VI a. C., la pintura de vasos corintios dominó el mercado mediterráneo de la cerámica. Es difícil construir una secuencia estilística para la pintura de vasos corintios. A diferencia de la pintura ática, por ejemplo, las proporciones de la base de cerámica no evolucionaron mucho. También suele ser difícil datar los vasos corintios; con frecuencia hay que confiar en fechas secundarias, como la fundación de colonias griegas en Italia. Basándose en esa información se puede trazar una cronología aproximada mediante comparaciones estilísticas, pero rara vez se acerca a la precisión de la datación de los vasos áticos.
Las escenas mitológicas se representan con frecuencia, especialmente Heracles y figuras relacionadas con la guerra de Troya . Pero las imágenes en los vasos corintios no tienen un rango temático tan amplio como las obras posteriores de los pintores áticos. Los dioses rara vez se representan, Dioniso nunca. Pero el ciclo tebano fue más popular en Corinto que más tarde en Atenas. Principalmente luchas, jinetes y banquetes eran las escenas más comunes de la vida cotidiana, apareciendo estas últimas por primera vez durante el período corintio temprano. Las escenas deportivas son raras. Las escenas con bailarinas de vientre gordo son únicas y su significado es discutido hasta el momento actual. Se trata de bebedores cuyos vientres y nalgas están acolchados con almohadas y pueden representar una forma temprana de comedia griega. [3]
El estilo de transición (640-625 a. C.) unió el estilo orientalizante (protocorintio) con el estilo de figuras negras. El antiguo estilo de frisos con animales del período protocorintio se había agotado, al igual que el interés de los pintores de vasos por las escenas mitológicas. Durante este período, las criaturas animales e híbridas eran dominantes. La forma de índice de la época era el aríbalo esférico, que se produjo en grandes cantidades y se decoraba con frisos de animales o escenas de la vida cotidiana. La calidad de la imagen es inferior en comparación con el período orientalizante. Los artistas más destacados de la época fueron el Pintor del toro tambaleante , cuya obra más famosa es un aríbalo con una escena de caza, el Pintor de Palermo 489 , y su discípulo, el Pintor de Colón . El estilo personal de este último se puede reconocer más fácilmente en sus imágenes de leones poderosos. Junto al aríbalo, el kotyle y el alabastrón son las formas de vasos más importantes. Los bordes de los kotyles estaban ornamentados y el resto de las decoraciones consistían en animales y rayos. Las dos superficies verticales de los vasos suelen tener escenas mitológicas. Los alabastrones solían estar pintados con figuras individuales.
El pintor de duelos fue el pintor corintio temprano más importante (625-600 a. C.), [4] que representó escenas de lucha en aríbalos . A partir del período corintio medio (600-575 a. C.), se utilizaron colores opacos cada vez con más frecuencia para enfatizar los detalles. Las figuras se pintaban además con una serie de puntos blancos. Los aríbalos se hicieron más grandes y se les dio una base plana.
El Pintor de Pholoe es muy conocido, siendo su obra más famosa un skyphos con una imagen de Heracles. El Pintor de Dodwell continuó pintando frisos de animales, aunque otros pintores ya habían abandonado esta tradición. [5] Su período creativo se extendió hasta el período corintio tardío (575-550 a. C.), y su influencia en la pintura de vasos de esa época no puede subestimarse. También de reputación excepcional fueron el maestro del Grupo Gorgoneion y el Pintor de la Cabalgata , que recibió esta designación debido a su preferencia por representar jinetes en el interior de las copas; estuvo activo alrededor del 580 a. C. [6] Dos de sus obras maestras [7] son una copa [8] que muestra el suicidio de Áyax y una crátera de columna que muestra una pareja de novios en un carro. Todas las figuras que se muestran en el cuenco están etiquetadas.
El primer artista conocido por su nombre es el pintor de vasos policromados Timonidas , que firmó [9] un frasco [10] y un pinax . [11] El nombre de un segundo artista, Milonidas, también aparece en un pinax.
La jarra corintia de olpe fue sustituida por una versión ática del oinochoe con un borde en forma de trébol. En la época corintia media, las representaciones de personas volvieron a ser más comunes. La crátera de Euritios , datada alrededor del 600 a. C., se considera de especial calidad; muestra un simposio en el friso principal con Heracles, Euritios y otras figuras míticas.
En la época corintia tardía (a veces denominada corintia tardía I, 575-550 a. C.) los vasos corintios tenían un revestimiento rojo para realzar el contraste entre las grandes áreas blancas y el color más bien pálido de la vasija de arcilla. Esto puso a los artesanos corintios en competencia con los pintores de cerámica ática, que entretanto habían asumido un papel destacado en el comercio de la cerámica. Las formas de los vasos áticos también fueron copiadas cada vez más. Los enócoes, cuya forma se había mantenido básicamente inalterada hasta entonces, comenzaron a parecerse a las formas áticas; también comenzaron a producirse cada vez más lecitos . La crátera de columna, una invención corintia que por eso se llamó korinthios en el resto de Grecia, fue modificada. El acortamiento de las volutas sobre las asas dio lugar a la crátera calcídica. El campo de imágenes principal estaba decorado con diversas representaciones de la vida cotidiana o escenas mitológicas, el campo secundario contenía un friso de animales. El reverso a menudo mostraba dos animales grandes.
Las copas se habían vuelto más profundas ya en tiempos corintios medios y esta tendencia continuó. Se volvieron tan populares como las kotyles. Muchas de ellas tienen escenas mitológicas en el exterior y una mueca de gorgona en el interior. Este tipo de pintura también fue adoptado por los pintores áticos. Por su parte, los pintores corintios retomaron los campos de imágenes enmarcadas de Atenas. Los frisos de animales perdieron importancia. Durante esta época estaba activo el tercer pintor corintio con un nombre conocido, Chares. [12] También debe mencionarse al Pintor de Tideo , a quien alrededor del 560 a. C. le gustaba pintar ánforas de cuello con un fondo rojo. [13] Se siguieron colocando rosetas incisas en los jarrones; faltan solo en algunas cráteras y copas. La pieza de arte más destacada de este período es la Crátera de Anfiarao , una crátera de columna creada alrededor del 560 a. C. como la obra principal del Pintor de Anfiarao. Muestra varios eventos de la vida del héroe Anfiarao .
Hacia el año 550 a. C. se acabó la producción de vasos con figuras. El estilo corintio tardío II se caracteriza por vasos con solo ornamentos, generalmente pintados con técnica de siluetas. Le sucedió el estilo de figuras rojas, que sin embargo no alcanzó una calidad especialmente alta en Corinto.
Con más de 20.000 piezas conservadas, los vasos áticos de figuras negras constituyen la colección de vasos más grande y al mismo tiempo más importante, superada sólo por los vasos áticos de figuras rojas. [14] Los alfareros áticos se beneficiaron de la excelente arcilla rica en hierro encontrada en el Ática. Los vasos áticos de figuras negras de alta calidad tienen un revestimiento uniforme, brillante y de color negro intenso y la base de arcilla de terracota de color intenso ha sido meticulosamente alisada. La piel de las mujeres siempre se indica con un color blanco opaco, que también se utiliza con frecuencia para detalles como caballos individuales, ropa u ornamentos. Los artistas áticos más destacados elevaron la pintura de vasos a un arte gráfico, pero también se produjeron una gran cantidad de productos de calidad media y de mercado masivo. La importancia sobresaliente de la cerámica ática proviene de su repertorio casi infinito de escenas que cubren una amplia gama de temas. Estas proporcionan ricos testimonios sobre todo en lo que respecta a la mitología, pero también a la vida cotidiana. Por otro lado, prácticamente no hay imágenes que hagan referencia a eventos contemporáneos. Este tipo de referencias sólo se encuentran ocasionalmente en forma de anotaciones, por ejemplo, cuando se pintan inscripciones kalos en un vaso. Los vasos se producían, por un lado, para el mercado doméstico y eran importantes para celebraciones o en relación con actos rituales. Por otro lado, también eran un importante producto de exportación que se vendía en toda la zona mediterránea. Por este motivo, la mayoría de los vasos supervivientes proceden de necrópolis etruscas . [15]
La técnica de figuras negras se aplicó por primera vez a mediados del siglo VII a. C., durante el período de la pintura de vasos protoáticos. Influenciados por la cerámica de Corinto, que ofrecía la más alta calidad en ese momento, los pintores de vasos áticos cambiaron a la nueva tecnología entre aproximadamente el 635 a. C. y finales del siglo. Al principio siguieron de cerca los métodos y temas de los modelos corintios. El Pintor de Berlín A 34 a principios de este período es el primer pintor individual identificado. El primer artista con un estilo único fue el Pintor de Nessos . Con su ánfora de Nessos creó la primera pieza destacada en el estilo ático de figuras negras. [16] Al mismo tiempo, fue uno de los primeros maestros del estilo ático de frisos de animales. Uno de sus vasos fue también el primer vaso ático conocido exportado a Etruria. [17] También fue responsable de las primeras representaciones de arpías y sirenas en el arte ático. A diferencia de los pintores corintios, utilizó líneas dobles e incluso triples incisas para representar mejor la anatomía animal. Una línea de hombro con doble incisión se convirtió en una característica de los vasos áticos. Las posibilidades inherentes a las grandes piezas de cerámica, como las ánforas de vientre, como portadoras de imágenes también se reconocieron en una fecha temprana. Otros pintores importantes de esta época pionera fueron el Pintor del Pireo , el Pintor de Belerofonte y el Pintor de los leones .
El estilo de figuras negras se generalizó en Atenas alrededor del año 600 a. C. Una de las primeras creaciones atenienses fue la ánfora con cabeza de caballo, cuyo nombre proviene de la representación de cabezas de caballos en una ventana con imágenes. Las ventanas con imágenes se utilizaron con frecuencia en el período posterior y luego se adoptaron incluso en Corinto. El pintor de Cerámica y el pintor de las gorgonas están asociados a las ánforas con cabeza de caballo. La influencia corintia no solo se mantuvo, sino que incluso se intensificó. El friso con animales se reconoció como obligatorio y de uso habitual. Esto se debió a razones económicas y estilísticas, ya que Atenas competía con Corinto por los mercados. Los vasos áticos se vendían en la zona del Mar Negro, Libia, Siria, la Baja Italia y España, así como en la patria griega.
Además de seguir los modelos corintios, los vasos atenienses también mostraron innovaciones locales. Así, a principios del siglo VI a. C. surgió un lekythos de tipo «Deianaira», con una forma alargada y ovalada. [18] El pintor más importante de esta época temprana fue el Pintor de las Gorgonas (600-580 a. C.). Fue un artista muy productivo que rara vez utilizó temas mitológicos o figuras humanas, y cuando lo hizo, siempre los acompañó con animales o frisos de animales. Algunos de sus otros vasos tenían solo representaciones de animales, como era el caso de muchos vasos corintios. Además del Pintor de las Gorgonas, deben mencionarse los pintores del Grupo de los Komastos (585-570 a. C.). Este grupo decoró tipos de vasos que eran nuevos en Atenas, a saber, lekanes, kotyles y kothons. La innovación más importante fue, sin embargo, la introducción de la copa de komast , que junto con las "copas prekomast" de la clase Oxford Palmette se sitúan al comienzo del desarrollo de las copas áticas. Pintores importantes de este grupo fueron el mayor KX Painter y el algo menos talentoso KY Painter , que introdujo la crátera de columna en Atenas. [19] Estas vasijas fueron diseñadas para su uso en banquetes y, por lo tanto, estaban decoradas con escenas komos relevantes , como escenas komos de intérpretes de komast .
Otros pintores importantes de la primera generación fueron el Pintor de la Pantera , el Pintor de Anagiro , el Pintor de los Lekanis de Dresde y el Pintor de Polos . El último representante significativo de la primera generación de pintores fue Sófilos (580-570 a. C.), que es el primer pintor de vasos áticos conocido por su nombre. En total, firmó cuatro vasos supervivientes, tres como pintor y uno como alfarero, lo que revela que en esta fecha los alfareros también eran pintores de vasos de estilo de figuras negras. Una separación fundamental de ambos oficios parece haber ocurrido solo en el curso del desarrollo del estilo de figuras rojas, aunque no se puede descartar una especialización previa. Sófilos hace un uso liberal de las anotaciones. Al parecer, se especializó en vasos grandes, ya que se sabe que los dinosaurios y las ánforas son especialmente su obra. Con mucha más frecuencia que sus predecesores, Sófilos muestra escenas mitológicas como los juegos funerarios de Patroclo . Con él comienza el declive del friso de animales, y los ornamentos vegetales y de otro tipo también son de menor calidad, ya que se consideran menos importantes y, por lo tanto, reciben poca atención del pintor. Pero en otros aspectos, Sophilos demuestra que era un artista ambicioso. En dos dinos se representa el matrimonio de Peleo y Tetis . Estos vasos se produjeron aproximadamente en la misma época que el vaso de François , que representa este tema a la perfección. Sin embargo, Sophilos prescinde de cualquier adorno en forma de frisos de animales en uno de sus dos dinos, [20] y no combina diferentes mitos en escenas distribuidas en varias superficies de vaso. Es el primer vaso griego de gran tamaño que muestra un solo mito en varios segmentos interrelacionados. Una característica especial del dinos es la aplicación por parte del pintor de la pintura blanca opaca que designa a las mujeres directamente sobre la base de arcilla, y no como es habitual sobre el brillo negro. Los detalles interiores y los contornos de la figura están pintados en un rojo apagado. Esta técnica particular es poco común, y sólo se encuentra en jarrones pintados en el taller de Sophilos y en paneles de madera pintados en estilo corintio en el siglo VI a. C. Sophilos también pintó uno de los raros cálices (una variedad de copa) y creó la primera serie superviviente de tablillas votivas. Él mismo o uno de sus sucesores también decoraron el primer jarrón nupcial (conocido como lebes gamikos ) que se ha encontrado. [21]
A partir del segundo tercio del siglo VI a. C., los artistas áticos se interesaron por las escenas mitológicas y otras representaciones de figuras. Los frisos de animales perdieron importancia. Solo unos pocos pintores se ocuparon de ellos y, por lo general, se trasladaron del centro de atención a áreas menos importantes de los vasos. Este nuevo estilo está especialmente representado por el vaso François, firmado tanto por el alfarero Ergotimos como por el pintor Kleitias (570-560 a. C.). Esta crátera se considera el vaso griego pintado más famoso. [22] Es la primera crátera de voluta conocida hecha de arcilla. Los eventos mitológicos se representan en varios frisos, y los frisos de animales se muestran en lugares secundarios. Varios detalles iconográficos y técnicos aparecen en este vaso por primera vez. Muchos son únicos, como la representación de un mástil bajado de un barco de vela; otros pasaron a formar parte del repertorio estándar, como las personas sentadas con una pierna detrás de la otra, en lugar de con la tradicional posición paralela de las piernas. [23] Otros cuatro vasos más pequeños fueron firmados por Ergotimos y Kleitias, y se les atribuyen vasos y fragmentos adicionales. Estos proporcionan evidencia de otras innovaciones de Kleitias, como la primera representación del nacimiento de Atenea o de la Danza en Creta.
Nearchos (565–555 a. C.) firmó como alfarero y pintor. Prefería las figuras de gran tamaño y fue el primero en crear imágenes que mostraban el enjaezamiento de un carro. Otra innovación fue colocar un diseño de lengua sobre un fondo blanco debajo del labio del vaso. [24] Otros pintores talentosos fueron el Pintor de la Acrópolis 606 y el Pintor de Ptoon , cuya pieza más conocida es la Hidria de Hearst. El Grupo Burgon también es significativo, ya que es la fuente de la primera ánfora panatenea totalmente conservada .
La copa de Siana evolucionó a partir de la copa de komast alrededor del 575 a. C. Si bien el grupo de komast produjo formas distintas a las copas, algunos artesanos se especializaron en la producción de copas después de la época del primer ejemplificador importante de copas de Siana, el Pintor C (575-555 a. C.). Las copas tienen un borde más alto que antes y una base en forma de trompeta sobre un tallo hueco relativamente corto. Por primera vez en la pintura de vasos ática, el interior de la copa estaba decorado con imágenes enmarcadas ( tondo ). Había dos tipos de decoración. En el estilo de "dos pisos", el cuerpo de la copa y el labio tienen decoraciones separadas cada uno. En el estilo de "superposición", la imagen se extiende sobre el cuerpo y el labio. Después del segundo cuarto del siglo VI a. C. hubo más interés en decorar especialmente las copas con imágenes de atletas. Otro pintor importante de copas de Siana fue el Pintor de Heidelberg . Él también pintó casi exclusivamente copas de Siana. Su tema favorito era el héroe Heracles. El Pintor de Heidelberg es el primer pintor ático que lo muestra con el jabalí de Erimanto , con Nereo , con Busiris y en el jardín de las Hespérides . El Pintor de Casandra , que decoró copas de tamaño mediano con bases y labios altos, marca el final del desarrollo de la copa de Siana. Es principalmente significativo como el primer pintor conocido que pertenece a los llamados Pequeños Maestros , un gran grupo de pintores que produjeron la misma gama de vasos, conocidos como copas de Pequeños Maestros . Las llamadas copas Merrythought se produjeron contemporáneamente con las copas de Siana. Sus asas tienen la forma de un tenedor de dos puntas y terminan en lo que parece un botón. Estas copas no tienen un borde delineado. También tienen un cuenco más profundo con un pie más alto y estrecho.
El último pintor destacado del Periodo Arcaico Preclásico fue Lidos (560-540 a. C.), que firmó dos de sus obras con ho Lydos (el Lidio). Probablemente él o sus antepasados inmediatos procedían de Asia Menor, pero sin duda se formó en Atenas. Se le atribuyen más de 130 vasos supervivientes. Una de sus pinturas sobre una hidria es la primera representación ática conocida de la lucha entre Heracles y Gerión . Lidos fue el primero en mostrar a Heracles con la piel de un león, que más tarde se hizo común en el arte ático. También representó la batalla entre los dioses y los gigantes en un dinos encontrado en la acrópolis de Atenas, y a Heracles con Cicno . Lidos decoró otros tipos de vasos además de hidrias y dinos, como platos, copas (copas superpuestas de Siena), cráteras de columna y psíquicos, así como tablillas votivas. Sigue siendo difícil identificar los productos de Lydos como tales, ya que a menudo difieren solo ligeramente de los de su entorno inmediato. El estilo es bastante homogéneo, pero las piezas varían considerablemente en calidad. Los dibujos no siempre están realizados con cuidado. Lydos probablemente era un capataz en un taller muy productivo en el distrito alfarero de Atenas. Presumiblemente fue el último pintor de vasos áticos que colocó frisos de animales en vasos grandes. Siempre en la tradición corintia, sus dibujos de figuras son un eslabón en la cadena de pintores de vasos que se extiende desde Cletías, pasando por Lydos y los pintores de Amasis, hasta Exequias. Junto con ellos participó en la evolución de este arte en el Ática y tuvo una influencia duradera. [25]
Una forma especial de vasos áticos de este período fue el ánfora tirrena (550-530 a. C.). Se trataba de ánforas con cuello en forma de huevo con decoraciones atípicas del canon de diseño ático habitual de la época. Casi todos los vasos supervivientes, de unos 200 aproximadamente, se encontraron en Etruria. El cuerpo del ánfora suele estar subdividido en varios frisos paralelos. El friso superior o de los hombros suele mostrar una escena popular de la mitología. A veces hay temas menos comunes, como una escena única del sacrificio de Polixena . Las primeras imágenes eróticas conocidas en vasos áticos también se encuentran en este lugar. Los pintores solían poner anotaciones en las ánforas tirrenas que identificaban a las personas representadas. Los otros dos o tres frisos estaban decorados con animales; a veces uno de ellos se sustituía por un friso vegetal. El cuello suele estar pintado con una cruz de palmeta de loto o festones. Las ánforas son bastante coloridas y recuerdan a los productos corintios. En este caso, es evidente que se copió deliberadamente una forma corintia para producir un tipo de vaso concreto para el mercado etrusco, donde el estilo era popular. Es posible que esta forma no se fabricara en Atenas, sino en algún otro lugar del Ática, o incluso fuera de ella. Entre los pintores más importantes se encuentran el pintor de Castellani y el pintor de Goltyr .
El período comprendido entre el año 560 y el comienzo de la pintura de figuras rojas, en torno al 530/520 a. C., se considera el apogeo absoluto de la pintura de vasos de figuras negras. En este período, los mejores y más conocidos artistas explotaron todas las posibilidades que ofrecía este estilo. [26]
El primer pintor importante de esta época fue el Pintor de Amasis (560-525 a. C.), llamado así por el famoso alfarero Amasis , con quien trabajó principalmente. Muchos investigadores los consideran la misma persona. Comenzó su carrera como pintor aproximadamente al mismo tiempo que Lydos, pero estuvo activo durante un período casi el doble de largo. Mientras que Lydos mostró más las habilidades de un artesano experto, el Pintor de Amasis fue un artista consumado. Sus imágenes son ingeniosas, encantadoras y sofisticadas [27] y su desarrollo artístico personal se acerca a un reflejo de la evolución general de la pintura de vasos áticos de figuras negras en ese momento. Su trabajo temprano muestra su afinidad con los pintores de copas de Siana. Los avances se pueden reconocer más fácilmente en cómo dibuja los pliegues de la ropa. Sus primeras figuras femeninas usan ropa sin pliegues. Más tarde pinta pliegues planos y angulares, y al final es capaz de transmitir la impresión de prendas flexibles y fluidas. [28] Los dibujos de prendas eran una de sus principales características; le gustaba representar ropa estampada y con flecos. Los grupos de figuras que muestra el Pintor de Amasis fueron cuidadosamente dibujados y compuestos simétricamente. Al principio eran bastante estáticos, pero las figuras posteriores transmiten una impresión de movimiento. Aunque el Pintor de Amasis a menudo representó eventos mitológicos (es conocido por sus sátiros con cara de cerdo , por ejemplo), es más conocido por sus escenas de la vida cotidiana. Fue el primer pintor que los retrató en gran medida. Su obra influyó decisivamente en la obra de los pintores de figuras rojas posteriores. Es posible que anticipó algunas de sus innovaciones o fue influenciado por ellas hacia el final de su carrera como pintor: en muchos de sus jarrones, las mujeres solo se muestran de contorno, sin relleno negro, y ya no son identificables como mujeres por la aplicación de blanco opaco como color de piel. [29]
El grupo E (550-525 a. C.) era una gran colección de artesanos independientes y se considera el grupo anónimo más importante que produjo cerámica ática de figuras negras. Rompió rigurosamente con la tradición estilística de Lido, tanto en lo que respecta a la imagen como a la vasija. Las ánforas de cuello con forma de huevo se abandonaron por completo y las cráteras de columna se abandonaron casi por completo. En su lugar, este grupo introdujo las ánforas de vientre de tipo A, que luego se convirtieron en una forma de índice. Las ánforas de cuello generalmente se producían solo en versiones personalizadas. El grupo no tenía interés en los formatos pequeños. Muchas escenas, especialmente las que se originaban en mitos, se reprodujeron una y otra vez. Así, varias ánforas de este grupo muestran a Heracles con Gerión o el León de Nemea , y cada vez más a Teseo y el Minotauro , así como el nacimiento de Atenea. Sin embargo, la importancia particular del grupo radica en la influencia que ejerció sobre Exequias. La mayoría de los artistas áticos de la época copiaron los estilos del grupo E y de Exequias. En cambio, la obra de Lydos y del pintor de Amasis no fue imitada con tanta frecuencia. Beazley describe la importancia del grupo para Exekias de la siguiente manera: "El grupo E es el terreno fértil del que brota el arte de Exekias, la tradición que retoma y supera en su camino desde un excelente artesano hasta un verdadero artista". [30]
Se considera generalmente a Exequias (545-520 a. C.) como el maestro absoluto del estilo de figuras negras, que alcanza su apogeo con él. [31] Su importancia no se debe sólo a su magistral pintura de vasos, sino también a su cerámica innovadora y de gran calidad. Firmó 12 de sus vasos supervivientes como alfarero, dos como pintor y alfarero. Exequias probablemente tuvo un papel importante en el desarrollo de las copas de los Pequeños Maestros y el ánfora de vientre de tipo A mencionado anteriormente, y posiblemente inventó la crátera de cáliz , al menos la pieza existente más antigua es de su taller. A diferencia de muchos otros artesanos comparables, como pintor concedió gran importancia a la elaboración cuidadosa de los ornamentos. Los detalles de sus imágenes (crines de caballos, armas, ropas) también están extraordinariamente bien ejecutados. Sus escenas son generalmente monumentales y las figuras emanan una dignidad previamente desconocida en la pintura. En muchos casos rompió con las convenciones áticas. En su vaso más famoso, la copa de Dioniso, fue el primero en utilizar un revestimiento interior de color rojo coral en lugar del habitual color rojo. Esta innovación, así como la colocación de dos pares de ojos en el exterior, conecta a Exekias con las copas clásicas con ojos. Probablemente aún más innovador fue el uso de todo el interior de la copa para su imagen de Dioniso, reclinado en un barco del que brotan vides. De hecho, en esa época era costumbre decorar la superficie interior simplemente con una cara de gorgona. La copa [32] es probablemente uno de los experimentos realizados en el distrito de la cerámica para abrir nuevos caminos antes de que se introdujera el estilo de figuras rojas. Fue el primero en pintar un barco navegando a lo largo del borde de un dinosaurio. Solo en raras ocasiones se adhirió a los patrones tradicionales de representación de temas mitológicos habituales. Su representación del suicidio de Áyax también es significativa. Exekias no muestra el acto en sí, que era tradicional, sino más bien los preparativos de Áyax. [33] Casi tan famosa como la copa de Dioniso es una ánfora con la visualización de Áyax y Aquiles enfrascados en un juego de mesa. [34] No sólo es detallada la representación, Exequias incluso transmite el resultado del juego. Casi al estilo de un globo de diálogo hace que ambos jugadores anuncien los números que lanzan con sus dados: Áyax un tres y Aquiles un cuatro. Esta es la representación más antigua conocida de esta escena, de la que no hay mención en la literatura clásica. No menos de otros 180 vasos supervivientes, que datan desde la versión de Exequias hasta aproximadamente el 480 a. C., muestran esta escena. [35]
John Boardman destaca el carácter excepcional de Exekias, que lo distingue de los pintores de vasos tradicionales: "Las personas representadas por artistas anteriores son, en el mejor de los casos, elegantes muñecos. Amasis (el pintor de Amasis) era capaz de visualizar a las personas como personas, pero Exekias podía imaginarlas como dioses y, de ese modo, darnos un anticipo del arte clásico". [36]
Aunque se reconoce que los pintores de vasos de la antigua Grecia eran considerados artesanos más que artistas, los historiadores del arte actuales consideran a Exekias un artista consumado cuyo trabajo puede compararse con las pinturas "importantes" ( murales y pinturas sobre tabla) de ese período. [37] Al parecer, sus contemporáneos también lo reconocieron. La Colección de Antigüedades Clásicas de Berlín en el Altes Museum contiene los restos de una serie de sus tablillas votivas. La serie completa probablemente tenía 16 paneles individuales. Es probable que realizar un pedido de este tipo a un alfarero y pintor de vasos sea algo único en la antigüedad y es una prueba de la gran reputación de este artista. Las tablillas muestran el duelo por una mujer ateniense muerta, así como su cuerpo en capilla ardiente y su transporte a una tumba. Exekias transmite tanto el dolor como la dignidad de las figuras. Una característica especial, por ejemplo, es que el líder de la procesión fúnebre gira su rostro para mirar al espectador directamente, por así decirlo. La representación de los caballos también es única; Tienen temperamentos individuales y no se reducen a su función de animales nobles, como suele ser habitual en los jarrones. [38]
Durante el Período Clásico maduro, los productores de vasijas y copas se especializaron aún más. Las copas de gran volumen komast y siana evolucionaron a través de las copas de Gordion [39] hacia elegantes variantes llamadas copas de Pequeños Maestros debido a su delicada pintura. Los alfareros y pintores de esta forma se denominan, en consecuencia, Pequeños Maestros . Pintaron principalmente copas de banda y copas de labio . Las copas de labio [40] recibieron su nombre de su labio relativamente pronunciado y delineado. El exterior de la copa conservaba gran parte del fondo de arcilla y, por lo general, solo tenía unas pocas imágenes pequeñas, a veces solo inscripciones o, en algunos casos, toda la copa estaba mínimamente decorada. También en el área de las asas rara vez hay más que palmetas o inscripciones cerca de los puntos de sujeción. Estas inscripciones pueden ser la firma del alfarero, el brindis de un bebedor o simplemente una secuencia de letras sin sentido. Pero los interiores de las copas de labio a menudo también están decorados con imágenes.
Las copas con banda [41] tienen una transición más suave entre el cuerpo y el borde. La decoración tiene la forma de una banda que rodea el exterior de la copa y con frecuencia puede ser un friso muy elaborado. En el caso de esta forma, el borde está recubierto con un engobe negro brillante. El interior conserva el color de la arcilla, a excepción de un punto negro pintado en el centro. Las variaciones incluyen copas Droop y copas Kassel . Las copas Droop [42] tienen labios cóncavos negros y un pie alto. Al igual que con las copas con banda clásicas, el borde se deja negro, pero el área debajo está decorada con adornos como hojas, brotes, palmetas, puntos, nimbos o animales en el exterior de la copa. Las copas Kassel [43] son una forma pequeña, más rechoncha que otras copas de Little Masters, y todo el exterior está decorado. Como en el caso de las copas Droop, principalmente se pintan adornos. Entre los Pequeños Maestros famosos se encuentran los alfareros Frinos, Socles , Tleson y Ergoteles , los dos últimos hijos del alfarero Nearcos. Hermógenes inventó una variedad de Pequeño Maestro de skyphos [44], conocida actualmente como Hermógenes skyphos. También cabe mencionar aquí al Pintor de Frinos, al Pintor de Taleides, al Pintor de Xenokles y al Grupo de Rodas 12264.
Hasta finales de siglo, la calidad de la producción de vasos de figuras negras se mantuvo en lo fundamental. Pero después del desarrollo del estilo de figuras rojas alrededor del 530 a. C., probablemente por el pintor Andokides , cada vez más pintores se pasaron al estilo de figuras rojas, que ofrecía muchas más posibilidades para añadir detalles dentro de los contornos de las figuras. El nuevo estilo también permitió muchos más experimentos prometedores con escorzos, vistas en perspectiva y nuevos diseños para composiciones. El contenido de las escenas, como siempre, reflejaba las tendencias en el gusto y el espíritu de la época, pero el estilo de figuras rojas creó mejores condiciones previas para presentar escenas más elaboradas al explotar las nuevas posibilidades de composición.
Pero mientras tanto, algunos artesanos innovadores pudieron dar nuevos impulsos a la producción de vasos de figuras negras. El alfarero más imaginativo de la época, también un hombre de negocios de talento, fue Nikosthenes . Más de 120 vasos llevan su firma, lo que indica que fueron hechos por él o en su taller. Parece que se especializó especialmente en la producción de vasos para exportar a Etruria. En su taller se produjeron las habituales ánforas de cuello, Pequeños Maestros, Copas de Gota y Ojos, pero también un tipo de ánfora que recuerda a la cerámica bucchero etrusca, llamada ánfora Nikosténica en honor a su creador. Estas piezas se encontraron sobre todo en Caere , los otros tipos de vasos generalmente en Cerveteri y Vulci. Las muchas invenciones en su taller no se limitaron a las formas. En el taller de Nikosthenes se desarrolló lo que se conoce como la técnica de los Seis , en la que las figuras se pintaban en marrón rojizo o blanco sobre un engobe negro brillante. No está claro si Nikóstenes también pintó jarrones, en cuyo caso se suele suponer que es idéntico al pintor N. [45] El pintor de BMN y el pintor de figuras rojas de Nikóstenes también llevan el nombre de Nikóstenes. En su taller empleó a muchos pintores de jarrones famosos, incluidos los ancianos Lydos, Oltos y Epiktetos . La tradición del taller fue continuada por el sucesor de Nikóstenes, Pamphaios . [46]
Dos pintores de vasos de figuras negras son considerados manieristas (540-520 a. C.). El pintor Codos hacia afuera decoró principalmente copas de Pequeños Maestros. Los codos extendidos de sus figuras son llamativos, una característica responsable de su nombre pragmático. Rara vez representó escenas mitológicas; las escenas eróticas son mucho más comunes. También decoró una rara forma de vaso conocida como lydion . El más importante de los dos pintores fue El afectador , cuyo nombre proviene de la impresión exageradamente artificial que causan sus figuras. Estas figuras de cabeza pequeña no parecen estar actuando sino posando. Su obra temprana muestra escenas de la vida cotidiana; más tarde se dedicó a escenas decorativas en las que las figuras y los atributos son reconocibles, pero difícilmente acciones. Si sus figuras están vestidas, parecen como si estuvieran acolchadas; si están desnudas, son muy angulosas. El afectador era a la vez alfarero y pintor; han sobrevivido más de 130 de sus vasos. [47]
Al pintor de Antimenes (530-500 a. C.) le gustaba decorar las hidrias con frisos de animales en la predela y, sobre todo, las ánforas de cuello. Dos hidrias atribuidas a él están decoradas en la región del cuello utilizando una técnica de fondo blanco . Fue el primero en pintar ánforas con un rostro de Dioniso en forma de máscara. El más famoso de sus más de 200 vasos supervivientes muestra una cosecha de aceitunas en el reverso. Sus dibujos rara vez son realmente precisos, pero tampoco son excesivamente descuidados. [48] Estilísticamente, el pintor Psiax está estrechamente relacionado con el pintor de Antimenes, aunque el primero también utilizó la técnica de figuras rojas. Como maestro de los pintores Eufronio y Fintias , Psiax tuvo una gran influencia en el desarrollo temprano del estilo de figuras rojas. Con frecuencia muestra escenas de caballos y carros y arqueros. [49]
El último grupo importante de pintores fue el Grupo Leagros (520-500 a. C.), llamado así por la inscripción en kalos que utilizaban con frecuencia, Leagros. Las ánforas y las hidrias, estas últimas a menudo con palmetas en la predela, son los vasos pintados con mayor frecuencia. El campo de imágenes suele estar completamente lleno, pero la calidad de las imágenes sigue siendo muy alta. Muchos de los más de 200 vasos de este grupo estaban decorados con escenas de la guerra de Troya y la vida de Heracles [50]. Pintores como el ingenioso Pintor de Aqueloo, el convencional Pintor de Chiusi y el Pintor del amanecer con su fiel detalle pertenecen al Grupo Leagros. [51]
Otros pintores de vasos conocidos de la época son el Pintor del luto del Vaticano , el Pintor de Princeton , el Pintor de Múnich 1410 y el Pintor del columpio (540-520 a. C.), a quien se le atribuyen muchos vasos. No se le considera un artista muy bueno, pero sus figuras son involuntariamente humorísticas debido a las figuras con sus grandes cabezas, narices extrañas y puños frecuentemente cerrados. [52] La obra del Pintor de Rycroft tiene un parecido con la pintura de vasos de figuras rojas y las nuevas formas de expresión. Le gustaba representar escenas dionisíacas, caballos y carros, y las aventuras de Heracles. A menudo utiliza dibujos de contorno. Los aproximadamente 50 vasos, generalmente de gran tamaño, que se le atribuyen están elegantemente pintados. [53] La Clase de CM 218 principalmente variaciones decoradas de las ánforas nicósténicas. La clase Hypobibazon trabajó con un nuevo tipo de ánfora de vientre con asas y pies redondeados, cuya decoración se caracteriza por un meandro clave sobre los campos de imágenes. Una variante más pequeña de ánfora de cuello fue decorada por el Grupo de las Tres Líneas . El Grupo Perizoma adoptó alrededor del 520 a. C. la forma recién introducida del stamnos . Hacia finales del siglo, todavía se producían producciones de alta calidad por parte del Pintor de Eufileto , el Pintor de Madrid y el imaginativo Pintor de Príamo .
En particular, los pintores de vasos como Oltos, Epícteto, Filípido y Escito pintaron vasos en estilos de figuras rojas y negras ( cerámica bilingüe ), principalmente vasos con forma de ojo. El interior era generalmente de estilo de figuras negras, el exterior de estilo de figuras rojas. Hay varios casos de ánforas cuyos lados delantero y trasero están decorados en los dos estilos diferentes. Los más famosos son obras del Pintor de Andócides , cuyas escenas de figuras negras se atribuyen al Pintor de Lisípides . Los eruditos están divididos sobre la cuestión de si estos pintores son la misma persona. Solo unos pocos pintores, por ejemplo, el Pintor de Nikoxeno y el Pintor de Atenea , produjeron grandes cantidades de vasos utilizando ambas técnicas. Aunque la cerámica bilingüe fue bastante popular durante un corto tiempo, el estilo pasó de moda ya hacia finales de siglo. [54]
A principios del siglo V a. C. y hasta el 480 a. C., como muy tarde, todos los pintores de renombre utilizaban el estilo de figuras rojas. Sin embargo, los vasos de figuras negras continuaron produciéndose durante unos 50 años más, y su calidad fue disminuyendo progresivamente. Los últimos pintores que produjeron imágenes de calidad aceptable en vasos grandes fueron el Pintor de Eucárides y el Pintor de Cleofrades. Solo los talleres que producían formas más pequeñas, como olpes, enochoes, skyphos, pequeñas ánforas de cuello y determinados lekythos, utilizaron cada vez más el estilo antiguo. El Pintor de Fanilis utilizó la técnica Six, entre otros métodos, y tanto el Pintor de Edimburgo como el Pintor de Gela decoraron los primeros lekythos cilíndricos. El primero produjo principalmente escenas informales, claras y sencillas utilizando un estilo de figuras negras sobre un fondo blanco. El fondo blanco de los vasos era bastante grueso y ya no se pintaba directamente sobre la base de arcilla, una técnica que se convirtió en la estándar para todos los vasos de fondo blanco. El Pintor de Safo se especializó en lecitos funerarios. El taller del Pintor de Haimon fue especialmente productivo; han sobrevivido más de 600 de sus vasos. El Pintor de Atenea (quizás idéntico al Pintor de figuras rojas de Bowdoin) y el Pintor de Perseo continuaron decorando lecitos grandes y estándar. Las escenas del Pintor de Atenea todavía irradian algo de la dignidad inherente a la obra del Grupo Leagros. El Pintor de Maratón es conocido principalmente por los lecitos funerarios encontrados en el túmulo de los atenienses que murieron en la batalla de Maratón en 490 a. C. El último pintor de lecitos significativo, el Pintor de Beldam, trabajó desde alrededor de 470 a. C. hasta 450 a. C. A excepción de las ánforas de premio de las Panateneas, el estilo de figuras negras llegó a su fin en el Ática en esta época. [55]
Entre los vasos áticos de figuras negras, las ánforas de las Panateneas desempeñan un papel especial. Después del año 566 a. C., cuando se introdujeron o reorganizaron las celebraciones de las Panateneas, eran el premio para los ganadores de las competiciones deportivas y se llenaban con aceite de oliva, uno de los principales productos de exportación de la ciudad. En el anverso se representaba habitualmente la imagen de la diosa Atenea de pie entre dos columnas sobre las que se posaban gallos ; en el reverso, una escena deportiva. La forma era siempre la misma y solo se modificó ligeramente durante el largo periodo de su producción. El ánfora de vientre era, como su nombre indica, en un principio especialmente bulboso, con un cuello corto y un pie largo y estrecho. Hacia el año 530 a. C. los cuellos se acortan y el cuerpo algo más estrecho. Hacia el año 400 a. C. los hombros del vaso se redujeron considerablemente en anchura y la curva del cuerpo del vaso parecía estrecha. Después del año 366 a. C. los vasos volvieron a ser más elegantes y se hicieron aún más estrechos.
Estos jarrones se produjeron principalmente en los principales talleres del distrito de Kerameikos. Parece que era un honor o especialmente lucrativo recibir un encargo para producir los jarrones. Esto también explica la existencia de muchas ánforas premiadas por excelentes pintores de jarrones. Además de los pintores de figuras negras superiores como el Pintor de Euphiletos, Exekias, Hypereides y el Grupo Leagros, muchos maestros artesanos de figuras rojas son conocidos como creadores de ánforas premiadas. Entre ellos se encuentran el Pintor de Eucharides, el Pintor de Kleophrades, el Pintor de Berlín, el Pintor de Achilleus y Sophilos, que fue el único que firmó uno de los jarrones supervivientes. El primer jarrón conocido fue producido por el Grupo Burgon y se conoce como el jarrón Burgon. Dado que el nombre del funcionario gobernante ( Arconte ) aparece ocasionalmente en el jarrón después del siglo IV a. C., algunos de los jarrones pueden fecharse con precisión. Como las Panateneas eran fiestas religiosas, el estilo y el tipo de decoración no cambiaron ni durante el período de las figuras rojas ni después de que los vasos figurados dejaran de comercializarse en Atenas. Las ánforas premiadas se produjeron hasta el siglo II a. C. y han sobrevivido alrededor de 1000 de ellas. Dado que para algunas fechas se conoce el número de ánforas otorgadas a un ganador, es posible deducir que ha sobrevivido alrededor del uno por ciento de la producción total de vasos atenienses. Otras proyecciones llevan a la conclusión de que en total se produjeron alrededor de siete millones de vasos con figuras pintadas en Atenas. [56] Además de las ánforas premiadas, también se fabricaron formas imitativas conocidas como ánforas premiadas pseudo-panatenaicas. [57]
Starting already in the 7th century BC painted pottery was being produced in Sparta for local consumption as well as for export. The first quality pieces were produced around 580 BC. The zenith in black-figure pottery was reached between about 575 and 525 BC. Besides Sparta, the main discovery sites are the islands of Rhodes and Samos, as well as Taranto, Etruscan necropolises, and Cyrene, which was at first considered to be the original source of the pottery. The quality of the vessels is very high. The clay was well slurried and was given a cream-colored coating. Amphoras, hydriai, column kraters (called krater lakonikos in antiquity), volute kraters, Chalcidic kraters, lebes, aryballoi and the Spartan drinking cup, the lakaina, were painted. But the index form and most frequent find is the cup. In Lakonia the deep bowl was usually put on a high foot; cups on low feet are rare. The exterior is typically decorated with ornaments, usually festoons of pomegranates, and the interior scene is quite large and contains figures. In Laconia earlier than in the rest of Greece the tondo became the main framework for cup scenes. The main image was likewise divided into two segments at an early date, a main scene and a smaller, lower one. Frequently the vessel was only coated with a glossy slip or decorated with just a few ornaments. Inscriptions are uncommon but can appear as name annotations. Signatures are unknown for potters as well as painters. It is probable that the Laconian craftsmen were perioeci pottery painters. Characteristic features of the pottery often match the fashion of known painters. It is also possible that they were migrant potters from eastern Greece, which would explain the strong eastern Greek influence especially on the Boreads Painter.
In the meantime at least eight vase painters can be distinguished. Five painters, the Arkesilas Painter (565–555), the Boreads Painter (575–565), the Hunt Painter, the Naucratis Painter (575–550) and the Rider Painter (550–530) are considered to be the more important representatives of the style, while other painters are regarded as craftsmen of lesser ability. The images are usually angular and stiff, and contain animal friezes, scenes of daily life, especially symposia, and many mythological subjects. Of the latter, Poseidon and Zeus are depicted especially frequently, but also Heracles and his twelve labors as well as the Theban and Trojan legend cycles. Especially on the early vases, a gorgon grimace is placed in a cup tondo. A depiction of the nymph Cyrene and a tondo with a rider with a scrolling tendril growing from his head (name vase of the Rider Painter) are exceptional.[58] Also important is a cup with an image of Arcesilaus II. The Arcesilas cup supplied the pragmatic name for the Arcesilas Painter.[59] It is one of the rare depictions on Greek pottery of current events or people. The subjects suggest Attic influence. A reddish purple was the main opaque color. At present over 360 Laconian vases are known, with almost a third of them, 116 pieces, being attributed to the Naucratis Painter. The decline around 550 BC of Corinthian black-figure vase painting, which had an important influence on Laconian painting, led to a massive reduction in the Laconian production of black-figure vases, which came to an end around 500 BC. The pottery was very widely distributed, from Marseille to Ionian Greece. On Samos, Laconian pottery is more common than Corinthian pottery because of the close political alliance with Sparta.[60]
Black-figure vases were produced in Boeotia from the 6th to the 4th century BC. As late as the early 6th century BC many Boeotian painters were using the orientalizing outline technique. Afterward they oriented themselves closely on Attic production. Distinctions and attributions to one of the two regions are sometimes difficult and the vases can also be confused with Corinthian pottery. Low-quality Attic and Corinthian vases are often declared to be Boeotian works. Frequently, good Boeotian vases are considered to be Attic and poor Attic vases are falsely considered to be Boeotian. There was probably an exchange of craftsmen with Attica. In at least one case it is certain that an Attic potter emigrated to Boeotia (the Horse-Bird Painter, and possibly also the Tokra Painter, and among the potters certainly Teisias the Athenian). The most important subjects are animal friezes, symposia and komos scenes. Mythological scenes are rare, and when present usually show Heracles or Theseus. From the late 6th century through the 5th century a silhouette-like style predominated. Especially kantharos, lekanis, cups, plates and pitchers were painted. As was the case in Athens, there are kalos inscriptions. Boeotian potters especially liked to produce molded vases, as well as kantharos with sculptured additions and tripod pyxides. The shapes of lekanis, cups and neck amphoras were also taken over from Athens. The painting style is often humorous, and there is a preference for komos scenes and satyrs.[61]
Between 425 and 350 BC Kabeiric vases were the main black-figure style in Boeotia. In most cases this was a hybrid form between a kantharos and a skyphos with a deep bowl and vertical ring handles, but there were also lebes, cups and pyxides. They are named after the primary place where they were found, the Sanctuary of the Kabeiroi near Thebes. The scenes, usually painted on only one side of the vase, depict the local cult. The vases caricature mythological events in a humorous, exaggerated form. Sometimes komos scenes are shown, which presumably related directly to the cult.[62]
Black-figure vase painting in Euboea was also influenced by Corinth and especially by Attica. It is not always easy to distinguish these works from Attic vases. Scholars assume that most of the pottery was produced in Eretria. Primarily amphoras, lekythos, hydria and plates were painted. Large-format amphoras were usually decorated with mythological scenes, such as the adventures of Herakles or the Judgment of Paris. The large amphoras, derived from 7th century shapes, have tapering lips and usually scenes relating to weddings. They are apparently funerary vases produced for children who died before they could marry. Restrained employment of incising and regular use of opaque white for the floral ornaments were typical features of black-figure pottery from Eretria. In addition to scenes reflecting Attic models, there were also wilder scenes like the rape of a deer by a satyr or Heracles with centaurs and demons. The vases of the Dolphin Class were previously regarded as being Attic, but are now considered to be Euboic. However, their clay does not match any known Eretrian sources. Perhaps the pieces were produced in Chalcis.[63]
The origin of some black-figure regional styles is disputed. For example, Chalcidian pottery painting was once associated with Euboea; in the meantime production in Italy is considered to be more likely.
In hardly any other region of Greece are the borders between the orientalizing and black-figure styles as uncertain as in the case of vases from eastern Greece. Until about 600 BC only outline drawings and empty spaces were employed. Then during the late phase of the orientalizing style incised drawings began to appear, the new technique coming from northern Ionia. The animal frieze style which had previously predominated was certainly decorative, but offered few opportunities for further technical and artistic development. Regional styles arose, especially in Ionia.
Toward the end of the Wild Goat style, northern Ionian artists imitated—rather poorly—Corinthian models. But already in the 7th century high quality vases were being produced in Ionia. Since approximately 600 BC the black-figure style was used either entirely or in part to decorate vases. In addition to regional styles which developed in Klazomenai, Ephesus, Milet, Chios and Samos there were especially in northern Ionia styles which cannot be precisely localized. Oil flasks which adhered to the Lydian model (lydions) were common, but most of them were decorated only with stripes. There are also original scenes, for example a Scythian with a Bactrian camel, or a satyr and a ram. For some styles attribution is controversial. Thus the Northampton Group shows strong Ionian influence but production was probably in Italy, perhaps by immigrants from Ionia.[64]
In Klazomenai primarily amphoras and hydria were painted in the middle of the 6th century BC (c. 550 to 350 BC), as well as deep bowls with flat, angular-looking figures. The vessels are not very elegant in workmanship. Dancing women and animals were frequently depicted. Leading workshops were those of the Tübingen Painter, the Petrie Painter, and the Urla Group. Most of the vases were found in Naukratis and in Tell Defenneh, which was abandoned in 525 BC. Their origin was initially uncertain, but Robert Zahn identified the source by comparison with images on Klazomenian sarcophagi. The pottery was often decorated with sculptured women's masks. Mythological scenes were rare; fishscale ornaments, rows of white dots, and stiff-looking dancing women were popular. The depiction of a herold standing in front of a king and a queen is unique. In general, men were characterized by large, spade-shaped beards. Starting already in 600 BC and continuing to about 520 BC rosette cups, successor to the eastern Greece bird cups, were produced, probably in Klazomenai.[65]
Samian pottery first appeared around 560/550 BC with forms adopted from Attica. These are Little Masters cups and kantharos with facial forms. The painting is precise and decorative. Samos along with Milet and Rhodes was one of the main centers for the production of vases in the Wild Goat style.[66]
Rhodian vase painting is primarily known from Rhodian plates. These were produced using a polychrome technique with many of the details being incised as in black-figure painting. From about 560 to 530 BC situlas were common, inspired by Egyptian models. These show both Greek subjects, such as Typhon, as well as ancient Egyptian themes like Egyptian hieroglyphics and Egyptian sport disciplines.[67]
"Caeretan hydria" is the name used for an especially colorful style of black-figure vase painting. The origin of these vases is disputed in the literature. Based on an assessment of the painting the vases were long considered to be Etruscan or Corinthian, but in recent years the view predominates that the producers were two pottery painters who emigrated from eastern Greece to Caere (modern Cerveteri) in Etruria. Inscriptions in Ionic Greek support the emigration theory. The workshop existed for only one generation. Today about 40 vases produced by the two master craftsmen in this style are known. All are hydriai except for one alabastron. None were found outside of Etruria; most came from Caere, which is the reason for their name. The vases are dated to approximately 530 to 510/500 BC. The Caeretan hydria are followed stylistically by neck amphoras decorated with stripes.
These technically rather inferior hydriai are 40–45 cm. high. The bodies of these vases have high and very prominent necks, broad shoulders, and low ring feet in the form of upside-down chalices. Many of the hydriai are misshapen or show faulty firing. The painted images are in four zones: a shoulder zone, a belly zone with figures and one with ornaments, and a lower section. All but the belly zone with figures are decorated with ornaments. There is only one case of both belly friezes having figures. Their multiple colors distinguish them from all other black-figure styles. The style recalls Ionian vase painting and multicolored painted wooden tablets found in Egypt. Men are shown with red, black or white skin. Women are almost always portrayed with an opaque white color. The contours as well as the details are incised, as is typical for the black-figure style. Surfaces of black glossy slip are often covered with an additional colored slip, so that the black slip which becomes visible where there is scoring supplies the various shapes with internal details. On the front side the images are always full of action, on the back heraldic designs are common. Ornaments are an important component of the hydrias; they are not subsidiary to other motifs. Stencils were used to paint the ornaments; they are not incised.
The Busiris Painter and the Eagle Painter are named as painters. The latter is considered the leading representative of this style. They were particularly interested in mythological topics which usually revealed an eastern influence. On the name vase by the Busiris painter, Heracles is trampling on the mythical Egyptian pharao Busiris. Heracles is frequently depicted on other vases as well, and scenes of daily life also exist. There are also uncommon scenes, such as Cetus accompanied by a white seal.[68]
The Pontic vases are also closely related stylistically to Ionian pottery painting. Also in this case it is assumed that they were produced in Etruscan workshops by craftsmen who emigrated from Ionia. The vases got their misleading name from the depiction on a vase of archers thought to be Scythians, who lived at the Black Sea (Pontus). Most of the vases were found in graves in Vulci, a significant number also in Cerveteri. The index form was a neck amphora with a particularly slender shape, closely resembling Tyrrhenian amphoras. Other shapes were oenochoes with spiral handles, dinos, kyathos, plates, beakers with high bases, and, less often, kantharos and other forms. The adornment of Pontic vases is always similar. In general there is an ornamental decoration on the neck, then figures on the shoulder, followed by another band of ornaments, an animal frieze, and finally a ring of rays. Foot, neck and handles are black. The importance of ornaments is noticeable, although they are often rather carelessly formed; some vases are decorated only with ornaments. The clay of these vases is yellowish-red; the slip covering the vases is black or brownish-red, of high quality, and with a metallic sheen. Red and white opaque colors are generously used for figures and ornaments. Animals are usually decorated with a white stripe on their bellies. Scholars have identified six workshops to date. The earliest and best is considered to be that of the Paris Painter. He shows mythological figures, included a beardless Heracles, as was customary in eastern Greece. Occasionally there are scenes which are not a part of Greek mythology, such as Heracles fighting Juno Sospita ("the Savior") by the Paris Painter, or a wolf demon by the Tityos Painter. There are also scenes of daily life, komos scenes, and riders. The vases are dated to a time between 550 and 500 BC, and about 200 are known.[69]
Locally produced Etruscan vases probably date from the 7th century BC. At first, they resemble black-figure models from Corinth and eastern Greece. It is assumed that in the early phase primarily Greek immigrants were the producers. The first important style was Pontic pottery painting. Afterward, in the period between 530 and 500 BC, the Micali Painter and his workshop followed. At this time Etruscan artists tended to follow Attic models and produced primarily amphoras, hydriai and jugs. They usually had komos and symposia scenes and animal friezes. Mythological scenes are less common, but they are very carefully produced. The black-figure style ended around 480 BC. Toward the end a mannerist style developed, and sometimes a rather careless silhouette technique.[70]
Chalcidian vase painting was named from the mythological inscriptions which sometimes appeared in Chalcidian script. For this reason the origin of the pottery was first suspected to be Euboea. Currently it is assumed that the pottery was produced in Rhegion, perhaps also in Caere, but the issue has not yet been finally decided.[71] Chalcidian vase painting was influenced by Attic, Corinthian and especially Ionian painting. The vases were found primarily in Italian locations like Caeri, Vulci and Rhegion, but also at other locations of the western Mediterranean.
The production of Chalcidian vases began suddenly around 560 BC. To date, no precursors have been identified. After 50 years, around 510 BC, it was already over. About 600 vases have survived, and 15 painters or painter groups have been so far identified. These vases are characterized by high quality pottery work. The glossy slip which covers them is usually pitch-black after firing. The clay has an orange color. Red and white opaque colores were generously used in the painting, as was scoring to produce interior details. The index form is the neck amphora, accounting for a quarter of all known vases, but there are also eye cups, oinochoes and hydria; other vessel types being less common. Lekanis and cups in the Etruscan style are exceptions. The vases are economical and stringent in construction. The "Chalcidian cup foot" is a typical characteristic. It is sometimes copied in black-figure Attic vases, less often in red-figured vases.
The most important of the known artists of the older generation is the Inscription Painter, of the younger representatives the Phineus Painter. The former is presumably the originator of the style; some 170 of the surviving vases are attributed to the very productive workshop of the latter. He is probably also the last representative of this style. The images are usually more decorative than narrative. Riders, animal friezes, heraldic pictures or groups of people are shown. A large lotus-palmette cross is frequently part of the picture. Mythological scenes are seldom, but when they occur they are in general of exceptionally high quality.
Pseudo-Chalcidian vase painting is the successor to Chalcidian painting. It is close to Chalcidian but also has strong links to Attic and Corinthian vase painting. Thus the artists used the Ionian rather than the Chalcidian alphabet for inscriptions. The structure of the clay is also different. There are about 70 known vases of this type, which were first classified by Andreas Rumpf. It is possible that the artisans were successors to the Chalcidian vase painters and potters who emigrated to Etruria.[72]
Pseudo-Chalcidian vase painting is classified into two groups. The elder of the two is the Polyphemus Group, which produced most of the surviving vessels, primarily neck amphoras and oinochoes. Groups of animals are usually shown, less seldom mythological scenes. The vessels were found in Etruria, on Sicily, in Marsellle and Vix. The younger and less productive Memnon Group, to which 12 vases are currently attributed, had a much smaller geographical distribution, being limited to Etruria and Sicily. Except for one oinochoe they produced only neck amphoras, which were usually decorated with animals and riders.[73]
The vases of the Northampton Group were all small neck amphoras with the exception of a single belly amphora. They are stylistically very similar to northern Ionian vase painting, but were probably produced in Italy rather than in Ionia, perhaps in Etruria around 540 BC. The vases of this group are of very high quality. They show rich ornamental decorations and scenes that have captured the interest of scholars, such as a prince with horses and someone riding on a crane. They are similar to the work of the Group of Campana Dinoi and to the so-called Northampton Amphora whose clay is similar to that of Caeretan hydriai. The Northampton Group was named after this amphora. The round Campana hydriai recall Boeotian and Euboean models.[74]
Alabastrons with cylindrical bodies from Andros are rare, as are lekanis from Thasos. These are reminiscent of Boeotian products except that they have two animal friezes instead of the single frieze common for Boeotia. Thasian plates rather followed Attic models and with their figured scenes are more ambitious than on the lekanis. Imitations of vases from Chios in the black-figure style are known. Local black-figure pottery from Halai is also rare. After the Athenians occupied Elaious on the Dardanelles, local black-figure pottery production began there as well. The modest products included simple lekanis with outline images. A small number of vases in black-figure style were produced in Celtic France. They too were almost certainly inspired by Greek vases.[75]
Scholarly research on these vases started especially in the 19th century. Since this time the suspicion has intensified that these vases have a Greek rather than an Etruscan origin. Especially a Panathenaic prize amphora found by Edward Dodwell in 1819 in Athens provided evidence. The first to present a proof was Gustav Kramer in his work Styl und Herkunft der bemalten griechischen Tongefäße (1837). However it took several years for this insight to be generally accepted. Eduard Gerhard published an article entitled Rapporto Volcente in the Annali dell’Instituto di Corrispondenza Archeologica in which he systematically investigated the vases; he was the first scholar to do so. Toward this end in 1830 he studied vases found in Tarquinia, comparing them, for example, with vases found in Attica and Aegina. During this work he identified 31 painter and potter signatures. Previously, only the potter Taleides was known.[76]
The next step in research was scientific cataloging of the major vase collections in museums. In 1854 Otto Jahn published the vases in the Munich State Collection of Antiquities. Previously, catalogs of the Vatican museums (1842) and the British Museum (1851) had been published. The description of the vase collection in the Berlin Collection of Classical Antiquities, put together in 1885 by Adolf Furtwängler, was especially influential. Furtwängler was the first to classify the vessels by region of artistic origin, technology, style, shape, and painting stye, which had a lasting effect on subsequent research. In 1893 Paul Hartwig attempted in his book Meisterschalen to identify various painters based on kalos inscriptions, signatures and style analyses. Edmond Pottier, curator at the Louvre, initiated in 1919 the Corpus Vasorum Antiquorum. All major collections worldwide are published in this series, which as of 2009 amounted to over 300 volumes.[77]
Scientific research on Attic vase painting owes a great deal to John D. Beazley. He began studying these vases in about 1910, making use of the method developed by the art historian Giovanni Morelli for studying paintings, which had been refined by Bernard Berenson. He assumed that each painter created original works which could always be unmistakably attributed. He made use of particular details such as faces, fingers, arms, legs, knees, and folds of clothing. Beazley studied 65,000 vases and fragments, of which 20,000 were black-figure. In the course of his studies, which lasted almost six decades, he could attribute 17,000 of them by name or by using a system of pragmatic names, and classified them into groups of painters or workshops, relationships and stylistic affinity. He identified over 1,500 potters and painters. No other archaeologist had such a decisive influence on the research of an archaeological field as did Beazley, whose analyses remain valid to a large extent up to the present time. After Beazley, scholars like John Boardman, Erika Simon and Dietrich von Bothmer investigated black-figure Attic vases.[78]
Basic research on Corinthian pottery was accomplished by Humfry Payne, who in the 1930s made a first stylistic classification which is, in essence, being used up to the present time. He classified the vases according to shape, type of decoration and image subjects, and only afterward did he make distinctions as to painters and workshops. He followed Beazley's method except for attributing less importance to allocating painters and groups since a chronological framework was more important for him. Jack L. Benson took on this allocation task in 1953 and distinguished 109 painters and groups. Last of all, Darrell A. Amyx summarized the research up to that point in his 1988 book Corinthian Vase-Painting of the Archaic Period. It is however a matter of scholarly dispute whether it is at all possible in the case of Corinthian pottery to attribute specific painters.[79]
Laconian pottery was known since the 19th century from a significant number of vases from Etruscan graves. At first they were erroneously attributed, being considered for a long time to be a product of Cyrene, where some of the earliest pieces were also found. Thanks to British excavations carried out in Sparta's Sanctuary of Artemis Orthia, their true origin was quickly identified. In 1934, Arthur Lane put together all the known material and was the first archaeologist to identify different artists. In 1956 the new discoveries were studied by Brian B. Shefton. He reduced the number of distinct painters by half. In 1958 and 1959 other new material from Taranto was published. A significant number of other vases were also found on Samos. Conrad Michael Stibbe studied anew all 360 vases known to him and published his findings in 1972. He identified five major and three minor painters.[80]
In addition to research on Attic, Corinthian and Laconian vase painting, archaeologists are frequently especially interested in minor Italian styles. The Caeretan hydriai were first identified and named by Carl Humann and Otto Puchstein. Andreas Rumpf, Adolf Kirchhoff and other archaeologists erroneously suspected the origin of Chalkidischen Pottery to be Euboea. Georg Ferdinand Dümmler is responsible for the false naming of the Pontic vases, which he assumed to come from the Black Sea area because of the depiction of a Scythian on one of the vases.[81] In the meantime, research on all styles is carried out less by individuals than by a large international group of scientists.
