Star Trek: Primer contacto es una película de ciencia ficción estadounidense de 1996 dirigida por Jonathan Frakes en su debut cinematográfico. Es la octava película de la franquicia Star Trek , y la segunda protagonizada por el elenco de la serie de televisión Star Trek: The Next Generation . En la película, la tripulación de la nave estelar USS Enterprise -E viaja en el tiempo desde el siglo 24 al siglo XXI para evitar que los cibernéticos Borg conquisten la Tierra cambiando el pasado.
Después del lanzamiento de Star Trek Generations en 1994, Paramount Pictures encargó a los escritores Brannon Braga y Ronald D. Moore desarrollar la siguiente película de la serie. Braga y Moore querían incluir a los Borg en la trama, mientras que el productor Rick Berman quería una historia que involucrara viajes en el tiempo. Los escritores combinaron las dos ideas; Inicialmente ambientaron la película en la Italia del Renacimiento , pero cambiaron el período de tiempo que los Borg corrompieron a mediados del siglo XXI, después de temer que la idea del Renacimiento pareciera cursi . Después de que dos directores más conocidos rechazaran el trabajo, el miembro del elenco Jonathan Frakes fue elegido para dirigir para asegurarse de que la tarea recayera en alguien que entendiera Star Trek .
El guión de la película requería la creación de nuevos diseños de naves espaciales, incluido un nuevo USS Enterprise . El diseñador de producción Herman Zimmerman y el ilustrador John Eaves colaboraron para crear un barco más elegante que su predecesor . La fotografía principal comenzó con semanas de rodaje en Arizona y California, antes de que la producción se trasladara a nuevos decorados para las escenas basadas en barcos. Los Borg fueron rediseñados para que parecieran convertidos en seres máquinas de adentro hacia afuera; las nuevas sesiones de maquillaje tardaron cuatro veces más que sus apariciones en la serie de televisión. La empresa de efectos Industrial Light & Magic se apresuró a completar los efectos especiales de la película en menos de cinco meses. Las técnicas tradicionales de efectos ópticos se complementaron con imágenes generadas por computadora . Jerry Goldsmith compuso la banda sonora de la película.
Star Trek: Primer contacto se estrenó el 22 de noviembre de 1996 y fue la película más taquillera en su primer fin de semana. Recaudó un total mundial de 146 millones de dólares. La recepción de la crítica fue mayoritariamente positiva; Los críticos, incluido Roger Ebert, la consideraron una de las mejores películas de Star Trek . Los Borg y los efectos especiales fueron elogiados, mientras que la caracterización fue recibida de manera menos uniforme. El análisis académico de la película se ha centrado en los paralelismos del capitán Jean-Luc Picard con Ahab de Herman Melville y la naturaleza de los Borg. First Contact fue nominada al Premio de la Academia al Mejor Maquillaje y ganó tres premios Saturn . Le siguió Star Trek: Insurrection en 1998.
En el siglo XXIV, el capitán Jean-Luc Picard despierta de una pesadilla en la que revive su asimilación por parte del cibernético Borg seis años antes . Es contactado por la Flota Estelar , quienes le informan de una nueva amenaza Borg contra la Tierra. Las órdenes de Picard son que su barco, el USS Enterprise , patrulle la Zona Neutral en caso de agresión romulana ; A la Flota Estelar le preocupa que Picard esté demasiado involucrado emocionalmente con los Borg como para unirse a la pelea.
Al enterarse de que la flota está perdiendo la batalla, la tripulación del Enterprise desobedece las órdenes y se dirige a la Tierra, donde una sola nave Borg Cube se defiende de un grupo de naves de la Flota Estelar. El Enterprise llega a tiempo para ayudar a la tripulación del USS Defiant y a su comandante, el Klingon Worf . Picard toma el control de la flota y ordena a los barcos supervivientes que concentren su potencia de fuego en un punto aparentemente sin importancia del barco Borg. [2] El Cubo lanza una nave esférica más pequeña hacia la Tierra antes de ser destruida. Enterprise persigue la esfera hacia un vórtice temporal. Cuando la esfera desaparece, el Enterprise descubre que la Tierra ha sido alterada: ahora está poblada por Borg. Al darse cuenta de que los Borg han utilizado el viaje en el tiempo para cambiar el pasado, el Enterprise sigue la esfera a través del vórtice. [3]
Enterprise llega cientos de años atrás, el 4 de abril de 2063, el día antes del histórico vuelo warp que conduce al primer encuentro de la humanidad con vida extraterrestre. La tripulación se da cuenta de que los Borg están tratando de evitar el primer contacto y asimilar a la humanidad mientras el planeta se recupera de una guerra devastadora. Después de destruir la esfera Borg, un equipo visitante se transporta a la nave warp de Zefram Cochrane , Phoenix , en Bozeman, Montana . Picard envía a la asistente de Cochrane, Lily Sloane, de regreso al Enterprise para recibir atención médica. El capitán regresa a la nave y deja al comandante William T. Riker en la Tierra para asegurarse de que el vuelo de Phoenix se desarrolle según lo planeado. [4] Si bien en el futuro Cochrane es visto como un héroe, en realidad construyó el Phoenix para obtener ganancias financieras y se muestra reacio a ser la figura histórica que describe la tripulación. [3]
Un grupo de Borg invade las cubiertas inferiores del Enterprise , asimilando a parte de la tripulación y modificando el barco. Picard y un equipo intentan llegar a ingeniería para desactivar a los Borg con un gas corrosivo, pero se ven obligados a retroceder; Los datos de Android se capturan en el combate cuerpo a cuerpo. Lily, asustada, acorrala a Picard con un arma, pero él se gana su confianza. Los dos escapan del área de la nave infestada de Borg creando una distracción en la holocubierta . [4] Picard, Worf y el navegante de la nave, el teniente Hawk, viajan fuera de la nave en trajes espaciales para evitar que los Borg usen el deflector de navegación para pedir refuerzos, pero Hawk es asimilado en el proceso. A medida que los Borg asimilan más cubiertas, Worf sugiere destruir el barco, pero Picard, enojado, lo llama cobarde. Lily se enfrenta al capitán y le hace darse cuenta de que está actuando irracionalmente debido a su propio pasado con los Borg. Picard se disculpa con Worf y ordena la activación de la autodestrucción de la nave y la evacuación de la tripulación para escapar de las cápsulas, mientras él se queda atrás para rescatar a Data. [5]
Mientras Cochrane, Riker y el ingeniero Geordi La Forge se preparan para activar el motor warp en Phoenix , Picard descubre que la Reina Borg ha injertado piel humana en Data, dándole la sensación de tacto que ha deseado durante mucho tiempo para poder obtener el cifrado del androide. códigos a la computadora Enterprise . Aunque Picard se ofrece a los Borg a cambio de la libertad de Data, Data se niega a irse, desactiva la autodestrucción y dispara torpedos a Phoenix . En el último momento los torpedos fallan y la Reina se da cuenta de que Data la engañó. [5] El androide rompe un tanque de refrigerante y el vapor corrosivo devora los componentes biológicos de los Borg, así como la nueva piel de Data.
Con la amenaza Borg neutralizada, Cochrane completa su vuelo warp. [3] Más tarde esa noche, la tripulación observa desde la distancia cómo una nave alienígena Vulcan , atraída por la prueba de deformación Phoenix , aterriza en la Tierra. Cochrane saluda a los extraterrestres. Habiendo asegurado la corrección de la línea temporal, Picard se despide de Lily y la tripulación del Enterprise se escapa y regresa al siglo 24. [3]
First Contact es la primera película de la serie de películas Star Trek en la que no aparece ninguno de los personajes principales de la serie original . [6] Más bien, el elenco principal de Star Trek: The Next Generation interpreta a los siguientes personajes:
Algunos de los personajes recurrentes de The Next Generation también aparecieron en la película; Dwight Schultz repitió su papel del teniente Reginald Barclay y Patti Yasutake apareció brevemente como la enfermera Alyssa Ogawa . [23] A Whoopi Goldberg no se le pidió que regresara como Guinan , [24] un sabio camarero cuyo mundo natal fue destruido por los Borg. [25] Goldberg sólo se enteró de la decisión a través de los periódicos. "¿Qué puedo decir? Quería hacerlo porque no pensé que se pudiera hacer nada con los Borg sin [mi personaje]", dijo, "pero aparentemente sí se puede, así que no me necesitan". [26]
Michael Horton aparece como un estoico y sangriento oficial de seguridad de la Flota Estelar; su personaje recibió el nombre de Lt. Daniels en la próxima película de Star Trek . [23] Como ocurre con muchas producciones de Star Trek , los nuevos personajes " camiseta roja " desechables mueren en el transcurso de la trama. [13] Neal McDonough interpreta a Hawk, el timonel del Enterprise que ayuda en la defensa del barco hasta que es asimilado y asesinado. McDonough se mostró arrogante sobre su papel como camiseta roja y dijo que dado que uno de los personajes en la batalla del plato deflector tenía que morir, "ese sería yo". [21] "La resistencia es inútil", el lema de los Borg , fue pronunciado por Jeff Coopwood . [27]
La película también presenta cameos de dos actores de la serie de televisión hermana Star Trek: Voyager , que se encontraba en su tercera temporada en el momento de su estreno. [20] A Robert Picardo , que interpretó al Doctor holográfico de la Voyager , se le pidió que apareciera como el Holograma médico de emergencia del Enterprise después de sugerir a los productores que las dos naves deberían compartir tecnología similar. [28] La frase de Picardo "Soy médico, no un tope de puerta", es una alusión al personaje de la serie original de Star Trek , el Dr. Leonard McCoy . [13] El compañero actor de Picardo en la Voyager, Ethan Phillips , que interpretó a Neelix , hace cameos como maître d'club nocturno en la escena de la holocubierta. Phillips recordó que los productores querían que los fanáticos se quedaran adivinando si él era la persona que interpretaba a Neelix o no, ya que no aparecía en los créditos. [29] Durante la producción, hubo rumores incorrectos de que Avery Brooks retomaría su papel como el capitán de Star Trek: Deep Space Nine, Benjamin Sisko . [21]
En diciembre de 1992, los ejecutivos de Paramount Pictures se acercaron al productor de Star Trek: The Next Generation, Rick Berman, para desarrollar dos películas con el elenco de la serie de televisión. Berman decidió desarrollar dos guiones simultáneamente y priorizar el más prometedor para la primera película. El esfuerzo de los escritores Brannon Braga y Ronald D. Moore fue elegido y desarrollado en Star Trek Generations . El otro, de Maurice Hurley , fue reservado para utilizarlo en una posible segunda película. [30] Dos meses después del lanzamiento de Generations , Paramount decidió producir el segundo largometraje para un estreno durante las vacaciones de invierno de 1996. [23] Paramount quería que Braga y Moore, que habían escrito el guión de Generations y varios episodios de Next Generation , [13] escribieran el guión. [17] Berman les dijo a Braga y Moore que quería que pensaran en hacer una historia que involucrara viajes en el tiempo. Mientras tanto, Braga y Moore querían utilizar a los Borg. "En ese momento dijimos que tal vez pudiéramos hacer ambas cosas, los Borg y viajar en el tiempo", recordó Moore. [23] Los Borg no habían sido vistos con toda su fuerza desde el episodio de la cuarta temporada de The Next Generation , "Lo mejor de ambos mundos" y nunca habían aparecido en gran medida en la serie debido a limitaciones presupuestarias y el temor de perder. su factor de miedo. [17] "Los fans agradaron mucho a los Borg y a nosotros nos agradaron", dijo Moore. "Eran temibles. Eran imparables . Complementos perfectos para un reportaje". [23]
Habiendo decidido que el aspecto del viaje en el tiempo de la trama implicaría un plan Borg para evitar que los humanos llegaran al espacio, [23] los escritores consideraron varios períodos históricos como escenario. "Nuestros objetivos en ese momento eran crear una historia maravillosa y un guión que fuera [...] producible dentro del presupuesto de una película de Star Trek ", dijo Berman. [31] El primer borrador de la historia, llamado Star Trek: Renaissance , adoptó su concepto de un intento Borg de prevenir el surgimiento de la civilización europea moderna durante el Renacimiento . En este escenario, la tripulación del Enterprise persiguió a los Borg hasta su colmena en una mazmorra de un castillo italiano del siglo XV y previó peleas con espadas junto con el uso de fásers , con Data convirtiéndose en el aprendiz de Leonardo da Vinci . Moore temía que "corriera el riesgo de volverse cursi y exagerado", [23] mientras que Stewart se negaba a usar medias. [32] Además, una investigación informal sugirió que la audiencia principal de la película no estaba entusiasmada con el escenario. [33] Braga, mientras tanto, quería ver el "nacimiento de Star Trek ", cuando los vulcanos y los humanos se encontraron por primera vez; "Eso, para mí, es lo que hizo que la historia del viaje en el tiempo fuera fresca", dijo. [17]
Con la idea de la génesis de Star Trek en mente, la historia central se convirtió en la prueba de conducción warp de Cochrane y el primer contacto de la humanidad. Basándose en pistas de episodios anteriores de Star Trek , Cochrane se sitúa en la Montana de mediados del siglo XXI , donde los humanos se recuperan de una devastadora guerra mundial. En el primer guión con este escenario, los Borg atacan el laboratorio de Cochrane, dejando al científico en coma; Picard asume el lugar de Cochrane para continuar la prueba de deformación y restaurar la historia. En este borrador, Picard tiene un interés amoroso por la fotógrafa local Ruby, mientras que Riker lidera la lucha contra los Borg en el Enterprise . [34] Otro borrador incluía el omnipotente personaje Q de John de Lancie . [35] Al observar los primeros guiones, el trío supo que se necesitaba un trabajo serio. "Simplemente no tenía sentido [...] que Picard, el único tipo que tiene una historia con los Borg, nunca los conociera", recordó Braga. Se intercambiaron los roles de Riker y Picard, y la historia del planeta se acortó y se contó de manera diferente. Braga y Moore centraron el nuevo arco en el propio Cochrane, haciendo que el futuro ideal de Star Trek provenga de un hombre imperfecto. La idea de Borg peleando entre trajes de época se fusionó en una secuencia de novela holográfica de "Dixon Hill" en la holocubierta. El segundo borrador, titulado Star Trek: Resurrection , se consideró lo suficientemente completo como para que el equipo de producción lo utilizara para planificar los gastos. [36] La película recibió un presupuesto de 45 millones de dólares, "considerablemente más" que el precio de 35 millones de dólares de Generations ; esto permitió a la producción planificar una mayor cantidad de acción y efectos especiales. [37] [38] [39] [40] [41]
Braga y Moore pretendían que la película fuera fácilmente accesible para cualquier cinéfilo y funcionara como una historia independiente, pero que aun así satisficiera a los devotos fanáticos de Star Trek . Dado que gran parte del papel de Picard hizo una referencia directa a su época como Borg en los episodios de The Next Generation "Lo mejor de ambos mundos", se agregó la secuencia del sueño inicial para explicar lo que le sucedió en el programa. [17] La pareja descartó una apertura que habría establecido lo que los personajes principales habían estado haciendo desde la última película a favor de establecer rápidamente la historia. [42] Si bien los escritores intentaron preservar la idea de los Borg como un colectivo sin sentido en el borrador original, el director de Paramount, Jonathan Dolgen, sintió que el guión no era lo suficientemente dramático. Sugirió agregar un villano Borg individual con quien los personajes pudieran interactuar, lo que llevó a la creación de la Reina Borg. [17]
Frakes, miembro del reparto, fue elegido para dirigir. Frakes no había sido la primera opción para director; Según los informes, Ridley Scott y John McTiernan rechazaron el proyecto. [40] Stewart conoció a un candidato potencial y concluyó que "no conocían Star Trek ". [8] Se decidió quedarse con alguien que entendiera la " gestalt de Star Trek ", y a Frakes se le asignó el trabajo. [43] Frakes se presentó a trabajar todos los días a las 6:30 am. Una preocupación importante durante la producción fue la seguridad: el guión de Generations se había filtrado en línea y se tomaron medidas más estrictas para evitar que ocurriera algo similar. Algunas páginas del guión se distribuyeron en papel rojo para frustrar los intentos de fotocopias o faxes; "Tuvimos verdaderos problemas para leerlos", señaló Frakes. [44]
Frakes había dirigido varios episodios de The Next Generation , Deep Space Nine y Voyager , pero First Contact fue su primer largometraje. [19] Mientras que Frakes tuvo siete días de preparación seguidos de siete días de rodaje para un episodio de televisión determinado, al director se le dio un período de preparación de diez semanas antes de las doce semanas de rodaje, y tuvo que acostumbrarse a rodar en una relación de 2,35:1. relación anamórfica en lugar del estándar de televisión 1,33:1. [45] En preparación, vio Tiburón , Encuentros cercanos del tercer tipo , 2001: Una odisea en el espacio y las obras de James Cameron y Ridley Scott. [40]
A lo largo de múltiples revisiones de guiones se consideraron varios títulos, incluidos Star Trek: Borg , Star Trek: Destinies , Star Trek: Future Generations y Star Trek: Generations II . [46] El título planeado de Resurrection fue descartado cuando 20th Century Fox anunció el título de la cuarta película de Alien como Alien Resurrection ; la película pasó a llamarse Primer contacto el 3 de mayo de 1996. [20]
First Contact fue la primera película de Star Trek que hizo un uso significativo de modelos de naves espaciales generados por computadora, aunque todavía se usaban miniaturas físicas para las naves más importantes. [48] Con el Enterprise -D destruido durante los eventos de Generations , la tarea de crear una nueva nave espacial recayó en el veterano diseñador de producción de Star Trek, Herman Zimmerman . La única guía del guión sobre la apariencia de la nave era la frase "el nuevo Enterprise sale elegantemente de la nebulosa". [36] Trabajando con el ilustrador John Eaves , los diseñadores concibieron el nuevo Enterprise -E de clase Sovereign como "lo suficientemente más delgado, elegante y mezquino para responder a cualquier amenaza Borg que puedas imaginar". [6] Braga y Moore pretendían que fuera más musculoso y militar. [17] Eaves analizó la estructura de iteraciones anteriores del Enterprise y diseñó un buque de guerra más aerodinámico y capaz que el Enterprise -D, reduciendo el área del cuello del barco y alargando las góndolas . Eaves produjo entre 30 y 40 bocetos antes de encontrar un diseño final que le gustara y comenzar a realizar cambios menores. [48] Trabajando a partir de planos creados por Rick Sternbach de Paramount , el taller de modelos de la casa de efectos Industrial Light & Magic (ILM) fabricó una miniatura de 10,5 pies (3,2 m) durante un período de cinco meses. Los patrones del casco fueron tallados en madera, luego fundidos y ensamblados sobre una armadura de aluminio. Los paneles del modelo fueron pintados en un esquema alternado de mate y brillo para agregar textura. [47] El equipo tuvo múltiples dificultades a la hora de preparar la miniatura para el rodaje; Si bien el taller de modelos originalmente quería ahorrar tiempo moldeando las ventanas usando fibra de vidrio transparente, el material quedó pegajoso. En cambio, ILM cortó las ventanas con un láser. [48] Se agregaron diapositivas de los decorados detrás de los marcos de las ventanas para que el interior pareciera más dimensional cuando la cámara seguía el barco. [47]
En películas anteriores, la gama de naves capitales de la Flota Estelar había estado representada predominantemente por la clase Constitution Enterprise y solo otras cinco clases de naves: la clase Miranda de Star Trek II: The Wrath of Khan , la clase Excelsior y Oberth de Star Trek III: La búsqueda de Spock y las clases Galaxia y Nebulosa de La próxima generación . El supervisor de ILM, John Knoll, insistió en que la batalla espacial del Primer Contacto demuestra la amplitud de las configuraciones de naves de la Flota Estelar . "La Flota Estelar probablemente arrojaría todo lo que pudiera contra los Borg, incluidas naves que nunca antes habíamos visto", razonó. "Y dado que pensamos que gran parte de la acción de fondo en la batalla espacial tendría que realizarse con naves generadas por computadora que debían construirse desde cero de todos modos, me di cuenta de que no había razón para no hacer algunos diseños nuevos". Alex Jaeger fue nombrado director artístico de efectos visuales de la película y se le asignó la tarea de crear cuatro nuevas naves espaciales. Paramount quería barcos que se vieran diferentes desde la distancia, por lo que el director ideó múltiples perfiles de casco. [49] Knoll y Jaeger habían decidido que las naves tenían que obedecer ciertos precedentes de naves de Star Trek , con un casco primario en forma de platillo y góndolas warp alargadas en pares. [50] La clase Akira presentaba la tradicional sección de platillo y góndolas combinadas con un doble casco estilo catamarán; la clase Noruega se basó en el USS Voyager ; la clase Sabre era una nave más pequeña con góndolas saliendo de las puntas de su sección de platillo; y la clase Steamrunner presentaba góndolas gemelas que salían del platillo y estaban conectadas por una sección de ingeniería en la parte trasera. Cada diseño fue modelado como un modelo de estructura de alambre digital tridimensional para su uso en la película. [49]
La película también requirió varios diseños más pequeños que no pertenecían a la Flota Estelar. La nave warp Phoenix fue concebida para encajar dentro de un antiguo misil nuclear, lo que significa que las góndolas de la nave tuvieron que plegarse en un espacio de menos de 10 pies (3 m). Eaves se aseguró de enfatizar el aspecto mecánico del barco, para sugerir que se trataba de una tecnología altamente experimental y no probada. Las etiquetas de la cabina del Phoenix provienen de los manuales del transbordador espacial McDonnell-Douglas . [51] Eaves consideró que el barco Vulcan era un barco "divertido" de diseñar. Sólo dos grandes barcos Vulcanos habían sido vistos anteriormente en Star Trek , incluido un barco de mensajería de The Motion Picture . Dado que el formato del barco bimotor se había visto muchas veces, los artistas decidieron alejarse del diseño tradicional del barco, creando un diseño más artístico que funcional. El barco incorporaba elementos de una estrella de mar y un cangrejo. Debido a limitaciones presupuestarias, el barco completo se realizó como un diseño generado por computadora. Sólo se fabricó un pie de aterrizaje en forma de boomerang para que los actores interactuaran con él. [48]
Los decorados interiores del Enterprise eran en su mayoría diseños nuevos. El puente fue diseñado para tener un aspecto cómodo y colores cálidos. [52] Entre las nuevas incorporaciones se encontraba una pantalla holográfica más grande que funcionaría solo cuando se activara, dejando una pared lisa cuando se desactivara. Se utilizaron nuevos monitores de computadora de pantalla plana para las pantallas, ocupando menos espacio y dando al puente un aspecto más limpio. Los nuevos monitores también permitieron la reproducción de vídeo que podía simular la interacción con los actores. [51] Los diseñadores crearon una sala preparada más grande y menos espartana, conservando elementos de la serie de televisión; Zimmerman añadió un conjunto de modelos Enterprise tridimensionales dorados a una vitrina en la esquina. La sala de observación era similar al diseño del Enterprise -D; El escenario en sí fue reutilizado del programa de televisión, el único que no fue golpeado después del rodaje de Generations , aunque se amplió y sufrió un cambio de color. La ingeniería se simuló con un gran escenario de tres pisos, pasillos, un vestíbulo y el núcleo warp más grande de la franquicia hasta la fecha. [53] Para su estado corrupto por los Borg, la sección de ingeniería fue equipada con nichos para drones Borg, conductos y la "mesa de asimilación" de Data donde es interrogado por la Reina. [54] Para ahorrar dinero, el set de enfermería de la Voyager fue reparado para que sirviera como enfermería del Enterprise , mientras que las escenas del USS Defiant se filmaron en el set permanente de Deep Space Nine . [53] Algunos diseños de escenarios se inspiraron en la serie de películas Alien , Star Wars y 2001: A Space Odyssey . [13] [43]
La escena de la caminata espacial en el exterior del Enterprise fue uno de los escenarios más desafiantes de imaginar y construir para la película. La producción tuvo que diseñar un traje espacial que pareciera práctico y no exagerado. Se incorporaron ventiladores en los cascos para que los actores no se sobrecalentaran, y se incorporaron luces de neón en el frente para que se pudieran ver los rostros de los ocupantes. Cuando los actores se pusieron los cascos por primera vez, el diseño completamente cerrado dificultaba la respiración; Después de un minuto de usar el traje, Stewart se enfermó y se interrumpió el rodaje. [22] El decorado para el casco exterior del barco y el plato deflector se construyeron sobre cardanes en el escenario de sonido más grande de Paramount , [55] rodeados por una pantalla azul y equipados con cables para las secuencias de gravedad cero . [13] El escenario no era lo suficientemente grande para acomodar una réplica de tamaño completo del plato Enterprise , por lo que Zimmerman tuvo que reducir los planos en un 15 por ciento. [52]
Los uniformes de la Flota Estelar fueron rediseñados para la película por el cliente de Star Trek , Bob Blackman, para dar una sensación más militarista, con hombros acolchados grises, torso/mangas/polainas negras y camisetas interiores/puños a rayas de colores. Dado que Blackman también se encargaba del vestuario para la serie de televisión, el diseño de ropa que no pertenecía a la Flota Estelar se delegó en Deborah Everton, [20] una recién llegada a Star Trek que fue responsable de más de 800 trajes durante la producción. [56] Al Everton se le encomendó la tarea de actualizar el vestuario de los Borg a algo nuevo, pero que recordara a la serie de televisión. Los voluminosos trajes se hicieron más elegantes y se equiparon con luces de fibra óptica . [52] El aspecto de viaje en el tiempo de la historia también requirió trajes de época para mediados del siglo XXI y la recreación de la holocubierta del club nocturno "Dixon Hill" de la década de 1940. Everton disfrutó diseñando el vestuario de Woodard porque el personaje pasó por muchos cambios durante el transcurso de la película, pasando de un chaleco y pantalones utilitarios en muchas tomas a un vestido glamoroso durante la escena de la holocubierta. [56]
Everton y los diseñadores de maquillaje Michael Westmore , Scott Wheeler y Jake Garber querían mejorar el aspecto blanco pastoso que los Borg habían conservado desde la segunda temporada de The Next Generation , nacido de la necesidad de un diseño televisivo consciente del presupuesto. "Quería que pareciera que estaban [asimilados o 'borgificados'] de adentro hacia afuera en lugar de afuera hacia adentro", dijo Everton. [20] Cada Borg tenía un diseño ligeramente diferente, y Westmore diseñó uno nuevo cada día para que pareciera que había un ejército de Borg; en realidad, entre ocho y doce actores [13] [22] desempeñaron todos los papeles ya que el vestuario y el maquillaje eran muy costosos de producir. Los Borg de fondo fueron simulados por maniquíes a medio terminar . [17] Westmore razonó que dado que los Borg habían viajado por la galaxia, habrían asimilado otras razas además de los humanos. En la serie de televisión, gran parte de los rostros de los Borg estaban cubiertos por cascos, pero para First Contact el maquillador se quitó las cubiertas para la cabeza y diseñó versiones asimiladas de extraterrestres familiares de Star Trek como klingons, bolianos , romulanos, bajoranos y cardassianos . Cada dron recibió un ocular electrónico. Las luces parpadeantes en cada ojo fueron programadas por el hijo de Westmore para repetir el nombre de un miembro de la producción en código Morse . [52]
El tiempo de maquillaje para los Borg se amplió de la única hora necesaria para ver televisión a cinco horas, además de los 30 minutos necesarios para ponerse el disfraz y 90 minutos para quitarse el maquillaje al final del día. [22] Mientras que Westmore estimó que una producción con todo el personal tendría alrededor de 50 maquilladores, First Contact tuvo que conformarse con menos de diez personas involucradas en la preparación, y como máximo 20 artistas por día. [52] A pesar de las largas horas, los equipos de Westmore comenzaron a ser más creativos con las prótesis incluso cuando redujeron sus tiempos de preparación. "Usaban dos tubos, luego tres tubos y luego los colocaban en los oídos y en la nariz", explicó Westmore. "Y estábamos usando un colorante caramelo muy pegajoso, tal vez usando un poco de él, pero cuando llegamos al final de la película, teníamos el material goteando por el costado de las caras [de los Borg]; parecía que ¡Estaban goteando aceite! Entonces, al final [de la película], son más feroces". [22]
La Reina Borg fue un desafío porque tenía que ser única entre los Borg pero aun así conservar sus cualidades humanas; Westmore era consciente de evitar comparaciones con películas como Alien . [20] La apariencia final involucró piel gris pálida y una cabeza alargada y ovalada, con espirales de alambre en lugar de cabello. [52] Krige recordó el primer día que le aplicaron el maquillaje: "Vi a todos encogerse. Pensé, genial; ¡hicieron esto y se asustaron!" [43] [57] Frakes notó que la Reina terminó siendo atractiva de una manera inquietante, a pesar de su mal comportamiento y apariencia. [8] Zimmerman, Everton y Westmore combinaron sus esfuerzos para diseñar y crear las secciones Borgificadas del Enterprise para generar tensión y hacer que la audiencia sienta que "[están siendo alimentados] los Borg". [13]
La fotografía principal fue más pausada que en The Next Generation, ya que sólo se filmaron cuatro páginas de guión en lugar de ocho cada día. [8] Frakes contrató a un director de fotografía nuevo en la franquicia Star Trek , Matthew F. Leonetti , cuyo trabajo en películas como Poltergeist y Strange Days admiraba. Al no estar familiarizado con el canon de Star Trek , Leonetti se preparó para la tarea estudiando las cuatro películas anteriores de la franquicia, cada una de las cuales había utilizado un director de fotografía diferente ( Donald Peterman en The Voyage Home , Andrew Laszlo en The Final Frontier , Hiro Narita en The País no descubierto y John Alonzo en Generaciones ). También pasó varios días observando el rodaje en los sets de Voyager y Deep Space Nine . [58]
Leonetti ideó múltiples métodos de iluminación para los interiores del Enterprise para operaciones estándar del barco, estado de "alerta roja" y energía de emergencia. Razonó que, dado que el barco estaba siendo adquirido por una entidad extranjera, requería una iluminación y un encuadre más dramáticos. Si bien gran parte del metraje se filmó con distancias focales de 50 a 70 mm utilizando lentes anamórficos, se utilizaron lentes esféricas de 14 mm para las tomas con la vista de Borg. Leonetti prefirió fotografiar con lentes largos para brindar una sensación más claustrofóbica, pero se aseguró de que la longitud no aplanara la imagen. Se utilizaron cámaras portátiles para las secuencias de batalla para que los espectadores entraran en la acción y la cámara pudiera seguir los movimientos de los actores. [59] Las escenas de Borg fueron recibidas positivamente por el público de las proyecciones de prueba , por lo que una vez que se completó el resto de la película, se agregaron escenas adicionales del equipo del Enterprise siendo asimilado con el presupuesto sobrante para agregar acción. [17] [13]
Como se necesitaban tantos decorados nuevos, el rodaje comenzó con la fotografía de exteriores. Pasaron cuatro días en el Museo de Misiles Titan , al sur de Tucson, Arizona . El misil nuclear desarmado estaba equipado con una cápsula de fibra de vidrio que hacía las veces de módulo de comando y propulsor del Phoenix . [60] El silo de misiles proporcionó un conjunto grande que habría sido prohibitivamente costoso construir desde cero, pero el entorno estrecho creó dificultades. [61] Cada movimiento de la cámara se planificó de antemano para trabajar alrededor de las áreas donde se agregaría la iluminación, y los electricistas y los grips se pusieron arneses de escalada para moverse por el pozo y colocar las luces. Para dar mayor dimensión al cohete y darle al misil una apariencia futurista, Leonetti optó por compensar la superficie metálica del misil con colores complementarios. El uso de geles de diferentes colores hizo que el cohete pareciera más largo de lo que realmente era; Para completar el efecto, se filmaron tomas desde el morro del Phoenix hacia abajo y desde los motores hacia arriba con una lente de 30 mm para alargar el misil . [62]
Desde Arizona, el equipo se trasladó al Bosque Nacional Ángeles en California para dos semanas de rodaje nocturno. Zimmerman creó una aldea de catorce cabañas para sustituir a Montana; El elenco disfrutó de las escenas como una oportunidad para escapar de sus uniformes y usar ropa "normal". [13] La última filmación fue en un restaurante art déco en Union Station de Los Ángeles , que reemplazó a la holonovela de Dixon Hill; Frakes quería un marcado contraste con las escenas oscuras y mecánicas de los Borg. [13] Si bien el director de fotografía quería filmar la escena en blanco y negro, los ejecutivos de Paramount consideraron que el metraje de prueba era "demasiado experimental" y la idea fue descartada. El sitio hizo que el uso de luces de alto voltaje fuera poco práctico, por lo que Leonetti optó por usar luces maestras más tenues cerca del techo y aprovechó una ventana grande para pasar luces difusas. Para darle a la escena una sensación de blanco y negro, Leonetti se aseguró de utilizar luz sin coloración alguna. "Me gusta crear separación con la iluminación en lugar de usar el color", explicó. "No siempre puedes confiar en el color porque el actor podría empezar a fundirse con el fondo". Al separar las luces de fondo, Leonetti se aseguró de que los actores principales sobresalieran del fondo. [63] El rodaje utilizó una orquesta de diez músicos, 15 especialistas y 120 extras para llenar los asientos. [60] Entre los clientes del club nocturno se encontraban Braga, Moore y el coordinador de especialistas de la película, Ronnie Rondell. [17]
Una vez completado el rodaje, el rodaje en el nuevo set de Ingeniería comenzó el 3 de mayo. El set duró menos de un día en su perfecta condición antes de ser "Borgificado". Luego el rodaje prosiguió hasta el puente. [60] Durante las escenas de operación normal, Leonetti optó por iluminar a los principales; esto requirió quitar el techo del conjunto y colocar rejillas de iluminación alrededor de los lados. Luego, estas luces se dirigieron hacia los rostros de los actores en ángulos de 90 grados. El set estaba revestido con paneles de ventana respaldados por luces rojas, que parpadeaban intermitentemente durante el estado de alerta roja. Estas luces se complementaron con lo que Leonetti llamó "luz interactiva"; Eran luces de gel rojo fuera del escenario que proyectaban destellos sobre el escenario del puente y las cabezas del equipo. Para la intrusión Borg, la iluminación provino únicamente de los paneles de instrumentos y las pantallas de alerta roja. La luz de relleno en estas escenas se redujo para que el elenco pudiera pasar a través de puntos oscuros en el puente y los interiores fuera del alcance limitado de estas fuentes. Se utilizaron pequeñas luces de 30 y 50 vatios para arrojar rayos de luz extremadamente localizados sobre los decorados. [59]
Luego vinieron las secuencias de acción y la batalla por el Enterprise , una fase que los realizadores denominaron "Infierno Borg". [60] Frakes dirigió las escenas de los Borg de forma similar a una película de terror, creando el mayor suspenso posible. Para equilibrar estos elementos, añadió más elementos cómicos a las escenas de la Tierra, con la intención de aliviar momentáneamente la tensión de la audiencia antes de volver a acumularla. [13] Leonetti reconfiguró la iluminación para reflejar la toma de posesión de los interiores del barco. "Cuando la nave se borgifica, todo cambia y adquiere una apariencia más cuadrada y robótica con bordes nítidos pero imágenes redondeadas", explicó. Para dar más forma a las paredes del pasillo, Leonetti las iluminó desde abajo. Como los pasillos eran muy pequeños y los techos serían visibles en muchas de las tomas, se prestó especial atención a ocultar las lámparas. [59]
Estábamos en un círculo que no tiene geografía. Teníamos a nuestros tres héroes [Picard, Worf y Hawk] con trajes espaciales, que parecen idénticos, por lo que no podías saber quién era quién hasta que te acercabas mucho. Pero en el momento en que te acercas, derrotas el propósito de estar en el exterior de la nave, para poder ver las células, las estrellas y la Tierra asomando al fondo. Fue una pesadilla de rodaje y edición.
— Jonathan Frakes sobre la dificultad de la escena de la caminata espacial. [43]
Para las escenas de caminata espacial en vivo, el supervisor de efectos visuales Ronald B. Moore pasó dos semanas fotografiando con pantalla azul en el set del deflector. [55] Frakes consideró que filmar la escena era el más tedioso de la película debido a la cantidad de preparación que requería cada día de rodaje. [13] Dado que el resto del Enterprise -E, así como el telón de fondo de la Tierra, se agregarían más adelante en la posproducción, se volvió confuso coordinar las tomas. Moore usó una computadora portátil con reproducciones digitales del set para orientar al equipo y ayudar a Frakes a comprender cómo se vería la toma terminada. [55] Un actor manco interpretó al Borg cuyo brazo Worf corta para representar con precisión el efecto deseado, [13] y los zapatos de los actores estaban equipados con pesas de plomo para recordarles que debían moverse lentamente como si realmente usaran gravedad. botas. McDonough recordó que se unió a Stewart y Dorn para preguntar si podían hacer las tomas sin los pesos de 4,5 a 6,8 kg (10 a 15 libras), ya que "nos contrataron porque somos actores", pero la producción insistió en usar a ellos. [dieciséis]
La última escena filmada fue la primera de la película, la pesadilla Borg de Picard. [22] La toma comienza dentro del iris del globo ocular de Picard y se retira primero para revelar al capitán a bordo de una enorme nave Borg, y luego el exterior de la nave. La escena se inspiró en una producción de la ciudad de Nueva York de Sweeney Todd: el barbero demoníaco de Fleet Street en la que el escenario rodeaba al público, dando una sensación de realismo. [13] La toma fue filmada como tres elementos separados fusionados con efectos digitales. El equipo utilizó una lente de 50 mm para que al equipo de efectos le resultara más fácil disolver los primeros planos con los demás elementos. Comenzando desde el ojo de Stewart, la cámara retrocedió 25 pies (7,6 m), lo que requirió que la luz principal aumentara su intensidad hasta 1000 pies-bujía para que hubiera suficiente profundidad para mantener el ojo nítido. La superficie del escenario resultó demasiado desigual para lograr el suave retroceso del Dolly requerido por el equipo de efectos, que necesitaba un plano firme para combinar una versión generada por computadora del ojo de Picard con el retroceso. La pista de plataforma rodante de 41 m (135 pies) se levantó del piso del escenario y se cubrió con piezas de madera contrachapada de abedul de doble espesor, elegida por su acabado suave. Todo el decorado de la escena tenía 30 m (100 pies) de ancho y 7,6 m (25 pies) de alto; Los huecos dejados por la plataforma rodante se rellenaron posteriormente digitalmente. [61] La fotografía principal terminó el 2 de julio de 1996, [64] dos días más de lo previsto pero aún por debajo del presupuesto. [22]
La mayoría de los efectos de First Contact fueron manejados por Industrial Light & Magic bajo la supervisión de John Knoll; más de una cuarta parte del presupuesto de la película se destinó a efectos. [65] Las secuencias de efectos más pequeños, como disparos de fáser, gráficos por computadora y efectos de transportador, se delegaron a un equipo dirigido por el supervisor de efectos visuales David Takemura. [56] Acostumbrado a dirigir episodios de la serie de televisión, el artista de efectos Terry Frazee le recordaba frecuentemente a Frakes que "pensara en grande, volar todo". [13] La mayoría de las secuencias de efectos se planificaron utilizando animaciones generadas por computadora de baja resolución . Estos guiones gráficos animados en bruto establecían la duración, la acción y la composición, lo que permitía a los productores y al director determinar cómo se desarrollarían las secuencias antes de filmarlas. [47]
First Contact fue la última película que presentó un modelo físico del Enterprise . Para la dramática introducción del barco, el equipo de efectos combinó tomas de control de movimiento del modelo Enterprise con un fondo generado por computadora. El supervisor de secuencia Dennis Turner, que había creado la cinta energética de Generations y se especializaba en la creación de fenómenos naturales, fue el encargado de crear el cúmulo de estrellas, siguiendo el modelo de la Nebulosa del Águila . Las columnas nebulares y las áreas sólidas se modelaron con geometría básica de estructura alámbrica, con sombreadores de superficie aplicados para hacer que los bordes de la nebulosa brillaran. Se utilizó una representación de partículas que ILM había ideado para la película anterior sobre tornados Twister para crear una apariencia turbulenta dentro de la nebulosa. Una vez capturadas las tomas del Enterprise , Turner insertó el barco en el fondo generado por computadora y alteró su posición hasta que las imágenes coincidieran. [66]
El pase de belleza inicial del nuevo Enterprise fue responsabilidad del director de fotografía de efectos visuales Marty Rosenberg, quien se encargó de todas las demás miniaturas, explosiones y algunos elementos de pantalla azul de acción real. Rosenberg había filmado previamente algunos de los efectos del Enterprise -D para Generations , pero tuvo que ajustar sus técnicas para el nuevo modelo; El director de fotografía utilizó una lente de 50 mm en lugar de la de 35 mm utilizada en Generations porque la lente más pequeña hacía que el plato del nuevo Enterprise pareciera estirado. Knoll decidió fotografiar el modelo desde arriba y desde abajo tanto como fuera posible; Las vistas laterales hacían que el barco pareciera demasiado plano y alargado. [66] Rosenberg prefirió los pases de barcos con control de movimiento a las versiones generadas por computadora, ya que era mucho más fácil capturar un alto nivel de detalle con modelos físicos en lugar de intentar recrearlo mediante gráficos por computadora. [50]
Para la batalla de los Borg, Knoll insistió en tomar primeros planos cerca de la nave alienígena, por lo que necesitaba un modelo físico. [50] ILM superpuso su modelo de 30 pulgadas (76 cm) con cinco pulgadas adicionales de latón grabado sobre una caja de luz de neón brillante para iluminación interna. Para que la nave Borg pareciera aún más grande de lo que era, Knoll se aseguró de que un borde estuviera frente a la cámara como la proa de un barco y que el Cubo rompiera los bordes del marco. Para darle al Cubo mayor profundidad y textura, Rosenberg fotografió el recipiente con una luz más intensa. [66] "Creé esta luz de fondo de tres cuartos realmente extraña y rastrillada proveniente del lado derecho o izquierdo, que equilibré con redes y un par de lucecitas. Quería que pareciera aterrador y misterioso, así que estaba iluminado como un punto, y siempre teníamos la cámara apuntando a él; nunca la vimos directamente hacia nosotros", dijo. [49] Pequeñas luces adheridas a la superficie del Cubo ayudaron a crear interés visual y transmitir escala; El modelo fue filmado deliberadamente con un ritmo lento y decidido para contrastar con las naves de la Federación que luchan contra los Borg. El impacto del armamento de la Federación en el Cubo Borg se simuló utilizando un modelo del Cubo de 60 pulgadas (150 cm). El modelo tenía áreas específicas que podían explotarse varias veces sin dañar la miniatura. Para la explosión final del Cubo, Rosenberg fotografió diez miniaturas del Cubo de 76 cm (30 pulgadas) con apariencias livianas repletas de explosivos. Los Cubos estaban suspendidos de tuberías a veinte metros por encima de la cámara en el suelo. Se colocó un cristal de seguridad sobre la lente para evitar daños, mientras que la cámara se cubrió con madera contrachapada para protegerla de los trozos de plástico que caían después de cada explosión. La esfera Borg más pequeña era un modelo de 30 cm (12 pulgadas) que se filmó por separado del Cubo y se agregó digitalmente en la posproducción. El vórtice de viaje en el tiempo que crea la Esfera se simuló con un efecto de reingreso de un cohete; Se forma un arco de choque delante del barco y luego se mueve hacia atrás a gran velocidad. Se reprodujo iluminación interactiva en el modelo Enterprise generado por computadora para cuando la nave queda atrapada en el vórtice del tiempo. [49]
El Enterprise en miniatura se utilizó nuevamente para la secuencia de la caminata espacial. Incluso en el modelo grande, fue difícil lograr que la miniatura pareciera realista en primeros planos extremos. [49] Para que la toma de retroceso funcionara, la cámara tenía que estar a un octavo de pulgada del modelo. El pintor Kim Smith pasó varios días en una pequeña área del modelo para agregar suficientes detalles de superficie para el primer plano, pero incluso entonces el enfoque apenas fue adecuado. Para compensar, el equipo utilizó una lente de ángulo más amplio y disparó al diafragma más alto que pudieron. Luego se agregaron digitalmente las escenas de acción real de la tripulación de la caminata espacial. Las tomas amplias utilizaron imágenes de dobles fotográficos caminando a través de una gran pantalla azul que cubría el estacionamiento de ILM por la noche. [55]
A ILM se le encomendó la tarea de imaginar cómo sería la asimilación inmediata de un miembro de la tripulación del Enterprise . A Jaeger se le ocurrió un conjunto de cables que surgieron de los nudillos de los Borg y se enterraron en el cuello del miembro de la tripulación. Tubos parecidos a gusanos atravesarían el cuerpo de la víctima y dispositivos mecánicos romperían la piel. Toda la transformación se creó utilizando imágenes generadas por computadora. La geometría parecida a un gusano se animó sobre el rostro del actor y luego se mezcló con la adición de una textura de piel sobre la animación. El cambio gradual en el tono de la piel se simuló con sombreadores . [67]
Frakes consideró la entrada de la Reina Borg, cuando su cabeza, sus hombros y su columna de acero descienden mediante cables y se unen a su cuerpo, como el " efecto visual característico de la película". La escena fue difícil de ejecutar y ILM tardó cinco meses en terminarla. [43] Jaeger ideó una plataforma que bajaría a la actriz en el set y aplicó una prótesis de columna sobre un traje azul para que ILM pudiera quitar la parte inferior del cuerpo de Krige. Esta estrategia permitió a los realizadores incorporar tantos elementos de acción real como fuera posible sin recurrir a más efectos digitales. Para que las prótesis aparecieran en el ángulo adecuado cuando le quitaron la parte inferior del cuerpo, Krige extendió el cuello hacia adelante para que pareciera alineado con la columna. Knoll no quería que pareciera que la Reina estaba en una plataforma mecánica dura; "Queríamos que tuviera el 'flotador' adecuado", explicó. Usando pases de control de movimiento separados en el set, Knoll filmó la parte inferior del torso y la secuencia secundaria con todo el cuerpo de Krige. Se utilizó una versión digital del traje de Borg para la secuencia de descenso, momento en el que la imagen se transformó de nuevo en la toma real del cuerpo de Krige. Las garras animadas del traje también se crearon digitalmente utilizando un modelo detallado. [67] Como referencia a los animadores, la toma requirió que Krige retratara de manera realista "el extraño dolor o la satisfacción de estar reconectada a su cuerpo". [13]
Jerry Goldsmith compuso First Contact , su tercer largometraje de Star Trek . Escribió un amplio título principal que comienza con la fanfarria de Star Trek de Alexander Courage . [68] En lugar de componer un tema amenazador para subrayar a los Borg, Goldsmith escribió un tema pastoral vinculado al primer contacto esperanzador de la humanidad. El tema utiliza un motivo de cuatro notas utilizado en la partitura de Star Trek V: The Final Frontier de Goldsmith , que se utiliza en First Contact como tema de amistad y vínculo temático general. [69] Se utilizó una marcha amenazadora con toques de sintetizadores para representar a los Borg. Además de componer música nueva, Goldsmith utilizó música de sus partituras anteriores de Star Trek , incluido su tema de The Motion Picture . [68] El tema klingon de la misma película se utiliza para representar a Worf. [70]
Debido a retrasos con The Ghost and the Darkness de Paramount , el ya corto cronograma de producción de cuatro semanas se redujo a solo tres semanas. Mientras Berman estaba preocupado por la mudanza, [71] Goldsmith contrató a su hijo, Joel , para que lo ayudara. [72] El joven compositor proporcionó música adicional para la película, escribiendo tres pistas basadas en los motivos de su padre [70] y un total de 22 minutos de música. [68] Joel usó variaciones de la música Borg de su padre y el tema klingon mientras Worf lucha cuerpo a cuerpo. [73] Cuando los Borg invaden la enfermería y el holograma médico los distrae, Joel escribió lo que el crítico Jeff Bond denominó material "casi coplandesco" de cuerdas de afinación y clarinete, pero la señal no se utilizó. Si bien Joel compuso muchas de las pistas de acción de la película, su padre contribuyó a las secuencias de la caminata espacial y del vuelo Phoenix . Durante la pelea en el plato deflector, Goldsmith utilizó dispositivos electrónicos de registro bajo puntuados por cuerdas violentas y disonantes. [73]
En una ruptura con la tradición cinematográfica de Star Trek , la banda sonora incorporó dos canciones bajo licencia: " Ooby Dooby " de Roy Orbison y " Magic Carpet Ride " de Steppenwolf . El presidente de GNP Crescendo, Neil Norman, explicó que la decisión de incluir las pistas fue controvertida, pero dijo que "Frakes hizo el trabajo más sorprendente al integrar esas canciones en la historia y teníamos que usarlas". [74]
GNP lanzó la banda sonora de First Contact el 2 de diciembre de 1996. [74] El álbum contenía 51 minutos de música, con 35 minutos de la partitura de Jerry Goldsmith, 10 minutos de música adicional de Joel Goldsmith, "Ooby Dooby" y "Magic Carpet Ride". . El disco compacto que se envía con funciones de CD-ROM solo es accesible si se reproduce en una computadora personal, [75] incluidas entrevistas con Berman, Frakes y Goldsmith. [74]
El 2 de abril de 2012, GNP Crescendo Records anunció un CD de colección de edición limitada con la partitura completa de Jerry Goldsmith (con música adicional de Joel Goldsmith), recientemente remasterizado por el ingeniero de grabación Bruce Botnick, con un folleto de 16 páginas que incluye notas informativas. por Jeff Bond y John Takis. El álbum ampliado [GNPD 8079] tiene una duración de 79 minutos e incluye tres pistas alternativas. [76]
Frakes cree que los temas principales de First Contact (y de Star Trek en su conjunto) son la lealtad, la amistad, la honestidad y el respeto mutuo. Esto es evidente en la película cuando Picard decide rescatar a Data en lugar de evacuar el barco con el resto de la tripulación. [13] La película hace una comparación directa entre el odio de Picard hacia los Borg y su negativa a destruir el Enterprise y el del Capitán Ahab en la novela Moby-Dick de Herman Melville . El momento marca un punto de inflexión en la película cuando Picard cambia de opinión, simbolizado por dejar su láser. [13] Se hizo una referencia similar a Moby-Dick en Star Trek II: The Wrath of Khan y aunque Braga y Moore no quisieron repetirla, decidieron que funcionó tan bien que no podían omitirla. [17]
En Primer contacto , los Borg individualmente inescrutables y sin rostro cumplen el papel de la ballena igualmente ilegible en la obra de Melville. Picard, al igual que Ahab, ha sido herido por su némesis, y la autora Elizabeth Hinds dijo que tiene sentido que Picard "opte por la alternativa perversa de permanecer a bordo del barco para luchar" contra los Borg en lugar de tomar la única opción sensata que queda para destruir a los Borg. barco. [77] Varias líneas de la película se refieren a que los habitantes del siglo XXI eran primitivos, mientras que la gente del siglo XXIV había evolucionado hacia una sociedad más utópica . Al final, es Lily (la mujer del siglo XXI) quien le muestra a Picard (el hombre del siglo XXIV) que su búsqueda de venganza es el comportamiento primitivo que los humanos habían evolucionado para no utilizar. [17] Las palabras de Lily hacen que Picard reconsidere, y cita las palabras de venganza de Ahab, reconociendo el deseo de muerte incrustado en ellas. [77]
La naturaleza de los Borg en el Primer Contacto ha sido objeto de discusión crítica. La artista y escritora Julie Clarke señala que, si bien la humanidad tolera otras especies alienígenas en Star Trek , los Borg son vistos de manera diferente debido a sus alteraciones cibernéticas y la pérdida de libertad y autonomía. Posteriormente, los miembros de la tripulación que son asimilados al Colectivo son vistos como "contaminados por la tecnología" y menos que humanos. Clarke hace comparaciones entre la distinción tecnológica entre humanidad y máquina en Star Trek y el trabajo de artistas como Stelarc . [78] Oliver Marchart trazó paralelismos entre la combinación de muchos de los Borg en uno artificial y el concepto de Leviatán de Thomas Hobbes . [79] La naturaleza del peligroso primer contacto entre especies, tal como lo representan películas como Independence Day , Aliens y First Contact, es una combinación de temores clásicos de invasión nacional y pérdida de identidad personal. [80]
1996 marcó el 30 aniversario de la franquicia Star Trek . [81] La franquicia estaba en terreno difícil; Deep Space Nine y Voyager habían perdido millones de espectadores, siendo superadas por Hercules: The Legendary Journeys como la serie sindicada de mayor audiencia. Algunos fanáticos permanecieron molestos. Paramount canceló The Next Generation en el apogeo de su popularidad, y Generations había sido un éxito comercial pero no crítico. [82] Frakes señaló que era un "momento crucial", ya que temía que la franquicia se hubiera "extendido demasiado con dos programas". [83]
First Contact fue fuertemente comercializado, hasta un punto no visto desde el lanzamiento de Star Trek: The Motion Picture en 1979. Se escribieron varias novelizaciones de la película para diferentes grupos de edad. Playmates Toys produjo figuras de acción de seis y nueve pulgadas, además de modelos de barcos y un láser. Dos especiales de televisión sobre el "making of" se estrenaron en HBO y Sci-Fi Channel , además de ser promocionados durante un especial de televisión del 30 aniversario en UPN . [84] El avance teatral de la película se incluyó en una compilación musical de Best of Star Trek , lanzada al mismo tiempo que la banda sonora de First Contact . [74] Simon & Schuster Interactive desarrolló un videojuego con temática Borg para computadoras personales Macintosh y Windows. El juego, Star Trek: Borg , funcionó como una película interactiva con escenas filmadas al mismo tiempo que la producción de First Contact . [85] Spectrum HoloByte también anunció una adaptación de videojuego de la película , y habría tomado la forma de un juego de estrategia en tiempo real ambientado completamente en el Enterprise durante la adquisición de Borg, [86] aunque nunca fue lanzado. La película fue fuertemente promocionada en Internet a través de un sitio web oficial, donde los usuarios podían interactuar entre sí y luchar contra los Borg mientras realizaban un recorrido en 3-D por el Enterprise . [87] El sitio experimentó más tráfico que el de cualquier película anterior, recibiendo 4,4 millones de visitas por semana durante el estreno de la película. [88]
La película se estrenó el 18 de noviembre de 1996 en el Mann's Chinese Theatre de Hollywood, Los Ángeles, y se recaudaron 70.000 dólares en la venta de entradas para Amnistía Internacional . [89] [90] Asistieron el elenco principal, excepto Spiner, al igual que Moore, Braga, Jerry Goldsmith y el productor Marty Hornstein , junto con otros actores de Star Trek . Después de la proyección, los invitados cruzaron la calle hacia la Columnata de Hollywood, donde los interiores habían sido decorados para que coincidieran con los escenarios de la película. [90] [91] La película recibió un estreno real en el Reino Unido, donde Marina Sirtis acompañó al Príncipe Carlos a la proyección del 10 de diciembre en el Empire, Leicester Square . [92] [93]
First Contact se estrenó en 2.812 salas a partir del 22 de noviembre, recaudando 30,7 millones de dólares en su primera semana y convirtiéndola en la película más taquillera de Estados Unidos. [94] La película fue eliminada del primer lugar la semana siguiente por 101 Dálmatas , ganando 25,5 millones de dólares. [95] La película recaudó 77 millones de dólares en sus primeras cuatro semanas, permaneciendo entre los diez primeros en taquilla durante ese tiempo. [89] Cerró con una recaudación bruta estadounidense y canadiense de 92.027.888 dólares y una recaudación internacional bruta de 54 millones de dólares para un total de 146 millones de dólares en todo el mundo. [96]
La película se estrenó en el Reino Unido el 13 de diciembre de 1996, convirtiéndose en el número dos de taquilla. A pesar de ser la primera película de la franquicia que no alcanzó el número uno desde The Wrath of Khan , sus recaudaciones de £8,7 millones fueron las más altas hasta que se estrenó la película de reinicio de Star Trek en 2009. [97] La película fue la película Star con mejor desempeño. Trek en los mercados internacionales hasta la película Star Trek de 2009 , [98] y la mejor proyección de Paramount en mercados como Nueva Zelanda, ganando 315.491 dólares en 28 sitios a finales de año. [99]
First Contact obtuvo críticas positivas tras su lanzamiento. [39] El público encuestado por CinemaScore le dio a la película una calificación "A-" en una escala de A a F. [100] Ryan Gilbey de The Independent consideró prudente que la película prescindiera del elenco de la serie original: "Por primera vez , una película de Star Trek en realidad parece algo más ambicioso que un programa de televisión extendido", escribió. [101] Por el contrario, el crítico Bob Thompson consideró que First Contact estaba más en el espíritu de la serie de televisión de la década de 1960 que cualquier entrega anterior. [102] Elizabeth Renzeti del Globe and Mail dijo que First Contact logró mejorar la entrada anterior "forzada" de la serie, y que presentó un interés renovado en la narración. [103] Kenneth Turan de Los Angeles Times escribió: " First Contact hace todo lo que uno quisiera que hiciera una película de Star Trek , y lo hace con alegría y estilo". [104] Adrian Martin de The Age señaló que la película estaba orientada a complacer a los fanáticos: "Los extraños a este mundo fantástico delineado por primera vez por Gene Roddenberry tendrán que luchar para comprenderlo lo mejor que puedan", escribió, pero "los seguidores de culto Estará en el cielo". [105] Janet Maslin del New York Times pensó que la "intrincada" trama de la película "abrumaría a todos menos a los devotos más acérrimos" de la serie, [106] mientras que Joe Leydon de Variety escribió que la película no requería un conocimiento íntimo. de la serie y que tanto los fanáticos como los no fanáticos disfrutarían de la película. [107] Si bien Renzetti consideró que la falta de personajes antiguos de las siete películas anteriores era un cambio bienvenido, [103] Maslin dijo que "la serie ahora carece de todas sus estrellas originales y gran parte de su determinación anterior. Se ha transformado en algo menos inocente". y más derivado de lo que solía ser, algo que es cada vez menos probable que disfrute el no cultista". [106] Por el contrario, Roger Ebert calificó a First Contact como una de las mejores películas de Star Trek , [108] y James Berardinelli consideró que la película era la película de Star Trek más entretenida en una década; "Ha revivido por sí solo la serie de películas Star Trek , al menos desde un punto de vista creativo", escribió.[109] En los tiempos , Frakes fue elogiado como director por Geoff Brown por "dirigir un guión enredado sin perder impulso". [110]
La actuación de la película tuvo una recepción mixta. Lisa Schwarzbaum de Entertainment Weekly apreció que las estrellas invitadas Woodard y Cromwell se utilizaran en "contraste inventivo" con sus imágenes más conocidas, como una "actriz dramática seria" y un "granjero bailarín en Babe ", respectivamente. [111] Lloyd Rose de The Washington Post consideró que si bien Woodard y Cromwell lograron "cuidarse a sí mismos", la dirección de Frakes de otros actores no fue inspirada; [112] Steve Persall del St. Petersburg Times opinó que sólo Cromwell recibió un papel elegido en la película, "por lo que se roba el show por defecto". [113] Un par de reseñas señalaron que las interacciones de Data con la Reina Borg estaban entre las partes más interesantes de la película; [108] [114] El crítico John Griffin atribuyó el mérito al trabajo de Spiner por proporcionar "escalofrío ambivalente" al largometraje. [115] Adam Smith, de la revista Empire , escribió que algunos personajes, particularmente Troi y Crusher, se perdieron o fueron ignorados, y que el ritmo rápido de la película no dejó tiempo para que aquellos que no estaban familiarizados con la serie conocieran o se preocuparan por los personajes. [116] Asimismo, Emily Carlisle de la BBC elogió las actuaciones de Woodard, Spiner y Stewart, pero sintió que la película se centró más en la acción que en la caracterización. [114] Stewart, a quien Thompson y Renzetti consideraban eclipsado por William Shatner en la película anterior, [102] [103] recibió elogios de Richard Corliss de Time : "Mientras Patrick Stewart ofrece [una] línea con una majestuosa ferocidad digna de un Royal Ex alumno de Shakespeare Company , el público queda boquiabierto ante un efecto especial más imponente que cualquier doodle digital de ILM. ¡Aquí hay una actuación real en una película de Star Trek ! [117]
Los efectos especiales fueron en general elogiados. Jay Carr de The Boston Globe dijo que First Contact actualizó con éxito el concepto del creador de Star Trek, Gene Roddenberry, con efectos y acción más elaborados. [118] La evaluación de Thompson reflejó la de Carr; Estuvo de acuerdo en que la película logró transmitir gran parte del programa de televisión original de la década de 1960 y contenía suficientes "maravillas de efectos especiales y tiroteos interestelares" para saciar a todo tipo de espectadores. Ebert escribió que si bien las películas anteriores a menudo parecían "torpes" en el departamento de efectos, First Contact se benefició de lo último en tecnología de efectos. [108] Scott ofreció una opinión disidente, quien escribió que, aparte de las secuencias de efectos clave, Frakes "tiene como objetivo distraer a los Trekkers del resto de apariencia claramente barata". [116]
Los críticos reaccionaron favorablemente a los Borg, describiéndolos como criaturas similares a Hellraiser . [118] Renzetti les dio crédito por dar "nueva vida" a la tripulación del Enterprise y al mismo tiempo intentar matarlos. [103] La Reina Borg recibió especial atención por su combinación de horror y seducción, Ebert escribió que si bien ella parecía "ninguna noción de sexy de la que haya oído hablar", él se sintió inspirado a "mantener la mente abierta". [108] Carr dijo: "Ella demuestra que las mujeres con piel azul transparente, muchos tubos externos y dientes en mal estado pueden ser elegantes y seductoras". [118]
En 2021, First Contact fue calificada como la segunda mejor película de la franquicia Star Trek (después de The Undiscovered Country ) por Scott Mendelson, quien, escribiendo para la revista Forbes , la describió como "probablemente la película más grande de Star Trek que todavía se siente como una película de Star Trek ". . [119] También ocupó el segundo lugar (después de La ira de Khan ) para la revista Empire en 2022 por Owen Williams, quien calificó la película como "uno de los clásicos clavados de Trek " . [120]
Star Trek: First Contact se lanzó por primera vez en VHS a finales de 1997 como uno de varios títulos que se esperaba que impulsaran las débiles ventas en los minoristas de vídeos. [125] También se lanzó una versión LaserDisc . [126] First Contact fue uno de los primeros títulos anunciados para el sistema de alquiler alternativo de DVD Digital Video Express en 1998. [127] Se lanzó con otros cinco títulos de prueba en los mercados selectos de Richmond y San Francisco. [128]
Cuando Paramount anunció su primera lista de lanzamientos en DVD en agosto de 1998, First Contact fue uno de los primeros diez títulos lanzados en octubre, [129] anunció en un esfuerzo consciente por mostrar películas basadas en efectos. [130] Esta versión contenía la función y dos avances, pero ninguna otra característica especial. La película se presentó en su relación de aspecto anamórfica original de 2,35:1, con una mezcla de audio de sonido envolvente Dolby Digital 5.1. [126]
En 2005 se lanzó un conjunto de dos discos de la "Edición especial para coleccionistas" de First Contact al mismo tiempo que otras tres películas de Next Generation y la cuarta temporada de Star Trek: Enterprise , marcando la primera vez que todas las películas y episodios de la franquicia estaban disponibles. en video casero hasta ese momento. [131] Además del largometraje, presentado con las mismas especificaciones técnicas que el lanzamiento anterior y una nueva banda sonora DTS , [132] el primer disco contiene un comentario del director de Frakes y una pista de Moore y Braga. [132] Al igual que con otros lanzamientos de DVD de edición especial, el disco incluye una pista de texto de Michael y Denise Okuda que proporciona trivia de producción y datos relevantes sobre el universo de Star Trek . [133] [134] El segundo disco contiene seis reportajes sobre cómo se hizo, guiones gráficos y avances. [134]
El 22 de septiembre de 2009 se lanzó un Blu-ray de alta definición de First Contact. Además de los extras del DVD que regresan, el Blu-ray contiene largometrajes adicionales y un nuevo comentario del coproductor de Star Trek (2009) , Damon Lindelof , y TrekMovie. Anthony Pascale , colaborador de .com . [135] Los cuatro largometrajes de Next Generation se estrenaron en Ultra HD Blu-ray el 4 de abril de 2023, en formatos independientes y recopilados. [136]
Seré tu madrina.
La serie ahora carece de todas sus estrellas originales y de gran parte de su determinación anterior. Se ha transformado en algo menos inocente y más derivado de lo que solía ser, algo que es cada vez menos probable que disfrute el no cultista.
Por un lado, la intrincada trama de esta película dejará atónitos a todos menos a los devotos más acérrimos.
