Cabaret es una película dramática musical estadounidense de 1972 dirigida por Bob Fosse a partir de un guion de Jay Allen , basada en el musical de teatro del mismo nombre de John Kander , Fred Ebb y Joe Masteroff , [3] que a su vez se basó en la obra de teatro de 1951 I Am a Camera de John Van Druten y la novela de 1939 Goodbye to Berlin de Christopher Isherwood . [3] [4] Está protagonizada por Liza Minnelli , Michael York , Helmut Griem , Marisa Berenson y Joel Grey . Se utilizaron varios números de la banda sonora de la película, que también presentó otras tres canciones de Kander y Ebb, incluidas dos escritas para la adaptación. [5] [6]
En la manera tradicional del teatro musical, la mayoría de los personajes principales en la versión teatral cantan para expresar sus emociones y hacer avanzar la trama; en la película, sin embargo, los números musicales son casi enteramente diegéticos y tienen lugar dentro del club, [5] [4] con la excepción de " Tomorrow Belongs to Me ", que no se interpreta en el club ni por los personajes del club, pero sigue siendo diegético, una canción nacionalista cantada por un joven nazi y la multitud alemana. [7]
Cabaret fue estrenada en Estados Unidos el 13 de febrero de 1972 por Allied Artists . La película recibió elogios de la crítica y finalmente recaudó más de $42 millones en taquilla contra un presupuesto de producción de $4.6 millones. [2] [5] [8] [3] [9] Ganó menciones a Mejor Película de la National Board of Review y la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood , y obtuvo los honores de Mejor Actor de Reparto para Grey de la National Board of Review, la Prensa Extranjera de Hollywood y la Sociedad Nacional de Críticos de Cine . En la 45.ª edición de los Premios Óscar , la película ganó Mejor Director (Fosse), Mejor Actriz (Minnelli), Mejor Actor de Reparto (Grey), Mejor Cinematografía , Mejor Montaje de Película , Mejor Banda Sonora Original , Mejor Dirección Artística y Mejor Sonido , manteniendo el récord de más premios Óscar obtenidos por una película no premiada como Mejor Película . En 1995, Cabaret fue la duodécima película musical de acción real seleccionada por la Biblioteca del Congreso para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por ser considerada "cultural, histórica o estéticamente significativa". [10] [11]
En el Berlín de 1931 , una joven estadounidense abiertamente promiscua, Sally Bowles, actúa en el Kit Kat Klub. Un británico recién llegado a la ciudad, Brian Roberts, se muda a la pensión donde vive Sally. Brian, un académico y escritor reservado, debe dar clases de inglés para ganarse la vida mientras completa su doctorado . Sally intenta seducir a Brian, pero él le dice que en tres ocasiones anteriores ha intentado tener relaciones sexuales con mujeres, todas las cuales fracasaron. Se hacen amigos, y Brian es testigo de la vida bohemia de Sally en los últimos días de la República de Weimar . Cuando Brian consuela a Sally después de que su padre cancele su encuentro con ella, se convierten en amantes, concluyendo que sus fracasos anteriores con las mujeres se debían a que eran "las tres chicas equivocadas".
Maximilian von Heune, un rico playboy casado y barón , se hace amigo de Sally y la lleva a ella y a Brian a su finca en el campo, donde ambos son mimados y cortejados. Después de una experiencia un tanto enigmática con Brian, Max abandona apresuradamente su persecución de la pareja. Durante una discusión, Sally le dice a Brian que ha estado teniendo relaciones sexuales con Max, y Brian revela que él también. Brian y Sally se reconcilian más tarde, y Sally revela que Max les dejó 300 marcos y compara burlonamente la suma con lo que gana una prostituta profesional.
Sally se entera de que está embarazada, pero no está segura de quién es el padre. Brian le ofrece casarse con ella y llevarla de regreso a su vida universitaria en Cambridge . Al principio, celebran su resolución de comenzar esta nueva vida juntos, pero después de un picnic entre Sally y Brian, en el que Brian se muestra distante y desinteresado, Sally se desanima al imaginarse a sí misma como una esposa de profesor aburrida lavando pañales sucios. Finalmente, se hace un aborto, sin informar a Brian de antemano. Cuando él la confronta, ella comparte sus temores y los dos llegan a un entendimiento. Brian se va a Inglaterra y Sally continúa su vida en Berlín, integrándose al Kit Kat Klub.
Mientras tanto, Fritz Wendel, un judío alemán que se hace pasar por protestante, está enamorado de Natalia Landauer, una rica heredera judía alemana que lo desprecia y sospecha de sus motivos. A través de Brian, Sally le aconseja que sea más agresivo, lo que finalmente le permite a Fritz ganarse su amor. Sin embargo, para obtener el consentimiento de sus padres para el matrimonio, Fritz debe revelar sus antecedentes, lo que hace y los dos son casados por un rabino.
La película de 1972 se basó en las historias semiautobiográficas de Christopher Isherwood sobre el Berlín de la era de Weimar durante la Era del Jazz . [12] [13] En 1929, Isherwood se mudó a Berlín para seguir una vida como un hombre abiertamente gay y disfrutar de la vida nocturna libertina de la ciudad. [12] [13] Su círculo social de expatriados incluía a WH Auden , Stephen Spender , Paul Bowles y Jean Ross . [14] [15] Mientras estaba en Berlín, Isherwood compartió alojamiento con Ross, una cantante de cabaret británica y aspirante a actriz de cine de una rica familia anglo-escocesa. [16] [17]
Mientras compartían habitación en Nollendorfstrasse 17 en Schöneberg , [16] [17] Isherwood y Ross conocieron a John Blomshield, un playboy adinerado que inspiró el personaje cinematográfico del barón Maximilian von Heune. [18] [19] Blomshield persiguió sexualmente a Isherwood y Ross durante un breve tiempo, y los invitó a acompañarlo en un viaje al extranjero. Luego desapareció abruptamente sin despedirse. [20] [18] [19]
Tras la desaparición de Blomshield, Ross quedó embarazada del hijo del pianista de jazz y más tarde actor Peter van Eyck . [21] [17] Después de que Eyck abandonara a Ross, ella se sometió a un aborto casi fatal facilitado por Isherwood, quien fingió ser su impregnador heterosexual. [21] [17] [22] [23]
Mientras Ross se recuperaba del aborto fallido, [21] la situación política se deterioró rápidamente en Alemania. [15] Mientras las escenas diarias de Berlín presentaban "pobreza, desempleo, manifestaciones políticas y luchas callejeras entre las fuerzas de extrema izquierda y extrema derecha ", [14] Isherwood, Spender y otros ciudadanos británicos se dieron cuenta de que debían huir del país. [15] "Había una sensación de fatalidad en las calles de Berlín", recordó Spender. [15]
Cuando Adolf Hitler implementó la Ley Habilitante de 1933 que consolidó su dictadura, Isherwood, Ross, Spender y otros habían huido de Alemania y regresado a Inglaterra. [24] [16] [17] Muchos de los habitantes del cabaret de Berlín con los que se hizo amigo Isherwood huirían más tarde al extranjero [25] : 164–166 o perecerían en campos de concentración . [25] : 150, 297 [26] : 74–81 Estos hechos sirvieron como génesis para la novela corta de Isherwood de 1937 Sally Bowles que luego fue adaptada a la película de 1955 I Am a Camera y al musical de 1966 Cabaret . [23] [27]
En julio de 1968, Cinerama llegó a un acuerdo verbal para hacer una versión cinematográfica del musical de Broadway de 1966, pero se retiró en febrero de 1969. [6] [28] [29] En mayo de 1969, Allied Artists pagó a la compañía un récord de 1,5 millones de dólares por los derechos cinematográficos y planeó un presupuesto récord para la compañía. [6] [28] [29] El costo de 4.570.000 dólares se dividió equitativamente con ABC Pictures . [6] [29] [1]
En 1971, Bob Fosse se enteró a través de Harold Prince , director de la producción original de Broadway, que Cy Feuer estaba produciendo una adaptación cinematográfica de Cabaret a través de ABC Pictures y Allied Artists. [6] Esta fue la primera película producida en el resurgimiento de Allied Artists. Decidido a dirigir la película, Fosse le rogó a Feuer que lo contratara. [6] Sin embargo, Fosse había dirigido previamente la adaptación cinematográfica sin éxito de Sweet Charity , un fracaso de taquilla que hizo que los directores ejecutivos Manny Wolf y Marty Baum se mostraran reacios a contratarlo. [6] Wolf y Baum prefirieron un director más reconocido o establecido como Billy Wilder , Joseph L. Mankiewicz o Gene Kelly . [6] [30] : 134
Ansioso por contratar a Fosse, Feuer apeló a los directores del estudio, citando el talento de Fosse para la puesta en escena y el rodaje de números musicales, añadiendo que si se prestaba una atención excesiva a la filmación de las escenas del libro a expensas de los números musicales, toda la película podría fracasar. Fosse finalmente fue contratado. Durante los meses siguientes, Fosse se reunió con el guionista previamente contratado, Jay Presson Allen, para discutir el guion. [30] : 136–139
A medida que se acercaba la producción, Fosse se sintió cada vez más insatisfecho con el guion de Allen, que estaba basado en el libro original de Joe Masteroff de la versión teatral. Fosse contrató a Hugh Wheeler para reescribir y revisar el trabajo de Allen. [30] : 136–139 Wheeler fue mencionado como un "asesor de investigación", y Allen conservó el crédito de guionista. Wheeler, un amigo de Christopher Isherwood, [31] sabía que Isherwood había sido crítico del musical teatral debido a sus expurgaciones de su material. [31] Wheeler volvió a las historias originales de Isherwood para asegurar una adaptación más fiel del material original. En particular, Wheeler restauró la subtrama sobre el gigoló y la heredera judía. Wheeler también se basó en la franqueza del autor gay Christopher Isherwood sobre su homosexualidad para hacer que el personaje masculino principal fuera un hombre bisexual "en lugar del heterosexual como lo había sido en el musical teatral". [30] : 139
Fosse decidió aumentar el enfoque en el Kit Kat Klub, donde actúa Sally, como metáfora de la decadencia de Alemania en la década de 1930 eliminando todos los números musicales interpretados fuera del club menos uno. El único número que quedó fuera del club es "Tomorrow Belongs to Me", [7] una canción popular interpretada espontáneamente por los clientes en un café al aire libre . [4] Además, los compositores originales del espectáculo, Kander y Ebb, escribieron dos canciones nuevas, "Mein Herr" y "Money", e incorporaron "Maybe This Time", una canción que habían compuesto en 1964 y cantada por primera vez por Kaye Ballard . [32]
Feuer había elegido a Liza Minnelli para el papel de Sally Bowles y a Joel Grey (que retomaría su papel en el escenario) mucho antes de que Fosse se uniera al proyecto. A Fosse se le dio la opción de utilizar a Grey como maestro de ceremonias, por insistencia del estudio, o abandonar la producción. [30] : 147-148 Finalmente, se retractó de su amenaza de "Somos Joel o yo", pero las relaciones entre ellos eran frías. [33]
Fosse contrató a Michael York como el interés amoroso bisexual de Sally Bowles, una elección de casting que Minnelli inicialmente creyó que era incorrecta hasta que actuó con él. [30] : 146 Varios papeles más pequeños, así como los cuatro bailarines restantes en la película, finalmente fueron elegidos en Alemania Occidental.
Minnelli había hecho una audición para interpretar a Sally en la producción original de Broadway, pero se la consideró demasiado inexperta en ese momento, a pesar de que había ganado el premio Tony de Broadway a la mejor actriz en un musical . Sin embargo, cuando Cabaret llegó a la pantalla, Minnelli ya era una estrella de cine tras haber obtenido una nominación al Oscar por su papel de la estudiante universitaria emocionalmente dañada en The Sterile Cuckoo (1969).
Para su actuación como Sally en la película, Minnelli reinterpretó el personaje y, por sugerencia explícita de su padre, el director de cine y teatro Vincente Minnelli [34] , imitó deliberadamente a la actriz de cine Louise Brooks , un ícono de las flappers y símbolo sexual de la Era del Jazz . [34] [30] : 142 Brooks, al igual que el personaje de Sally Bowles en la película, era una aspirante a actriz y expatriada estadounidense que se mudó temporalmente al Berlín de Weimar en busca del estrellato internacional. [30] : 139 Minnelli recordó más tarde:
"Fui a ver a mi padre y le pregunté: '¿Qué puedes contarme sobre el glamour de los años 30? ¿Debería imitar a Marlene Dietrich o algo así?' Y él me dijo: 'No, estudia todo lo que puedas sobre Louise Brooks '". [34]
En particular, Minnelli se inspiró en el " maquillaje de Lulu y el peinado tipo casco " de Brooks . [30] : 142 Para el encuentro entre Sally Bowles y Brian Roberts, Minnelli modeló sus movimientos y comportamiento según Brooks; en particular, la escena de La caja de Pandora (1929) donde se presenta por primera vez el despreocupado personaje de Brooks, Lulu. [30] Finalmente, Minnelli ganaría el Premio de la Academia a la Mejor Actriz por su interpretación de Sally Bowles. [35]
Fosse y Feuer viajaron a Alemania Occidental, donde los productores eligieron filmar la película, para terminar de reunir al equipo de filmación. Durante este tiempo, Fosse recomendó encarecidamente a Robert L. Surtees como director de fotografía, pero Feuer y los principales ejecutivos vieron el trabajo de Surtees en Sweet Charity como uno de los muchos problemas artísticos de la película. Los productores finalmente eligieron al director de fotografía británico Geoffrey Unsworth . [30] : 138, 149 Los diseñadores Rolf Zehetbauer , Hans Jürgen Kiebach y Herbert Strabel se desempeñaron como diseñadores de producción. Charlotte Flemming diseñó el vestuario. [30] : 205 Los bailarines Kathryn Doby , Louise Quick y John Sharpe fueron contratados como ayudantes de baile de Fosse.
Los ensayos y el rodaje se llevaron a cabo íntegramente en Alemania Occidental. Por razones de economía, las escenas interiores se rodaron en los estudios cinematográficos de Bavaria en Grünwald , [30] : 143 a las afueras de Múnich. [6] [30] : 146 Antes del rodaje, Fosse se quejaba todas las tardes en el plató de Willy Wonka y la fábrica de chocolate porque esa película estaba sobrepasando el tiempo previsto y no le permitía empezar a trabajar en el mismo escenario. [36]
Aunque las canciones a lo largo de la película aluden a la narrativa y la hacen avanzar, todas las canciones excepto "Tomorrow Belongs to Me" se interpretan en el contexto de una actuación del Kit Kat Klub. [37] [7] La voz que se escucha en la radio leyendo las noticias a lo largo de la película en alemán era la del productor asociado Harold Nebenzal, cuyo padre Seymour Nebenzahl produjo películas de Weimar tan notables como M (1931), Testament of Dr. Mabuse (1933) y Threepenny Opera (1931).
La película difiere significativamente del musical de Broadway. En la versión teatral, Sally es inglesa (como lo fue en Goodbye to Berlin de Isherwood ). En la adaptación cinematográfica, es estadounidense. [5] Cliff Bradshaw fue renombrado Brian Roberts y se hizo británico (al igual que Isherwood, en quien se basó el personaje), en lugar de estadounidense como en la versión teatral. [5] [30] : 139 Los personajes y las tramas que involucran a Fritz, Natalia y Max fueron extraídos de I Am a Camera y no aparecieron en la producción teatral de Cabaret (ni en Goodbye to Berlin ). [31]
El cambio más significativo implica la eliminación de los dos personajes principales: Fraulein Schneider, que regenta una pensión, y su interés amoroso, Herr Schultz, un tendero alemán. [30] : 34 Su trama romántica condenada al fracaso y las consecuencias de que un gentil se enamore de un judío durante el auge del antisemitismo fueron eliminadas. Con las eliminaciones se incluyeron "So What?" y "What Would You Do", cantadas por Schneider, la canción "Meeskite", cantada por Schultz, [30] : 83 y sus dos duetos "It Couldn't Please Me More (The Pineapple Song)" (cortado) y "Married" (restablecida como instrumental de piano y un disco fonográfico), así como una breve repetición de "Married", cantada solo por Schultz. [38] [30] : 34, 83
Kander y Ebb escribieron varias canciones nuevas y eliminaron otras. [5] [6] "Don't Tell Mama" fue reemplazada por "Mein Herr", [30] : 143 y "The Money Song" (mantenida en una versión instrumental como "Sitting Pretty") fue reemplazada por "Money, Money". [30] : 141–43 "Mein Herr" y "Money, Money", que fueron compuestas para la película, se integraron en el musical junto con los números originales. [30] : 141–43 La canción " Maybe This Time ", que Sally interpreta en el cabaret, no fue escrita para la película, [30] : 141–43 sino que estaba destinada a la actriz Kaye Ballard . [39] [40] Aunque "Don't Tell Mama" y "Married" fueron eliminadas como números musicales interpretados, ambas siguen apareciendo en la película: la sección del puente de "Mama" aparece como un instrumental tocado en el gramófono de Sally; "Married" suena inicialmente en el piano en el salón de Fraulein Schneider, y luego se escucha en el gramófono de Sally en una traducción alemana ("Heiraten") cantada por la cantante de cabaret Greta Keller . [30] : 155 Además, " If You Could See Her ", interpretada por el MC, originalmente concluía con la línea "Ella no es una meeskite en absoluto" en el escenario. La película cambia esto a "Ella no parecería judía en absoluto", un regreso a la letra original de Ebb. [41]
Todas las pistas están escritas por John Kander y Fred Ebb
La película se estrenó en el Teatro Ziegfeld de la ciudad de Nueva York el 13 de febrero de 1972, con una sola función benéfica que recaudó $2538. [49] Comenzó a exhibirse regularmente en el Ziegfeld a partir del 14 de febrero, recaudando $8684 en su día de estreno y un récord de la casa de $80 278 para la semana. [50] [49] Recaudó otros $165 038 en otros 6 cines en 6 ciudades clave según Variety , lo que la colocó en el décimo lugar en la taquilla de Estados Unidos. [51] Después de siete meses de estreno, había recaudado $5,3 millones en el área metropolitana de Nueva York. Variety estimó que esto representaba el 30% del total de la película en comparación con el 15% normal para el mercado, una de las pocas películas de gran presupuesto que tuvo un mejor desempeño en Nueva York. [52] Según esta estimación, la película había recaudado alrededor de $17 millones. Para finales de año, Variety informó que había obtenido alquileres en salas de cine por $10,885,000, lo que la convirtió en la octava película más exitosa del año. [53] Después del éxito de la película en los Premios de la Academia en marzo de 1973, alcanzó el número uno en la taquilla de los EE. UU. con una recaudación de $1,880,000 por semana, un récord para Allied Artists. [54] [55] Se mantuvo en el número uno por segunda semana. [56] Para mayo de 1973, la película había obtenido alquileres de $16 millones en los Estados Unidos y Canadá y $7 millones en otros países y reportó una ganancia de $4,904,000. [1] Para fines de 1973, Variety había actualizado los alquileres de la película en los Estados Unidos y Canadá a $18,175,000. [57]
Variety afirmó que la película recibió las críticas más "dulces" del año. [58] Roger Ebert dio una crítica positiva en enero de 1972, diciendo: "Este no es un musical común. Parte de su éxito se debe a que no cae en el viejo cliché de que los musicales tienen que hacerte feliz. En lugar de abaratar la versión cinematográfica aligerando su carga de desesperación, el director Bob Fosse ha ido directo al corazón sombrío del material y se ha quedado allí lo suficientemente bien como para ganar un Premio de la Academia al Mejor Director ". [8]
AD Murphy, de Variety, escribió: "La versión cinematográfica del musical de Broadway Cabaret, de John Kander y Fred Ebb, de 1966 , es de lo más inusual: es culta, obscena, sofisticada, sensual, cínica, conmovedora y perturbadoramente provocadora. Liza Minnelli encabeza un reparto sólido. La dirección, en general excelente, de Bob Fosse recrea el entorno de Alemania hace unos 40 años". [3]
Roger Greenspun del New York Times escribió en febrero de 1972 que « Cabaret es una de esas obras imperfectas inmensamente gratificantes en las que desde el principio hasta el final puedes sentir literalmente que una película cobra vida». [5] Asimismo, Pauline Kael del New Yorker escribió una reseña ese mismo mes en la que aplaudió la película:
"Un gran musical cinematográfico. Tomando la forma del cabaret político, es una sátira de las tentaciones. En un prodigioso acto de equilibrio, Bob Fosse, el coreógrafo y director, mantiene la época (Berlín, 1931) a una distancia fría. Vemos la decadencia como algo estridente y sórdido; sin embargo, también vemos la energía animal en ella: todo parece sexualizarse. La película no explota la decadencia; más bien, le da lo que se merece. Con Joel Grey como nuestro anfitrión diabólico (el maestro de ceremonias) y Liza Minnelli (en su primer papel de cantante en la pantalla) como la exuberante y corruptible Sally Bowles , persiguiendo la vida de una estrella sin importar nada; Minnelli tiene tal alegría y electricidad que se convierte en una estrella ante nuestros ojos". [9]
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Aunque Cabaret (1972) fue bien recibida por los críticos de cine tras su estreno, [5] [8] [3] [9] el autor Christopher Isherwood y otras personas en las que se basaron los personajes de la película fueron menos receptivos a la adaptación cinematográfica. [14] [25] : 63 El propio Isherwood fue crítico de la película de 1972 debido a lo que percibió como su representación negativa de la homosexualidad:
"En la película Cabaret , el protagonista masculino se llama Brian Roberts. Es un inglés bisexual; tiene una aventura con Sally y, más tarde, con uno de los amantes de Sally, un barón alemán... La tendencia homosexual de Brian es tratada como una debilidad indecente pero cómica de la que hay que burlarse, como el hecho de orinarse en la cama ". [25] : 63
De manera similar, la amiga de Isherwood , Jean Ross —en quien se basó el personaje de Sally Bowles [59] : 26 — era ambivalente sobre la película. [60] : 70 Ella sentía que la representación del Berlín de los años 30 "era bastante, bastante diferente" de la realidad. [61] : 33–34 Sin embargo, admitió que la representación de su círculo social de expatriados británicos como libertinos en busca de placer era precisa: "Todos estábamos completamente en contra de los estándares burgueses de la generación de nuestros padres. Eso es lo que nos llevó al Berlín [de la era de Weimar]. El clima era más libre allí". [61] : 33–34 Tal ambivalencia hacia Cabaret (1972) no era única entre el círculo de Isherwood. [14]
El poeta Stephen Spender lamentó cómo Cabaret (1972) pasó por alto la pobreza aplastante del Berlín de Weimar:
"No hay una sola comida o club en la película Cabaret que Christopher [Isherwood] y yo pudiéramos habernos permitido [en 1931]. Lo que más conocíamos era el Berlín de la pobreza, el desempleo, las manifestaciones políticas y las luchas callejeras entre fuerzas de extrema izquierda y extrema derecha". [14]
Tanto Spender como Ross sostuvieron que la película de 1972 y el musical de Broadway de 1966 glorificaban de manera perjudicial las duras realidades de la era de Weimar de los años 30. [14] [61] : 33–34
En 2002, Jamie Russell de la BBC escribió que la película era "el primer musical en recibir un certificado X , Cabaret de Bob Fosse lanzó a Liza Minnelli al estrellato de Hollywood y reinventó el musical para la Era de Acuario". [37] En 2013, el crítico de cine Peter Bradshaw incluyó a Cabaret en el número uno de su lista de "Los 10 mejores musicales", describiéndolo como "satánicamente pegadizo, terriblemente seductor... dirigido y coreografiado con estilo eléctrico por Bob Fosse... Cabaret está empapado en el tipo más sexy de cinismo y desesperación decadente". [62]
Aunque menos explícita en comparación con otras películas realizadas en la década de 1970, Cabaret abordó explícitamente temas como la corrupción, la ambigüedad sexual, los sueños falsos y el nazismo. Tim Dirks en Filmsite.org señala: "Este musical sexualmente cargado, semipolémico y pervertido fue el primero en recibir una clasificación X (aunque luego fue reclasificado) con sus numerosos encuentros sexuales y su vida de club hedonista. Había considerables insinuaciones sexuales, blasfemias, conversaciones sexuales casuales (homosexuales y heterosexuales), algunas evidencias de antisemitismo e incluso un aborto en la película". [63] También fue clasificada X en el Reino Unido y luego reclasificada como 15. [37] [64]
En cuanto al nazismo, hubo poco consenso entre los críticos sobre las posibles implicaciones fascistas de la película y la obra. Sin embargo, el crítico Steven Belletto escribió una crítica de Cabaret en la revista Criticism , publicada por Wayne State University Press, en la que destacó los temas antifascistas de la película presentes tanto dentro como fuera de los números musicales. Según Belletto, "a pesar de las formas en que la película ha sido entendida por una variedad de críticos, [ Cabaret ] rechaza la lógica de la certeza fascista al poner en escena varios números comprometidos con la ironía y la ambigüedad". [41]
La escena de " Tomorrow Belongs to Me " fue controvertida, ya que Kander y Ebb, ambos judíos, fueron acusados injustamente en ocasiones de usar una canción nazi histórica . [65] Según un artículo en Variety en noviembre de 1976, la película fue censurada en Berlín Occidental cuando se estrenó por primera vez allí en cines, y se eliminó la secuencia en la que las Juventudes Hitlerianas cantan "Tomorrow Belongs to Me". [6] Esta eliminación se realizó "debido a la sensación de que podría provocar resentimientos en la audiencia al mostrar a los simpatizantes del movimiento nazi durante los años 30". [6] Sin embargo, la secuencia fue restaurada cuando la película se mostró en la televisión de Alemania Occidental el 7 de noviembre de 1976. [6]
Otro tema de discusión fue la canción "If You Could See Her", [66] que terminaba con la frase: "Si pudieras verla a través de mis ojos, no parecería judía en absoluto". El objetivo de la canción era mostrar el antisemitismo que empezaba a extenderse por Berlín, pero hubo varios grupos judíos que interpretaron la letra de forma diferente. [67]
Cabaret obtuvo un total de diez nominaciones al Premio de la Academia (ganando ocho de ellas) y tiene el récord de más Premios de la Academia para una película que no ganó también el premio a Mejor Película . [6] [68]
Poco antes de los Premios de la Academia , Bob Fosse ganó dos premios Tony por dirigir y coreografiar Pippin , su mayor éxito teatral. Meses después, ganó el premio Primetime Emmy por coreografiar y dirigir el especial de televisión de Liza Minnelli, Liza with a Z , y se convirtió en el primer director en ganar los tres premios en un año.
Incluida en el Registro Nacional de Cine en 1995 entre una lista de 25 películas de ese año. [10]
Cabaret ha sido citada por TV Guide como una de las mejores películas realizadas [80] y por la revista Movieline como una de las "100 mejores películas de la historia". [81] Fue incluida en la lista de "100 mejores películas de todos los tiempos" de Film4 en el puesto 78 [82] y en la lista de "100 mejores películas del pasado" de The San Francisco Chronicle , siendo aclamada como "el último gran musical. Liza Minnelli interpreta a Sally Bowles, una estadounidense a la deriva en el Berlín prenazi, en la elegante y casi perfecta película de Bob Fosse". [83]
David Benedict ha escrito en The Guardian sobre la influencia de Cabaret en las películas musicales: "En aquel entonces, los musicales ya ocupaban un lugar bajo en las listas de espectadores, así que ¿cómo es posible que tuviera tanto éxito? Es muy sencillo: Cabaret es el musical para quienes los odian. Dada la vitalidad de sus números ahora icónicos (Liza Minnelli con bombín y tirantes negros a horcajadas sobre una silla de madera curvada cantando a todo pulmón 'Mein Herr' o contoneándose y temblando de placer con 'Money' con Joel Grey), puede sonar extraño decirlo, pero una de las principales razones por las que Cabaret es tan popular es que no está rodado como un musical". [7]
La película ha sido catalogada como una de las más importantes del cine queer por sus representaciones de la bisexualidad, [5] posiblemente transgresora en el momento de su estreno en 1972 después del Código Penal y se le atribuye haber convertido a Liza Minnelli en un ícono gay . Los blogs de cine la han seleccionado como "la ganadora más gay en la historia de la Academia". [84] [85] [86]
La película se lanzó por primera vez en DVD en 1998. Ha habido lanzamientos en 2003, 2008 y 2012. Los derechos de distribución auxiliar internacional de la película son propiedad de ABC (ahora parte de The Walt Disney Company ), Fremantle (Reino Unido), Warner Bros. (que adquirió la película como parte de su compra de Lorimar Productions , que había adquirido la filmoteca de Allied Artists ) tiene derechos de distribución nacional en EE. UU.
En abril de 2012, Warner presentó una nueva restauración de la película en el TCM Classic Film Festival . [87] [88] [89] Posteriormente se lanzó una edición DigiBook en Blu-ray el 5 de febrero de 2013. [90] Antes de esta restauración, Cabaret se había vendido en un DVD de definición estándar de Warner Bros., pero la película no estaba disponible en alta definición ni para proyecciones digitales en cines. [89] El negativo original de la cámara se perdió, y un interpositivo sobreviviente tenía un rasguño vertical que recorría 1000 pies, o 10 minutos, de uno de sus carretes, como lo confirmó Ned Price, vicepresidente de masterización y restauración de Warner Bros. [89] El daño aparentemente fue infligido por un grano de suciedad que había rodado a lo largo del carrete, comenzando con una escena en la que el personaje de Michael York se enfrenta a un residente de una pensión pronazi, y había cortado la emulsión. [89] Los fotogramas dañados fueron restaurados digitalmente, pero "la parte difícil fue hacer coincidir la estructura del grano para que la reparación fuera invisible". Después de que los intentos de reparación digital automatizada fallaran, los 300 metros de película dañada fueron pintados a mano usando un lápiz de computadora. [89]
Warner Archive Collection reeditó el Blu-ray el 20 de noviembre de 2018, sin el DigiBook. [91]
La mejor canción nazi es de compositores judíos. Al igual que con "Ol' Man River", cuando Cabaret pidió un himno pastoral aparentemente inocente al nacionalismo alemán, John Kander y Fred Ebb presentaron un doble tan plausible que fue denunciado inmediatamente como un himno nazi groseramente ofensivo. "Las acusaciones contra Tomorrow Belongs To Me me enfurecieron mucho", dice Fred Ebb. "Un hombre tuvo la audacia de decirme que conocía esa canción cuando era niño. Una persona rabínica me escribió diciendo que tenía pruebas absolutas de que era una canción nazi". No lo era: fue escrita a mediados de los sesenta para un musical de Broadway. Pero hoy, es la única canción nazi que todos conocemos: en la noche de las elecciones de 1987, cuando Spitting Image decidió establecer algunos "paralelismos groseros" entre la señora Thatcher y otro líder fuerte, optaron por mostrar a los conservadores cantando no la canción de Horst Wessel, sino "Tomorrow Belongs To Me", seguros de saber que todos entenderíamos el chiste.
Francesco Mismirigo, Cabaret, un film allemand , Universidad de Ginebra, 1984
