Mijaíl Aleksándrovich Vrúbel ( en ruso : Михаил Александрович Врубель ; 17 de marzo de 1856 - 14 de abril de 1910) fue un pintor , dibujante y escultor ruso . Maestro prolífico e innovador en diversos medios como la pintura, el dibujo, la escultura decorativa y el arte teatral, Vrúbel se caracteriza generalmente como uno de los artistas más importantes de la tradición simbolista rusa y una figura pionera del arte modernista .
En una biografía de Vrubel de 1990, la historiadora de arte soviética Nina Dmitrieva consideró su vida y su arte como un drama de tres actos con prólogo y epílogo, mientras que la transición entre actos fue rápida e inesperada. El "Prólogo" se refiere a sus primeros años de estudio y elección de una carrera. El "primer acto" alcanzó su punto máximo en la década de 1880 cuando Vrubel estudiaba en la Academia Imperial de Artes y luego se mudó a Kiev para estudiar arte bizantino y cristiano . El "segundo acto" correspondió al llamado "período de Moscú" que comenzó con El demonio sentado de 1890, seguido por el matrimonio de Vrubel en 1896 con la cantante de ópera Nadezhda Zabela-Vrubel , su modelo de toda la vida, y terminó en 1902 con El demonio abatido y la posterior hospitalización del artista. El "tercer acto" duró de 1903 a 1906, cuando Vrubel padecía una enfermedad mental que fue minando poco a poco su capacidad física e intelectual. Durante los últimos cuatro años de su vida, siendo ya ciego, Vrubel vivió sólo físicamente. [1]
En los años 1880-1890, las aspiraciones creativas de Vrubel no encontraron el apoyo de la Academia Imperial de las Artes ni de los críticos de arte. Sin embargo, muchos coleccionistas y mecenas privados quedaron fascinados con sus pinturas, incluido el famoso mecenas Savva Mamontov , así como pintores y críticos que se unieron en torno a la revista Mir iskusstva . Con el tiempo, las obras de Vrubel se exhibieron en las propias exposiciones de arte de Mir Iskusstva y en las retrospectivas de Sergei Diaghilev . A principios del siglo XX, el arte de Vrubel se convirtió en una parte orgánica del Art Nouveau ruso . El 28 de noviembre de 1905, se le otorgó el título de Académico de Pintura por su "fama en el campo artístico", justo cuando Vrubel casi terminaba su carrera como artista.
La familia Vrubel no pertenecía a la nobleza. El bisabuelo del artista, Anton Antonovich Vrubel (del polaco : wróbel , que significa gorrión), era originario de Białystok y sirvió como juez en su ciudad natal. Su hijo Mikhail Antonovich Vrubel (1799-1859) siguió una carrera militar. Se retiró con el rango de mayor general, se casó dos veces y tuvo tres hijos y cuatro hijas. [2] Durante los últimos diez años de su vida, Mikhail Antonovich sirvió como atamán de los cosacos de Astracán . En ese momento, el gobernador de Astracán era un famoso cartógrafo y almirante Grigori Basargin . La hija del gobernador, Anna, se casó más tarde con el segundo hijo de Mikhail Antonovich del primer matrimonio, Alexander, quien anteriormente se graduó del Cuerpo de Cadetes , sirvió en el Regimiento de Infantería de Tengin, participó en las Guerras del Cáucaso y de Crimea . En 1855 nació su primera hija, Anna Aleksandrovna (1855-1928). En total tuvieron cuatro hijos. [3]
Mikhail Vrubel nació el 17 de marzo de 1856. En esa época, la familia Vrubel vivía en Omsk , donde Alexander servía como oficial de oficina del 2º Cuerpo de la Estepa Siberiana. Otros dos hijos, Alexander y Ekaterina, también nacieron en Omsk, sin embargo, murieron antes de la adolescencia. Los partos frecuentes y el clima siberiano adverso debilitaron significativamente la salud de la madre de Mikhail y en 1859 ella murió de tuberculosis . El futuro pintor tenía solo tres años cuando murió su madre. Uno de los recuerdos que Mikhail tenía de ese período es cómo su madre enferma yacía en la cama y recortaba para sus hijos "personajes, caballos y diferentes figuras fantásticas" de papel. [4] Siendo un niño débil desde su nacimiento, Mikhail comenzó a caminar solo a la edad de tres años. [5]
Debido a los constantes traslados de su padre, Anna y Mikhail pasaron su infancia mudándose a los lugares donde Alexander estaba destinado a servir. En 1859, fue designado para servir en Astracán , donde tenía parientes capaces de ayudarlo con los niños, pero ya en 1861 la familia tuvo que mudarse a Járkov . Allí, el pequeño Mikhail aprendió rápidamente a leer y desarrolló su interés por las ilustraciones de libros, especialmente las de la revista Zhivopisnoe obozrenie . [6]
En 1863, Alexander Vrubel se casó por segunda vez con Elizaveta Vessel de San Petersburgo, quien se dedicó a los hijos de su esposo (su propio hijo nació solo en 1867). En 1867, la familia se mudó a Saratov , donde el podpolkovnik Vrubel tomó el mando de la guarnición provincial. La familia Vessel pertenecía a la intelectualidad , una clase social de personas educadas que se dedicaban a dar forma a la cultura y la política de su sociedad. La hermana de Elizaveta, Alexandra Vessel, se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y contribuyó en gran medida a introducir a Mikhail en el mundo de la música. La propia Elizaveta dedicó mucho tiempo a mejorar la salud de Mikhail; más tarde, incluso recordó irónicamente que ella lo hizo seguir la "dieta de carne cruda y aceite de pescado". Sin embargo, no hay duda de que debía su fuerza física al régimen mantenido por su madrastra. [7] Además, el hermano de Elizaveta, el maestro profesional Nicolai Vessel , también participó en la educación de los niños introduciendo juegos educativos y entretenimiento en el hogar. A pesar de las buenas relaciones que había entre todos los parientes, Anna y Mikhail se mantenían un poco distantes con ellos. A veces se comportaban con frialdad con su madrastra, llamándola irónicamente "Madrin'ka - perl materei". También expresaban explícitamente su deseo de empezar una vida independiente fuera de casa, lo que molestaba a su padre. [8] A los 10 años, Mikhail manifestó su talento artístico a través del dibujo, el teatro y la práctica musical; todo esto ocupó en su vida futura no menos lugar que la pintura. Según Dmitrieva, "el niño era como un niño, dotado, pero más prometedor como un aficionado polifacético que como un artista obsesionado, en el que se convirtió más tarde". [9]
Además, Aleksandr Vrubel contrató a un profesor particular, Andrei Godin, del instituto de Saratov, que le enseñaba técnicas de pintura avanzadas. En aquella época, en Saratov se exhibía una copia de El juicio final de Miguel Ángel . El cuadro impresionó tanto a Mijaíl que, según su hermana, lo reprodujo de memoria con todo lujo de detalles. [10]
Mikhail Vrubel comenzó su educación en el quinto gimnasio de San Petersburgo donde la dirección de la escuela prestó especial atención a la modernización de los métodos de enseñanza, el avance de los estudios clásicos , el desarrollo literario de los estudiantes de secundaria, las lecciones de danza y gimnasia. Su padre, Alexander, también estaba en San Petersburgo, asistiendo voluntariamente a conferencias en la Academia de Derecho Militar Alexander como auditor. Además de sus estudios en el gimnasio, Mikhail asistió a clases de pintura en la escuela de la Sociedad Imperial para el Fomento de las Artes . Sin embargo, estaba más interesado en las ciencias naturales gracias a su maestro Nicolai Peskov, quien era un exiliado político. En 1870, después de vivir tres años en San Petersburgo, la familia Vrubel se mudó a Odessa , donde Alexander fue nombrado juez en el tribunal de la guarnición. [11]
En Odessa, Mikhail estudió en el Liceo Richelieu . Se han conservado varias cartas suyas a su hermana Anna, que estaba recibiendo formación docente en San Petersburgo. La primera carta está fechada en octubre de 1872; ambas cartas son grandes y fáciles de leer, con muchas citas en francés y latín . En estas cartas, Mikhail menciona las pinturas que hizo: el retrato de su hermano menor Alexander, que murió en 1869 (reproducido de la fotografía), y el retrato de Anna colgado en la oficina de su padre. Sin embargo, en comparación con otros intereses que tenía Mikhail, las clases de pintura no ocupaban mucho de su tiempo. [12] [13] Vrubel aprendía rápido y era el primero de su clase. Tenía un interés especial en la literatura, los idiomas, la historia y, en las vacaciones, le encantaba leerle a su hermana en latín original. El futuro pintor dedicaba incluso su tiempo libre a sus actividades favoritas. Por ejemplo, en una de sus cartas se quejaba a Anna de que en lugar de leer el Fausto de Goethe en su versión original y completar 50 ejercicios del libro de texto de inglés, había copiado al óleo "Atardecer en el mar" de Ivan Aivazovsky . [9] Al mismo tiempo, se podría decir que en esa época Mikhail estaba más interesado en el arte teatral que en la pintura, ya que apenas mencionó la exposición " Peredvizhniki " en Odessa, pero dedicó varias páginas a describir la compañía de ópera de San Petersburgo. [14]
Después de graduarse con honores, ni Vrubel ni sus padres pensaron en su carrera como artista. Se decidió enviar a Mikhail a San Petersburgo, donde podría estudiar en la Universidad Estatal de San Petersburgo y vivir con su tío Nicolai Vessel, quien también cubriría los gastos diarios de Vrubel. [14] La decisión de Mikhail de estudiar en la Facultad de Derecho fue interpretada de manera diferente por los biógrafos de Vrubel. Por ejemplo, Alexandre Benois , que estudió en la misma facultad, sugirió que la razón detrás de esta decisión fue la tradición familiar y los valores que la profesión jurídica tenía entre sus círculos sociales. En 1876, Vrubel tuvo que repetir el segundo año debido a las malas calificaciones y al deseo de fortalecer sus conocimientos sobre las materias. Sin embargo, a pesar de que Mikhail estudió durante un año más de lo esperado, no pudo defender su tesis y se graduó con el rango de "estudiante deistvitel'nyi ", que era el grado científico más bajo con el que uno puede graduarse. [15] A pesar de su profundo compromiso con la filosofía y, en particular, con la teoría de la estética de Immanuel Kant , el estilo de vida bohemio que su tío le permitió mantener fue en parte culpable de que no terminara la universidad. En esa época, Vrubel no dedicó mucho tiempo a practicar la pintura, [16] aunque hizo varias ilustraciones para obras literarias tanto clásicas como contemporáneas. Según Dmitrieva, "en general... el arte de Vrubel es completamente "literario": una obra rara suya no tiene su origen en una fuente literaria o teatral". [17] Una de las composiciones más famosas de ese período es "La cita de Ana Karenina con el hijo". Según Domitieva, esta fue su etapa "pre-Vrubel", ya que la pintura recuerda principalmente a las ilustraciones de revistas de esa época: "absolutamente romántica, incluso melodramática y decorada con mucho cuidado". [18] La participación activa en la vida teatral (Vrubel conocía personalmente a Modest Mussorgsky , quien visitaba con frecuencia la casa de Vessel) requería gastos considerables, por lo que Vrubel trabajó regularmente como tutor e institutriz . En 1875, incluso viajó a Europa con uno de sus alumnos; juntos, visitaron Francia, Suiza y Alemania. Además, Mikhail pasó el verano de 1875 en la finca que pertenecía a un abogado ruso, Dmitrii Berr (su esposa Yulia Berr era sobrina de Mikhail Glinka ). Luego, debido al excelente conocimiento del latín, Vrubel fue contratado como tutor en la familia Papmel, donde guió a su antiguo compañero de clase de la universidad.[19] Según las memorias de AI Ivanov:
Vrubel vivía con la familia Papmel como un pariente más: en invierno iba con ellos a la ópera, en verano se mudaba con todos a su casa de campo en Peterhof . La casa Papmels ofrecía un gran banquete y todo en ella era totalmente opuesto a la forma de vida de la familia Vrubel; su casa era un cuenco lleno, incluso en un sentido excesivamente literal, y durante el tiempo que estuvo con Papmels, Vrubel descubrió por primera vez su pasión por el vino, que nunca le faltó. [20]
Fue la familia Papmel, propensa al esteticismo y al estilo de vida bohemio, la que alentó el dandismo de Vrubel y su deseo de pintar. En una de sus cartas de 1879, Vrubel mencionó que renovó su relación con una acuarelista rusa, Emilie Villiers, quien patrocinó de todas las formas posibles las experiencias pictóricas de Mikhail en Odessa. Más tarde, Vrubel comenzó a comunicarse estrechamente con los estudiantes de la Academia Imperial de las Artes que trabajaban bajo el patrocinio de un famoso pintor ruso, Pavel Chistyakov . Vrubel comenzó a asistir a clases académicas nocturnas donde se permitía hacer audiciones y comenzó a perfeccionar sus habilidades plásticas. [21] Como resultado, a la edad de 24 años, Vrubel tuvo un punto de inflexión crucial en su vida: después de graduarse de la universidad y cumplir un breve servicio militar, Vrubel fue admitido en la Academia Imperial de las Artes. [9]
Según Domiteeva, la decisión de Vrubel de estudiar en la Academia de Bellas Artes surgió de su compromiso con la teoría de las ideas estéticas de Kant. Su colega más joven y admirador, Stepan Yaremich sugirió que Vrubel adoptó la filosofía de Kant de que "la claridad de la división entre la vida física y moral" condujo con el tiempo a una separación de estas áreas en la vida real. Mikhail Vrubel demostró "suavidad, flexibilidad, timidez en las pequeñas cosas de la vida cotidiana; mientras que la perseverancia férrea acompañó su dirección general de vida superior". Sin embargo, esto era solo una parte de la historia: sin duda, a la edad de 24 años, Vrubel se consideraba un genio. Según la teoría de la estética de Kant, la categoría de "genio" implicaba trabajar en una esfera "entre la libertad y la naturaleza" que solo se podía lograr en el campo de las artes. Para un Vrubel joven y talentoso, eso inspiró su plan de vida a largo plazo. [22]
A partir del otoño de 1880, Vrubel comenzó a asistir a clases de oyente en la Academia y, presumiblemente, a recibir clases particulares en el taller de Chistyakov . Sin embargo, estas clases no se documentaron hasta 1882; el propio pintor afirmó haber estudiado con Chistyakov durante cuatro años. En su autobiografía de 1901, el pintor calificó los años pasados en la Academia como "los más brillantes de su carrera artística" gracias a Chistyakov. Esto no contradice lo que le escribió a su hermana en 1883 (cuando reanudaron la correspondencia mutua, que se interrumpió durante seis años):
Cuando comencé mis lecciones con Chistyakov, seguí apasionadamente sus principales afirmaciones porque eran nada menos que una fórmula de mi actitud viva hacia la naturaleza, que está incrustada en mí. [23]
Entre los alumnos de Chistyakov se encontraban Ilya Repin , Vasily Surikov , Vasily Polenov , Viktor Vasnetsov y Valentin Serov , todos ellos con diferentes estilos de pintura. Todos ellos, incluido Vrubel, reconocieron a Chistyakov como su único maestro, honrándolo hasta el último día. Debido al escepticismo que prevalecía entre la segunda generación de eruditos, este tipo de relación entre el mentor y sus estudiantes no era muy apreciada. El método de Chistyakov era puramente académico , pero muy "individualista", ya que Pavel inspiraba "conceptos sagrados" al trabajar sobre una forma plástica, pero también enseñaba el dibujo consciente y el análisis estructural de la forma. Según Chistyakov, para construir la pintura es necesario descomponerla en varios planos pequeños transmitidos por planitud, y estos planos formarían las caras del volumen con sus huecos y protuberancias. La técnica "cristalina" de Vrubel fue así dominada por completo por su maestro. [24]
Uno de los amigos más importantes que Vrubel conoció durante su estancia en la Academia fue Valentin Serov . A pesar de la diferencia de edad de 10 años, estaban conectados en diferentes niveles, incluido el más profundo. [25] A lo largo de los años que pasó en el estudio de Chistyakov, los motivos de Vrubel cambiaron drásticamente: su dandiismo fue reemplazado por el ascetismo , sobre el que escribió con orgullo a su hermana. [26] A partir de 1881, después de pasarse a una clase de modelo natural, Mikhail asistió tanto a las clases de Chistyakov como a las lecciones matutinas de acuarela en el estudio de Repin. Sin embargo, su relación con Repin se complicó rápidamente debido a la discusión sobre la pintura " Procesión religiosa en la gobernación de Kursk ". En una de las cartas a su hermana, Vrubel mencionó que al "aprovecharse de la ignorancia [pública], Repin robó ese placer especial que distingue el estado de ánimo ante una obra de arte del estado de ánimo ante la hoja impresa expandida". Esta cita ilustra claramente la influencia de Chistyakov en la filosofía de Vrubel, ya que Pavel fue quien sugirió que la obediencia de las técnicas al arte es la propiedad espiritual fundamental de la creatividad rusa. [27]
Uno de los ejemplos más claros de la obra académica de Vrubel es su boceto “Romanos en banquete”. Aunque está elaborado formalmente según las reglas del arte académico, el cuadro viola todos los cánones básicos del academicismo: la composición no tiene un objetivo principal y la trama no está clara. [28]
A juzgar por la correspondencia entre Vrubel y su hermana, el pintor tardó casi dos años en pintar el cuadro. La trama era sencilla: un copero y un joven citaro se guiñan el ojo sentados junto al patricio dormido . La vista era bastante caprichosa, desde algún lugar de un balcón o una ventana alta. Implicaba una iluminación tenue "después del atardecer, sin ningún reflejo de luz" para reforzar los efectos de silueta. La intención de Vrubel era crear "algunas similitudes con Lawrence Alma-Tadema ". El boceto final en acuarela se fue llenando de subpegatinas y despertó el entusiasmo de Repin. Sin embargo, Vrubel sintió intuitivamente el límite de las formas inestables y finalmente abandonó las pinturas inacabadas, negándose a pintar un cuadro histórico. [29]
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Sin embargo, Vrubel no abandonó su idea de cobrar por su trabajo creativo. Gracias a la familia Papmel, recibió un encargo del industrial Leopold Koenig . Según el acuerdo mutuo, el tema y la técnica del cuadro quedarían a discreción del artista y el honorario sería de 200 rublos. Mikhail también decidió participar en el concurso iniciado por la Sociedad Imperial para el Fomento de las Artes y eligió la trama de " Hamlet y Ofelia " en el estilo del realismo de Rafael . Se han conservado los bocetos del autorretrato de Hamlet y las acuarelas para la composición general que representan al príncipe danés tal como lo representó Vrubel. Sin embargo, el trabajo en el cuadro se complicó con el empeoramiento de la relación entre el pintor y su padre. [30] Después de que "Hamlet" también fracasara, Vrubel fue persuadido por sus amigos para que representara a un modelo de la vida real. Para este papel eligieron a la experimentada modelo Agafya, a quien pusieron en la misma silla que sirvió de decoración para "Hamlet", mientras que el estudiante Vladimir Derviz trajo de la casa de sus padres terciopelo florentino , brocado veneciano y otras cosas del período renacentista . Vrubel terminó con éxito el cuadro "Retratada en un entorno renacentista" con el característico "estampado de pintura". Bajo la impresión de la "Retratada", Vrubel volvió a "Hamlet". Esta vez pintó al óleo sobre lienzo con Serov como modelo. [31]
A pesar del éxito formal, Vrubel no pudo graduarse en la Academia. Sin embargo, en 1883, su cuadro "Los esponsales de María y José" recibió la medalla de plata de la Academia. Siguiendo la recomendación de Chistyakov, en el otoño de 1883, el profesor Adrian Prakhov invitó a Vrubel a Kiev para trabajar en la restauración del Monasterio de San Cirilo del siglo XII . La oferta era halagadora y prometía buenas ganancias, por lo que el artista aceptó ir después del final del año académico. [32]
Los años que Vrubel pasó en Kiev resultaron ser casi los más importantes de su carrera. Por primera vez en su vida, el pintor pudo dedicarse a sus intenciones monumentales y volver a los fundamentos del arte ruso. En cinco años, Mikhail realizó una enorme cantidad de pinturas. Por ejemplo, pintó en solitario murales e iconos para la iglesia de San Cirilo , así como 150 dibujos para la restauración de la figura de un ángel en la cúpula de la catedral de Santa Sofía. Como señaló Dmitrieva:
Esta "coautoría" con los maestros del siglo XII era desconocida para los grandes artistas del siglo XIX. Acababa de terminar la década de 1880 y se iniciaba la primera búsqueda de la antigüedad nacional, por la que nadie más que los especialistas se interesaba, y estos últimos se interesaban más desde el punto de vista histórico que artístico. Vrubel fue el primero en Kiev que conectó la investigación arqueológica y las restauraciones con el arte contemporáneo vivo. Al mismo tiempo, no pensó en la estilización. Se sentía cómplice del duro trabajo de los maestros antiguos y trataba de ser digno de ellos. [33]
La invitación de Prajov fue casi una coincidencia, ya que buscaba un pintor calificado con cierta formación académica para pintar murales en la iglesia, pero que al mismo tiempo no fuera lo suficientemente reconocido como para no exigir un salario más alto. [34] A juzgar por la correspondencia con la familia, el contrato de Vrubel con Prajov era para la realización de cuatro iconos en un plazo de 76 días. El salario indicado era de 300 rublos pagados cada 24 días hábiles. [35]
Vrubel escenificó su llegada a Kiev con su estilo característico. Lev Kovalsky, que en 1884 era estudiante de la Escuela de Arte de Kiev y fue designado para recoger a Mijaíl en la estación, recordó más tarde:
... Sobre un fondo de primitivas colinas de Kirillovsky, un joven rubio, casi blanco, con una cabeza particular y pequeños bigotes, casi blancos, estaba de pie detrás de mí. Era de estatura moderada, muy proporcionado, llevaba... lo que más me llamó la atención... un traje de terciopelo negro con medias, pantalones cortos y tobilleras. <...> En general, imitaba a un joven veneciano de los cuadros de Tintoretto o Tiziano ; sin embargo, me enteré de ello muchos años después, cuando visité Venecia. [36]
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El fresco "La bajada del Espíritu Santo sobre los apóstoles", pintado por Vrubel en el coro de la iglesia de San Cirilo, une las características del arte bizantino con su propia actividad retratística. El fresco refleja la mayoría de los rasgos característicos de Vrubel y representa a los doce apóstoles, que están situados en un semicírculo en la bóveda de los coros. La figura de pie de María se encuentra en el centro de la composición. El fondo está coloreado de azul, mientras que los rayos dorados suben hacia los apóstoles desde el círculo en el que está el Espíritu Santo . [33] La modelo para la figura de María fue la paramédica M. Ershova, una visitante frecuente de la casa de los Prakhov y la futura esposa de uno de los pintores que participaron en el proceso de restauración. A la izquierda de María se encuentra el apóstol que fue pintado por el protoiereus Petr (Lebedintsev), que en ese momento enseñaba en el liceo Richelieu. A la derecha de María se encuentra el segundo apóstol, para quien el arqueólogo de Kiev Viktor Goshkevich estaba modelando. El tercero desde la derecha es el jefe de la parroquia de Kirillovsky, Peter Orlovsky, quien descubrió los restos de pinturas antiguas e interesó a la Sociedad Arqueológica Imperial Rusa en su reconstrucción. El cuarto apóstol, con las manos juntas en oración, es Prakhov. Además del "Descenso", Vrubel pintó "La entrada a Jerusalén" y "Lamentación de los ángeles". [37] El "Descenso" fue pintado directamente en la pared, sin cartón ni bocetos preliminares; solo se especificaron algunos detalles previamente en pequeñas hojas de papel. Curiosamente, la pintura representa a los apóstoles en un semicírculo con sus extremidades unidas al emblema del Espíritu Santo. Este estilo de pintura es de origen bizantino y se inspiró en un retablo alado tallado a martillo de uno de los monasterios de Tiflis . [38]
Vrubel viajó a Venecia junto con Samuel Gaiduk, un joven artista que pintaba según los bocetos de Mijail. Sin embargo, su viaje no estuvo exento de "aventuras". Según Prajov, Vrubel se encontró con su amigo de San Petersburgo, con quien salió de fiesta durante el traslado a Viena . Gaiduk, que llegó a Venecia con éxito, esperó dos días a que llegara Vrubel. La vida en Venecia en invierno era barata y los pintores compartían un estudio en el centro de la ciudad, en la Via San Maurizio. Ambos estaban interesados en las iglesias de la isla abandonada de Torcello . [39]
Dmitrieva describió la evolución artística de Vrubel de la siguiente manera: "Ni Tiziano ni Paolo Veronese , ni la magnífica atmósfera hedonista del Cinquecento veneciano le atrajeron. El abanico de sus aficiones venecianas está claramente definido: desde los mosaicos medievales y las vidrieras de la Basílica de San Marcos y la Catedral de Torcello hasta los pintores del Renacimiento temprano Vittore Carpaccio , Cima da Conegliano (cuyas figuras Vrubel encontró especialmente nobles), Giovanni Bellini ... Si el primer encuentro con el arte bizantino-ruso en Kiev enriqueció la visión de las formas plásticas de Vrubel, entonces Venecia enriqueció su paleta y despertó su don como colorista. [40] "
Estas características se pueden observar claramente en los tres iconos que Vrubel pintó en Venecia para la iglesia de San Cirilo: "San Cirilo", "San Afanasio" y el sombrío "Cristo Salvador". Acostumbrado a trabajar intensamente en el taller de Chistyakov, Vrubel pintó los cuatro iconos en un mes y medio y sintió la necesidad de estar ocupado y de no comunicarse. En Venecia conoció por casualidad a Dmitri Mendeleev , que estaba casado con una de las alumnas de Chistyakov. Juntos discutieron sobre cómo conservar las pinturas en condiciones de alta humedad y discutieron sobre las ventajas de escribir al óleo sobre tablas de zinc antes de pintar sobre un lienzo. Las tablas de zinc para los iconos de Vrubel llegaron directamente desde Kiev; sin embargo, durante mucho tiempo el pintor no pudo establecer su propia técnica y la pintura no se adhirió al metal. En abril, Vrubel sólo quería regresar a Rusia. [41]
Tras regresar de Venecia en 1885, Vrubel pasó mayo y parte de junio en Kiev. Se rumoreaba que, inmediatamente después de su regreso, le propuso matrimonio a Emily Prakhova, a pesar de que ella era una mujer casada. Según una versión de la historia, Vrubel no le comunicó su decisión a Emily, sino a su marido, Adrian Prakhov. Aunque a Mijail Vrubel no se le negó el acceso a la casa, Prakhov definitivamente le tenía "miedo", mientras que Emily estaba resentida por su inmadurez. [42] Al parecer, el incidente descrito un año después por el amigo de Vrubel, Konstantin Korovin, pertenece a este período:
Era un verano caluroso. Fuimos a nadar al gran lago del jardín. <...> “¿Qué son esas grandes rayas blancas que tienes en el pecho que parecen cicatrices?” – “Sí, son cicatrices. Me corté con un cuchillo”. <...> “… Pero dime, Mijail Alexandrovich, ¿por qué te cortaste? Debe ser doloroso. ¿Qué es esto? ¿Como una operación?” Miré más de cerca: sí, eran grandes cicatrices blancas, muchas. “¿Lo entenderás?” dijo Mijail Alexandrovich. “Significa que amé a una mujer, ella no me amaba a mí; tal vez me amaba, pero mucho impedía que me comprendiera. Sufrí por la incapacidad de explicárselo. Sufrí, pero cuando me corté, el sufrimiento disminuyó”. [43]
A finales de junio de 1885, Vrubel viajó a Odessa, donde renovó su relación con el escultor ruso Boris Edwards con quien anteriormente asistió a clases en la Escuela de Arte. Edwards, junto con Kyriak Kostandi , intentó reformar la Escuela de Arte de Odessa y decidió solicitar la ayuda de Vrubel. Instaló a Vrubel en su propia casa y trató de persuadirlo para que se quedara en Odessa para siempre. [44] En verano, Serov llegó a Odessa y Vrubel le contó por primera vez sobre su plan de pintar "El demonio ". En cartas a su familia, Vrubel también mencionó una tetralogía que probablemente se convirtió en uno de sus intereses secundarios. En 1886, Vrobel fue a Kiev para celebrar el año nuevo con el dinero que su padre le envió para un viaje a casa (en ese momento la familia residía en Járkov). [45]
En Kiev, Vrubel se reunía a menudo con los amigos del escritor Ieronim Yasinsky . También conoció a Korovin por primera vez. A pesar de su intenso trabajo, el pintor llevaba una vida "bohemia" y se convirtió en un asiduo del café-chantant "Shato-de-fler". Esto agotó su magro salario y la principal fuente de ingresos se convirtió en el fabricante de azúcar Ivan Tereshchenko , quien inmediatamente le dio al pintor 300 rublos para los gastos de su planeado "Cuento oriental". Vrubel solía tirar su dinero en el café-chantant. [46]
Al mismo tiempo, Adrian Prakhov organizó la pintura de la Catedral de San Volodymyr y, sin tener en cuenta sus actitudes personales, invitó a Vrubel. A pesar de la falta de cuidado de Vrubel hacia sus obras inspiradas en su estilo de vida "bohemio", creó no menos de seis versiones de "El llanto de la lápida" (solo se han conservado cuatro de ellas). La historia no está incluida en el Evangelio y no es habitual en el arte ortodoxo ruso , pero se puede ver en algunos iconos del Renacimiento italiano. Aunque comprendió claramente su significado y originalidad, Prakhov rechazó las pinturas independientes de Vrubel porque diferían significativamente de las obras de otros colegas participantes y habrían desequilibrado la integridad relativa de los murales ya ensamblados. [47] Prakhov señaló una vez que sería necesario construir una nueva catedral "en un estilo muy especial" para acomodar las pinturas de Vrubel. [48]
Además de las obras por encargo, Vrubel intentó pintar "Rezando por la copa" sólo "para sí mismo". Sin embargo, sufrió una grave crisis mental mientras intentaba terminarla. Le escribió a su hermana:
Dibujo y pinto a Cristo con todas mis fuerzas, pero, al mismo tiempo, presumiblemente, porque estoy lejos de mi familia, todos los rituales religiosos, incluida la Resurrección de Jesús , me parecen tan ajenos, que incluso me molestan. [49]
Mientras pintaba murales en las iglesias de Kiev, Vrubel se sintió atraído simultáneamente por la imagen del Demonio. Según P. Klimov, era bastante lógico e incluso natural que Vrubel transfiriera técnicas adquiridas durante la pintura de imágenes sagradas a imágenes completamente opuestas, y esto ilustra la dirección de sus actividades. [50] Su padre, Alexander, lo visitó en Kiev cuando Mikhail estaba pasando por algunos intensos problemas mentales. Aleksandr Vrubel le aterrorizaba el estilo de vida de Mijaíl: «No tenía mantas ni abrigos cálidos, ni más ropa que la que llevaba encima... Dolor, amargura, hasta las lágrimas». [51] El padre también vio la primera versión del «Demonio» que le disgustó. Incluso se dio cuenta de que era poco probable que este cuadro conectara con el público o con los representantes de la Academia de Arte. Como resultado, Mijaíl destruyó el cuadro y muchas otras obras que creó en Kiev. [52] Para ganarse la vida, el pintor comenzó a pintar el ya prometido «Cola oriental», pero sólo pudo terminar una acuarela. Intentó dársela a Emily Prakhova como regalo; y la rompió cuando ella la rechazó. Pero luego reconsideró y pegó las piezas de la obra destruida. El único cuadro terminado de este período fue el «Retrato de una niña sobre una alfombra persa» que representa a Mani Dakhnovich, la hija del dueño de la oficina de préstamos. Dmitrieva definió el género de este cuadro como un «retrato-fantasía». Sin embargo, al cliente no le gustó el resultado final. versión, y la obra fue posteriormente comprada por Tereshchenko. [53]
La crisis mental del pintor se hace patente en el siguiente incidente. Durante una visita a Prakhov, donde un grupo de artistas participaba en la pintura de la catedral, Vrubel anunció que su padre había muerto y que necesitaba viajar urgentemente a Járkov. Los pintores recaudaron dinero para su viaje. Al día siguiente, Alexander Vrubel llegó a Prakhov en busca de su hijo. Prakhov, confundido, tuvo que explicarle que la desaparición de Vrubel se debía a su enamoramiento de una cantante inglesa del café-chantant. [54] Sin embargo, los amigos intentaron asegurarse de que Vrubel tuviera ingresos regulares. Se le asignó un trabajo menor en la catedral de Vladímir: dibujar adornos y los "Siete días para la eternidad" en uno de los plafones según los bocetos hechos por los hermanos Pavel y Alexander Swedomsky . Además, Vrubel comenzó a enseñar en la Escuela de Arte de Kiev. Todos sus ingresos eran extraoficiales, sin ningún contrato firmado. [55] Resumiendo la vida de Mikhail en el "período de Kiev", Dmitrieva escribió:
Vivía en las afueras de Kiev y se inspiraba únicamente en los maestros antiguos. Estaba a punto de entrar en el meollo de la vida artística, la vida moderna. Esto sucedió cuando se mudó a Moscú. [56]
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En 1889, Mijaíl Vrúbel tuvo que viajar urgentemente a Kazán, donde su padre estaba gravemente enfermo; más tarde se recuperó, pero debido a la enfermedad, tuvo que dimitir y establecerse en Kiev. En septiembre, Mijaíl fue a Moscú para visitar a unos conocidos y, como resultado, decidió quedarse allí durante los siguientes 15 años. [57]
El traslado de Vrubel a Moscú fue accidental, como muchas otras cosas que le sucedieron en la vida. Lo más probable es que viajara allí porque se enamoró de una amazona de circo a la que conoció gracias al hermano de Yasinsky, que actuaba bajo el seudónimo de "Alexander Zemgano". Como resultado, Vrubel se instaló en el estudio de Korovin en la calle Dolgorukovskaya . [58] Vrubel, Korovin y Serov incluso tuvieron la idea de compartir un estudio, pero, sin embargo, no se hizo realidad debido al deterioro de las relaciones con Serov. Más tarde, Korovin presentó a Vrubel a la famosa mecenas de las artes Savva Mamontov . [59] En diciembre, Vrubel se mudó a la casa de Mamontov en la calle Sadovaya-Spasskaya ( un edificio anexo de la finca de Savva Mamontov en la ciudad ). Según Domiteeva, lo invitaron "no sin prestar atención a sus habilidades como institutriz". [60] Sin embargo, la relación entre Vrubel y la familia Mamontov no funcionó: la esposa del mecenas no soportaba a Vrubel y lo llamaba abiertamente "blasfemo y borracho". Poco después, el pintor se mudó a un apartamento de alquiler. [61]
El regreso al tema del Demonio coincidió con el proyecto iniciado por los hermanos Kushnerev y el editor Petr Konchalovsky que pretendían publicar un libro de dos volúmenes dedicado al jubileo de Mijaíl Lérmontov con ilustraciones de "nuestras mejores fuerzas artísticas". En total, fueron 18 los pintores, entre ellos Ilya Repin, Ivan Shishkin , Ivan Aivazovsky , Leonid Pasternak y Apollinary Vasnetsov . De ellos, Vrubel era el único que era completamente desconocido para el público. [62] No se sabe quién atrajo la atención de los editores hacia Vrubel. Según diferentes versiones, Vrubel fue presentado a Konchalovsky por Mamontov, Korovin e incluso Pasternak, quien era responsable de la edición. [62] El salario por el trabajo era bastante pequeño (800 rublos por 5 ilustraciones grandes y 13 pequeñas). [63] Debido a su complejidad, sus pinturas eran difíciles de reproducir y Vrubel tuvo que modificarlas. La principal dificultad, sin embargo, era que sus colegas no entendían el arte de Vrubel. A pesar de ello, la publicación ilustrada fue aprobada por las autoridades de censura el 10 de abril de 1891. Inmediatamente después, la publicación fue ampliamente discutida en la prensa, que criticó duramente las ilustraciones por su "grosería, fealdad, caricatura y absurdidad". [64] Incluso las personas que simpatizaban con Vrubel no lo entendían. Así, el pintor cambió sus puntos de vista sobre la estética sugiriendo que el "verdadero arte" es incomprensible para casi todo el mundo, y la "comprensibilidad" era tan sospechosa para él como lo era la "incomprensibilidad" para los demás. [65]
Vrubel realizó todas sus ilustraciones en acuarela negra; la monocromaticidad permitió enfatizar la naturaleza dramática del tema y permitió mostrar la gama de búsquedas texturizadas exploradas por el artista. El Demonio era un "ángel caído" arquetípico que simultáneamente unía figuras masculinas y femeninas. Tamara fue representada de manera diferente en cada imagen, y eso enfatizó su inevitable elección entre lo terrenal y lo celestial. [66] Según Dmitrieva, las ilustraciones de Vrubel muestran que el pintor estaba en la cima de su habilidad como artista gráfico. [67]
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Mientras trabajaba en las ilustraciones, Vrubel pintó su primer cuadro de gran formato sobre el mismo tema: " El demonio sentado ". Esta pintura es una representación del demonio al principio del poema de Lermontov y del vacío y la desesperación que siente entonces. [68] Según Klimov, fue el más famoso de los Demonios de Vrubel y el más libre de cualquier asociación literaria. [66] El 22 de mayo de 1890, en la carta a su hermana, Vrubel mencionó:
... Estoy pintando al Demonio, no me refiero a ese "Demonio" fundamental que crearé más tarde, sino a un "demoníaco": una figura joven, semidesnuda, alada, tristemente pensativa, que se sienta abrazando sus rodillas contra el atardecer y mira un claro florido con ramas que se extienden bajo las flores que se extienden hacia ella. [69]
El cuadro multicolor resultó ser más ascético que las ilustraciones monocromas. [70] Los colores que Vrubel utiliza tienen una calidad frágil, cristalina, que enfatiza la falta de vitalidad, esterilidad y frialdad del Demonio reflejada en la naturaleza circundante. [71] En la pintura, Vrubel ha utilizado su paleta de colores típica de azules y púrpuras, que recuerda a los mosaicos bizantinos. [72] Una de las características del arte de Vrubel es el efecto brillante y centelleante que poseen muchas de sus pinturas. Esto encaja dentro de la tradición bizantina donde tales efectos brillantes y resplandecientes de los mosaicos estaban destinados a expresar la encarnación milagrosa de Dios. [73] Los objetivos de Vrubel pueden no haber sido expresar esto en particular, pero sí dar a sus pinturas una sensación espiritual, de otro mundo. La textura y el color de la pintura enfatizan el carácter melancólico de la naturaleza del Demonio que anhela un mundo vivo. Es característico que las flores que lo rodean sean cristales fríos que reproducen fracturas de rocas. La alienación del demonio con respecto al mundo se enfatiza con nubes de "piedra". [69] La oposición entre la vitalidad y la fuerza del demonio y su incapacidad/falta de deseo de hacer algo se representa mediante un énfasis en el cuerpo musculoso del demonio y sus dedos entrelazados. Estos elementos contrastan con los sentimientos de impotencia que transmite su cuerpo encorvado y la tristeza en el rostro del demonio. [74] La figura puede ser fuerte y musculosa en el exterior, pero es pasiva e introvertida en su postura. [75] La figura del demonio no se representa como una encarnación del diablo, sino como un ser humano destrozado por el sufrimiento. [76] "El demonio" puede verse como una manifestación de la larga búsqueda de libertad espiritual de Vrubel. A pesar de la propia descripción de Vrubel, el demonio no tiene alas, pero existe su espejismo formado por el contorno de grandes inflorescencias detrás de su hombro y el cabello plegado. [77] El pintor volvió a su imagen solo ocho años después. [66]
El 20 de julio de 1890, el pintor A. Mamontov, de 22 años, murió en la colonia de Abramtsevo . Como amigo de Mamontov, Mikhail Vrubel asistió al funeral. Se encariñó tanto con los paisajes locales que decidió quedarse allí. En Abramtsevo, Vrubel quedó fascinado con la cerámica y poco después le mencionó con orgullo a su hermana Anna que ahora dirige la "fábrica de azulejos de cerámica y decoraciones de terracota ". [78] Savva Mamontov no entendía las aspiraciones estéticas de Vrubel, pero reconoció su talento e hizo todo lo posible para crear un entorno de vida adecuado para el pintor. Por primera vez en su vida, Vrubel dejó de depender de familias nobles para su sustento y comenzó a ganar un buen dinero completando varios encargos de cerámica; decorando una capilla de mayólica en la tumba de A. Mamontov; proyectando la ampliación en "estilo romano-bizantino" de la mansión de Mamontov. [79] Según Dmitrieva, "Vrubel... parecía irreemplazable, ya que podía hacer fácilmente cualquier arte, excepto escribir textos. Escultura, mosaicos, vidrieras, mayólicas , máscaras arquitectónicas, proyectos arquitectónicos, escenografías teatrales, vestuario: en todo esto se sentía inherentemente cómodo. Su idea decorativa y gráfica brotaba como una cañería rota: sirins , rusalkas , divas marinas, caballeros, elfos, flores, libélulas, etc. se hacían "con estilo", con una comprensión de las características del material y el entorno. Su objetivo era encontrar la "belleza pura y elegante", que al mismo tiempo se abriera paso en la vida cotidiana y, por lo tanto, en el corazón del público. Vrubel se convirtió en uno de los fundadores del "Art Nouveau ruso", el "nuevo estilo" que se sumó al romanticismo neorruso del círculo de Mamontov y surgió parcialmente de él". [80]
El estudio de Mamontov en Abramtsevo y el estudio de Tenisheva en Talashkino encarnaban los principios del " movimiento Arts and Crafts ", fundado inicialmente por William Morris y sus seguidores. Los partidarios discutían un renacimiento de las artesanías tradicionales rusas al mismo tiempo que la fabricación a máquina contradecía la singularidad que era el principio artístico principal del Art Nouveau. [81] Vrubel trabajó tanto en Abramtsevo como en Talashkino. Sin embargo, ambos estudios diferían en los aspectos del arte. Por ejemplo, Mamontov se concentró principalmente en proyectos teatrales y arquitectónicos, mientras que Tenisheva se centró en las tradiciones nacionales rusas. [82] La cerámica de la fábrica de alfareros de Abramtsevo jugó un papel importante en el renacimiento de la mayólica en Rusia. Vrubel se sintió atraído por ella debido a la simplicidad de la mayólica, su espontaneidad y su textura áspera y caprichosos derrames de esmalte. La cerámica le permitió a Vrubel experimentar libremente con las posibilidades plásticas y artísticas del material. La falta de artesanía en sus patrones le permitió hacer realidad sus fantasías. [83] En Abramtsevo, los planes de Vrubel fueron apoyados y llevados a la práctica por el famoso ceramista Peter Vaulin . [84]
En 1891, la familia Mamontov viajó a Italia. Planearon itinerarios de viaje en torno a los intereses del taller de cerámica de Abramtsevo. Vrubel acompañó a la familia como consultor, lo que provocó un conflicto entre él y la esposa de Mamontov, Elizaveta. Así, Mamontov y Vrubel fueron a Milán , donde estudiaba la hermana de Vrubel, Elizaveta (Liliia). [85] Se sugirió que el pintor pasaría el invierno en Roma , donde podría terminar el encargo de Mamontov: las decoraciones para " Las alegres comadres de Windsor " y diseñar el nuevo telón para la Ópera Privada . Savva Mamontov le pagaba a Vrubel un salario mensual; sin embargo, un intento de instalarlo en la casa de los Mamontov provocó un escándalo con Elizaveta, tras el cual Vrubel decidió quedarse con Svedomsky. [86]
Vrubel no se llevaba bien con los demás artistas rusos que trabajaban en Roma y los acusaba continuamente de falta de talento artístico, plagio y otras cosas. Era mucho más cercano a los hermanos Alexander y Pavel Svedomsky, con quienes visitaba regularmente el teatro de variedades " Apollon " y el café "Aran'o". También le gustaba su estudio, que fue reconstruido a partir del antiguo invernadero. Tenía paredes de cristal y el techo romano, lo que hacía muy difícil quedarse allí en invierno debido al frío. Los Svedomsky reconocieron incondicionalmente la superioridad creativa de Vrubel y no solo lo instalaron en su casa, sino que también compartieron con él encargos comerciales. [87] Al final, Mamontov organizó la estancia de Vrubel en el estudio de Alexander Rizzoni, un pintor medio italiano que se graduó en la Academia Rusa de las Artes. Vrubel lo respetaba mucho y trabajaba voluntariamente bajo la supervisión de Rizzoni. La razón principal de esto fue que Rizzoni se consideraba a sí mismo sin derecho a interferir en el estilo personal del pintor, pero era exigente con la diligencia. Vrubel escribió posteriormente: "No he escuchado de mucha gente tanta crítica justa pero benévola". [88]
En el invierno de 1892, Vrubel decidió participar en el Salón de París , donde se le ocurrió una idea para el cuadro "La doncella de nieve" (no se conserva). Más tarde, Elizaveta Mamontova escribió:
Visité a Vrubel, que pintó en acuarela una cabeza de tamaño natural de la Doncella de las Nieves sobre el fondo de un pino cubierto de nieve. Los colores son hermosos, pero la cara tenía flemón y ojos furiosos. Qué irónico, tuvo que venir a Roma para pintar el invierno ruso. [89]
Vrubel continuó trabajando en Abramtsevo. Regresó de Italia con la idea de pintar paisajes a partir de fotografías, lo que le permitió ganar 50 rublos por una sola vez. [90] Una de sus obras más significativas después de su regreso fue el panel "Venecia", que también pintó basándose en la fotografía. La característica principal de esta composición es su atemporalidad: es imposible decir cuándo tuvo lugar la acción. Las figuras estaban dispuestas caóticamente, "comprimiendo" el espacio, que se proyecta sobre el plano. Una pareja para Venecia se convirtió en "España", que los críticos reconocen como una de las pinturas de Vrubel con mayor perfección. [91]
Vrubel pasó el invierno de 1892-1893 en Abramtsevo. Gracias a los encargos regulares de obras para Mamontov, la reputación de Vrubel en Moscú creció enormemente. Por ejemplo, el pintor recibió el encargo de decorar la mansión de la familia Dunker en la calle Povarskaya. Además, junto con el arquitecto más famoso del Art Nouveau moscovita Fyodor Schechtel , Vrubel decoró la mansión de Zinaida Morozova en la calle Spiridonovka y la casa de A. Morozov en la calle Podsosenskiy. [92]
Las obras decorativas de Vrubel ilustran la universalidad de su talento. El pintor combinaba la pintura con la arquitectura, la escultura y las artes aplicadas. Karpova reconoció su papel destacado en la creación de conjuntos de la modernidad moscovita. La escultura de Vrubel atrajo la atención de sus contemporáneos. Por ejemplo, al final de su vida, Aleksandr Matveyev mencionó que "sin Vrubel no habría existido Serguéi Konenkov ...". [93]
La composición gótica "Roberto y las monjas" se considera generalmente como la escultura más importante de Vrubel; decora la escalera de la mansión Morozov. [93] La literatura sobre arquitectura enfatiza el papel exclusivo que jugó Vrubel en la formación de apariencias artísticas del Art Nouveau moscovita. El artista creó varias composiciones (pequeñas esculturas plásticas de mayólica y azulejos) que decoraron edificios importantes en estilo moderno y pseudo-ruso ( la estación de tren Yaroslavsky de Moscú , Osobnyak MF Yakunchikovoy , Dom Vasnetsova ). La mansión Mamontov en la calle Sadovaya-Spasskaya fue construida exactamente de acuerdo con las ideas arquitectónicas de Vrubel; también dirigió varios otros proyectos, como la iglesia en Talashkino y el pabellón de exposiciones en París. [94] [95]
Hasta noviembre de 1893, Vrubel trabajó en "El juicio de París", que debía decorar la mansión de los Dunker. Yaremich más tarde definió esta obra como "una gran fiesta del arte". [96] Sin embargo, los clientes rechazaron tanto "París" como la apresurada "Venecia". Un conocido coleccionista Konstantin Artsybushev compró más tarde ambas obras. También instaló un estudio en su casa de la calle Zemlyanoy Val, donde Vrubel permaneció durante la primera mitad de la década de 1890. En esa época, Anna Vrubel se trasladó a Moscú desde Oremburgo y pudo ver a su hermano con más frecuencia. [97]
En 1894, Vrubel cayó en una profunda depresión y Mamontov lo envió a Italia para cuidar de su hijo Sergei, un oficial de húsares retirado que debía recibir tratamiento en Europa (sufría una enfermedad renal hereditaria y se sometió a una operación). Por lo tanto, la candidatura de Vrubel parecía muy adecuada: Mikhail no soportaba el juego e incluso abandonó el casino de Montecarlo , diciendo "¡qué aburrimiento!". [98] En abril, después de regresar a Odessa, Vrubel se encontró nuevamente en una situación de pobreza crónica y peleas familiares. Luego, una vez más, regresó al arte mayólico mientras creaba la Cabeza del demonio. Artsybushev compró esta obra y, con el dinero recibido, Vrubel regresó a Moscú. [99]
Casi al mismo tiempo, Vrubel pintó "La adivina" en un día, siguiendo un fuerte deseo interior. La composición es similar al retrato de Mani Dakhnovich: la modelo también está sentada en la misma pose contra la alfombra. La mujer de cabello negro de tipo oriental no presta atención a las cartas y su rostro permanece impenetrable. En cuanto a los colores, el foco está en un pañuelo rosa sobre los hombros de la niña. Según Dmitrieva, aunque tradicionalmente el rosa se asocia con la serenidad, el pañuelo parece "siniestro". [91] Presumiblemente, la modelo de "La adivina" era una de las amantes del artista de origen siberiano. Incluso en esta pintura, Vrubel se inspiró en la ópera Carmen, de la que tomó prestado un desafortunado resultado de adivinación: el as de espadas . El cuadro fue pintado sobre el retrato destruido del hermano de Mamontov, Nicolai. [100]
Vrubel siguió con su estilo de vida bohemio. Según las memorias de Korovin, después de recibir un gran salario por sus acuarelas, lo gastó de la siguiente manera:
Organizó la cena en el hotel “París”, donde también vivía. Invitó a todos los que se alojaban allí. Cuando me uní después del teatro, vi mesas cubiertas con botellas de vino, champán, mucha gente, entre los invitados: gitanos, guitarristas, una orquesta, algunos militares, actores, y Misha Vrubel trató a todos como un maître d’hôtel sirviendo champán de la botella envuelta en una servilleta. “Qué feliz soy”, me dijo. “Me siento como un hombre rico”. Mira qué bien se sienten todos y qué felices son.
Se habían gastado cinco mil rublos y aún no era suficiente para cubrir los gastos. Así que Vrubel trabajó duro durante los dos meses siguientes para cubrir la deuda. [101]
En 1895, Vrubel intentó ganarse la confianza de los círculos artísticos rusos. En febrero, envió el "Retrato de N. M. Kazakov" a la 23ª exposición del movimiento Peredvizhniki , pero el cuadro fue rechazado. En la misma temporada, logró participar en la tercera exposición de la Asociación de artistas de Moscú con su escultura "Cabeza de gigante", dedicada temáticamente al poema Ruslan y Ludmila . El periódico " Russkiye Vedomosti " criticó el cuadro y enumeró con benevolencia a todos los expositores, excepto a Vrubel, que fue mencionado por separado como un ejemplo de cómo privar a la trama de su belleza artística y poética. [102]
Más tarde, Vrubel participó en la Exposición Pan-Rusia de 1896, dedicada a la Coronación de Nicolás II y Alejandra Feodorovna . Savva Mamontov fue comisario de la exposición dedicada al norte de Rusia . Fue él quien se dio cuenta de que en la sección vecina de arte faltaban las pinturas que cubrirían dos grandes paredes vacías. Mamontov discutió con el Ministro de Finanzas su idea de cubrir estas paredes con grandes paneles con una superficie total de 20 × 5 m y encargó estos paneles a Vrubel. [103] En ese momento, el pintor estaba ocupado decorando la mansión de los Morozov en Moscú. Sin embargo, aceptó la oferta a pesar de que el pedido era bastante grande: el área total de las pinturas era de 100 metros cuadrados y debía terminarse en tres meses. [104] Planeaba decorar la primera pared con el cuadro " Mikula Selyaninovich ", que representaba metafóricamente la tierra rusa. Para la segunda pared, Vrubel eligió “La princesa del sueño”, inspirada en una obra del mismo nombre del poeta francés Edmond Rostand . El segundo cuadro representa simbólicamente el sueño de belleza del pintor. [105]
No fue posible completar el encargo en tan poco tiempo, por lo que Vrubel encargó al pintor T. Safonov de Nizhni Nóvgorod que comenzara a trabajar en "Mikula". Safonov debía pintar según los bocetos de Vrubel. El friso decorativo lo terminó A. Karelin, hijo del fotógrafo ruso Andrei Karelin . [106]
El 5 de marzo de 1896, el académico Albert Nikolayevitch Benois informó a la Academia de Bellas Artes que el trabajo que se estaba realizando en el pabellón de arte era incompatible con sus objetivos temáticos. Por ello, Benois exigió a Vrubel bocetos de los supuestos paneles. Tras llegar a Nizhni Nóvgorod el 25 de abril, Benois envió un telegrama:
Los paneles de Vrubel son aterradores; hay que quitárselos y esperar a que se resuelva el caso. [107]
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El 3 de mayo llegó a San Petersburgo el comité de la Academia, en el que estaban incluidos Vladimir Aleksandrovich Beklemishev , Konstantin Savitsky , Pavel Brullov y otros. Llegaron a la conclusión de que era imposible exponer las obras de Vrubel. Mamontov le dijo a Vrubel que siguiera trabajando y fue a San Petersburgo para convencer a los miembros del comité. Al mismo tiempo, mientras intentaba plasmar la trama de "Mikula Selyaninovich" en un lienzo, Vrubel se dio cuenta de que anteriormente no era capaz de proporcionar las figuras adecuadamente. Así que empezó a pintar la nueva versión directamente en el escenario del pabellón. Mamontov intentó proteger al pintor y pidió la convocatoria del nuevo comité. Sin embargo, sus reclamaciones fueron rechazadas y el 22 de mayo Vrubel tuvo que abandonar la sala de exposiciones mientras que todas sus obras ya habían sido retiradas. [108]
Vrubel no perdió nada económicamente, ya que Mamontov compró ambos cuadros por 5.000 rublos cada uno. También acordó con Vasily Polenov y Konstantin Korovin que terminaran la "Mikula" a medio terminar. Los lienzos fueron enrollados y llevados de vuelta a Moscú, donde Polenov y Korovin comenzaron a trabajar en ellos mientras Vrubel terminaba "La princesa del sueño" en un cobertizo de la fábrica de cerámica Abramtsevo. Ambos lienzos llegaron a Nizhny Novgorod justo antes de la visita del emperador programada para el 15-17 de julio. Además de dos paneles gigantes, la exposición de Vrubel incluía "La cabeza del demonio", "La cabeza del gigante", "El juicio de Paris" y "Retrato de un hombre de negocios K. Artsybushev". [109] Posteriormente, durante la construcción del Hotel Metropol , una de las fuentes que daba a la calle Neglinnaya fue decorada con un panel de mayólica que reproducía "La princesa del sueño". El panel fue realizado en el taller de Abramtsevo por encargo de Mamontov. [110]
En esa época, Mijaíl Vrúbel viajó a Europa para ocuparse de asuntos matrimoniales, mientras que Mamontov permaneció a cargo de todos sus asuntos en Moscú. [109] Construyó un pabellón especial llamado "Exposición de paneles decorativos hechos por Vrúbel y rechazados por la Academia de las Artes". [105] Así comenzaron los grandes debates en los periódicos. Nikolai Garin-Mijailovsky fue el primero en publicar el artículo "El pintor y el jurado" en el que analizaba cuidadosamente el arte de Vrúbel sin ninguna invectiva . Por el contrario, Máximo Gorki estaba en contra de Vrúbel. Se burló de "Mikula" comparándolo con un personaje ficticio, Chernomor. "La Princesa del Sueño" le ofendió por sus "payasadas, la fealdad de una trama por lo demás hermosa". En cinco artículos, Gorki expuso la "pobreza de espíritu y de imaginación" de Vrúbel. [111]
Más tarde Korovin mencionó en sus memorias la anécdota que ilustra cómo reaccionaron los funcionarios ante el escándalo:
Cuando Vrubel enfermó y fue hospitalizado, se inauguró en la Academia de Bellas Artes la exposición de Sergei Diaghilev . El emperador también estuvo presente en la ceremonia de inauguración. Cuando vio "Las lilas" de Vrubel, dijo:
– ¡Qué bonito! Me gusta.
El gran duque de Rusia, Vladimir Alexandrovich, que estaba de pie cerca, discutía acaloradamente:
– ¿Qué es esto? Esto es una decadencia ...
– No, me gusta – respondió el emperador – ¿Quién es el autor?
– Vrubel – fue la respuesta.
… Volviéndose hacia el séquito y notando al vicepresidente de la Academia de Artes, el conde Iván Ivánovich Tolstoi , el emperador dijo:– Conde Iván Ivánovich, ¿es éste el que fue ejecutado en Nizhny?... [112]
A principios de 1896, Vrubel viajó de Moscú a San Petersburgo para visitar a Savva Mamontov. Por esa misma época, estaba a punto de tener lugar el estreno ruso de la ópera de cuento de hadas " Hansel y Gretel ". Savva Mamontov se dejó llevar por esta puesta en escena e incluso tradujo personalmente el libreto , además de patrocinar la compañía combinada del teatro Panaevski . Entre los intérpretes esperados estaba la prima Tatiana Lubatovich . Originalmente, Konstantin Korovin era responsable de la decoración y el vestuario, pero debido a una enfermedad tuvo que renunciar al encargo en favor de Mikhail Vrubel, que nunca antes había asistido a una ópera. En uno de los ensayos, el pintor vio a Nadezhda Zabela-Vrubel , que interpretaba el papel de la hermana pequeña de Gretel. [113] Así es como Nadezhda Zabela recordó más tarde su primer encuentro con Mikhail:
En el descanso (recuerdo que me quedé detrás de la cortina), me sorprendió ver a un hombre correr hacia mí y, besándome el brazo, exclamar: “¡Qué voz más increíble!”. Tatiana Lubatovich, que estaba a mi lado, se apresuró a presentármelo: “Éste es nuestro pintor Mikhail Vrubel”, y, a un lado, me dijo: “Es una persona muy noble, pero un poco expansiva ”. [114]
Vrubel le propuso matrimonio a Nadezhda poco después de la primera reunión. En una de sus cartas a Anna Vrubel, mencionó que se suicidaría inmediatamente si Nadezhda rechazaba su propuesta. [114] La reunión con la familia Zabela no fue muy bien ya que sus padres estaban confundidos con la diferencia de edad (él tenía 40 años y ella 28). Incluso la propia Nadezhda estaba familiarizada con el hecho de que "Vrubel bebe, es muy errático con el dinero, derrocha el dinero, tiene un ingreso irregular e inestable". [115] Sin embargo, el 28 de julio se comprometieron en la Catedral de la Exaltación de la Santa Cruz en Ginebra, Suiza. La pareja pasó su luna de miel en una casa de huéspedes en Lucerna . Luego Vrubel continuó su trabajo en el panel para el gabinete gótico de Morozov. En el momento de su compromiso, Vrubel estaba completamente arruinado e incluso tuvo que ir desde la estación a la casa de Nadezhda a pie. [116]
En el otoño de 1896, Nadezhda Zabela Vrubel firmó un breve contrato con la Ópera de Járkov. Sin embargo, Vrubel no hacía muchos encargos en la ciudad y tenía que vivir del dinero de su esposa. Esto lo impulsó a dedicarse a la pintura teatral y al diseño de vestuario. Según los recuerdos de sus conocidos, Vrubel comenzó a diseñar vestuario para Nadezhda y a rehacer el vestuario de Tatiana Larina. [117] Como señaló Dmitrieva, Vrubel debe la fecundidad del período moscovita a Nadezhda y a su admiración por Nikolai Rimsky-Korsakov . [118] Se conocieron personalmente en 1898, cuando Nadezhda fue invitada a la Ópera Privada de Moscú . [119] Zabela recordó que Vrubel escuchó la ópera "Sadko", en la que cantó el papel de la princesa de Voljov, no menos de 90 veces. Cuando ella le preguntó si estaba cansado de eso, él respondió: “Puedo escuchar la orquesta sin parar, especialmente la parte del mar. Cada vez encuentro en ella una nueva maravilla, veo algunos tonos fantásticos”. [120]
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Durante su estancia en San Petersburgo en enero de 1898, Ilya Repin aconsejó a Vrubel que no destruyera el panel La mañana que había sido rechazado por el comisario, sino que intentara exponerlo en otra exposición. Como resultado, el panel fue exhibido en la muestra de pintores rusos y finlandeses organizada por Sergei Diaghilev en el museo de la Academia de Arte e Industria de San Petersburgo . [121]
En 1898, durante su estancia de verano en Ucrania, Vrubel experimentó varios síntomas de su futura enfermedad. Sus migrañas se volvieron tan fuertes que el pintor tuvo que tomar fenacetina en grandes cantidades (según su cuñada, hasta 25 granos o más). Mikhail comenzó a experimentar una ansiedad intensa, especialmente si alguien no estaba de acuerdo con su opinión sobre una obra de arte. [122]
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En los últimos años del siglo XIX, Vrubel hizo referencia a tramas de mitología fabulosa, en particular a Bogatyr , Pan y Tsarevna-Lebed .
En el cuadro "Pan" de 1899, Vrubel ha utilizado una figura mitológica para mostrar la unidad orgánica del hombre y la naturaleza. La figura no se parece a la imagen erótica de la eterna juventud que se conoce en Occidente: se parece a una figura del folclore ruso conocida como "leshiy", que es el espíritu ruso del bosque. [123] La criatura tiene una barba espesa, una figura fuerte y corpulenta y es conocida por ser traviesa. Se dice que esta figura es tan alta como los árboles y en las historias se sabe que engaña a los viajeros, pero solo como un juego porque es bondadoso. [124] La descaro de la criatura brilla en sus ojos. La criatura está ubicada en un crepúsculo, lo que insinúa el despertar de fuerzas misteriosas en la naturaleza, que se mantienen gracias a la rica vegetación y su manifestación: Pan. Pan sirve como símbolo de la naturaleza; la abundancia y la vivacidad de la naturaleza. Este símbolo también se visualiza en la representación del cuerpo de la figura: su cuerpo parece crecer de un tocón y los rizos de su cabello y sus dedos enroscados parecen los nudos y nudos de un roble. [125] El relámpago que Vrubel decidió incorporar y que brilla ligeramente sobre la figura crea una atmósfera misteriosa. La luna pálida pintada realza esta sensación. [126] Los ojos de la figura cuentan una historia, revelan la "vida psíquica de las figuras". [127] Parecen mirar directamente al espectador, como si el creador tuviera conciencia profética: Sentidos que los mortales no tienen, están fuera de este mundo. Los ojos azules de la criatura reflejan el agua en el pantano detrás de él.
El pintor logró terminar Pan en un día mientras se encontraba en la mansión de Tenisheva en Talashkino . La trama fue dibujada en un lienzo en el que previamente había comenzado a pintar el retrato de su esposa . La pintura se inspiró en la novela literaria "El santo sátiro" de Anatole France . [128] Con gran dificultad, pudo exponer sus pinturas en la exposición de Diaghilev. Fue incluso después de que sus pinturas se exhibieran en la exposición de la Asociación de Artistas de Moscú, donde no recibieron la atención. [129]
En 1898, Vrubel pintó "El caballero" o "El bogatyr". En esta pintura, Vrubel retrata a un bogatyr del antiguo folclore ruso, que se diferencia de los caballeros occidentales prerrafaelitas que son predominantemente elegantes y refinados. [130] Esta figura es pesada y fuerte, con barba y manos ásperas, y está lista para arar los campos y luchar. Esta pintura probablemente esté inspirada en la famosa figura épica rusa "Ilya de Murom", de quien se dice que derrotó a monstruos sobrenaturales y cuya pareja de caballos salta más alto que el árbol más alto y solo un poco más bajo que las nubes en el cielo. [131] En la bylina en la que se describe la historia de Ilya de Murom se lee: "Mientras descansaba en la tierra, el poder de Ilia se triplicó". [132] Vrubel ha hecho referencia a Byliny, que son antiguos cuentos eslavos sobre varios héroes famosos, en otras obras de decoración de interiores que hizo cuando se encontraba en Abramtsevo. [133] En Rusia, Ilya Muromet se asocia con una fuerza física increíble, un poder espiritual y una integridad, y su principal objetivo en la vida es la protección de la patria rusa y su gente. [134] Los patrones visibles en el caftán, la cota de malla y las botas del bogatyr se parecen a los de los santos de la guerra en los antiguos iconos rusos. [135] El paisaje de la pintura tiene cualidades ornamentales que recuerdan a las producciones de Bakst como "La tarde con el fauno". [136] La figura del bogatyr también está representada en "Bogatyrs" del pintor romántico Vasnetov. Sin embargo, esta pintura carece de las cualidades espirituales y fantásticas que posee la pintura de Vrubel. Vrubel no solo quería expresar el poder de la tierra rusa, como Vasnetov, sino también "la atmósfera encantadora de la metamorfosis silenciosa: la arcaica "pertenencia a la tierra" en la imagen del bogatyr". [137] La figura del héroe en la pintura de Vrubel puede interpretarse como una representación de la naturaleza hecha humana, al menos se siente como una parte íntima de ella. [138] El héroe es nativo de su entorno. Vrubel intentó hacer de la figura del héroe y del fondo un todo. Para Vrubel, la unificación del fondo y los símbolos era típica. [139] El héroe es parte del poder abundante y la calidad espiritual de la naturaleza; la naturaleza que a menudo se poetiza en el folclore. [140]
Existe la opinión generalizada de que el cuadro La princesa cisne (Tsarevna-Lebed) se inspiró en la puesta en escena de la ópera. Sin embargo, el lienzo se terminó en primavera, mientras que los ensayos de El cuento del zar Saltan se llevaron a cabo en otoño y el estreno se produjo el 21 de diciembre de 1900. [141] El mérito de este cuadro fue objeto de un amplio debate, ya que no todos los críticos lo reconocieron como una obra maestra. [142] Dmitrieva caracterizó esta obra de la siguiente manera: "Algo es alarmante en esta pintura: no fue sin razón que fue la pintura favorita de Alexander Blok . En el crepúsculo que se acerca con una franja carmesí del atardecer, la princesa flota en la oscuridad y solo por última vez se gira para hacer su extraño gesto de advertencia. Es poco probable que este pájaro con cara de virgen se convierta en la esposa obediente de Guidon, y su triste mirada de despedida no promete nada. No se parece a Nadezhda Zabela: es una persona completamente diferente, a pesar de que Zabela también interpretó este papel en "El cuento del zar Saltan". [143] Nicolai Prakhov encontró en el rostro de Tsarevna-Lebed un parecido con su hermana Elena Prakhova . Sin embargo, lo más probable es que la pintura se originara en una imagen de colección del primer amor de Vrubel, Emily Prakhova, Nadezhda Vrubel y, presumiblemente, de alguna otra persona. [144]
A mediados del verano de 1900, Mijaíl Vrúbel se enteró de que había sido galardonado con la medalla de oro en la Exposición Universal por la chimenea "Volga Sviatoslávich y Mikula Seliáninovich". Además de Vrúbel, las medallas de oro fueron entregadas a Korovin y Filipp Malyavin , mientras que Serov ganó el Gran Premio. En la exposición, las obras de Vrúbel (en su mayoría cerámicas aplicadas y arte mayólico) se exhibieron en el Palacio de Muebles y Decoración. [145] Más tarde, el artista reprodujo la chimenea "Volga Sviatoslávich y Mikula Seliáninovich" cuatro veces; sin embargo, solo una de ellas en la Casa de Bazhanov se utilizó para el uso previsto. En esos mismos años, Vrúbel trabajó como artista invitado en la fábrica de porcelana de Dulyovo . Su pintura de porcelana más famosa fue el plato "Sadko". [146]
Diez años después, Vrubel volvió a tratar el tema del demonio, como se desprende de su correspondencia con Nikolái Rimski-Kórsakov a finales de 1898. A partir del año siguiente, el pintor se debatía entre los cuadros "El demonio volador " y " El demonio abatido ". Como resultado, eligió la primera variante, pero el cuadro quedó inacabado. La pintura y varias ilustraciones se inspiraron en las tramas entrelazadas de El demonio de Lérmontov y "El profeta" de Pushkin. [147]
En el cuadro vemos al Demonio arrojado a las montañas, rodeado de un caos de colores que se arremolina. El cuerpo del Demonio está roto, pero sus ojos todavía nos miran fijamente, como si no estuvieran derrotados. [148] El cuerpo alargado del Demonio casi parece deformado, ya que está representado en proporciones inusuales y antinaturales. Esto da la impresión de que el cuerpo está sufriendo y afectado por el poder de la naturaleza que lo rodea. [149] La pintura recuerda a la desesperación: el caos que rodea al Demonio, el rostro "ceniciento" del Demonio y los tonos descoloridos. [150] Esta pintura parece una representación del mundo interior de Vrubel y su locura inminente. [151]
En 'Demon Cast Down', parece que Vrubel se refiere a figuras religiosas. El Demonio lleva algo que puede interpretarse como una corona de espinas, que podría hacer referencia a la pasión de Cristo y el sufrimiento que soportó. [152] Aquí Vrubel está mezclando la figura del Demonio, que a menudo se asocia con el mal, con Cristo, lo cual es peculiar. El polvo metálico que Vrubel utilizó se asemeja a los mosaicos bizantinos que lo habían inspirado. [153] Además, la intención de Vrubel era exhibir su Demonio arrojado al suelo bajo el título 'Icone', [154] con lo que se hace referencia directa al arte religioso bizantino y, por lo tanto, debe leerse en consecuencia: como su principal propósito llevar al espectador a un mundo espiritual superior.
El 1 de septiembre de 1901, Nadezhda dio a luz a un hijo llamado Savva. El bebé nació fuerte y con músculos bien desarrollados, pero tenía una fisura orofacial . La hermana de Nadezhda, Ekaterina Ge, sugirió que Mikhail tenía "un gusto particular, por lo que podía encontrar belleza en cierta irregularidad. Y este niño, a pesar de su labio, era tan lindo con sus grandes ojos azules que su labio sorprendió a la gente solo en el primer momento y luego todos lo olvidaron". [155] Mientras trabajaba en "Demonio", el pintor creó el gran retrato en acuarela de un niño de seis meses sentado en un cochecito de bebé. Como Nikolai Tarabukin recordó más tarde:
El rostro asustado y triste de esta pequeña criatura brilló como un meteoro en este mundo y estaba lleno de una expresividad inusual y una cierta sabiduría infantil. Sus ojos, como proféticamente, captaron todo el trágico destino de su fragilidad. [155]
El nacimiento de Savva supuso un cambio radical en la rutina familiar. Nadezhda Vrubel decidió tomarse un descanso de su carrera y se negó a contratar a una niñera. Por tanto, Mikhail Vrubel tuvo que mantener a su familia. A partir de septiembre-octubre de 1901, Vrubel experimentó los primeros síntomas de depresión debido al aumento drástico del número de horas de trabajo. A partir de noviembre, dejó de trabajar en "El demonio abatido". El biógrafo de Vrubel escribió más tarde:
Durante todo el invierno, Vrubel trabajó muy intensamente. A pesar de trabajar tres o cuatro horas, trabajaba hasta catorce horas, y a veces incluso más, con un destello de luz artificial, sin salir nunca de la habitación y sin apenas levantarse del cuadro. Una vez al día se ponía el abrigo, abría la ventana y respiraba un poco de aire frío, y lo llamaba su "paseo". Completamente concentrado en el trabajo, se volvió intolerante a cualquier molestia, no quería recibir a ningún invitado y apenas hablaba con la familia. El Demonio estuvo casi terminado muchas veces, pero Vrubel lo repintó una y otra vez. [156]
Como señala Dmitrieva: «No es su mejor cuadro. Es extraordinariamente espectacular y, en el momento de su creación, era aún más sorprendente cuando la corona rosada brillaba y las plumas del pavo real titilaban y relucían (después de unos años, los deslumbrantes colores comenzaron a oscurecerse, a secarse y ahora casi se ennegrecieron). Este efecto decorativo exagerado priva al cuadro de profundidad real. Para asombrar y escandalizar, el artista, que ya había perdido su equilibrio emocional, traicionó su «culto a la naturaleza profunda»; y El amanecer del demonio , desde el lado puramente formal, más que cualquier otro cuadro de Vrubel, fue pintado en estilo moderno». [157]
La salud mental de Vrubel siguió empeorando. Comenzó a sufrir insomnio, día a día su ansiedad aumentaba y el pintor se volvió inusualmente confiado y locuaz. El 2 de febrero de 1902, la exposición fallida de "El demonio abatido" en Moscú (el pintor esperaba que el cuadro fuera comprado para la Galería Tretiakov) coincidió con el suicidio de Aleksandr Rizzoni tras una crítica incorrecta en "Mir isskusstva". [158]
Luego el cuadro fue llevado a San Petersburgo, donde Vrubel continuó pintándolo constantemente. Sin embargo, según sus amigos, solo lo dañó. Debido a la ansiedad del pintor, sus amigos lo llevaron a un famoso psiquiatra, Vladimir Bekhterev , quien diagnosticó a Vrubel con una parálisis progresiva incurable o sífilis terciaria . Mikhail Vrubel viajó a Moscú sin saber el diagnóstico, donde su condición solo empeoró. [159] Su cuadro fue comprado por 3000 rublos por el famoso coleccionista Vladimir von Meck . A juzgar por la correspondencia entre Nadezhda Zabela y Rimsky-Korsakov, Vrubel se volvió loco , bebió mucho, malgastó dinero y rápidamente se separó por cualquier motivo. Su esposa y su hijo intentaron escapar de él y corrieron a casa de unos familiares en Riazán, pero él los siguió. A principios de abril, Vrubel fue hospitalizado en un hospital privado dirigido por Savvy Magilevich. [160]
La locura de Vrubel atrajo la atención de la prensa; sin embargo, las críticas fueron en su mayoría negativas. Por ejemplo, el periódico ruso publicó el artículo "Decadentes mentales" que condujo a la declaración oficial de desmentido. Pronto, los pintores consagrados comenzaron a publicar artículos en los que afirmaban que El demonio abatido tiene algo que debe estar en toda verdadera composición artística . [161] Alexandre Benois también cambió su opinión sobre las pinturas de Vrubel; incluso añadió un pasaje emotivo sobre la verdadera naturaleza poética de las pinturas de Vrubel a su libro "Historia del arte ruso del siglo XIX". [162] Entonces, Benois y Diaghilev decidieron demostrar la cordura de Vrubel al público, y en 1902 organizaron la exposición de 36 obras, incluidos sus tres "Demonios". Esta exposición fue un punto de inflexión en la definición de las actitudes públicas hacia el arte de Vrubel; sin embargo, no muchos creyeron en su posible recuperación. Los autores de los artículos de "Mir Isskustva" incluso escribieron sobre Vrubel en tiempo pasado, como si ya hubieran resumido su carrera artística. [163]
De abril a agosto de 1902, la salud mental de Vrubel era tan mala que ni siquiera a su hermana ni a su esposa se les permitía visitarlo. Era salvaje y necesitaba supervisión constante. En los momentos en que la enfermedad remitía, podía hablar con coherencia e intentaba pintar. Sin embargo, todos sus dibujos de este período presentaban "pornografía primitiva". Además, sus delirios de grandeza también se intensificaron. Uno de los principales síntomas de su enfermedad era un deseo constante de rasgar la ropa y la ropa interior. En septiembre de 1902, la condición de Vrubel había mejorado un poco, e incluso dejó de molestar y dibujar pornografía se volvió cortés. Por lo tanto, se decidió trasladarlo al Centro Serbsky de la Universidad de Moscú dirigido por Vladimir Serbsky . [164] En la clínica, la salud de Vrubel mejoró en general, aunque su familia todavía tenía prohibido visitarlo. El pintor comenzó a escribirle a su esposa, principalmente en un tono autocrítico. Serbsky confirmó el diagnóstico de "parálisis progresiva debido a una infección sifilítica" de Vladimir Bekhterev e incluso descubrió que la infección se produjo en 1892. Después de que a Vrubel le recetaran medicamentos a base de mercurio y sedantes, su comportamiento se volvió más predecible. Mikhail comenzó a recibir invitados, entre ellos Vladimir von Meck y Pyotr Konchalovsky . Sin embargo, el pintor evitaba las conversaciones sobre arte y se mostraba constantemente triste. El único resultado esperado era la degradación física y mental. [165]
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En febrero de 1903, Vrubel fue dado de alta de la clínica. Estaba letárgico y distraído, todos los intentos de pintar no dieron resultado. Los médicos le aconsejaron enviarlo a Crimea , sin embargo, en abril, su apatía se transformó en una fuerte depresión y el pintor tuvo que regresar a Moscú. Vladimir von Meck sugirió que la familia Vrubel pasara el verano en su mansión en la Gobernación de Kiev . De alguna manera, eso animó a Vrubel y Nadezhda también estaba feliz. Justo antes de la partida, Savva Vrubel, de dos años, enfermó. En Kiev, su enfermedad se agravó y el 3 de mayo, el niño murió. Vrubel pasó de la apatía al dolor y comenzó a planificar activamente el funeral. Trató de parecer animado y apoyar a su esposa, que no dijo una palabra. [166] Savva fue enterrada en el cementerio de Baikove . Después de perder a su único hijo, los cónyuges fueron a von Meck porque no sabían qué hacer a continuación ni cómo comportarse. En la mansión, la salud mental de Vrubel empeoró significativamente y una semana después dijo categóricamente: "Por favor, llévenme a algún lado, de lo contrario les causaré problemas". Sin embargo, tenía mucho miedo de la clínica del monasterio de San Cirilo . [166]
Por consejo de un médico cercano, Tilling, se decidió llevar al pintor a Riga , donde fue destinado a una institución rural. Vrubel se encontraba en una profunda depresión y quería suicidarse, por lo que se negaba a ingerir alimentos. Los síntomas eran muy diferentes a los de la crisis anterior: en lugar de ilusiones grandiosas, Vrubel experimentaba delirios de autodesprecio y alucinaciones. Sin embargo, el médico local no confirmó el diagnóstico de Bekhterev y Serbsky, afirmando que Vrubel era un artista melancólico y que necesitaba trabajar. Así, Vrubel volvió a su antigua obra "La jungla de Pascua", que fue repintada para "Azrail". [167] Nadezhda Vrubel le escribió a Anna Vrubel que Mikhail tenía falta de sueño y que nuevamente no estaba satisfecho con el rostro que repintaba continuamente. El trabajo no mejoró su salud mental. Además, el pintor se debilitó tanto que solo podía moverse en silla de ruedas, mientras que la gripe que lo había llevado a un reumatismo . Su familia y amigos pensaban que no sobreviviría a la primavera siguiente. Sin embargo, el pintor sobrevivió y en el verano, siguiendo el consejo de Serbsky, el 9 de julio de 1904, Vrubel fue internado en la clínica sanitaria de Fedor Usoltsev en el parque Petrovsky. [168]
El doctor Usoltsev diagnosticó a Vrubel con una tabes dorsalis , que es una forma de sífilis terciaria cuando el treponema pallidum afecta solo la médula espinal , no el cerebro. Al mismo tiempo, las alucinaciones de Vrubel fueron causadas por un trastorno bipolar común entre los artistas. [169] Debido a los métodos progresivos aplicados en la clínica de Usoltsev y las frecuentes visitas de Nadezhda y Anna Vrubel (alquilaron una casa cercana y visitaban a Mikhail diariamente), Vrubel casi se rehabilitó por completo. A veces incluso lo dejaban pasar varias horas solo con su esposa. La idea detrás de la rehabilitación en la clínica de Usoltsev era que los pacientes se sintieran como en casa; por eso la clínica estaba en la casa privada del doctor Usoltsev, donde él y su familia vivían junto con los pacientes. El médico invitaba constantemente a artistas y cantantes a conciertos organizados en la casa. Los pacientes asistían a eventos nocturnos junto con el personal médico. [166] Usoltsev valoraba el arte de Vrubel y, de todas las formas posibles, alentaba sus actividades creativas. En esa época, el famoso psiquiatra y uno de los primeros investigadores de enfermos mentales, Pavel Karpov se comunicaba activamente con el pintor. [170] La terapia mejoró significativamente la salud del pintor. En uno de los dibujos realizados en la clínica, Vrubel escribió: "A mi querido y estimado Fedor Arsenievich de parte del resucitado Vrubel". [163]
Una de las partes más importantes del legado de Vrubel que se ha conservado son los dibujos a lápiz. En aquella época, el pintor dibujaba sobre todo retratos de médicos, enfermeros, pacientes, conocidos, jugadores de cartas y ajedrez, bocetos de paisajes. También dibujaba los rincones de su habitación y algunos objetos sencillos, como sillas, un vestido tirado sobre una silla, una cama arrugada (serie "Insomnio"), un candelabro, una jarra, una rosa en un vaso. Tal vez, al volver al arte, sintió la necesidad de "estudiar el dibujo de figuras con detenimiento y humildad". En lugar de estilizar, el pintor aplicó una "transferencia ingenua de las impresiones de vida más detalladas". [163] Entre otros, Vrubel pintó al doctor Usoltsev, a su esposa y a un hermano estudiante. Se ha conservado el retrato inacabado del doctor Usoltsev sobre un icono dorado. El pintor supo reflejar la textura estampada del fondo y los reflejos de la imagen con un solo lápiz negro sin ningún color, y "salvó" el rostro en estos pequeños detalles. [171]
En el verano de 1904, Nadezhda Zabela recibió una oferta del Teatro Mariinsky . Como Vrubel no podía imaginar su vida sin ella y el doctor Usoltsev no insistió en que permaneciera en la clínica, la pareja se mudó a San Petersburgo. Poco después, Nadezhda se dio cuenta de que su voz había perdido su tono anterior debido a los acontecimientos que había vivido. Por lo tanto, ya no podía actuar en la ópera y finalmente se encontró en una sala de música de cámara . En ese período, Vrubel pintó una gran cantidad de sus retratos que representan a Nadezhda en diferentes escenas. Uno de estos cuadros es un lienzo de dos metros "Después del concierto", que representa a Zabela con un vestido creado según un diseño de Vrubel. [172]
La opinión del público y de los críticos sobre el arte de Vrubel cambió significativamente. Un número doble de la revista "Mir Isskustva" (número 10-11, 1903) estuvo dedicado íntegramente a Vrubel y a su legado. En el número se publicaron reproducciones de sus pinturas y muchos críticos renunciaron públicamente a sus críticas negativas publicadas anteriormente. Una de las razones de un cambio tan drástico fue el reconocimiento del impresionismo y el simbolismo en los círculos artísticos europeos. Así, se puso de moda un simbolismo, una emotividad y una figuración particulares en las pinturas de Vrubel. [173]
En la exposición de la Unión de Artistas Rusos que tuvo lugar en 1905, se exhibió el cuadro de Vrubel "La concha de perla". Al igual que en las ilustraciones para las obras de Lermontov, Vrubel creó muchos bocetos gráficos tratando de captar y resolver el problema de la "coloración blanco y negro". Sin embargo, la versión final tenía las figuras de la princesa del mar, sobre las que Vrubel le contó más tarde a Prajov:
"Al fin y al cabo, no tenía intención de pintar ninguna "princesa del mar" en mi "Perla". Quería transmitir al dibujo toda la realidad a partir de la cual se construye el juego de la perla, y sólo después de haber hecho varios dibujos a lápiz y carboncillo, vi a estas princesas cuando empecé a pintar con colores". [174]
Al mismo tiempo, a Dmitrieva no le gustó este enfoque: "Las figuras que él mismo colocó inesperadamente en una concha de perla no son dignas de una gruta tan mágica. Estas lindas figuras recuerdan demasiado a sus numerosas hermanas de pelo largo de una decoración típica del Art Nouveau; el propio artista lo sintió vagamente: no estaba satisfecho con sus náyades ". Más tarde, Vrubel siguió viendo en sus figuras algo obsceno que apareció en el cuadro contra su propia voluntad. [174]
En febrero de 1905, Vrubel volvió a tener síntomas de psicosis . Nadezhda llamó a Usoltsev desde Moscú para que se hiciera cargo de su paciente. Mijaíl Vrubel lo comprendió todo y no se resistió. Antes de partir hacia Moscú el 6 de marzo, comenzó a despedirse de sus amigos y familiares, fue a ver a Pavel Chistyakov en la Academia de Artes y visitó el Teatro Panaevsky, donde vio a su esposa por primera vez. [175]
Vera Usoltseva, la esposa del doctor Usoltsev, describió a Nadezhda Vrubel el estado de Vrubel de la siguiente manera:
El estado de Mijail no cambió. Su sueño parecía ser un poco más prolongado. Normalmente duerme cinco horas seguidas por la noche, y es raro el día en que no duerme por lo menos tres horas. Come bien y a tiempo. Pero, por desgracia, rompió su nuevo abrigo y sus pantalones de verano. Fingió estar tranquilo, se fue a la cama, se cubrió con una manta y comenzó a tirar de la tela debajo y a rasgarla en tiras antes de que el sirviente se diera cuenta... Su fuerza física es alta, lo que es raro en una persona inteligente... Me preguntaste si deberías escribirle o no. No, no deberías. No presta atención a las cartas y no las escribe él mismo. A menudo está en manos de la ilusión... El amor por ti es un hilo rojo que se ve en todas sus conversaciones... Entonces, me explicó que el abrigo y los pantalones te serían de utilidad si uno pone trozos de tela multicolores en los agujeros... [176]
Sólo después de medio año Vrubel comenzó a mostrar una respuesta más o menos adecuada al entorno físico. Sin embargo, sus cartas a Zabela están llenas de humillación y arrepentimiento. A pesar de las "voces" que lo atormentaban, volvió al tema del Profeta, comenzó a escribir "El serafín de seis alas" y abordó el tema de la visión del profeta Ezequiel . Sin embargo, el cuadro quedó inacabado ya que a principios de 1906, su visión comenzó a disminuir drásticamente, lo que confirmó el diagnóstico de parálisis progresiva. Además, al pintor se le diagnosticó una neuropatía óptica . [177] Mikhail fue mantenido en la clínica casi exclusivamente a expensas de su esposa, lo que no fue una tarea fácil porque un mes de estancia en la clínica de Usoltsev costaba entre 100 y 150 rublos. Por el contrario, la clínica universitaria dirigida por Serbsky costaba solo 9 rublos. La administración del teatro comprendió la dificultad de la posición de Nadezhda. La mantuvo en la compañía con un salario de 3.600 rublos al año, que era suficiente para cubrir los gastos. [178]
El reconocimiento del arte de Vrubel continuó creciendo. El 28 de noviembre de 1905, se le otorgó el título de Académico de Pintura "por su fama en el campo artístico". [179] Después de eso, el editor de "Zolotoe runo " Nicolai Ryabushinsky visitó a Vrubel en la clínica con la oferta de pintar a Valery Bryusov . La idea era publicar una serie de retratos de escritores contemporáneos famosos. Se suponía que estos retratos serían pintados por los pintores más reconocidos en el campo. Por ejemplo, a Serov le ofrecieron pintar a Konstantin Balmont . Ryabushinsky pagó 300 rublos por el retrato por adelantado y, además, compró el autorretrato "Cabeza del profeta" por 100 rublos. [180] Bryusov luego describió el trabajo en el retrato de la siguiente manera:
La puerta se abrió y entró Vrubel. Entró con un paso torpe y pesado, como si arrastrara los pies. A decir verdad, me quedé estupefacto cuando vi a Vrubel. Era un hombre frágil y enfermo, con una camisa sucia y arrugada. Tenía la cara rojiza y ojos de ave rapaz; en lugar de barba, le sobresalían los pelos. La primera impresión fue: ¡una locura! <...> En la vida real, cada pequeño movimiento de Vrubel reflejaba su trastorno. Sin embargo, cuando su mano cogía un lápiz o un trozo de carbón, se volvía muy firme y segura. Las líneas que dibujaba eran infalibles.
Su fuerza artística sobrevivió a todo lo demás en él. El humano murió, fue destruido, pero el maestro continuó vivo.
Durante la primera sesión, el primer borrador ya estaba terminado. Lamento mucho que a nadie se le ocurriera fotografiar este oscuro dibujo. Era casi incluso más notable en cuanto a ejecución, expresión facial y similitud que el retrato posterior pintado con lápices de colores. [181]
Luego, Riabushinsky encargó a Serov que pintara el retrato de Vrubel. Organizaron el trabajo de modo que Vrubel pudiera pintar a Bruysov por la mañana, mientras que Serov pintaba a Vrubel por la tarde. [182] Aunque a Nadezhda Zabela le preocupaba si Vrubel podría soportar tal estrés, Usoltsev afirmó categóricamente que "como artista, estaba sano y profundamente sano". El primer número de "Zolotoe runo" se publicó el 1 de febrero de 1906, con el poema de Bryusov "A M. A. Vrubel" como apertura del número. Doce días después, Vrubel se quejó a su esposa de que no sabía leer ni pintar. En pocos días, se quedó completamente ciego. [183]
A principios de febrero de 1906, Anna Vrubel visitó a su hermano Mikhail. Más tarde se convirtió en su enfermera y también en su guía. Después de consultar con Usoltsev, se decidió traer a Vrubel de regreso a San Petersburgo, ya que no necesitaba ningún tratamiento médico, solo el apoyo de familiares y seres queridos. Anna y Nadezhda se instalaron en un apartamento, mientras que Mikhail Vrubel fue internado en la excelente clínica dirigida por el doctor Konasevich, donde el pintor celebró su 50 aniversario. Sin embargo, la clínica estaba lejos de casa y tenía órdenes estrictas sobre el régimen. Por lo tanto, se decidió transferir a Vrubel a un hospital de Adolf Bari que estaba ubicado en la línea 4-5 de la isla Vasilyevsky cerca de la Academia de Artes y tenía un régimen completamente gratuito. [184] Serov se dirigió a la Academia de Artes con una solicitud para pagarle a Vrubel una asignación mensual que cubriera algunos gastos hospitalarios. La solicitud fue aprobada y Vrubel comenzó a recibir 75 rublos en verano y 100 rublos en los meses de invierno. [185]
Después de que Vrubel perdiera la vista, sus ataques violentos se hicieron mucho menos frecuentes. Nadezhda lo visitaba regularmente y a veces incluso organizaba conciertos en su casa. Anna Vrubel visitaba a su hermano todos los días, paseaba con él y le leía. Especialmente a menudo releían la poesía en prosa de Ivan Turgenev y la novela corta de Anton Chéjov La estepa , en cuyo suelo Vrubel pintó una vez un cuadro. Ekaterina Ge recordó más tarde:
... Mijail Alexandrovich se dedicaba mucho a la lectura y no soportaba los finales tristes, y siempre componía uno nuevo, más feliz... A veces estaba tan absorto en sí mismo que no podía escuchar ni la lectura ni las canciones y contaba algo así como cuentos de hadas sobre sus ojos esmeralda, la vida en el mundo antiguo y cómo hizo todas las famosas obras del Renacimiento . [184]
En los últimos años de su vida, Vrubel sufría alucinaciones casi constantemente y a menudo contaba sus visiones a otras personas. Algunos días experimentaba una iluminación y luego se quejaba de la desgracia que le había sobrevenido. Además, seguía prácticas ascéticas que prometían devolverle la vista perdida: se negaba a comer y permanecía de pie toda la noche antes de acostarse. Vrubel ni siquiera podía reconocer a sus viejos amigos, por ejemplo, a Polenov. [186] Más tarde, Anna Vrubel recordó que el año pasado su hermano decía que estaba cansado de vivir. En un duro febrero de 1910, se quedó deliberadamente inactivo cerca de una ventana abierta y provocó una neumonía, que se convirtió en una tuberculosis transitoria . Al mismo tiempo, conservó su estética inherente hasta el último minuto. Ekaterina Ge recordaba que "tomaba quinina casi con placer y cuando vio un salicilato de sodio dijo: "Esto es muy feo". Incluso antes de eso, el doctor Usoltsev escribió que "con él era diferente que con cualquier otro paciente, que generalmente pierden el sentido estético o sutil primero porque para ellos es lo último; el sentido estético de Vrubel murió último porque para él era el primero". [187]
En vísperas de su muerte, el 1 (14) de abril de 1910, Vrubel se arregló, se lavó con colonia y por la noche le dijo a la enfermera que lo cuidaba: “Nikolay, ya me basta con quedarme aquí acostado, iremos a la Academia”. De hecho, al día siguiente el ataúd con Vrubel fue colocado en la Academia de Bellas Artes. El acta de defunción dice que Vrubel “murió de parálisis progresiva”. [188]
Ekaterina Ge se encargó del funeral y ordenó confeccionar la máscara mortuoria. [187] El 3 de abril, el funeral tuvo lugar en el cementerio Novodevichy de San Petersburgo. [189] [190] Alexander Block pronunció un discurso, llamando al pintor el "mensajero de otros mundos" que "nos dejó a sus demonios como lanzadores de hechizos contra el mal violeta, contra la noche. Sólo puedo temblar ante las cosas que Vrubel y otros como él revelan a la humanidad una vez por siglo. No vemos los mundos que ellos ven". [191]
Todos los que conocieron a Vrubel notaron las particularidades de su personalidad; sin embargo, sus rasgos de carácter inherentes eran tan peculiares que más tarde fueron repensados a través del prisma de su enfermedad mental. Según Dmitrieva, el mejor retrato de Vrubel fue realizado por su amigo y colega Konstantin Korovin, quien captó con precisión hasta los rasgos más pequeños del carácter del pintor. [192] Así es como Korovin recordaba a Vrubel:
Apreciaba a Dmitry Levitzky , Vladimir Borovikovsky , Vasily Tropinin , Alexander Andreyevich Ivanov , Karl Bryullov y todos los académicos mayores... Una vez mi amigo Pavel Tuchkov le preguntó sobre la servidumbre en Rusia .
– Sí, los malentendidos se produjeron en todas partes, incluso en Occidente. ¿Qué, es mejor el derecho de pernada ? ¿Y antes de eso, la Inquisición ? Parece que en Rusia no existía. Pero es una pena que la gente haya dejado a sus creadores de belleza sin entender. Al fin y al cabo, no sabemos nada de Pushkin y, si lo leen, son muy pocos. Es una pena…
Una vez alguien dijo delante de Vrubel que en Rusia la borrachera está muy extendida.
– No es cierto – respondió Vrubel – en el extranjero la gente bebe mucho más, pero no se dan cuenta y la policía atrapa a los borrachos enseguida.
Un verano, Vrubel, que vivía conmigo en el estudio de la calle Dolgorukovskaya, se quedó sin dinero. Me pidió prestados 25 rublos y se fue. Volvió pronto, cogió una palangana grande y un cubo de agua y vertió en el agua un poco de colonia de un precioso frasco de François Coty . Se desnudó y se puso de pie en una palangana, vertiéndose agua del cubo. Después encendió la estufa de hierro y puso dentro cuatro huevos, que más tarde comió con una hogaza de pan. Pagó 20 rublos por un frasco de perfume...
– Ah, genial – le dije – ¿Qué estás haciendo, Misha...?
No lo comprendió. Como si fuera algo imprescindible. Una vez vendió un maravilloso dibujo de Don Juan de El huésped apedreado por tres rublos. A alguien, por ejemplo. Y se compró unos guantes blancos de cabritilla. Después de ponérselos una vez, los arrojó diciendo: «Qué vulgaridad». [193]
Nadezhda Zabela-Vrubel murió el 20 de junio de 1913, a la edad de 45 años, justo después del concierto en el que participó. Fue enterrada cerca de su marido. El escultor ruso Leonid Sherwood decidió construir una lápida sobre sus tumbas, pero en 1913 solo pudo colocar un pedestal de granito negro. Después de la Revolución rusa , el cementerio de Novodevichy sufrió graves daños y muchas tumbas fueron destruidas. En la década de 1930, se organizó un museo de la necrópolis en el Monasterio de Alexander Nevsky . Luego comenzaron a trasladar las tumbas de artistas famosos del cementerio de Novodevichy a un nuevo museo, pero el traslado quedó inacabado debido a la falta de financiación y al comienzo posterior de la guerra . Un supuesto traslado de las cenizas de Vrubel tampoco se llevó a cabo. [194] En 2015, el público inició la instalación de una nueva lápida en la tumba de Vrubel, pero las autoridades locales rechazaron la instalación. [195] [196]
Las obras de Vrubel se exhiben en la Galería Estatal Tretyakov en Moscú, el Museo Ruso en San Petersburgo, el Museo de Bellas Artes Vrubel en Omsk, la Galería de Arte de Kiev, el Museo de Arte de Odessa , el Museo Nacional de Arte de Bielorrusia y otros lugares. [197] Muchos lugares y objetos conmemorativos llevan el nombre de Vrubel en Omsk, Kiev, Voronezh, Moscú, Saratov y Odessa.
Muchos investigadores y críticos han evaluado de forma diferente el impacto que Vrubel tuvo en el arte ruso y mundial. Según Dmitrieva, su papel fue "exclusivo y separado". [198] Ella no consideró a Vrubel como un representante típico del Art Nouveau, principalmente porque "coincidió con el Art Nouveau en sus rasgos menos favorables". [198] Según Dmitrieva, el Art Nouveau no era lo suficientemente orgánico para Vrubel, mucho menos que para Léon Bakst o Valentin Serov, ya que Vrubel seguía el "culto a una naturaleza profunda" que no era "moderna" en su naturaleza. [199]
Según Vladimir Lenyashin , Mikhail Vrubel fue capaz de implementar el simbolismo como un sistema estético y filosófico armonioso en las artes visuales. Al mismo tiempo, como creador, se suponía que estaba solo haciendo la evolución de "ermitaño, alquimista, alienígena de otro espacio esotérico" a profeta. [200] P. Klimov, quien consideró deliberadamente el arte de Vrubel en el contexto del Art Nouveau ruso, lo reconoció como un representante del hilo revolucionario del modernismo ruso. Klimov también señaló que la posición y la importancia de Vrubel en ese entorno cultural solo eran comparables con el lugar de Alexander Andreyevich Ivanov en el neoclasicismo . Esto se debió a una combinación del don natural de Vrubel y su familiarización posterior con el mundo artístico ruso en general. [201]
Klimov sugirió que Vrubel comenzó a expresar características específicas del Art Nouveau ya en las pinturas del "período de Kiev", como la estilización como principio principal de la interpretación de la forma, la aspiración a la síntesis, el énfasis en el papel de la silueta, el colorido frío y el simbolismo del estado de ánimo. [202]
La rápida evolución del estilo de Vrubel se puede explicar por su distanciamiento de cualquier movimiento artístico dominante de la época, como el neoclasicismo o el Peredvizhniki. Por lo tanto, no intentó superar las doctrinas. Vrubel percibió el academicismo como un punto de partida para su propio movimiento hacia adelante, como una combinación de habilidades profesionales esenciales. [202] En términos de personalidad y pensamiento artístico, Mikhail era un individualista pronunciado; era ajeno a las ideas de justicia social, colegialidad o unidad ortodoxa que inspiraron a otros artistas de su generación. Además, la soledad de Vrubel se puede explicar puramente por su entorno social, ya que, al ser una forma de arte burguesa, el Art Nouveau en la década de 1880 aún no había tenido sus seguidores en Rusia. Vrubel tuvo que esperar a que sus admiradores, clientes y mecenas aparecieran solo a mediados de la década de 1890. [203]
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