Paul Klee ( alemán: [paʊ̯l ˈkleː] ; 18 de diciembre de 1879 - 29 de junio de 1940) fue un artista alemán nacido en Suiza. Su estilo altamente individual fue influenciado por movimientos artísticos que incluyeron el expresionismo , el cubismo y el surrealismo . Klee era un dibujante nato que experimentó y finalmente exploró profundamente la teoría del color , escribiendo sobre ella extensamente; sus conferencias Escritos sobre teoría de la forma y el diseño ( Schriften zur Form und Gestaltungslehre ), publicadas en inglés como Paul Klee Notebooks , se consideran tan importantes para el arte moderno como lo fue el Tratado sobre pintura de Leonardo da Vinci para el Renacimiento . [1] [2] [3] Él y su colega, el pintor ruso Wassily Kandinsky , enseñaron en la escuela de arte, diseño y arquitectura Bauhaus en Alemania . Sus obras reflejan su humor seco y su perspectiva a veces infantil, sus estados de ánimo y creencias personales y su musicalidad.
En primer lugar, el arte de vivir; luego como mi profesión ideal, la poesía y la filosofía, y como mi profesión real, las artes plásticas ; en última instancia, por falta de ingresos, ilustraciones.
-Paul Klee [4]
Paul Klee nació en Münchenbuchsee , Suiza , como segundo hijo del profesor de música alemán Hans Wilhelm Klee (1849-1940) y de la cantante suiza Ida Marie Klee, nacida Frick (1855-1921). [a] Su hermana Mathilde (fallecida el 6 de diciembre de 1953) nació el 28 de enero de 1876 en Walzenhausen . Su padre procedía de Tann y estudió canto, piano, órgano y violín en el Conservatorio de Stuttgart , donde conoció a su futura esposa, Ida Frick. Hans Wilhelm Klee trabajó activamente como profesor de música en el Seminario Estatal de Berna en Hofwil, cerca de Berna, hasta 1931. Klee pudo desarrollar sus habilidades musicales gracias a que sus padres lo alentaron e inspiraron durante toda su vida. [5] En 1880, su familia se mudó a Berna, donde finalmente, en 1897, después de varios cambios de residencia, se mudaron a su propia casa en el distrito de Kirchenfeld . [6] De 1886 a 1890, Klee visitó la escuela primaria y recibió, a la edad de 7 años, clases de violín en la Escuela Municipal de Música. Tenía tanto talento para el violín que, a los 11 años, recibió una invitación para tocar como miembro extraordinario de la Asociación de Música de Berna. [7] Sus otras aficiones, dibujar y escribir poemas, no fueron fomentadas de la misma manera que la música. [8]
En sus primeros años, siguiendo los deseos de sus padres, Klee se centró en convertirse en músico; pero se decidió por las artes visuales durante su adolescencia, en parte por rebelión y en parte porque la música moderna carecía de significado para él. Dijo: "No encontré particularmente atractiva la idea de dedicarme a la música de manera creativa en vista del declive en la historia de los logros musicales". [9] Como músico, tocaba y se sentía vinculado emocionalmente a obras tradicionales de los siglos XVIII y XIX , pero como artista anhelaba la libertad de explorar ideas y estilos radicales. [9] A los dieciséis años, los dibujos de paisajes de Klee ya muestran una habilidad considerable. [10]
Hacia 1897, Klee comenzó a redactar su diario, que mantuvo hasta 1918 y que ha proporcionado a los estudiosos una valiosa información sobre su vida y su pensamiento. [11] Durante sus años escolares, dibujaba con avidez en sus libros escolares, en particular dibujando caricaturas , y ya demostraba habilidad con la línea y el volumen. [12] Apenas aprobó sus exámenes finales en el "Gymnasium" de Berna, donde se graduó en Humanidades . Con su característico ingenio seco, escribió: "Después de todo, es bastante difícil alcanzar el mínimo exacto e implica riesgos". [13] En su época, además de sus profundos intereses por la música y el arte, Klee fue un gran lector de literatura y más tarde un escritor sobre teoría y estética del arte . [14]
Con el renuente permiso de sus padres, en 1898 Klee comenzó a estudiar arte en la Academia de Bellas Artes de Múnich con Heinrich Knirr y Franz von Stuck . Destacó en el dibujo, pero parecía carecer de un sentido natural del color. Más tarde recordó: "Durante el tercer invierno incluso me di cuenta de que probablemente nunca aprendería a pintar". [13] Durante estos tiempos de aventuras juveniles, Klee pasó mucho tiempo en pubs y tuvo aventuras con mujeres de clase baja y modelos de artistas. Tuvo un hijo ilegítimo en 1900 que murió varias semanas después de nacer. [15]
Después de licenciarse en Bellas Artes, Klee viajó a Italia desde octubre de 1901 hasta mayo de 1902 [16] con su amigo Hermann Haller . Visitaron Roma, Florencia, Nápoles y la costa de Amalfi, estudiando a los maestros pintores de siglos pasados. [15] Exclamó: "El Foro y el Vaticano me han hablado. El humanismo quiere asfixiarme". [17] Respondió a los colores de Italia, pero señaló con tristeza, "que me espera una larga lucha en este campo del color". [18] Para Klee, el color representaba el optimismo y la nobleza en el arte, y una esperanza de alivio de la naturaleza pesimista que expresaba en sus grotescos y sátiras en blanco y negro. [18] Al regresar a Berna, vivió con sus padres durante varios años y tomó clases de arte ocasionales. En 1905, estaba desarrollando algunas técnicas experimentales, incluido el dibujo con una aguja sobre un panel de vidrio ennegrecido, lo que dio como resultado cincuenta y siete obras, incluido su Retrato de mi padre (1906). [12] En los años 1903-05 también completó un ciclo de once grabados en placas de zinc llamado Invenciones , sus primeras obras expuestas, en las que ilustró varios personajes grotescos. [15] [19] Comentó: "aunque estoy bastante satisfecho con mis grabados, no puedo seguir así. No soy un especialista". [20] Klee todavía dedicaba su tiempo a la música, tocaba el violín en una orquesta y escribía reseñas de conciertos y teatro. [21]
Klee se casó con la pianista bávara Lily Stumpf en 1906 y tuvieron un hijo llamado Felix Paul al año siguiente. Vivían en un suburbio de Munich, y mientras ella daba lecciones de piano y presentaciones ocasionales, él se ocupaba de la casa y se ocupaba de su obra de arte. Su intento de ser ilustrador de revistas fracasó. [21] La obra artística de Klee progresó lentamente durante los siguientes cinco años, en parte por tener que dividir su tiempo con asuntos domésticos y en parte porque intentó encontrar un nuevo enfoque para su arte. En 1910 realizó su primera exposición individual en Berna, que luego viajó a tres ciudades suizas.
En enero de 1911, Alfred Kubin conoció a Klee en Munich y lo animó a ilustrar Candide de Voltaire . Sus dibujos resultantes se publicaron más tarde en una versión de 1920 del libro editado por Kurt Wolff. Por esta época, la obra gráfica de Klee aumentó. Su temprana inclinación hacia el absurdo y el sarcástico fue bien recibida por Kubin, quien se hizo amigo de Klee y se convirtió en uno de sus primeros coleccionistas importantes. [22] Klee conoció, a través de Kubin, al crítico de arte Wilhelm Hausenstein en 1911. Klee fue miembro de la fundación y director del sindicato de artistas de Munich Sema ese verano. [23] En otoño conoció a August Macke y Wassily Kandinsky , y en invierno se unió al equipo editorial del almanaque Der Blaue Reiter , fundado por Franz Marc y Kandinsky. Al conocer a Kandinsky, Klee registró: "Llegué a sentir una profunda confianza en él. Es alguien y tiene una mente excepcionalmente hermosa y lúcida". [24] Otros miembros incluyeron a Macke, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin . Klee se convirtió en pocos meses en uno de los miembros más importantes e independientes del Blaue Reiter , pero aún no estaba completamente integrado. [25]
La publicación del almanaque se retrasó en beneficio de una exposición. La primera exposición de Blaue Reiter tuvo lugar del 18 de diciembre de 1911 al 1 de enero de 1912 en la Moderne Galerie Heinrich Thannhauser de Múnich. Klee no asistió a ella, pero en la segunda exposición, que tuvo lugar del 12 de febrero al 18 de marzo de 1912 en la Galería Goltz , se mostraron 17 de sus obras gráficas. El nombre de esta exposición de arte fue Schwarz-Weiß , ya que se refería únicamente a pintura gráfica. [26] Inicialmente previsto para su publicación en 1911, la fecha de publicación del almanaque Der Blau Reiter de Kandinsky y Marc se retrasó en mayo de 1912, incluida la reproducción del dibujo a tinta Steinhauer de Klee. Al mismo tiempo, Kandinsky publicó su historia del arte escribiendo Über das Geistige in der Kunst . [27]
La asociación abrió la mente de Klee a las teorías modernas del color. Sus viajes a París en 1912 también lo expusieron al fermento del cubismo y a los ejemplos pioneros de la "pintura pura", uno de los primeros términos para referirse al arte abstracto . El uso de colores atrevidos por parte de Robert Delaunay y Maurice de Vlaminck también lo inspiró. [28] En lugar de copiar a estos artistas, Klee comenzó a realizar sus propios experimentos de color en acuarelas pálidas e hizo algunos paisajes primitivos, incluidos In the Quarry (1913) y Houses near the Gravel Pit (1913), utilizando bloques de color con superposición limitada. . [29] Klee reconoció que "me espera una larga lucha en este campo del color" para alcanzar su "lejano y noble objetivo". Pronto descubrió "el estilo que conecta el dibujo y el reino del color". [18]
El avance artístico de Klee se produjo en 1914, cuando visitó brevemente Túnez con August Macke y Louis Moilliet y quedó impresionado por la calidad de la luz allí. Escribió: "El color se ha apoderado de mí; ya no tengo que perseguirlo, sé que me posee para siempre... El color y yo somos uno. Soy pintor". [30] Al darse cuenta de ello, la fidelidad a la naturaleza perdió importancia. En cambio, Klee comenzó a profundizar en el "romanticismo frío de la abstracción". [30] Al adquirir un segundo vocabulario artístico, Klee añadió color a sus habilidades como dibujante, y en muchas obras las combinó con éxito, como lo hizo en una serie que llamó "pinturas de ópera". [31] [32] Uno de los ejemplos más literales de esta nueva síntesis es El Don Giovanni bávaro (1919). [33]
Después de regresar a casa, Klee pintó su primera pintura puramente abstracta, Al estilo de Kairouan (1914), compuesta por rectángulos de colores y algunos círculos. [34] El rectángulo coloreado se convirtió en su bloque de construcción básico, lo que algunos estudiosos asocian con una nota musical, que Klee combinó con otros bloques coloreados para crear una armonía de colores análoga a una composición musical. Su selección de una paleta de colores particular emula una clave musical. A veces utiliza pares de colores complementarios y otras veces colores "disonantes", reflejando nuevamente su conexión con la musicalidad. [35]
Unas semanas más tarde, comenzó la Primera Guerra Mundial . Al principio, Klee se mostró algo distanciado de ello, ya que escribió irónicamente: "Hace mucho que tengo esta guerra dentro de mí. Por eso, interiormente, no es de mi incumbencia". [36] Klee fue reclutado como Landsturmsoldat (soldado de las fuerzas de reserva en Prusia o Alemania Imperial) el 5 de marzo de 1916. Las muertes de sus amigos August Macke y Franz Marc en batalla comenzaron a afectarlo. Para desahogar su angustia, creó varias litografías con pluma y tinta sobre temas de guerra, incluida Muerte por la idea (1915). [37] Después de terminar el curso de entrenamiento militar, que comenzó el 11 de marzo de 1916, fue destinado como soldado detrás del frente. Klee se trasladó el 20 de agosto a la empresa de mantenimiento de aviones [b] en Oberschleissheim , realizando trabajos manuales cualificados, como la restauración del camuflaje de los aviones y acompañando los transportes de aviones. El 17 de enero de 1917 fue trasladado a la Escuela de Aviación Real de Baviera en Gersthofen (que 54 años después se convirtió en la Estación de Campo de la USASA en Augsburgo ) para trabajar como empleado del tesorero hasta el final de la guerra. Esto le permitió quedarse en una pequeña habitación fuera del cuartel y seguir pintando. [38] [39]
Continuó pintando durante toda la guerra y logró exponer en varias muestras. En 1917, la obra de Klee se vendía bien y los críticos de arte lo aclamaban como el mejor de los nuevos artistas alemanes. [40] Su Ab ovo (1917) es particularmente notable por su técnica sofisticada. Emplea acuarela sobre gasa y papel con fondo de tiza, lo que produce una rica textura de patrones triangulares, circulares y en forma de media luna. [30] Demostrando su rango de exploración, mezclando color y línea, su Advertencia de los barcos (1918) es un dibujo coloreado lleno de imágenes simbólicas en un campo de color suprimido. [41]
En 1919, Klee solicitó un puesto docente en la Academia de Arte de Stuttgart. [42] Este intento fracasó, pero tuvo un gran éxito al conseguir un contrato de tres años (con un ingreso anual mínimo) con el marchante Hans Goltz , cuya influyente galería le dio a Klee una mayor exposición y cierto éxito comercial. También fue notable una retrospectiva de más de 300 obras en 1920. [43]
Klee enseñó en la Bauhaus desde enero de 1921 hasta abril de 1931. [44] Fue un maestro de la "Forma" en los talleres de encuadernación, vidrieras y pintura mural y dispuso de dos estudios. [45] En 1922, Kandinsky se unió al personal y reanudó su amistad con Klee. Más tarde, ese mismo año, se celebró la primera exposición y festival de la Bauhaus, para la cual Klee creó varios de los materiales publicitarios. [46] Klee acogió con satisfacción las numerosas teorías y opiniones contradictorias dentro de la Bauhaus: "También apruebo que estas fuerzas compitan entre sí si el resultado es un logro". [47]
Klee también fue miembro de Die Blaue Vier (Los cuatro azules), con Kandinsky, Lyonel Feininger y Alexej von Jawlensky ; Se formaron en 1923, dieron conferencias y expusieron juntos en los Estados Unidos en 1925. Ese mismo año, Klee realizó sus primeras exposiciones en París y se convirtió en un éxito entre los surrealistas franceses. [48] Klee visitó Egipto en 1928, lo que le impresionó menos que Túnez. En 1929 se publicó la primera monografía importante sobre la obra de Klee, escrita por Will Grohmann. [49]
Klee también enseñó en la Academia de Düsseldorf de 1931 a 1933, y fue señalado por un periódico nazi: "Entonces entra en escena ese gran Klee, famoso ya como profesor de la Bauhaus en Dessau. Le dice a todo el mundo que es un árabe de pura sangre, pero es un típico judío gallego." [50] Su casa fue registrada por la Gestapo y lo despidieron de su trabajo. [3] [51] Su autorretrato Sacado de la lista (1933) conmemora la triste ocasión. [50] En 1933-1934, Klee realizó exposiciones en Londres y París, y finalmente conoció a Pablo Picasso , a quien admiraba mucho. [52] La familia Klee emigró a Suiza a finales de 1933. [52]
Klee estaba en la cima de su producción creativa. Su Ad Parnassum (1932) es considerada su obra maestra y el mejor ejemplo de su estilo puntillista ; también es una de sus pinturas más grandes y mejor trabajadas. [53] [54] Produjo cerca de 500 obras en 1933 durante su último año en Alemania. [55] Sin embargo, en 1933, Klee comenzó a experimentar los síntomas de lo que se diagnosticó como esclerodermia después de su muerte. La progresión de su enfermedad mortal, que dificultaba mucho la deglución, se puede seguir a través del arte que creó en sus últimos años. Su producción en 1936 fue de sólo 25 cuadros. A finales de la década de 1930, su salud se recuperó algo y se sintió alentado por una visita de Kandinsky y Picasso. [56] Los diseños más simples y más grandes de Klee le permitieron mantener su producción en sus últimos años, y en 1939 creó más de 1.200 obras, la mayor cantidad de su carrera en un año. [57] Usó líneas más pesadas y formas principalmente geométricas con menos bloques de color pero más grandes. Sus variadas paletas de colores, algunas con colores brillantes y otras sombrías, tal vez reflejaban su alternancia de estados de ánimo de optimismo y pesimismo. [58] De vuelta en Alemania en 1937, diecisiete de los cuadros de Klee se incluyeron en una exposición de " Arte degenerado " y 102 de sus obras en colecciones públicas fueron confiscadas por los nazis. [59]
En 1935, dos años después de mudarse a Suiza y trabajar en una situación muy confinada, Klee desarrolló esclerodermia , una enfermedad autoinmune que provoca el endurecimiento del tejido conectivo. [60]
Soportó un dolor que parece reflejarse en sus últimas obras de arte. [61] En sus últimos meses creó 50 dibujos de ángeles. [60] Una de sus últimas pinturas, Muerte y fuego , presenta una calavera en el centro con la palabra alemana para muerte, "Tod", que aparece en la cara. Murió en Muralto , Locarno, Suiza, el 29 de junio de 1940 sin haber obtenido la ciudadanía suiza, a pesar de haber nacido en ese país. [61] [62] Su obra de arte fue considerada demasiado revolucionaria, incluso degenerada, por las autoridades suizas, pero finalmente aceptaron su solicitud seis días después de su muerte. [63] Su legado comprendió alrededor de 9.000 obras de arte. [18] Las palabras de su lápida, el credo de Klee, depositado allí por su hijo Félix, dicen: "No puedo ser captado en el aquí y ahora, porque mi morada está tanto entre los muertos como entre los no nacidos. Un poco más cerca de el corazón de la creación de lo habitual, pero aún no lo suficientemente cerca". [64] Fue enterrado en Schosshaldenfriedhof , Berna, Suiza.
A Klee se le ha asociado de diversas formas con el expresionismo , el cubismo , el futurismo , el surrealismo y la abstracción , pero sus cuadros son difíciles de clasificar. Generalmente trabajaba aislado de sus compañeros e interpretaba las nuevas tendencias artísticas a su manera. Fue inventivo en sus métodos y técnica. Klee trabajó en muchos medios diferentes: pintura al óleo , acuarela , tinta , pastel , grabado y otros. A menudo los combinaba en una sola obra. Usó lienzos, arpillera, muselina, lino, gasa, cartón, láminas metálicas, telas, papel tapiz y papel de periódico. [65] Klee empleó pintura en aerosol, aplicación con espátula, estampado, vidriado y empaste, y técnicas mixtas como óleo con acuarela, acuarela con pluma y tinta china, y óleo con témpera. [66]
Era un dibujante nato y, a través de una larga experimentación, desarrolló un dominio del color y la tonalidad. Muchas de sus obras combinan estas habilidades. Utiliza una gran variedad de paletas de colores, desde casi monocromáticas hasta altamente policromáticas . Sus obras a menudo tienen una frágil cualidad infantil y suelen ser de pequeña escala. A menudo utilizaba formas geométricas y composiciones en formato de cuadrícula , así como letras y números, frecuentemente combinados con divertidas figuras de animales y personas. Algunas obras eran completamente abstractas. Muchas de sus obras y sus títulos reflejan su humor seco y sus diferentes estados de ánimo; algunos expresan convicciones políticas. Frecuentemente aluden a poesía, música y sueños y en ocasiones incluyen palabras o notación musical . Las obras posteriores se distinguen por símbolos parecidos a jeroglíficos en forma de araña . Rainer Maria Rilke escribió sobre Klee en 1921: "Aunque no me hubieran dicho que toca el violín, habría adivinado que en muchas ocasiones sus dibujos eran transcripciones de música". [14]
Pamela Kort observó: "Los dibujos de Klee de 1933 presentan a quien los contempla una oportunidad incomparable de vislumbrar un aspecto central de su estética que ha permanecido en gran medida desapreciado: su preocupación de toda la vida por las posibilidades de la parodia y el ingenio . Aquí radica su verdadero significado, particularmente para una audiencia. Sin saber que el arte de Klee tiene dimensiones políticas ." [67]
Entre las pocas obras plásticas se encuentran títeres de mano realizados entre 1916 y 1925, para su hijo Félix. El artista no los contó como parte de su obra ni los incluyó en su catálogo razonado . Treinta de los títeres conservados se encuentran en el Zentrum Paul Klee de Berna. [68]
Algunos de los primeros dibujos infantiles conservados de Klee, que su abuela alentó, figuraban en su catálogo razonado . Durante los años de Berna se produjeron un total de 19 grabados; diez de ellos fueron realizados entre 1903 y 1905 en el ciclo "Inventionen" (Invenciones), [69] que fueron presentados en junio de 1906 en la "Internationale Kunstausstellung des Vereins bildender Künstler Münchens 'Secession'" (Exposición Internacional de Arte de la Asociación de Artes Gráficas, Múnich, Secesión), su primera aparición como pintor ante el público. [70] Klee había eliminado de su ciclo la tercera invención, Pessimistische Allegorie des Gebirges (Alegoría pesimista de la montaña), en febrero de 1906. [71] Los grabados satíricos , por ejemplo Jungfrau im Baum/Jungfrau (träumend) (Virgen en el árbol/Virgen (soñando)) de 1903 y Greiser Phoenix (Fénix envejecido) de 1905, fueron clasificados por Klee como "puestos de avanzada surrealistas". Jungfrau im Baum se basa en el motivo Le cattive madri (1894) de Giovanni Segantini . La imagen fue influenciada por las poesías líricas grotescas de Alfred Jarry , Max Jacob y Christian Morgenstern . [72] Presenta un pesimismo cultural, que se puede encontrar a principios del siglo XX en obras de simbolistas . La invención nº. 6, el grabado de 1903 Zwei Männer, einander in höherer Stellung vermutend (Dos hombres, suponiendo que el otro esté en una posición superior), representa a dos hombres desnudos, presumiblemente el emperador Guillermo II y Francisco José I de Austria , reconocibles por su peinado y barba. . Como sus ropas e insignias estaban desprovistas, "ambos no tienen idea de si su saludo convencional [...] está en orden o no. Como suponen que su contraparte podría haber tenido una calificación más alta", se inclinan y raspan . [73]
Klee comenzó a introducir una nueva técnica en 1905: rayar un panel de vidrio ennegrecido con una aguja. De esa manera creó alrededor de 57 cuadros de Verre églomisé, entre ellos el Gartenszene (Escena en un jardín) de 1905 y el Porträt des Vaters (Retrato de un padre) de 1906, con los que intentó combinar pintura y rayado. [74] Los primeros trabajos solitarios de Klee terminaron en 1911, el año en que conoció al artista gráfico Alfred Kubin y se inspiró en él, y se asoció con los artistas del Blaue Reiter . [75]
Durante su viaje educativo de doce días a Túnez en abril de 1914, Klee pintó con Macke y Moilliet acuarelas que implementan los fuertes estímulos de luz y color del campo norteafricano al estilo de los conceptos de formas cubistas de Paul Cézanne y Robert Delaunay . El objetivo no era imitar la naturaleza, sino crear composiciones análogas al principio formativo de la naturaleza, como en las obras In den Häusern von Saint-Germain (En las casas de Saint-Germain) y Straßencafé (Streetcafé). Klee representó el paisaje en una cuadrícula, de modo que se disolviera en una armonía de colores. También creó obras abstractas en ese período como Abstract y Farbige Kreise durch Farbbänder verbunden (Círculos de colores atados a través de cintas entintadas). [76] Nunca abandonó el objeto; nunca tuvo lugar una segregación permanente. Fueron necesarios más de diez años para que Klee trabajara en experimentos y análisis del color, dando como resultado un trabajo artificial independiente, en el que sus ideas de diseño se basaban en el colorido mundo oriental.
Föhn im Marc'schen Garten (Foehn en el jardín de Marc) se realizó después del viaje a Turín. Indica las relaciones entre el color y el estímulo de Macke y Delaunay. Aunque los elementos del jardín son claramente visibles, se nota una mayor tendencia hacia la abstracción. En su diario, Klee escribió en aquel momento la siguiente nota:
En el gran foso de moldura se encuentran ruinas, de las que una parte cuelga. Proporcionan el material para la abstracción. […] Lo terrible el mundo, lo abstracto el arte, mientras que un mundo feliz produce arte secularista. [77]
Bajo la impresión de su servicio militar, creó en 1917 el cuadro Trauerblumen (Campanas de terciopelo), que, con sus signos gráficos, formas vegetales y fantásticas, es un precursor de sus obras futuras, combinando armónicamente gráfica, color y objeto. Por primera vez aparecen pájaros en las imágenes, como en Blumenmythos (El mito de las flores) de 1918, reflejando los aviones volando y cayendo que vio en Gersthofen y los accidentes aéreos fotografiados.
En la acuarela de 1918 Einst dem Grau der Nacht enttaucht , un poema compositivo implementado, posiblemente escrito por Klee, incorporó letras en pequeños cuadrados separados por colores, cortando el primer verso del segundo con papel plateado. En la parte superior del cartón, que lleva la imagen, están inscritos los versos en forma manuscrita. Aquí Klee no se apoyó en los colores de Delaunay, sino en los de Marc, aunque el contenido pictórico de ambos pintores no se corresponde entre sí. Herwarth Walden , marchante de arte de Klee, vio en ellos un "Wachablösung" (cambio de guardia) de su arte. [78] Desde 1919 utilizó frecuentemente colores al óleo, con los que combinó acuarelas y lápices de colores. La Villa R (Kunstmuseum Basel) de 1919 reúne realidades visibles como el sol, la luna, las montañas, los árboles y la arquitectura, así como promesas surrealistas y lecturas de sentimientos. [79]
Entre sus obras de esta época se encuentran Camel (en un paisaje rítmico con árboles), así como otras pinturas con elementos gráficos abstractos como Betroffener Ort (Lugar afectado) (1922). De esa época creó Die Zwitscher-Maschine (La máquina de Twitter), que luego fue retirada de la Galería Nacional . Después de ser calificado de difamatorio en la exposición de Múnich " Entartete Kunst ", el cuadro fue comprado más tarde por la Galería Buchholz de Nueva York y luego transferido en 1939 al Museo de Arte Moderno . El "gorjeo" del título se refiere a los pájaros de pico abierto, mientras que la "máquina" está ilustrada por la manivela. [80]
La pintura de acuarela parece a primera vista infantil, pero permite más interpretaciones. La imagen puede interpretarse como una crítica de Klee, quien muestra, a través de la desnaturalización de los pájaros, que la tecnificación mundial roba la autodeterminación de las criaturas. [81]
Otros ejemplos de esa época son der Goldfisch (El pez dorado) de 1925, Katze und Vogel (El gato y el pájaro), de 1928, y Hauptweg und Nebenwege (La carretera principal y los caminos secundarios) de 1929. A través de variaciones del fondo del lienzo y su pintura combinada técnicas Klee creó nuevos efectos de color e impresiones pictóricas.
De 1916 a 1925, Klee creó 50 títeres de mano para su hijo Félix. Los títeres no se mencionan en el catálogo de obras de la Bauhaus, ya que desde el principio fueron concebidos como juguetes privados. [82] Sin embargo, son un ejemplo impresionante de las imágenes de Klee. No sólo se ocupó de los espectáculos de marionetas de forma privada, sino también de su labor artística en la Bauhaus. [83]
En 1931, Klee se trasladó a Düsseldorf para enseñar en la Akademie; Los nazis cerraron la Bauhaus poco después. [84] Durante este tiempo, Klee ilustró una serie de ángeles guardianes. Entre estas figuraciones se encuentra "In Engelshut" (Al cuidado del ángel). Su técnica de superposición evidencia el carácter polifónico de su método de dibujo entre 1920 y 1932. [85]
En la época de Düsseldorf también se creó el cuadro Ad Parnassum de 1932. 100 cm × 126 cm (39 in × 50 in) Esta es una de sus pinturas de mayor tamaño, ya que solía trabajar con formatos pequeños. En esta obra a modo de mosaico de estilo puntillismo combinó diferentes técnicas y principios compositivos. Influenciado por su viaje a Egipto de 1928 a 1929, Klee construyó un campo de color a partir de puntos estampados individualmente, rodeados por líneas estampadas de manera similar, lo que da como resultado una pirámide. Sobre el techo del " Parnassus " hay un sol. El título identifica la imagen como el hogar de Apolo y las Musas . [86] Durante sus viajes por Egipto en 1929, Klee desarrolló un sentimiento de conexión con la tierra, descrito por el historiador de arte Olivier Berggruen como un sentimiento místico: "En el desierto, los intensos rayos del sol parecían envolver a todos los seres vivos, y por la noche , el movimiento de las estrellas se sentía aún más palpable. En la arquitectura de los antiguos momentos funerarios, Klee descubrió un sentido de la proporción y de la medida, en el que el ser humano parecía establecer una relación convincente con la inmensidad del paisaje; además, se sintió atraído por la numerología esotérica que regía la forma en que se habían construido estos monumentos". [87] En 1933, su último año en Alemania, creó una serie de pinturas y dibujos; el catálogo razonado constaba de 482 obras. El autorretrato del mismo año, con el título programático von der Liste gestrichen (eliminado de la lista), proporciona información sobre sus sentimientos tras perder su cátedra. El retrato abstracto fue pintado en colores oscuros y muestra los ojos cerrados y los labios comprimidos, mientras que en la parte posterior de su cabeza hay una gran "X", que simboliza que su arte ya no era valorado en Alemania. [88]
En este período, Klee trabajó principalmente en cuadros de gran tamaño. Después del inicio de la enfermedad, había alrededor de 25 obras en el catálogo de 1936, pero su productividad aumentó en 1937 a 264 cuadros, en 1938 a 489, y en 1939 (su año más productivo) a 1254. Trataban temas ambivalentes , expresando su personalidad personal. el destino, la situación política y su ingenio. Algunos ejemplos son la pintura en acuarela Musiker (músico), una cara de hombre de palo con una boca en parte seria y en parte sonriente; y la Revolution des Viadukts (Revolución del Viadukt), un arte antifascista . En Viadukt (1937), los arcos del puente se separan de la orilla porque se niegan a estar unidos a una cadena y, por lo tanto, provocan disturbios. [89] Desde 1938, Klee trabajó más intensamente con elementos similares a jeroglíficos. La pintura Insula dulcamara del mismo año, que es una de las más grandes (88 cm × 176 cm (35 x 69 pulgadas)), muestra un rostro blanco en medio de los elementos, que simboliza la muerte con sus cuencas oculares rodeadas de círculos negros. . La amargura y el dolor no son raros en gran parte de sus obras durante esta época.
Klee creó en 1940 un cuadro que se diferencia mucho de las obras anteriores, dejándolo sin firmar en el cadalso. La naturaleza muerta comparativamente realista Ohne Titel , más tarde denominada Der Todesengel (Ángel de la Muerte), representa flores, una maceta verde, una escultura y un ángel. La luna sobre fondo negro está separada de estos grupos. Durante su 60 cumpleaños, Klee fue fotografiado frente a esta imagen. [90]
El arte no reproduce lo visible; más bien, lo hace visible.
"La actuación de Klee es muy prestigiosa. En un mínimo de una línea puede revelar su sabiduría. Él es todo: profundo, gentil y muchas más cosas buenas, y esto porque: es innovador", escribió Oskar Schlemmer , el futuro artista de Klee. colega de la Bauhaus, en su diario de septiembre de 1916. [91]
El novelista y amigo de Klee, Wilhelm Hausenstein , escribió en su obra Über Expressionismus in der Malerei (Sobre el expresionismo en la pintura): "Tal vez la actitud de Klee sea en general comprensible para los músicos: cómo Klee es uno de los violinistas más encantadores que interpretan a Bach y Händel, que jamás haya existido". caminó sobre la tierra. […] Para Klee, el pintor clásico alemán del cubismo, las músicas del mundo se convirtieron en su compañera, posiblemente incluso en parte de su arte; la composición, escrita en notas, no parece ser diferente." [92]
Cuando Klee visitó la exposición de surrealismo de París en 1925, Max Ernst quedó impresionado por su obra. Sus motivos parcialmente mórbidos atrajeron a los surrealistas. André Breton ayudó a desarrollar el surrealismo y cambió el nombre de la pintura de Klee de 1912 Zimmerperspektive mit Einwohnern (Perspectiva de la habitación con la gente) a espíritu de cámara en un catálogo. El crítico René Crevel calificó al artista de "soñador" que "libera un enjambre de pequeños piojos líricos de abismos misteriosos". El confidente de Paul Klee, Will Grohmann, afirma en los Cahiers d'art que "él se mantiene definitivamente muy sólido sobre sus pies. No es en absoluto un soñador; es una persona moderna, que enseña como profesor en la Bauhaus". Por lo que Breton, como recuerda Joan Miró , se mostró crítico con Klee: "Masson y yo hemos descubierto a Paul Klee. Paul Éluard y Crevel también están interesados en Klee, e incluso lo han visitado. Pero Breton lo desprecia". [93]
El arte de los enfermos mentales inspiró a Klee, así como a Kandinsky y Max Ernst, después de que Hans Prinzhorn publicara el libro Bildnerei der Geisteskranken (El arte de los enfermos mentales) en 1922. En 1937, algunos artículos de la antología de Prinzhorn se presentaron en la propaganda nacionalsocialista. exposición " Entartete Kunst " en Munich, con el propósito de difamar las obras de Kirchner , Klee, Nolde y otros artistas comparándolas con las obras de los locos. [94]
En 1949 Marcel Duchamp comentaba sobre Paul Klee: "La primera reacción ante un cuadro de Klee es el descubrimiento muy agradable de lo que cada uno de nosotros podía o podía haber hecho, intentar dibujar como en nuestra infancia. La mayoría de sus composiciones se exponen en la A primera vista, una expresión sencilla e ingenua, que se encuentra en los dibujos de los niños. […] En un segundo análisis, se puede descubrir una técnica que parte de una gran madurez en el pensamiento. Un profundo conocimiento del manejo de la acuarela para pintar un método personal en El óleo, estructurado en formas decorativas, hizo que Klee se destacara en el arte contemporáneo y lo hiciera incomparable. Por otro lado, su experimento fue adoptado en los últimos 30 años por muchos otros artistas como base para nuevas creaciones en los más diferentes ámbitos del arte. pintura. Su extrema productividad nunca muestra evidencia de repetición, como suele ser el caso. Tenía tanto que decir, que un Klee nunca se convirtió en otro Klee." [95]
Uno de los cuadros de Klee, Angelus Novus , fue objeto de un texto interpretativo del filósofo y crítico literario alemán Walter Benjamin , quien compró el cuadro en 1921. En sus "Tesis sobre la filosofía de la historia", Benjamin sugiere que el ángel representado en el cuadro Podría verse como la representación del ángel de la historia.
Otro aspecto de su legado, y que demuestra su presencia multifacética en la imaginación artística moderna, es su atractivo para aquellos interesados en la historia del algoritmo, como lo ejemplifica el Homenaje a Paul Klee del pionero del arte por computadora Frieder Nake. [96]
A diferencia de su gusto por los experimentos modernos y aventureros en la pintura, Klee, aunque tenía talento musical, se sentía atraído por las tradiciones musicales más antiguas; No apreciaba ni a los compositores de finales del siglo XIX, como Wagner , Bruckner y Mahler , ni la música contemporánea. Bach y Mozart fueron para él los más grandes compositores; disfrutó sobre todo interpretando las obras de este último. [97]
La obra de Klee ha influido en compositores como el argentino Roberto García Morillo en 1943, con Tres pinturas de Paul Klee . Otros incluyen al compositor estadounidense David Diamond en 1958, con el Opus Welt von Paul Klee (El mundo de Paul Klee) en cuatro partes . Gunther Schuller compuso Siete estudios sobre temas de Paul Klee en los años 1959/60, compuestos por Armonías antiguas , Trío abstracto , Pequeño diablo azul , Máquina de Twitter , Pueblo árabe , Un momento misterioso y Pastoral . El compositor español Benet Casablancas escribió Alter Klang , Impromptu para orquesta después de Klee (2006); [98] [99] Casablancas es autor también del Retablo sobre textos de Paul Klee , Cantata da Camera para soprano, mezzo y piano (2007). [100] [101] En 1950, Giselher Klebe interpretó su obra orquestal Die Zwitschermaschine con el subtítulo Metamorphosen über das Bild von Paul Klee en el Donaueschinger Musiktage . [102] 8 Piezas sobre Paul Klee es el título del álbum debut del Ensemble Sortisatio , grabado en febrero y marzo de 2002 en Leipzig y en agosto de 2002 en Lucerna, Suiza. La composición "Wie der Klee vierblättrig wurde" (Cómo el trébol se volvió de cuatro hojas) se inspiró en la acuarela Hat Kopf, Hand, Fuss und Herz (1930), Angelus Novus y Hauptweg und Nebenwege .
En 1968, un grupo de jazz llamado The National Gallery con el compositor Chuck Mangione lanzó el álbum Performing Musical Interpretations of the Paintings of Paul Klee . [103] En 1995, el cineasta experimental griego Kostas Sfikas creó una película basada íntegramente en las pinturas de Paul Klee. La película se titula " El profético pájaro de los dolores de Paul Klee " y toma su título de Paisaje con pájaros amarillos de Klee. Fue realizado utilizando porciones y recortes de las pinturas de Paul Klee.
Desde 1995, el "Paul Klee-Archiv" (archivo Paul Klee) de la Universidad de Jena alberga una extensa colección de obras de Klee. Está ubicado dentro del departamento de historia del arte, fundado por Franz-Joachim Verspohl. Abarca la biblioteca privada del coleccionista de libros Rolf Sauerwein, que contiene cerca de 700 obras de 30 años, compuestas por monografías sobre Klee, catálogos de exposiciones, abundante literatura secundaria y ejemplares ilustrados originalmente, una postal y un retrato fotográfico firmado de Klee. [106] [107]
El arquitecto Renzo Piano construyó el Zentrum Paul Klee en junio de 2005. Ubicado en Berna, el museo exhibe alrededor de 150 (de un total de 4000 obras de Klee) en una rotación de seis meses, ya que es imposible mostrar todas sus obras a la vez. Además, sus fotografías requieren periodos de descanso; contienen colores, tintas y papeles relativamente fotosensibles, que pueden decolorarse, cambiar, volverse marrones y volverse quebradizos si se exponen a la luz durante demasiado tiempo. [108] El Museo de Arte Moderno de San Francisco tiene una colección completa de Klee, donada por Carl Djerassi . Otras exposiciones incluyen la Sammlung Rosengart de Lucerna, la Albertina de Viena y el Museo Berggruen de Berlín. Escuelas en Gersthofen, Lübeck ; Klein-Winternheim , Overath ; su lugar de nacimiento, Münchenbuchsee y Düsseldorf, llevan su nombre.
Además de las obras de Klee que los nazis confiscaron en los museos, varias de sus obras fueron saqueadas por los nazis a coleccionistas judíos y sus familias. Algunos de ellos han sido restituidos [109] mientras que otros han sido objeto de juicios y reclamaciones de restitución. [110] Una de las afirmaciones más famosas fue la de Klee's Swamp Legend. [111]
La Zwitscher-Maschine. Journal on Paul Klee (ISSN 2297-6809) es una publicación dedicada a los estudios internacionales sobre Paul Klee. Abarca estudios de historia del arte y tecnología del arte, así como textos literarios o filosóficos sobre la vida y obra de Paul Klee. La revista es de libre acceso para los autores de la comunidad internacional de investigación de Klee, siguiendo un enfoque de acceso abierto conocido como la estrategia de publicación primaria "la ruta dorada ".
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