Un coro ( / ˈk w aɪər / KWIRE ; también conocido como coral o coro ) es un conjunto musical de cantantes. La música coral , a su vez, es la música escrita específicamente para que la interprete dicho conjunto o, en otras palabras, es la música interpretada por el conjunto. Los coros pueden interpretar música del repertorio de música clásica , que abarca desde la época medieval hasta la actualidad, o del repertorio de música popular . La mayoría de los coros están dirigidos por un director , que dirige las actuaciones con gestos de brazos, manos y rostro.
El término coro se aplica muy a menudo a grupos afiliados a una iglesia (ocupen o no la quire ), mientras que un coro actúa en teatros o salas de conciertos, pero esta distinción no es rígida. Los coros pueden cantar sin instrumentos o acompañados de un piano , acordeón, órgano de tubos , un pequeño conjunto o una orquesta .
Un coro puede ser un subconjunto de un conjunto; así se habla del "coro de instrumentos de viento" de una orquesta, o de diferentes "coros" de voces o instrumentos en una composición policoral . En los oratorios y misas típicos del siglo XVIII al XXI , 'coro' o 'coro' implica que hay más de un cantante por parte, en contraste con el cuarteto de solistas que también aparece en estas obras.
Los coros suelen estar dirigidos por un director , director de coro, maestra o director de coro. La mayoría de las veces los coros constan de cuatro secciones destinadas a cantar en armonía de cuatro partes, pero no hay límite para el número de partes posibles siempre que haya un cantante disponible para cantar la parte: Thomas Tallis escribió un motete de 40 partes titulado Spem in alium , para ocho coros de cinco partes cada uno; Stabat Mater de Krzysztof Penderecki está para tres coros de 16 voces cada uno, con un total de 48 partes. Además de cuatro, el número más común de piezas es tres, cinco, seis y ocho.
Los coros pueden cantar con o sin acompañamiento instrumental. Cantar sin acompañamiento se llama canto a capella (aunque la Asociación Estadounidense de Directores Corales [1] desaconseja este uso en favor de "sin acompañamiento", ya que a capella denota canto "como en la capilla" y gran parte de la música sin acompañamiento hoy en día es secular ). Los instrumentos de acompañamiento varían ampliamente, desde un solo instrumento (un piano o un órgano de tubos) hasta una orquesta completa de 70 a 100 músicos; para los ensayos se suele utilizar un acompañamiento de piano u órgano , incluso si se planea interpretar una instrumentación diferente o si el coro está ensayando música sin acompañamiento. Con la nueva prevalencia de los dispositivos electrónicos, los grupos pequeños pueden usarlos junto con pistas de aprendizaje tanto para ensayos grupales como para prácticas privadas.
Muchos coros actúan en uno o varios lugares, como una iglesia, una ópera, una escuela o un ayuntamiento. En algunos casos, los coros se unen para convertirse en un coro "masivo" que actúa en un concierto especial. En este caso aportan una serie de canciones u obras musicales para celebrar y brindar entretenimiento a los demás.
La dirección es el arte de dirigir una interpretación musical , como un concierto coral , mediante gestos visibles con las manos, los brazos, la cara y la cabeza. Los deberes principales del director o director de coro/directora son unificar a los intérpretes , establecer el tempo , ejecutar preparaciones y tiempos claros ( métrica ), y escuchar críticamente y dar forma al sonido del conjunto. [2]
En la mayoría de los coros, el mismo individuo actúa como director musical (responsable de decidir el repertorio e involucrar a solistas y acompañantes), maestro de coro (o répétiteur) (responsable de entrenar y ensayar a los cantantes) y director (responsable de dirigir la interpretación). ). Sin embargo, estos roles pueden dividirse, especialmente cuando el coro se combina con otras fuerzas, por ejemplo en la ópera .
El director de orquesta o director coral normalmente se para sobre una plataforma elevada y puede o no utilizar una batuta ; El uso de una batuta da mayor visibilidad a los gestos del director, pero muchos directores corales prefieren dirigir con las manos para obtener una mayor expresividad, especialmente cuando trabajan con un conjunto más pequeño. En la década de 2010, la mayoría de los directores no tocaban ningún instrumento cuando dirigían, aunque en períodos anteriores de la historia de la música clásica era común dirigir un conjunto mientras tocaban un instrumento. En la música barroca de los años 1600 a 1750, los directores que actuaban en la década de 2010 podían dirigir un conjunto mientras tocaban el clavicémbalo o el violín (ver Concertino ). La dirección mientras se toca el piano también se puede realizar con orquestas de teatro musical . La comunicación suele ser no verbal durante una actuación (este es estrictamente el caso en la música artística , pero en las big bands de jazz o los grandes conjuntos de pop, puede haber instrucciones habladas ocasionales). Sin embargo, en los ensayos , el director a menudo da instrucciones verbales al conjunto, ya que generalmente también actúa como director artístico que elabora la interpretación de la música por parte del conjunto.
Los directores actúan como guías de los coros que dirigen. Eligen las obras que van a interpretar y estudian sus partituras , a las que pueden hacer ciertos ajustes (por ejemplo, en cuanto al tempo, repeticiones de secciones, asignación de solos vocales, etc.), elaboran su interpretación y transmiten su visión a los cantantes. . Es posible que los directores corales también tengan que dirigir conjuntos instrumentales, como orquestas, si el coro canta una pieza para coro y orquesta. También pueden ocuparse de asuntos organizativos, como programar ensayos, [3] planificar una temporada de conciertos, escuchar audiciones y promocionar su conjunto en los medios.
Históricamente, el repertorio cantado se divide en música sacra o religiosa y música profana . Si bien gran parte de la música religiosa se ha escrito pensando en la interpretación en concierto, su origen radica en su papel dentro del contexto de la liturgia .
La mayoría de las iglesias cristianas ortodoxas orientales , algunos grupos protestantes estadounidenses y las sinagogas judías tradicionales no acompañan sus canciones con instrumentos musicales. En las iglesias de rito occidental el instrumento de acompañamiento suele ser el órgano, aunque en la América colonial , la Iglesia Morava utilizaba grupos de cuerdas y vientos. Muchas iglesias que utilizan un formato de adoración contemporáneo utilizan una pequeña banda amplificada para acompañar el canto, y las iglesias católicas romanas pueden utilizar, a su discreción, acompañamiento orquestal adicional.
Además de dirigir los cantos en los que participa la congregación, como himnos y música de servicio, algunos coros de iglesias cantan liturgias completas, incluidas propias (introito, gradual, antífonas de comunión apropiadas para los diferentes momentos del año litúrgico ). Las principales son las iglesias anglicana y católica romana ; Sin embargo, mucho más común es la interpretación de himnos o motetes en momentos designados del servicio.
Una de las principales clasificaciones de los coros es por género y edad, ya que tradicionalmente se ha pensado que estos factores afectan cómo suena un coro [4] y qué música interpreta. [5] Los tipos se enumeran aquí en orden descendente aproximado de prevalencia en los niveles profesional y amateur avanzado o semiprofesional.
Los coros de niños exclusivamente femeninos y mixtos tienden a tener menos prevalencia profesional que los coros de niños de voces altas, los coros de hombres de voces más bajas o los coros SATB completos. [6] Esto se debe en cierta medida a la falta de becas y otros tipos de financiación, y a la falta de oportunidades profesionales para las mujeres, como la de ser secretarias laicas o directoras musicales. [5]
Los coros también se clasifican según las instituciones en las que operan:
Algunos coros se clasifican por el tipo de música que interpretan, como
En los Estados Unidos, las escuelas intermedias y secundarias a menudo ofrecen coro como clase o actividad. Algunos coros participan en concursos. Un tipo de coro popular en las escuelas secundarias es el coro de espectáculo . Durante la escuela media y secundaria las voces de los estudiantes están cambiando. Aunque las niñas experimentan un cambio de voz , es mucho más significativo en los niños. Mucha literatura sobre educación musical se ha centrado en cómo funciona el cambio de voz masculina y cómo ayudar a los cantantes varones adolescentes. [9] La investigación realizada por John Cooksey clasifica el cambio de la voz masculina en cinco etapas, y la mayoría de los niños de secundaria se encuentran en las primeras etapas del cambio. [9] El rango vocal de los estudiantes masculinos y femeninos puede ser limitado mientras su voz cambia, y los profesores de coro deben poder adaptarse, lo que puede ser un desafío para la enseñanza en este rango de edad. [10]
A nivel nacional, el número de estudiantes varones matriculados en el coro es mucho menor que el de las mujeres. [11] El campo de la educación musical ha tenido un interés desde hace mucho tiempo en los "varones desaparecidos" en los programas musicales. [11] Se especula sobre por qué no hay tantos niños en el coro, y las posibles soluciones varían ampliamente. Un investigador descubrió que los niños que disfrutan del coro en la escuela secundaria no siempre pueden ir al coro de la escuela secundaria porque simplemente no encaja en sus horarios. [12] Algunas investigaciones especulan que una de las razones por las que la participación de los niños en el coro es tan baja es porque Estados Unidos no fomenta los cantantes masculinos. [13] A menudo, las escuelas tienen un coro de mujeres, lo que ayuda a los problemas de equilibrio que enfrentan los coros mixtos al contratar cantantes femeninas adicionales. Sin embargo, sin un coro de hombres, esto puede empeorar el problema al no darles a los niños tantas oportunidades de cantar como a las niñas. [11] Otros investigadores han notado que tener un conjunto o un taller dedicado a cantantes masculinos puede ayudarlos con su confianza y sus habilidades para el canto. [12] [13] Los coros de las catedrales británicas suelen estar formados por alumnos matriculados en las escuelas.
Hay varias escuelas de pensamiento sobre cómo deben disponerse las distintas secciones en el escenario. Es decisión del director dónde se colocan los diferentes tipos de voces. En los coros sinfónicos es común (aunque de ninguna manera universal) ordenar el coro detrás de la orquesta de las voces más altas a las más bajas, de izquierda a derecha, correspondiente a la disposición típica de las cuerdas. En situaciones a capella o acompañadas de piano, no es raro que los hombres estén detrás y las mujeres al frente; algunos directores prefieren colocar los bajos detrás de las sopranos, argumentando que las voces exteriores deben sintonizarse entre sí.
Los coros más experimentados pueden cantar con las voces mezcladas. A veces los cantantes de una misma voz se agrupan en parejas o en tríos. Los defensores de este método argumentan que hace que sea más fácil para cada cantante escuchar y sintonizar las otras partes, pero requiere más independencia de cada cantante. Los oponentes argumentan que este método pierde la separación espacial de las líneas de voz individuales, una característica valiosa para la audiencia, y que elimina la resonancia seccional, lo que disminuye el volumen efectivo del coro. Para la música con coros dobles (o múltiples), normalmente los miembros de cada coro están juntos, a veces significativamente separados, especialmente en interpretaciones de música del siglo XVI (como obras de estilo policoral veneciano ). Algunos compositores incluso especifican que los coros deben estar separados, como en War Requiem de Benjamin Britten . Algunos compositores utilizan coros separados para crear efectos "antifonales", en los que un coro parece "responder" al otro coro en un diálogo musical.
También se tiene en cuenta el espaciado de los cantantes. Los estudios han encontrado que no sólo la formación real, sino también la cantidad de espacio (tanto lateral como circundante) afecta la percepción del sonido por parte de coristas y auditores. [14]
Los orígenes de la música coral se encuentran en la música tradicional , ya que el canto en grandes grupos está muy extendido en las culturas tradicionales (tanto cantando a una parte, o al unísono , como en la Antigua Grecia, como cantando por partes, o en armonía , como en la música coral europea contemporánea). [15]
El repertorio inequívocamente coral más antiguo que se conserva es el de la antigua Grecia , del que destacan los himnos délficos del siglo II a.C. y los del siglo II d.C. Los himnos de Mesomedes son los más completos. El coro griego original cantó su parte en el drama griego , y se conocen fragmentos de obras de Eurípides ( Orestes ) y Sófocles ( Ajax ) a partir de papiros . El epitafio de Seikilos (siglo II a. C.) es una canción completa (aunque posiblemente para voz solista). Uno de los últimos ejemplos, el himno de Oxirrinco (3c), también es de interés como la música cristiana más antigua .
De la música del drama romano surgió una sola línea de Terencio en el siglo XVIII. Sin embargo, el musicólogo Thomas J. Mathiesen comenta que ya no se cree que sea auténtico. [dieciséis]
La música escrita más antigua de Europa occidental es el canto gregoriano , junto con algunos otros tipos de canto que más tarde fueron subsumidos (o a veces suprimidos) por la Iglesia católica. Esta tradición de canto coral al unísono duró desde la época de San Ambrosio (siglo IV) y Gregorio Magno (siglo VI) hasta la actualidad. Durante la Baja Edad Media, un nuevo tipo de canto que involucraba múltiples partes melódicas, llamado organum , se volvió predominante para ciertas funciones, pero inicialmente esta polifonía solo era cantada por solistas. Otros desarrollos de esta técnica incluyeron clausulae , conductus y el motete (más notablemente el motete isorrítmico ), que, a diferencia del motete renacentista , describe una composición con diferentes textos cantados simultáneamente con diferentes voces. La primera evidencia de polifonía con más de un cantante por parte aparece en el Manuscrito Old Hall (1420, aunque contiene música de finales del siglo XIV), en el que aparentemente hay divisi , una parte se divide en dos notas que suenan simultáneamente.
Durante el Renacimiento , la música coral sacra fue el principal tipo de música formalmente notada en Europa occidental. A lo largo de la época, se compusieron cientos de misas y motetes (así como varias otras formas) para coro a capella , aunque existe cierta disputa sobre el papel de los instrumentos durante ciertos períodos y en ciertas áreas. Algunos de los compositores más conocidos de esta época incluyen a Guillaume Dufay , Josquin des Prez , Giovanni Pierluigi da Palestrina , John Dunstable y William Byrd ; Las glorias de la polifonía renacentista fueron corales, cantadas por coros de gran habilidad y distinción en toda Europa. La música coral de este período sigue siendo popular entre [17] muchos coros de todo el mundo en la actualidad.
En esta época se originó el madrigal , una parte cantada concebida para que los aficionados la cantaran en un ambiente de cámara . Aunque los madrigales fueron inicialmente escenarios dramáticos de poesía de amor no correspondido o historias mitológicas en Italia, fueron importados a Inglaterra y fusionados con el balletto , más parecido a una danza, que celebraba canciones despreocupadas de las estaciones o comer y beber. Para la mayoría de los angloparlantes, la palabra madrigal ahora se refiere a este último, en lugar de a los madrigales propiamente dichos, que se refieren a una forma poética de versos que constan de siete y once sílabas cada uno.
La interacción de las voces cantadas en la polifonía del Renacimiento influyó en la música occidental durante siglos. Los compositores se forman habitualmente en el "estilo Palestrina" hasta el día de hoy, especialmente según lo codificado por el teórico musical del siglo XVIII Johann Joseph Fux . Los compositores de principios del siglo XX también escribieron en estilos inspirados en el Renacimiento. Herbert Howells escribió una Misa en modo dórico enteramente en estricto estilo renacentista, y la Misa en sol menor de Ralph Vaughan Williams es una extensión de este estilo. Anton Webern escribió su disertación sobre la Coral Constantinus de Heinrich Isaac y las técnicas de contrapunto de su música en serie pueden basarse en este estudio.
El período barroco en la música está asociado con el desarrollo alrededor de 1600 del bajo figurado y del sistema de bajo continuo . La parte del bajo figurado fue interpretada por el grupo de bajo continuo, que incluía como mínimo un instrumento que tocaba acordes (p. ej., órgano de tubos , clavecín , laúd ) y un instrumento de bajo (p. ej., violón ). La música vocal barroca exploró implicaciones dramáticas en el ámbito de la música vocal solista, como las monodias de la Camerata florentina y el desarrollo de la ópera temprana . Esta innovación fue, de hecho, una extensión de la práctica establecida de acompañar la música coral en el órgano, ya sea a partir de una partitura esquelética reducida (a partir de la cual a veces se pueden reconstruir piezas perdidas) o de un bajo seguente , una parte de un solo pentagrama que contiene las notas más bajas. parte que suena (la parte del bajo).
Un nuevo género fue el concertato vocal , combinando voces e instrumentos; sus orígenes pueden buscarse en la música policoral de la escuela veneciana . Claudio Monteverdi (1567-1643) lo perfeccionó con sus Vísperas y su Octavo Libro de Madrigales, que exigen un gran virtuosismo tanto de los cantantes como de los instrumentos. (Su Quinto Libro incluye un bajo continuo "para clavecín o laúd".) Su alumno Heinrich Schütz (1585-1672) (que había estudiado anteriormente con Giovanni Gabrieli ) introdujo el nuevo estilo en Alemania. Junto a la nueva música de la seconda práctica , se siguieron escribiendo motetes contrapuntísticos en estilo antico o estilo antiguo hasta bien entrado el siglo XIX. Los coros en esta época solían ser bastante pequeños y los cantantes podían clasificarse como aptos para la iglesia o para el canto de cámara. Está documentado que Monteverdi, él mismo cantante, participó en las interpretaciones de su Magnificat con una voz por parte. [18]
El acompañamiento instrumental independiente abrió nuevas posibilidades para la música coral. Himnos en verso alternaban solos acompañados con secciones corales; los compositores más conocidos de este género fueron Orlando Gibbons y Henry Purcell . Los grandes motetes (como los de Lully y Delalande ) separaron estas secciones en movimientos separados. Los Oratorios (de los cuales Giacomo Carissimi fue un pionero) extendieron este concepto a obras de duración de concierto, generalmente basadas en historias bíblicas o morales.
Un pináculo de la música coral barroca (particularmente el oratorio) se puede encontrar en las obras de George Frideric Handel , en particular Mesías e Israel en Egipto . Mientras que el coro moderno de cientos de personas tuvo que esperar el crecimiento de las Sociedades Corales y su concierto de conmemoración del centenario, encontramos que Handel ya utiliza una variedad de fuerzas interpretativas, desde los solistas de los Himnos de Chandos hasta grupos más grandes (cuyas proporciones todavía son bastante diferentes de las modernas). coros de orquesta):
Ayer [octubre. 6] hubo un ensayo del Himno de la Coronación en Westminster-Abby , musicalizado por el famoso Sr. Hendall: ¡había 40 voces y alrededor de 160 violines , trompetas , hautboys , timbales y bajos proporcionales...!
— Norwich Gazette , 14 de octubre de 1727
Los compositores luteranos escribieron cantatas acompañadas instrumentalmente , a menudo basadas en melodías corales . Existen importantes obras corales sagradas de finales del siglo XVII en la tradición alemana emergente (las cantatas de Dietrich Buxtehude son un excelente ejemplo), aunque la cantata de la iglesia luterana no asumió su forma más codificada y reconocible hasta principios del siglo XVIII. Georg Philipp Telemann (con base en Frankfurt) escribió más de 1000 cantatas, muchas de las cuales fueron grabadas y publicadas (por ejemplo, su Harmonische Gottesdienst ) y Christoph Graupner (con base en Darmstadt) más de 1400. Las cantatas de Johann Sebastian Bach (1685-1750) son quizás La contribución más reconocible (y a menudo interpretada) a este repertorio: su obituario menciona cinco ciclos completos de sus cantatas , de los cuales tres, que comprenden unas 200 obras, se conocen hoy, además de los motetes . El propio Bach rara vez utilizó el término cantata. Motet se refiere a su música religiosa sin acompañamiento de orquesta, sino con instrumentos que tocan en cola parte con las voces. Sus obras con acompañamiento se componen de sus Pasiones , Misas , el Magnificat y las cantatas.
Un punto de gran controversia hoy en día es la llamada "hipótesis de Rifkin", que reexamina el famoso memorando de Bach de 1730 " Entwurff " al Ayuntamiento de Leipzig ( Un breve pero muy necesario borrador para una música eclesiástica bien equipada ) en el que se pide al menos menos 12 cantantes. A la luz de la responsabilidad de Bach de proporcionar música a cuatro iglesias y poder interpretar composiciones de doble coro con un sustituto para cada voz, Joshua Rifkin concluye que la música de Bach normalmente se escribía teniendo en mente una voz por parte . Algunos conjuntos de partes interpretativas originales incluyen ripieni , que refuerzan en lugar de duplicar servilmente el cuarteto vocal.
Los compositores de finales del siglo XVIII quedaron fascinados con las nuevas posibilidades de la sinfonía y otras músicas instrumentales y, en general, descuidaron la música coral. Las obras corales, en su mayoría sagradas, de Mozart se destacan como algunas de sus mejores (como la "Gran" Misa en do menor y el Réquiem en re menor, este último muy apreciado). Haydn se interesó más por la música coral cerca del final de su vida tras sus visitas a Inglaterra en la década de 1790, cuando escuchó varios oratorios de Handel interpretados por grandes fuerzas; escribió una serie de misas a partir de 1797 y sus dos grandes oratorios La Creación y Las Estaciones . Beethoven escribió sólo dos misas, ambas destinadas a uso litúrgico, aunque su Missa solemnis probablemente sólo sea adecuada para las ceremonias más grandiosas debido a su extensión, dificultad y partitura a gran escala. También fue pionero en el uso del coro como parte de la textura sinfónica con su Novena Sinfonía y Fantasía Coral .
En el siglo XIX, la música sacra se escapó de la iglesia y saltó a los escenarios de conciertos, con grandes obras sacras no aptas para el uso eclesiástico, como el Te Deum y el Réquiem de Berlioz y el Ein deutsches Requiem de Brahms . El Stabat mater de Rossini , las misas de Schubert y el Réquiem de Verdi también explotaron la grandeza que ofrecía el acompañamiento instrumental. También se siguieron escribiendo oratorios, claramente influenciados por los modelos de Handel. En esta categoría se encuentran L'enfance du Christ de Berlioz y Elías y san Pablo de Mendelssohn . Schubert, Mendelssohn y Brahms también escribieron cantatas seculares, las más conocidas de las cuales son Schicksalslied y Nänie de Brahms .
Unos pocos compositores desarrollaron música a capella, especialmente Bruckner , cuyas misas y motetes yuxtaponen sorprendentemente el contrapunto renacentista con la armonía cromática. Mendelssohn y Brahms también escribieron importantes motetes a capella. El coro amateur (que comenzó principalmente como una salida social) comenzó a recibir seria consideración como lugar de composición para las canciones parciales de Schubert, Schumann , Mendelssohn, Brahms y otros. Estos "clubes de canto" eran a menudo para mujeres u hombres por separado, y la música era típicamente en cuatro partes (de ahí el nombre " canción parcial ") y a capella o con instrumentación simple. Al mismo tiempo, el movimiento ceciliano intentó restaurar el estilo puro renacentista en las iglesias católicas.
En los Estados Unidos, el desarrollo de coros mixtos fue iniciado por grupos como The St. Olaf Choir y Westminster Choir College . Estos grupos se caracterizaron por arreglos de himnos y otras obras sagradas de carácter cristiano que ayudaron a definir el sonido coral de los Estados Unidos durante la mayor parte del siglo XX. La música coral secular en los Estados Unidos fue popularizada por grupos como Dale Warland Singers a finales del siglo XX.
La encuesta en línea del Gran Censo Coral se creó para averiguar cuántos coros había en el Reino Unido, de qué tipo, con cuántos miembros, qué tipo de música cantaban y con qué tipo de financiación. Los resultados estimaron que había unos 40.000 grupos corales operando en el Reino Unido y más de 2 millones de personas cantando regularmente en un coro. Más del 30 por ciento de los grupos enumerados se describen a sí mismos como coros comunitarios, la mitad de los coros enumerados cantan música contemporánea, aunque cantar música clásica sigue siendo popular. La mayoría de los coros se autofinancian. Se cree que el aumento de la popularidad de cantar juntos en grupos se ha visto alimentado en cierta medida en el Reino Unido por programas de televisión como 'The Choir' de Gareth Malone . [19] En 2017, el Coro del Estudio de Música Purwa Caraka de Indonesia comenzó la tendencia cuando versionaron canciones infantiles en un arreglo coral para la película Surat Kecil untuk Tuhan . [20]
Además de sus funciones en la liturgia y el entretenimiento, los coros también pueden tener funciones de servicio social, [21] incluso para el tratamiento de salud mental [22] o como terapia para personas sin hogar y desfavorecidas, como el Coro de Hard Knocks [23] o para grupos especiales como Esposas de Militares .
Conductible
Este estudio descriptivo es una investigación sobre la historia de la formación del primer coro de hombres homosexuales del país y su relevancia para la comunidad lesbigay como servicio social.
Bases de datos
Organizaciones profesionales
Recursos
Medios de comunicación
Lectura
