Cine de Argentina se refiere a la industria cinematográfica radicada en Argentina . El cine argentino comprende el arte cinematográfico y las películas creativas realizadas dentro de la nación Argentina o por cineastas argentinos en el exterior.
La industria cinematográfica argentina ha sido históricamente una de las tres de mayor desarrollo del cine latinoamericano , junto con las producidas en México y Brasil . [5] [6] A lo largo del siglo XX, la producción cinematográfica en Argentina, apoyada por el Estado y por el trabajo de una larga lista de directores y actores, se convirtió en una de las principales industrias cinematográficas del mundo hispanohablante .
Argentina ha ganado dieciocho Premios Goya a la Mejor Película Extranjera en Lengua Española , lo que le convierte en el país más premiado. También es el primer país latinoamericano que ha ganado premios de la Academia , en reconocimiento a las películas La historia oficial (1985) y El secreto de sus ojos (2009). [7] [8]
En 1896, el fotógrafo francés Eugene Py trabajaba para el belga Henri Lepage y el austriaco Max Glücksmann en la 'Casa Lepage', una empresa de suministros fotográficos en Buenos Aires. Los tres presenciaron el debut del Lumière Cinématographe en Argentina, "con una imagen de los Lumiére, tuvo lugar el 18 de julio de 1896" [9] en el Teatro Odéon , sólo un año después de su debut en París.
Lepage luego importó al país el primer equipo cinematográfico francés y Eugenio Py , a quien a menudo se le atribuye la primera película argentina, La Bandera Argentina (que consistía en una bandera de Argentina ondeando al viento en el Plaza de Mayo ), [10] el crédito pertenece al germano-brasileño Federico Figner , quien proyectó las tres primeras películas argentinas el 24 de noviembre de 1896 (cortometrajes que representan lugares de interés de Buenos Aires). Ganando renombre, Py continuó produciendo películas para exhibición en la Casa Lepage durante varios años, siguiendo con Viaje del Doctor Campos Salles a Buenos Aires (1900, considerado el primer documental del país) y La Revista de la Escuadra Argentina (1901); para entonces ya se habían abierto las primeras salas de proyección, funcionando como parte del sistema transnacional de producción, distribución y exhibición cinematográfica desarrollado por Glücksmann en Argentina , Uruguay y Chile.
Varios artistas argentinos continuaron experimentando con el nuevo invento, realizando cortos informativos y documentales. Eugenio A. Cardini filmó Escenas Callejeras (1901) y Mario Gallo realizó la primera película argentina con un punto de vista: El fusilamiento de Dorrego (" Dorrego 's Execution", 1908). Otros directores como Ernesto Gunche dirigieron los primeros documentales.
La historia y la literatura argentinas proporcionaron los temas de los primeros años de realización cinematográfica. Uno de los primeros éxitos del cine nacional fue Nobleza Gaucha de 1915, inspirado en Martín Fierro , el poema gaucho de José Hernández . Basado en la novela de José Mármol , Amalia fue el primer largometraje de producción nacional, y en 1917 El Apóstol , un corto satírico sobre el presidente Hipólito Yrigoyen , se convirtió en el primer largometraje de animación del cine mundial. Otro debut notable en 1917, el de Flor de durazno de Francisco Defilippis Novoa, fue el de Carlos Gardel .
Directores como José A. Ferreyra comenzaron a trabajar en la producción de películas del cine argentino, estrenando películas como Palomas rubias (1920), La Gaucha (1921) y Buenos Aires, ciudad de ensueño en 1922. Las películas que siguieron incluyeron La Maleva , Corazón de criolla , Melenita de oro , Leyenda del puente inca (1923), Odio serrano , Mientras Buenos Aires duerme , Arriero de Yacanto (1924) y El Organito de la tarde y Mi último tango (1925).
En 1926, Ferreyra estrenó La Vuelta al Bulín , La Costurerita que dio aquel mal paso y Muchachita de Chiclana seguida de Perdón, viejita (1927). Muchas de estas películas de Ferreyra contaron con dos de las estrellas más populares de la década, Álvaro Escobar y Elena Guido.
Hacia finales de la década, directores como Julio Irigoyen comenzaron a estrenar películas como Alma en pena en 1928. Películas como estas comenzaron a presentar la cultura argentina del tango en el cine, algo que se disparó más tarde en la década de 1930 después de la llegada de de sonido.
En 1930, Adiós Argentina se convirtió en la primera película argentina en tener banda sonora. La película fue escrita y dirigida por Mario Parpagnoli para Cinematográfica Valle y finalizada en diciembre de 1929. La película fue protagonizada por actrices como Libertad Lamarque y Ada Cornaro , quienes debutaron en la película.
En 1931, José A. Ferreyra dirigió Muñequitas porteñas , primera película argentina realizada con sincronización de sonido Vitaphone . Ese año, Ferreyra hizo una segunda película sonora, El Cantar de mi ciudad , animando a otros primeros directores a hacer la transición al sonido.
Movietone llegó en 1933 y permitía tanto voz como música en películas. Se crearon los dos primeros estudios cinematográficos argentinos: Argentina Sono Film fue fundado por Ángel Mentasti; Lumitón fue creado por una sociedad liderada por Enrique Susini , quien jugó un papel decisivo en la introducción de la televisión en Argentina en 1951. Susini creó un centro para el desarrollo audiovisual. Lanzó la película "Los tres berretines", que fue la primera película argentina con argumento y guión hablado.
La primera película sonora sin disco fue ¡Tango! (1933), dirigida por Luis Maglia Barth y una película clave de la época fue la película de tango Bailando , que vio nacer a varias estrellas argentinas como Amelia Bence y Tito Lusiardo ; Otros actores populares de la época fueron Aida Alberti , Armando Bo , Floren Delbene y Arturo García Buhr . Dos de esas películas que han perdurado en la cultura local son Madreselva , protagonizada por Libertad Lamarque y Casamiento en Buenos Aires , protagonizada por Niní Marshall . Las dos películas de 1939 presentaron cada una temas que se han convertido en estándares musicales argentinos , inmortalizando además a las dos protagonistas.
Otras películas incluyeron: El alma del bandoneón , Mario Soffici , 1935; La muchacha de a bordo, Manuel Romero , 1936; Ayúdame a vivir , 1936 de Ferreyra; Besos brujos (1937) de Ferreyra; La vuelta al nido ( Leopoldo Torres Ríos , 1938) y Así es la vida (1939) dirigidas por Francisco Mugica .
Manuel Romero fue un destacado director de mediados a finales de la década de 1930 y trabajó en películas de comedia, a menudo con la estrella argentina en ascenso Luis Sandrini en películas como Don Quijote del altillo . Romero fue también letrista de tango, uno de los creadores de teatro de revista y dramaturgo que escribió más de 180 obras. Dirigió más de 50 películas en total, la mayoría basadas en su propio argumento y compuso la música con una película de tango.
La industria cinematográfica en Argentina alcanzó su apogeo a finales de los años 1930 y 1940, cuando se producían un promedio de cuarenta y dos películas al año. Las películas generalmente incluían tango, pero incluso cuando se omitía un tema de tango, la mayor parte del cine de este período todavía incluía héroes humildes y villanos ricos. [11] En estas películas, retrataba el trabajo duro y la pobreza como algo ennoblecedor y mostraba a los pobres como los principales beneficiarios de las políticas económicas de Juan Perón. Estas películas, en parte apoyadas por Perón, fueron vistas como parte de la agenda política del peronismo. [11] Al apoyar una industria cinematográfica que atacaba la codicia y apoyaba a la clase trabajadora, Perón pudo influir en las actitudes de su electorado para generar atractivo público. [11]
La creciente popularidad del cine de los Estados Unidos , la presión de la Iglesia Católica Romana y la creciente censura durante la presidencia de Perón limitaron un poco el crecimiento del cine argentino, sobre todo porque el acoso llevó al exilio de varios actores destacados, entre ellos Alberto . de Mendoza , Arturo García Buhr, Niní Marshall y Libertad Lamarque , cuya rivalidad con su colega Eva Duarte se volvió en su contra cuando esta última se convirtió en Primera Dama en 1946. El cine argentino comenzó a perder audiencia a medida que los títulos extranjeros ganaban presencia en el mercado argentino. El problema eventualmente llegó a ser tan grave que Argentina intentó frenar la afluencia con la Ley de Cine de 1957, estableciendo el "Instituto Nacional de Cinematografía" para brindar educación y financiamiento.
Entre las películas más exitosas de la época se encuentran: Historia de una noche, Luis Saslavsky , 1941; La dama duende, Luis Saslavsky, 1945; Malambro ( Lucas Demare y Hugo Fregonese , 1945); Albéniz ( Luis César Amadori ) protagonizada por Pedro López Lagar (1947); Pelota de trapo (1948) y Crimen de Oribe (1950), Leopoldo Torres Ríos ; y Las aguas bajan turbias , de Hugo del Carril , 1952. Uno de los pocos actores argentinos que hizo una transición exitosa a la dirección fue Mario Soffici , quien debutó detrás de la cámara en 1935 con gran éxito con El alma del bandoneón y se convirtió en actor. institución del cine argentino de la próxima generación; entre sus trabajos más memorables se encuentra la adaptación cinematográfica del best seller de misterio de Marco Denevi , Rosaura a la diez , cuyo estreno en 1958 Soffici escribió, dirigió y protagonizó.
En 1958 se estrenó la película Trueno entre hojas dirigida por Armando Bó . La película presentó al posterior símbolo sexual Isabel Sarli en su primer papel protagónico y marcó el comienzo de su asociación con su futuro esposo Armando Bó, que abarcaría casi tres décadas y realizaría numerosas películas de explotación sexual . [12] [13] [14] Considerada ya un clásico, [14] [15] una escena en la que ella se baña en un lago fue la primera en presentar desnudos frontales totales en el cine argentino. [13] [16] La película fue un éxito de taquilla muy controvertido; Ha sido calificado de "boom" y "escandaloso" y conmocionó a la sociedad argentina, mayoritariamente católica. [14] [17] En noviembre de 1958, The News and Courier informó que "[una] atrevida muchacha latina ha batido récords de taquilla en América del Sur con la inmersión más atrevida desde que Hedy Lamarr se desnudó para saltar a la fama en Éxtasis ". [18] El estreno de la película en Montevideo , Uruguay, rompió récords de taquilla y la escena del baño de Sarli "sacudió a algunas capitales latinoamericanas". [18] Sin embargo, Sarli fue criticado por otros cineastas por la escena del desnudo. [18]
El género de terror, poco explorado por los cineastas argentinos, fue explorado por el director argentino Narciso Ibáñez Menta .
La televisión, como en Estados Unidos, empezó a ejercer presión sobre el mercado cinematográfico en los años cincuenta; Al aire desde el lanzamiento en 1951 del Canal 7 (televisión pública), la programación de la televisión argentina es la más antigua de América Latina.
Desde finales de la década de 1950 una nueva generación de directores de cine llevó películas argentinas a festivales de cine internacionales. La primera ola de tales directores fue Leopoldo Torre-Nilsson , quien "exploró la decadencia aristocrática", [19] Fernando Ayala , David José Kohon , Simón Feldman y Fernando "Pino" Solanas , quienes comenzaron haciendo La Hora de los Hornos. of the Furnaces", 1966-68), los primeros documentales sobre los disturbios políticos de la Argentina de finales de los años 1960 (con gran riesgo para él mismo). [19] La película combina material cinematográfico nuevo y antiguo para explicar la historia de Argentina y la ola de fervor revolucionario que arrasó muchos países de América Latina. Desde los invasores españoles hasta las empresas militares modernas financiadas por potencias extranjeras, este artículo examina el racismo, la agitación social, las masacres de nativos y las situaciones políticas precarias que podrían cambiar a raíz de una rebelión revolucionaria. Este destacado documental lanzó el movimiento del Tercer Cine y colocó al cine latinoamericano en el mapa internacional.
Comenzaron a surgir directores como Tulio Demicheli y Carlos Schlieper , quienes muchas veces los escribieron y dirigieron. Una segunda generación que logró un estilo cinematográfico fueron José A. Martínez Suárez , Manuel Antín y Leonardo Favio .
La tendencia hacia el Ciné Vérité tan evidente en Francia a principios de los años 1970 encontró un exponente argentino en el director de escena Sergio Renán . Su drama criminal de 1974 La tregua ("La tregua"), su primera incursión en el cine, fue nominado al Oscar . El mismo año, Osvaldo Bayer cooperó con la provincia de Santa Cruz para hacer La patagonia rebelde como homenaje a una huelga de pastores violentamente sofocada en 1922.
La nostalgia fue capturada por Leopoldo Torre Nilsson , cuya reelaboración de clásicos literarios argentinos como La mano en la trampa (1961), Martín Fierro (1968), Los siete lunáticos (1973) y Labios pintados (1974) le valió un culto de seguidores. De atmósfera similar, el temperamental Los muchachos de antes no usaban arsénico , de José Martínez Suárez , da un giro hacia un asesinato digno de Alfred Hitchcock . [ cita necesaria ] Fue memorable como el último papel de Mario Soffici .
"A principios de la década de 1970, Argentina se desmoronó. La represión gubernamental fue respondida por insurrecciones y terrorismo. Solanas y Getino contribuyeron filmando dos entrevistas documentales con el exiliado Perón. También fundaron una revista, Cine y liberación. Getino dirigió El Familiar (1972). , un largometraje de ficción alegórico sobre el destino de América Latina. Otros cineastas continuaron haciendo películas peronistas y surgieron grupos de ultraizquierda como Cine de Base." [20] "En 1976, este período de documental militante e innovación cinematográfica fue violentamente roto por el asesinato/desaparición de tres documentalistas por parte del ejército argentino: Gleyzer, Pablo Szir y Enrique Juárez". [21]
Fuertemente censurados desde 1975 hasta aproximadamente 1980, los cineastas argentinos generalmente se limitaban a temas alegres. Entre las producciones de esa época se encuentra la adaptación que hizo Héctor Olivera de la obra de Roberto Cossa , La nona ( La abuela , 1979). La comedia negra se convirtió en una referencia a los pagos de intereses de la deuda externa que luego afectaron a la economía argentina . Un director que, incluso como partidario del régimen militar, profundizó con franqueza en las neurosis de la clase media fue Fernando Siro , un cineasta inventivo aparentemente insensible a muchas de las tribulaciones de sus colegas, muchos de los cuales se vieron obligados a abandonar durante la dictadura. . Aunque sus actitudes lo distanciaron de sus compañeros y del público, su tragedia de 1981 Venido a menos ("Dilapidated") sigue siendo influyente.
Tras una flexibilización de las restricciones en 1980, el cine desenfrenado comenzó a hacerse evidente en la pantalla argentina. Sumergirse de lleno en temas como la corrupción y la impunidad (sin acusar directamente a los que están en el poder), Tiempo de revancha de Adolfo Aristarain ("Time for Revenge", 1981), Plata dulce ("Sweet Money", 1982) de Fernando Ayala ) y Los enemigos , de Eduardo Calcagno (1983), analizaron detenidamente los abusos de los derechos laborales, la corrupción corporativa y el clima de miedo predominante en la época en que hacerlo era a menudo peligroso. La corrupción menor también fue abordada en El Arreglo , de Fernando Ayala ("El trato", 1983). [22]
Una nueva era en el cine argentino comenzó tras la llegada de la democracia en 1983; Además de algunas excepciones memorables como la comedia familiar de Alejandro Doria Esperando la carroza ("Waiting for the Hearse", 1985), la época vio una marcada disminución en la popularidad de las comedias slapstick hacia películas con matices y temas más serios.
El primer grupo aborda francamente la represión, la tortura y las desapariciones durante la Guerra Sucia en los años setenta y principios de los ochenta. Entre ellos se incluyen: La pequeña y divertida guerra sucia (1983) de Héctor Olivera y la historia real La noche de los lápices (1986); La historia oficial (1985), de Luis Puenzo, ganadora del Premio de la Academia ; Tangos (1985) y Sur de "Pino " Solanas y la desgarradora Sofía (1987) de Alejandro Doria , entre otras.
Entre las películas que tratan sobre abusos pasados, una coproducción germano-argentina que también merece mención es The Girlfriend (1988), de Jeanine Meerapfel , donde la protagonista noruega Liv Ullmann actúa junto a los locales Federico Luppi , Cipe Lincovski, Victor Laplace y Lito Cruz. .
Un segundo grupo de películas incluye representaciones del exilio y la nostalgia, como Los días de junio de Alberto Fischermann ("Días de junio", 1985) y Made in Argentina (1986) de Juan José Jusid , así como tramas ricas en subtextos, como Verónico Cruz (1988) de Miguel Pereira , Lo que vendrá (1988) de Gustavo Mosquera y una favorita de culto, Apartment Zero (1988) en inglés de Martin Donovan . Estos utilizaron metáforas, los imponderables de la vida y sugerencias sobre cuestiones sociopolíticas más amplias para reconciliar al público con los acontecimientos recientes.
Lo mismo puede decirse también de los tratamientos de la literatura controvertida y de la dolorosa historia del siglo XIX, como Camila (1984) de María Luisa Bemberg , Un rey y su película ( 1985) de Carlos Sorín y El hombre mirando al sureste (1986) de Eliseo Subiela . [23] [24]
La década de 1990 trajo otra ola del Nuevo Cine Argentino , marcada por el cine clásico y un giro de la Producción Argentina Independiente.
En 1991 se estrenó Alambrado de Marco Bechis. Ese mismo año, el cineasta activista Fernando "Pino" Solanas estrenó su tercera película importante, El viaje (1992), una visión surrealista de las condiciones sociales imperantes en América Latina. La angustia existencial continuó dominando la agenda cinematográfica argentina, sin embargo, con El lado oscuro del corazón, de Eliseo Subiela (1992) y Un lugar en el mundo (1992), de Adolfo Aristarain, notable también por tener sido nominado al Oscar.
Más tarde, en la década de 1990, la atención comenzó a desplazarse hacia los crecientes problemas sociales de Argentina, como el aumento de la falta de vivienda y la delincuencia. Buenos Aires viceversa (1996) de Alejandro Agresti rescató la belleza de los sentimientos en las sombras de la pobreza en Buenos Aires y Pizza, cerveza y cigarrillos (1997) de Bruno Stagnaro indagó en la dualidad humana incluso de los más incorregibles y violentos. individuos.
Con un pasado intenso y una rica herencia cultural a la que recurrir, los directores continuaron regresando con piezas de época de mal humor como Flop (1990) de Eduardo Mignogna , De eso no se habla de María Luisa Bemberg. 1993, su último papel y también uno de los últimos del protagonista italiano Marcello Mastroianni ), la interpretación de Santiago Oves del cuento estilo Agatha Christie de Rodolfo Walsh Asesinato a distancia ("Asesinato a distancia", 1998), como así como películas biográficas como Raging Bull -esque Gatica, el mono (1993) de Leonardo Favio y Lola Mora (1996) de Javier Torre.
La historia política fue reexaminada con películas como la controvertida versión de Eduardo Calcagno del censor cinematográfico argentino de la década de 1970, Paulino Tato (interpretado por el actor de carácter más prolífico de Argentina, Ulises Dumont ) en El Censor (1995), la denuncia de Juan J. Jusid del viejo sistema obligatorio sistema de entrenamiento militar, Bajo Bandera ("A media asta", 1997), Garage Olimpo (1999) de Marco Bechis , que llevó a los espectadores a una de las mazmorras de tortura más brutales de la dictadura y la respuesta de Juan Carlos Desanzo a Evita de Madonna , su película de 1996. Eva Perón (un retrato de una primera dama mucho más compleja que la que había retomado Andrew Lloyd Webber ).
La cultura popular tuvo su turno en la pantalla argentina. Cien veces no debo , de Alejandro Doria ("No te debo para siempre", 1990), dio una mirada irreverente a un típico hogar argentino de clase media; De mi barrio con amor, de José Santiso , 1996 ) es una visita obligada [ ¿según quién? ] para cualquiera que planee visitar el bohemio sur de Buenos Aires y El día que Maradona conoció a Gardel de Rodolfo Pagliere ("El día que Maradona conoció a Gardel ", 1996) es una oda inventiva a dos estándares de la cultura argentina.
Películas como el tornado Nueve reinas (2000) de Fabián Bielinsky , su gótico El Aura (2005) y la llorosa El hijo de la novia (2001) de Juan José Campanella han recibido elogios y premios en todo el mundo. Juan Carlos Desanzo eligió a Miguel Ángel Solá (mejor conocido por su papel en Tango ) como el inmortal Jorge Luis Borges en El Amor y el Espanto ("Love and Foreboding", 2001), una mirada a las luchas del escritor con la intimidación de la era de Perón como así como con sus propias inseguridades.
Siempre políticamente activo, el cine argentino continúa tratando temas difíciles, como la mirada de la directora española Manane Rodríguez a los niños secuestrados, Los pasos perdidos (2001) y la quizás definitiva película de "Pino" Solanas sobre la crisis económica de 2001 , Memorias del saqueo. el motín", 2004). Tristán Bauer llevó al público a la deshumanizante experiencia de los soldados en la Guerra de las Malvinas con Blessed by Fire (2005) y Adrián Caetano sigue a cuatro jugadores de fútbol a través de su escape de una muerte segura en 1977 en Chronicle of an Escape (2006).
El primer largometraje de Lucrecia Martel de 2001, La ciénaga , sobre una indulgente familia burguesa que pasa el verano en una decrépita casa de vacaciones en Salta , fue muy aclamado internacionalmente tras su estreno e introdujo una voz nueva y vital al cine argentino. . [25] [26] [27] [28] Para el estudioso del cine David Oubiña, es "uno de los mayores logros" del Nuevo Cine Argentino, coincidiendo con la crisis política y económica de Argentina , que "se convirtió en una rara expresión de una momento sumamente convulso de la historia reciente de la nación. Es una obra maestra de singular madurez". [29] Las películas posteriores de Martel también recibirían más elogios internacionales, como el drama adolescente The Holy Girl (2004), [30] el thriller psicológico The Headless Woman (2008), [31] y la adaptación dramática de época Zama (2017) . [32]
Respondiendo a su público sentimental, el cine argentino regresa por momentos a temas del corazón. El retrato granulado de David Lipszyc de la Argentina de la era de la depresión, El astillero ("El astillero", 2000) fue un éxito entre la crítica, la conmovedora oda a los inmigrantes de Paula Hernández , Inheritance (2001), se ha convertido en una especie de durmiente, Adolfo Aristarain ' s Common Places (2002) sigue a un anciano profesor hasta su jubilación, Cleopatra (2003), la historia de una amistad improbable de Eduardo Mignona, recibió numerosos premios, al igual que la conmovedora El perro de Carlos Sorín ("The Dog", 2004). La negatividad emocional, un elemento básico para los cineastas en cualquier lugar, fue explorada en India Pravile (2003) de Mario Sabato , La esperanza (2005) de Francisco D'Intino y El otro (2007) de Ariel Rotter , cada una de las cuales trata sobre la mitad de la vida. -La vida crisis de maneras muy diferentes. El pronunciado sentimentalismo del argentino promedio también fue el tema de Assassination Tango de 2002 de Robert Duvall , un drama criminal engañosamente simple que muestra que las aguas tranquilas, de hecho, son profundas.
Golpeada por años de malestar económico y la invasión del mercado cinematográfico nacional por títulos extranjeros (principalmente estadounidenses), la industria cinematográfica argentina ha sido apoyada por la creación en 1987 del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales ( INCAA ), una película subsidiada con fondos públicos. asegurador que, desde 1987, ha producido 130 títulos completos de arte y ensayo .
La década terminó en lo más alto con la película de 2009 El secreto de sus ojos recibiendo elogios de la crítica, ganando el Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera en la 82ª edición de los Premios de la Academia , tres semanas después de haber sido galardonado con el Premio Goya a la Mejor Película Extranjera en Español de 2009.
En 2014, la película antológica Relatos Salvajes dirigida por Damián Szifron fue nominada a la Mejor Película en Lengua Extranjera en la 87ª edición de los Premios de la Academia y ganó el Premio Goya a la Mejor Película Iberoamericana .
El estreno de
La Ciénaga
de Lucrecia Martel anunció la llegada de una voz sorprendentemente vital y original al cine argentino.