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La escultura barroca es la escultura asociada con el estilo barroco del período comprendido entre principios del siglo XVII y mediados del XVIII. En la escultura barroca, los grupos de figuras adquirieron una nueva importancia y hubo un movimiento dinámico y energía de las formas humanas: giraban en espiral alrededor de un vórtice central vacío o se extendían hacia el espacio circundante. La escultura barroca a menudo tenía múltiples ángulos de visión ideales y reflejaba una continuación general del movimiento renacentista que se alejaba del relieve hacia la escultura creada en forma circular y diseñada para colocarse en el medio de un gran espacio; las fuentes elaboradas como la Fontana dei Quattro Fiumi de Gian Lorenzo Bernini (Roma, 1651) o las de los jardines de Versalles eran una especialidad barroca. El estilo barroco se adaptaba perfectamente a la escultura, con Bernini como la figura dominante de la época en obras como El éxtasis de Santa Teresa (1647-1652). [1] Muchas esculturas barrocas añadieron elementos extraescultóricos, por ejemplo, iluminación oculta o fuentes de agua, o fusionaron escultura y arquitectura para crear una experiencia transformadora para el espectador. Los artistas se consideraban parte de la tradición clásica, pero admiraban la escultura helenística y, posteriormente, romana, en lugar de la de los períodos más "clásicos" tal como se los ve hoy. [2]
La escultura barroca siguió a la escultura renacentista y manierista y fue sucedida por la escultura rococó y neoclásica . Roma fue el primer centro donde se formó el estilo. El estilo se extendió al resto de Europa y, especialmente, Francia le dio una nueva dirección a fines del siglo XVII. Finalmente, se extendió más allá de Europa a las posesiones coloniales de las potencias europeas, especialmente en América Latina y Filipinas.
La Reforma protestante había provocado un paro casi total de la escultura religiosa en gran parte del norte de Europa, y aunque la escultura secular, especialmente de bustos y monumentos funerarios , continuó, la Edad de Oro holandesa no tiene un componente escultórico significativo fuera de la orfebrería. [3] En parte como reacción directa, la escultura fue tan prominente en el catolicismo como en la Baja Edad Media. Los Países Bajos meridionales católicos vieron un florecimiento de la escultura barroca a partir de la segunda mitad del siglo XVII con muchos talleres locales produciendo una amplia gama de esculturas barrocas, incluyendo mobiliario de iglesia, monumentos funerarios y esculturas a pequeña escala ejecutadas en marfil y maderas duraderas como el boj. Los escultores flamencos desempeñarían un papel destacado en la difusión del idioma barroco en el extranjero, incluyendo la República Holandesa, Italia, Inglaterra, Suecia y Francia. [4]
En el siglo XVIII, muchas esculturas continuaron siguiendo líneas barrocas (la Fontana de Trevi no se terminó hasta 1762). El estilo rococó era más adecuado para obras más pequeñas. [5]
El estilo barroco surgió de la escultura renacentista, que, basándose en la escultura clásica griega y romana, había idealizado la forma humana. Esto fue modificado por el manierismo , cuando los artistas se esforzaron por dar a sus obras un estilo único y personal. El manierismo introdujo la idea de esculturas que presentaban fuertes contrastes: juventud y vejez, belleza y fealdad, hombres y mujeres. El manierismo también introdujo la figura serpentina , que se convirtió en una característica importante de la escultura barroca. Se trataba de la disposición de figuras o grupos de figuras en una espiral ascendente, que daba ligereza y movimiento a la obra. [6]
Miguel Ángel había introducido la figura serpentina en El esclavo moribundo (1513-1516) y El genio victorioso (1520-1525), pero estas obras estaban destinadas a ser vistas desde un único punto de vista. A finales del siglo XVI, la obra del escultor italiano Giambologna , El rapto de las sabinas (1581-1583), introdujo un nuevo elemento: esta obra estaba destinada a ser vista no desde uno, sino desde varios puntos de vista, y cambiaba según el punto de vista. Esto se convirtió en una característica muy común en la escultura barroca. La obra de Giambologna tuvo una fuerte influencia en los maestros de la época barroca, en particular en Bernini . [6]
Otra influencia importante que condujo al estilo barroco fue la Iglesia católica, que buscaba armas artísticas en la batalla contra el auge del protestantismo. El Concilio de Trento (1545-1563) dio al Papa mayores poderes para guiar la creación artística y expresó una fuerte desaprobación de las doctrinas del humanismo , que habían sido centrales para las artes durante el Renacimiento. [7] Durante el pontificado de Pablo V (1605-1621), la iglesia comenzó a desarrollar doctrinas artísticas para contrarrestar la Reforma y encargó a nuevos artistas que las llevaran a cabo. [ cita requerida ]
La figura dominante en la escultura barroca fue Gian Lorenzo Bernini (1598-1680). Era hijo de un escultor florentino, Pietro Bernini , que había sido llamado a Roma por el papa Pablo V. El joven Bernini realizó sus primeras obras en solitario a la edad de quince años, y entre 1618 y 1625 recibió un importante encargo de estatuas para la villa del cardenal Escipión Borghese. Sus obras, muy dramáticas, diseñadas para ser vistas desde múltiples puntos de vista y en espiral ascendente, tuvieron un inmenso impacto en la escultura europea. Continuó dominando la escultura italiana a través de sus obras en fuentes romanas, el Baldequín de San Pedro y la tumba del papa Alejandro VII dentro de la Basílica de San Pedro, y su conjunto de altar para la Iglesia de Santa María de la Victoria en Roma. Recibió su último encargo de escultura de fuente para la Fuente del Elefante (1665-1667), seguida de una serie de ángeles para el Puente de Sant Angelo en Roma (1667-69). [8]
Bernini murió en 1680, pero su estilo influyó en escultores de toda Europa, particularmente en Francia, Baviera y Austria. [ cita requerida ]
Los generosos encargos papales hicieron de Roma un imán para los escultores de Italia y de toda Europa. Decoraron iglesias, plazas y, una especialidad de Roma, las nuevas y populares fuentes creadas por los papas en la ciudad. Stefano Maderna (1576-1636), originario de Bissone, en Lombardía, precedió a la obra de Bernini. Comenzó su carrera haciendo copias de tamaño reducido de obras clásicas en bronce. Su obra más importante a gran escala fue una estatua de Santa Cecilia (1600) para la iglesia de Santa Cecilia en el Trastevere de Roma. El cuerpo de la santa yace tendido, como si estuviera en un sarcófago, evocando una sensación de patetismo. [9]
Otro escultor romano importante fue Francesco Mochi (1580-1654), nacido en Montevarchi , cerca de Florencia. Realizó una célebre estatua ecuestre de bronce de Alejandro Farnesio para la plaza principal de Piacenza (1620-1625) y una vívida estatua de Santa Verónica para la Basílica de San Pedro, tan activa que parece estar a punto de saltar del nicho. [9]
Entre otros escultores barrocos italianos notables se encuentra Alessandro Algardi (1598-1654), cuyo primer encargo importante fue la tumba del papa León XI en el Vaticano. Se lo consideraba un rival de Bernini, aunque su obra era similar en estilo. Entre sus otras obras importantes se incluye un gran bajorrelieve esculpido del legendario encuentro entre el papa León I y Atila el Huno (1646-1653), en el que el papa persuadió a Atila de no atacar Roma. [10]
El escultor flamenco François Duquesnoy (1597-1643) fue otra figura importante del barroco italiano. Fue amigo del pintor Poussin y fue especialmente conocido por su estatua de Santa Susana en Santa María de Loreto en Roma y su estatua de San Andrés (1629-1633) en el Vaticano. Fue nombrado escultor real de Luis XIII de Francia , pero murió en 1643 durante el viaje de Roma a París. [11]
Entre los escultores más importantes del período tardío se encuentra Niccolo Salvi (1697-1751), cuyo trabajo más famoso fue el diseño de la Fontana de Trevi (1732-1751). La fuente también contenía obras alegóricas de otros escultores barrocos italianos destacados, como Filippo della Valle , Pietro Bracci y Giovanni Grossi. La fuente, en toda su grandeza y exuberancia, representó el acto final del estilo barroco italiano. [12]
La mayor parte de la escultura barroca francesa no tenía como objetivo glorificar a la Iglesia, sino al monarca francés, Luis XIV de Francia , y a su sucesor, Luis XV . Gran parte de ella fue producida por los escultores de la nueva Real Academia de Pintura y Escultura, fundada en 1648 y posteriormente supervisada de cerca por Jean-Baptiste Colbert , ministro de Finanzas del rey. Los escultores franceses trabajaron en estrecha colaboración con pintores, arquitectos y paisajistas como André Le Notre para crear los efectos escultóricos que se encuentran en el Palacio de Versalles y sus jardines, las otras residencias reales y las estatuas para las nuevas plazas de la ciudad creadas en París y otras ciudades francesas. Colbert también estableció la Academia Francesa en Roma para que los escultores y pintores franceses pudieran estudiar los modelos clásicos. [13]
En la primera parte del período barroco, los escultores franceses recibieron una gran influencia de los pintores de Flandes y los Países Bajos, en particular del manierismo de Giambologna , más que de la escultura de Italia. Entre estos artistas se encontraban Germain Pilon (1525-1590), Jean Varin (1604-1672) y Jacques Sarrazin (1592-1660). El propio Bernini , en la cima de su fama, llegó a París en 1665 para presentar su propio plan para el Louvre a Luis XIV. Al rey no le gustó Bernini ni su obra, y el plan fue rechazado, aunque Bernini produjo un hermoso busto de Luis XIV que ahora se exhibe en el Palacio de Versalles . [14]
Los mejores escultores franceses fueron contratados para realizar estatuas para los jardines de las fuentes del Palacio de Versalles y otras residencias reales. Entre ellos se encontraban Pierre Puget , Jacques Sarazin , François Girardon , Jean-Baptiste Tuby , Antoine Coysevox y Edme Bouchardon . Guillaume Coustou creó un grupo de caballos particularmente bello para los jardines del Castillo de Marly . [15]
En los últimos años de la era barroca, Jean Baptiste Lemoyne (1704-1778), director de la Academia Francesa en Roma, fue considerado el mejor escultor rococó , aunque su fama fue eclipsada por su alumno, Jean-Antoine Houdon , quien lideró la transición de la escultura francesa del barroco al clasicismo . [16]
Los Países Bajos meridionales, que permanecieron bajo el dominio español y católico romano , desempeñaron un papel importante en la difusión de la escultura barroca en el norte de Europa. La Contrarreforma católica romana exigía que los artistas crearan pinturas y esculturas en contextos eclesiásticos que hablaran a los analfabetos en lugar de a los bien informados. La Contrarreforma hizo hincapié en ciertos puntos de la doctrina religiosa, como resultado de lo cual ciertos muebles de iglesia, como el confesionario, adquirieron una mayor importancia. Estos avances provocaron un fuerte aumento de la demanda de esculturas religiosas en los Países Bajos meridionales. [17] Un papel fundamental lo desempeñó el escultor bruselense François Duquesnoy , que trabajó durante la mayor parte de su carrera en Roma. Su estilo barroco más elaborado, más cercano al clasicismo de Bernini, se difundió en los Países Bajos meridionales a través de su hermano Jerôme Duquesnoy (II) y otros artistas flamencos que estudiaron en su taller en Roma, como Rombaut Pauwels y posiblemente Artus Quellinus el Viejo . [18] [19]
El escultor más destacado fue Artus Quellinus el Viejo , miembro de una familia de famosos escultores y pintores, y primo y maestro de otro destacado escultor flamenco, Artus Quellinus el Joven . Nacido en Amberes, había pasado un tiempo en Roma, donde se familiarizó con la escultura barroca local y la de su compatriota François Duquesnoy. A su regreso a Amberes en 1640, trajo consigo una nueva visión del papel del escultor. El escultor ya no debía ser un ornamentalista sino un creador de una obra de arte total en la que los componentes arquitectónicos fueran reemplazados por esculturas. El mobiliario de la iglesia se convirtió en una ocasión para la creación de composiciones a gran escala, incorporadas al interior de la iglesia. [4] A partir de 1650, Quellinus trabajó durante 15 años en el nuevo ayuntamiento de Ámsterdam junto con el arquitecto principal Jacob van Campen . Este proyecto de construcción, y en particular las decoraciones de mármol que él y su taller produjeron, se convirtió en un ejemplo para otros edificios de Ámsterdam. El equipo de escultores que Artus supervisó durante su trabajo en el ayuntamiento de Ámsterdam incluía a muchos escultores, principalmente de Flandes, que se convertirían en escultores destacados por derecho propio, como su primo Artus Quellinus II , Rombout Verhulst , Bartholomeus Eggers y Gabriël Grupello y probablemente también Grinling Gibbons . Más tarde difundirían su idioma barroco en la República Holandesa, Alemania e Inglaterra. [20] [21] Otro escultor barroco flamenco importante fue Lucas Faydherbe (1617-1697), que era de Malinas , el segundo centro importante de escultura barroca en el sur de los Países Bajos. Se formó en Amberes en el taller de Rubens y jugó un papel importante en la difusión de la escultura del Alto Barroco en el sur de los Países Bajos. [22]
Mientras que los Países Bajos meridionales habían presenciado un pronunciado declive en el nivel de producción y reputación de su escuela de pintura en la segunda mitad del siglo XVII, la escultura reemplazó a la pintura en importancia, bajo el impulso de la demanda nacional e internacional y la producción masiva y de alta calidad de una serie de talleres familiares en Amberes. En particular, los talleres de Quellinus, Jan y Robrecht Colyn de Nole, Jan y Cornelis van Mildert, Hubrecht y Norbert van den Eynde , Pedro I, Pedro II y Hendrik Frans Verbrugghen , Willem y Willem Ignatius Kerricx , Pieter Scheemaeckers y Lodewijk Willemsens produjeron una amplia gama de esculturas, incluyendo mobiliario de iglesia, monumentos funerarios y esculturas a pequeña escala ejecutadas en marfil y maderas duraderas como el boj. [17] Mientras que Artus Quellinus el Viejo representó el alto Barroco, una fase más exuberante del Barroco conocida como Barroco tardío comenzó a partir de la década de 1660. Durante esta fase las obras se volvieron más teatrales, manifestándose a través de representaciones religioso-extáticas y decoraciones lujosas y vistosas. [4]
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Tras romper con el dominio español, la República Holandesa, predominantemente calvinista , produjo un escultor de renombre internacional, Hendrick de Keyser (1565-1621). También fue el arquitecto jefe de Ámsterdam y creador de importantes iglesias y monumentos. Su obra escultórica más famosa es la tumba de Guillermo el Taciturno (1614-1622) en la Nieuwe Kerk de Delft . La tumba fue esculpida en mármol, originalmente negro pero ahora blanco, con estatuas de bronce que representan a Guillermo el Taciturno, la Gloria a sus pies y las cuatro Virtudes Cardinales en las esquinas. Dado que la iglesia era calvinista, las figuras femeninas de las Virtudes Cardinales estaban completamente vestidas de la cabeza a los pies. [23]
Los alumnos y ayudantes del escultor flamenco Artus Quellinus el Viejo, que a partir de 1650 trabajó durante quince años en el nuevo ayuntamiento de Ámsterdam, desempeñaron un papel importante en la difusión de la escultura barroca en la República Holandesa. Este proyecto de construcción, y en particular las decoraciones de mármol que él y su taller produjeron, se convirtió en un ejemplo para otros edificios de Ámsterdam. Los numerosos escultores flamencos que se unieron a Quellinus para trabajar en este proyecto tuvieron una importante influencia en la escultura barroca holandesa. Entre ellos se encuentra Rombout Verhulst , que se convirtió en el principal escultor de monumentos de mármol, incluidos monumentos funerarios, figuras de jardín y retratos. [24]
Otros escultores flamencos que contribuyeron a la escultura barroca en la República Holandesa fueron Jan Claudius de Cock , Jan Baptist Xavery , Pieter Xavery , Bartholomeus Eggers y Francis van Bossuit . Algunos de ellos formaron a escultores locales. Por ejemplo, el escultor holandés Johannes Ebbelaer (c. 1666-1706) probablemente recibió formación de Rombout Verhulst, Pieter Xavery y Francis van Bossuit. [25] Se cree que Van Bossuit también fue el maestro de Ignatius van Logteren . [26] Van Logteren y su hijo Jan van Logteren dejaron una marca importante en toda la arquitectura y decoración de las fachadas de Ámsterdam del siglo XVIII. Su obra constituye la última cumbre del barroco tardío y el primer estilo rococó en la escultura de la República Holandesa. [27]
La escultura barroca temprana en Inglaterra estuvo influenciada por la afluencia de refugiados de las Guerras de Religión en el continente. Uno de los primeros escultores ingleses en adoptar el estilo fue Nicholas Stone (también conocido como Nicholas Stone el Viejo) (1586-1652). Fue aprendiz de otro escultor inglés, Isaak James, y luego, en 1601, del célebre escultor holandés Hendrick de Keyser , que se había refugiado en Inglaterra. Stone regresó a Holanda con De Keyser, se casó con su hija y trabajó en su estudio en la República Holandesa hasta que regresó a Inglaterra en 1613. Stone adaptó el estilo barroco de los monumentos funerarios, por los que De Keyser era conocido, particularmente en la tumba de Lady Elizabeth Carey (1617-18) y la tumba de Sir William Curle (1617). Al igual que los escultores holandeses, también adaptó el uso de mármol blanco y negro en contraste en los monumentos funerarios, drapeados cuidadosamente detallados e hizo rostros y manos con un naturalismo y realismo notables. Al mismo tiempo que trabajaba como escultor, también colaboró como arquitecto con Inigo Jones . [28]
En la segunda mitad del siglo XVIII, el escultor y tallista de madera angloholandés Grinling Gibbons (1648-1721), que probablemente se había formado en la República Holandesa, creó importantes esculturas barrocas en Inglaterra, entre ellas el Castillo de Windsor y el Palacio de Hampton Court, la Catedral de San Pablo y otras iglesias de Londres. La mayor parte de su obra está realizada en madera de tilo ( Tilia ), especialmente guirnaldas barrocas decorativas. [29] Inglaterra no tenía una escuela de escultura propia que pudiera satisfacer la demanda de tumbas monumentales, esculturas de retratos y monumentos a hombres de genio (los llamados dignos ingleses). Como resultado, los escultores del continente desempeñaron un papel importante en el desarrollo de la escultura barroca en Inglaterra. Varios escultores flamencos estuvieron activos en Inglaterra desde la segunda mitad del siglo XVII, entre ellos Artus Quellinus III , Antoon Verhuke, John Nost , Peter van Dievoet y Laurens van der Meulen . [30] Estos artistas flamencos colaboraron a menudo con artistas locales como Gibbons. Un ejemplo es la estatua ecuestre de Carlos II, para la que Quellinus probablemente talló los paneles en relieve para el pedestal de mármol, siguiendo diseños de Gibbons. [31]
En el siglo XVIII, el estilo barroco sería continuado por una nueva afluencia de artistas continentales, incluidos los escultores flamencos Peter Scheemakers , Laurent Delvaux y John Michael Rysbrack y el francés Louis François Roubiliac (1707-1767). Rysbrack fue uno de los principales escultores de monumentos, decoraciones arquitectónicas y retratos en la primera mitad del siglo XVIII. Su estilo combinó el barroco flamenco con influencias clásicas. Dirigió un importante taller cuya producción dejó una importante huella en la práctica de la escultura en Inglaterra. [32] Roubiliac llegó a Londres alrededor de 1730, después de formarse con Balthasar Permoser en Dresde y Nicolas Coustou en París. Se ganó una reputación como escultor de retratos y más tarde también trabajó en monumentos funerarios. [33] Entre sus obras más famosas se encuentran un busto del compositor Handel , [34] realizado durante la vida de Handel para el patrón de los jardines de Vauxhall y la tumba de Joseph y Lady Elizabeth Nightengale (1760). Lady Elizabeth había muerto trágicamente de un falso parto provocado por un rayo en 1731, y el monumento funerario capturó con gran realismo el patetismo de su muerte. Sus esculturas y bustos retrataban a sus sujetos tal como eran. Iban vestidos con ropas corrientes y se les daban posturas y expresiones naturales, sin pretensiones de heroísmo. [35] Sus bustos de retrato muestran una gran vivacidad y, por lo tanto, se diferenciaban del tratamiento más amplio de Rysbrack. [33]
El movimiento barroco floreció especialmente a finales del siglo XVII y principios del XVIII en Alemania y en los estados del Imperio de los Habsburgo gobernados desde Viena . Los iconoclastas protestantes habían destruido un gran número de iglesias y estatuas durante la Reforma y las Guerras de religión , y se realizaron grandes cantidades de obras nuevas para reemplazarlas. Muchas de las nuevas obras expresaban temas triunfales: Hércules matando a un león, San Miguel matando a un dragón y otros temas que representaban el triunfo de la Iglesia católica sobre los protestantes. [36]
Varios escultores vinieron de los Países Bajos para participar en la reconstrucción. Entre ellos se encontraba Hubert Gerhard (1550-1622) de Ámsterdam, un estudiante de Giambologna , a quien el banquero alemán Hans Fugger encargó que hiciera una fuente monumental para su castillo en Kirchheim . Esta fue la primera fuente de estilo barroco italiano hecha al norte de los Alpes. Gerhard pronto recibió el encargo de hacer una fuente de estilo barroco italiano para la plaza de la ciudad de Augsburgo y una estatua de San Miguel matando a un dragón para la residencia del príncipe en Múnich . Los escultores Hans Krumper (1570-1634), Hans Reichle (1570-1624) y el holandés Adrien de Vries (1545-1626) hicieron fuentes y estatuas monumentales de bronce similares, llenas de acción y drama, para fachadas de iglesias y plazas de ciudades en Baviera. [36]
Uno de los escultores alemanes más inusuales del Barroco tardío fue Franz Xaver Messerschmidt , conocido tanto por sus esculturas religiosas como por una serie de retratos esculpidos que retrataban expresiones extremas. [37]
Balthasar Permoser (1651-1732) pasó catorce años en Italia, de 1675 a 1689, antes de convertirse en escultor de la corte de Dresde . Trabajó en Venecia, Roma y Florencia, y trajo el barroco italiano a Dresde, particularmente en los jardines y la decoración interior del Palacio Zwinger . Su obra más famosa fue una escultura de La apoteosis del príncipe Eugenio de Saboya , el general que había derrotado la invasión de los turcos otomanos. El príncipe está retratado con su pie sobre un turco derrotado y con los atributos de Hércules. Su púlpito esculpido para la Hofkirche de Dresde es otra obra maestra de la escultura barroca. [38]
El teatro más dramático de la escultura barroca en Alemania fue la arquitectura eclesiástica. Hans Riechle, Jorg Zurn, Hans Degler y otros artistas crearon retablos y altares particularmente complejos, repletos de estatuas y que se elevaban casi hasta los techos. La familia de Michael Zürn produjo varias generaciones de escultores muy productivos, que realizaron figuras de madera policromada o dorada y estuco. Otros artistas que produjeron retablos notables fueron Thomas Schwanthaler. [37]
En Viena, a finales del siglo XVIII se produjeron algunas obras extraordinarias que marcaron la transición del barroco al rococó , entre ellas La caída de los ángeles en la iglesia de San Miguel de Viena, de Karl Georg Merville. [ cita requerida ]
El surgimiento del estilo barroco en España, al igual que en Italia, fue impulsado en gran medida por la Iglesia Católica, que lo utilizó durante la Contrarreforma como una poderosa arma contra los protestantes. La gran mayoría de las obras se realizaron para tumbas, altares y capillas. Al mismo tiempo, el siglo XVII fue un período de decadencia económica y aislamiento político y cultural; pocos artistas españoles viajaron al extranjero, y solo un puñado de escultores del norte de Europa, en particular el artista flamenco José de Arce, llegaron a España. Como resultado, el barroco español se desarrolló independientemente del resto de Europa y tuvo sus propias características específicas. [39]
La coronación del francés Felipe V, nieto de Luis XIV, como rey de España y la primera dinastía borbónica a principios del siglo XVIII supusieron un cambio drástico en la política cultural y en el estilo. A partir de entonces, los encargos de obras de arte importantes pasaron a manos del rey, no de la Iglesia, y la Real Academia de las Artes, como en Francia, determinaba los temas, el estilo y los materiales. Este período se prolongó hasta aproximadamente 1770. [40]
Se encargaron grandes cantidades de esculturas para retablos, relicarios y monumentos funerarios en iglesias, así como estatuas para procesiones religiosas. Aparecieron nuevos temas, en particular obras dedicadas al culto de la Virgen María . El estilo, diseñado para popularizarse, se inclinó hacia el realismo. El material más utilizado era la madera, que se pintaba con frecuencia en diferentes colores. A partir de aproximadamente 1610, apareció un elemento específicamente español del realismo: los escultores dieron a sus estatuas pelucas de cabello real, utilizaron trozos de cristal para las lágrimas, dientes de marfil real y colores de piel pintados con un cuidadoso realismo. [40]
Hubo dos escuelas importantes de escultura española a principios del siglo XVI, la de Castilla y la de Andalucía . El énfasis en la escuela de Castilla estaba más en el sacrificio y el martirio, con una abundancia de sufrimiento vívido. La escuela de Andalucía generalmente usó mayor ornamentación y menos violencia; el niño Jesús y la Virgen María fueron temas más frecuentes que en Castilla. [41] El primer centro del estilo de Castilla fue Valladolid , donde residió el rey Felipe III de España de 1601 a 1606. El artista más importante de la escuela castellana temprana fue Gregorio Fernández (1576-1636). Sus primeras obras mostraron un realismo y naturalismo extraordinarios, mostrando todas las heridas. Su Descendimiento de la Cruz en Valladolid, muy detallado y realista, fue hecho para ser llevado en procesiones. [40] Su éxito le permitió crear un gran taller con numerosos ayudantes y realizar obras de gran tamaño, entre las que destaca el retablo de la Catedral de Plasencia realizado entre 1625 y 1632, considerado uno de los puntos culminantes del arte español de la primera mitad del siglo XVII. [42]
El otro centro temprano de la escultura barroca española fue la ciudad de Sevilla , que se había enriquecido enormemente con la riqueza de las colonias españolas en el Nuevo Mundo. El escultor más importante de la escuela sevillana primitiva fue Juan Martínez Montañés (1568-1649), cuyas obras retrataban el equilibrio y la armonía, con un mínimo de violencia y sangre. [42] Otro escultor sevillano importante fue Pedro Roldán (1624-1699), cuya obra principal fue el suntuoso retablo que representa el Descendimiento de Cristo de la Cruz, realizado para el Hospital de Caidad de Sevilla (1670-1672). La hija de Roldán, Luisa Roldán (1654-1704), también alcanzó fama por su trabajo y se convirtió en la primera mujer designada escultora real en España. [43]
Entre otros escultores barrocos españoles destacables se encuentran Alonso Cano de Granada (1601-1634), que también fue pintor y escultor, y cuyas obras se caracterizaron por un naturalismo idealizado. Su alumno, Pedro de Mena (1628-1688), se convirtió en uno de los escultores más importantes de la escuela sevillana, con sus delicadas y realistas estatuas de santos en tamaño natural. [44]
A principios del siglo XVIII se crearon varias obras de estilo barroco suntuoso, entre ellas el altar El Transparente de Narciso Tomé en Toledo , un enorme altar creado de forma que, al cambiar de luz, parece moverse. Fue una de las pocas obras en España realizadas en bronce y mármol, en lugar de madera. Fue la pieza central de un enorme complejo artístico compuesto por escultura, pintura y arquitectura que ocupa el centro de la catedral. [45]
Con la llegada de la dinastía borbónica al poder, el centro del arte se trasladó a Madrid, fuente de encargos reales. El aislamiento del arte español respecto del resto de Europa terminó con la llegada de artistas franceses e italianos, que fueron invitados a decorar el palacio real. También trajo consigo nuevas obras de arte de tendencia extrema, entre ellas la torturada Cabeza de San Pablo de Juan Alonso Villabrille y Ron , junto con obras más delicadas, entre ellas una escultura de San Florentino de Francisco Salzillo . [ cita requerida ]
El reinado de Carlos III de España (1760-1788) supuso un final abrupto para el barroco español y una transición hacia el neoclasicismo. El rey decretó en 1777 que todas las esculturas de altar y retablos debían ser aprobadas previamente por la Real Academia de San Fernando y que, siempre que fuera posible, se utilizara mármol y piedra, no madera, en las esculturas. [ cita requerida ]
El primer escultor y arquitecto barroco que trabajó en América Latina fue Pedro de Noguera (1580-), que nació en Barcelona y fue aprendiz en Sevilla . En 1619 se trasladó al Virreinato del Perú , donde, con Martín Alonso de Mesa, esculpió la sillería barroca del coro de la Basílica Catedral de Lima (1619-).
El estilo barroco de escultura fue transportado a otras partes de América Latina por los misioneros españoles y portugueses en el siglo XVIII, quienes encargaron obras a artistas locales. Se utilizó principalmente en las iglesias. La Escuela de Quito en Ecuador fue un grupo importante de escultores barrocos. Entre los artistas destacados de la escuela se encuentran Bernardo de Legarda y Caspicara .
Caspicara (1723–1796) fue un artista ecuatoriano que realizó figuras elegantes y ornamentadas para exhibirlas en las iglesias. Fue una figura central de lo que se conoce como la Escuela de Quito .
Aleijadinho (1730 o 1738 a 1814), hijo de un colono portugués y una esclava africana, es conocido por un grupo de estatuas monumentales de santos en esteatita (1800-1805) para el Santuario de Bom Jesus de Matosinhos en Congonhas , ahora Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. También hizo una serie de figuras de la Pasión en tamaño natural, que representan los acontecimientos que llevaron a la Crucifixión de Cristo (1780-1790).
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