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Jean-Philippe Rameau ( en francés: [ʒɑ̃filip ʁamo] ; 25 de septiembre de 1683 - 12 de septiembre de 1764) fue un compositor y teórico musical francés . Considerado como uno de los compositores y teóricos musicales franceses más importantes del siglo XVIII, [1] reemplazó a Jean-Baptiste Lully como el compositor dominante de la ópera francesa y también es considerado el principal compositor francés de su tiempo para clave , junto con François Couperin . [2]
Se sabe poco sobre los primeros años de Rameau. No fue hasta la década de 1720 cuando alcanzó fama como gran teórico de la música con su Tratado de la armonía (1722) y también en los años siguientes como compositor de obras maestras para clave, que circularon por toda Europa . Tenía casi 50 años cuando se embarcó en la carrera operística en la que se basa principalmente su reputación hoy en día. Su debut, Hippolyte et Aricie (1733), causó un gran revuelo y fue ferozmente atacado por los partidarios del estilo musical de Lully por su uso revolucionario de la armonía.
Sin embargo, la preeminencia de Rameau en el campo de la ópera francesa fue reconocida pronto, y más tarde fue atacado como compositor "del establishment" por aquellos que favorecían la ópera italiana durante la controversia conocida como la Querelle des Bouffons en la década de 1750. La música de Rameau había pasado de moda a fines del siglo XVIII, y no fue hasta el siglo XX que se hicieron esfuerzos serios por revivirla. Hoy, disfruta de un renovado reconocimiento con interpretaciones y grabaciones de su música cada vez más frecuentes.
Los detalles de la vida de Rameau son generalmente oscuros, especialmente en lo que respecta a sus primeros cuarenta años, antes de mudarse definitivamente a París. Era un hombre reservado, e incluso su esposa no sabía nada de su vida temprana, [3] lo que explica la escasez de información biográfica disponible.
Los primeros años de Rameau son particularmente oscuros. Nació el 25 de septiembre de 1683 en Dijon y fue bautizado el mismo día. [4] Su padre, Jean, trabajaba como organista en varias iglesias de Dijon y su madre, Claudine Demartinécourt, era hija de un notario . La pareja tuvo once hijos, cinco niñas y seis niños, de los cuales Jean-Philippe fue el séptimo.
Rameau aprendió música antes de saber leer o escribir. Fue educado en el colegio jesuita de Godrans en Dijon, pero no fue un buen alumno e interrumpió las clases con su canto, afirmando más tarde que su pasión por la ópera había comenzado a la edad de doce años. [5] Inicialmente destinado a la abogacía, Rameau decidió que quería ser músico, y su padre lo envió a Italia, donde permaneció un corto tiempo en Milán . A su regreso, trabajó como violinista en compañías itinerantes, y luego como organista en catedrales provinciales, antes de mudarse a París por primera vez. [6] Allí, en 1706, publicó sus primeras composiciones conocidas: las obras para clavecín que conforman su primer libro de Pièces de Clavecin , que muestran la influencia de su amigo Louis Marchand . [7]
En 1709, regresó a Dijon para ocupar el puesto de su padre como organista en la iglesia principal. El contrato era de seis años, pero Rameau se marchó antes y ocupó puestos similares en Lyon y Clermont-Ferrand . Durante ese período, compuso motetes para la iglesia, así como cantatas profanas .
En 1722 regresó definitivamente a París y allí publicó su obra más importante de teoría musical, Traité de l'harmonie ( Tratado de la armonía ). Esta obra le granjeó una gran reputación y fue seguida en 1726 por su Nouveau système de musique théorique . [8] En 1724 y 1729 (o 1730), también publicó dos colecciones más de piezas para clave. [9]
Rameau dio sus primeros pasos en la composición de música para el escenario cuando el escritor Alexis Piron le pidió que le proporcionara canciones para sus populares obras cómicas escritas para las Ferias de París. Siguieron cuatro colaboraciones, comenzando con L'endriague en 1723, pero ninguna de las piezas musicales ha sobrevivido. [10]
El 25 de febrero de 1726, Rameau se casó con Marie-Louise Mangot, de 19 años, que provenía de una familia de músicos de Lyon y era una buena cantante e instrumentista. La pareja tuvo cuatro hijos, dos varones y dos mujeres, y se dice que el matrimonio fue feliz. [11]
A pesar de su fama como teórico musical, Rameau tuvo problemas para encontrar un puesto como organista en París. [12]
No fue hasta que se acercaba a los 50 años que Rameau decidió embarcarse en la carrera operística en la que se basa principalmente su fama como compositor. Ya había contactado con el escritor Antoine Houdar de la Motte para un libreto en 1727, pero no se concretó; finalmente se inspiró para probar suerte en el prestigioso género de la tragédie en musique después de ver Jephté de Montéclair en 1732. Hippolyte et Aricie de Rameau se estrenó en la Académie Royale de Musique el 1 de octubre de 1733. Fue reconocida inmediatamente como la ópera más importante que se presentó en Francia desde la muerte de Lully , aunque su recepción generó controversia. Algunos, como el compositor André Campra , quedaron atónitos por su originalidad y riqueza de invención; otros encontraron sus innovaciones armónicas discordantes y vieron la obra como un ataque a la tradición musical francesa. Los dos bandos, los llamados lulistas y los rameauneurs, libraron una guerra de panfletos sobre el tema durante el resto de la década. [13]
Poco antes de eso, Rameau había conocido al poderoso financiero Alexandre Le Riche de La Poupelinière , quien se convirtió en su mecenas hasta 1753. La amante de La Poupelinière (y más tarde, esposa), Thérèse des Hayes, fue alumna de Rameau y una gran admiradora de su música. En 1731, Rameau se convirtió en el director de la orquesta privada de La Poupelinière, que era de una calidad extremadamente alta. Ocupó el puesto durante 22 años y fue sucedido por Johann Stamitz y luego por François-Joseph Gossec . [14] El salón de La Poupelinière le permitió a Rameau conocer a algunas de las figuras culturales más importantes de la época, incluido Voltaire , quien pronto comenzó a colaborar con el compositor. [15] Su primer proyecto, la tragédie en musique Samson , fue abandonado porque una ópera sobre un tema religioso de Voltaire —un notorio crítico de la Iglesia— probablemente sería prohibida por las autoridades. [16] Mientras tanto, Rameau había introducido su nuevo estilo musical en el género más ligero de la ópera-ballet con la muy exitosa Les Indes galantes . Fue seguida por dos tragédies en musique , Castor et Pollux (1737) y Dardanus (1739), y otra ópera-ballet , Les fêtes d'Hébé (también de 1739). Todas esas óperas de la década de 1730 se encuentran entre las obras más valoradas de Rameau. [17] Sin embargo, el compositor las siguió con seis años de silencio, durante los cuales la única obra que produjo fue una nueva versión de Dardanus (1744). Se desconoce el motivo de esta pausa en la vida creativa del compositor, aunque es posible que tuviera un enfrentamiento con las autoridades de la Academia Real de la Música. [18]
El año 1745 fue un punto de inflexión en la carrera de Rameau. Recibió varios encargos de la corte para obras que celebraran la victoria francesa en la batalla de Fontenoy y el matrimonio del delfín con la infanta María Teresa Rafaela de España . Rameau produjo su ópera cómica más importante, Platée , así como dos colaboraciones con Voltaire: la ópera-ballet Le temple de la gloire y la comedia-ballet La princesse de Navarre . [19] Estas colaboraciones le valieron a Rameau el reconocimiento oficial; se le concedió el título de "Compositeur du Cabinet du Roi" y se le otorgó una pensión sustancial. [20] 1745 también vio el comienzo de la amarga enemistad entre Rameau y Jean-Jacques Rousseau . Aunque hoy es más conocido como pensador, Rousseau tenía ambiciones de ser compositor. Había escrito una ópera, Les muses galantes (inspirada en Indes galantes de Rameau ), pero Rameau no se impresionó por este tributo musical. A finales de 1745, Voltaire y Rameau, que estaban ocupados con otras obras, encargaron a Rousseau que convirtiera La princesa de Navarra en una nueva ópera, con recitativo de enlace , llamada Les fêtes de Ramire . Rousseau afirmó entonces que los dos se habían atribuido el mérito por las palabras y la música que él había aportado, aunque los musicólogos han podido identificar casi nada de la pieza como obra de Rousseau. Sin embargo, el amargado Rousseau guardó rencor contra Rameau durante el resto de su vida. [21]
Rousseau fue un participante importante en la segunda gran disputa que estalló sobre la obra de Rameau, la llamada Querelle des Bouffons de 1752-54, que enfrentó a la tragédie en musique francesa contra la ópera buffa italiana . Esta vez, Rameau fue acusado de estar anticuado y de que su música era demasiado complicada en comparación con la simplicidad y la "naturalidad" de una obra como La serva padrona de Pergolesi . [22] A mediados de la década de 1750, Rameau criticó las contribuciones de Rousseau a los artículos musicales de la Encyclopédie , lo que llevó a una disputa con los principales filósofos d'Alembert y Diderot . [23] Como resultado, Jean-François Rameau se convirtió en un personaje del diálogo entonces inédito de Diderot, Le neveu de Rameau ( El sobrino de Rameau ).
En 1753, La Poupelinière tomó como amante a una músico intrigante, Jeanne-Thérèse Goermans. Hija del fabricante de clavecines Jacques Goermans , se hacía llamar Madame de Saint-Aubin, y su oportunista marido la empujó a los brazos del rico financiero. Ella hizo que La Poupelinière contratara los servicios del compositor bohemio Johann Stamitz , que sucedió a Rameau después de que se produjera una ruptura entre Rameau y su mecenas. Para entonces, sin embargo, Rameau ya no necesitaba el apoyo financiero y la protección de La Poupelinière.
Rameau continuó su actividad como teórico y compositor hasta su muerte. Vivió con su esposa y dos de sus hijos en su gran suite de la rue des Bons-Enfants, de la que salía todos los días, absorto en sus pensamientos, para dar un paseo solitario por los jardines del Palais-Royal o de las Tullerías, cercanos a él. A veces se encontraba con el joven escritor Chabanon , quien tomó nota de algunas de las desilusionadas declaraciones confidenciales de Rameau: «Cada día adquiero más buen gusto, pero ya no tengo ningún genio» y «La imaginación está agotada en mi vieja cabeza; no es prudente a esta edad querer practicar artes que no son más que imaginación». [24]
Rameau compuso prolíficamente a finales de la década de 1740 y principios de la de 1750. Después de eso, su tasa de productividad disminuyó, probablemente debido a la vejez y la mala salud, aunque todavía pudo escribir otra ópera cómica, Les Paladins , en 1760. A esta le seguiría una última tragédie en musique, Les Boréades, pero, por razones desconocidas, la ópera nunca se representó y no tuvo una puesta en escena adecuada hasta finales del siglo XX. [25] Rameau murió el 12 de septiembre de 1764 después de sufrir fiebre, trece días antes de su 81 cumpleaños. Junto a su cama, se opuso a que se cantara una canción. Sus últimas palabras fueron: "¿Qué diablos pretende cantarme, sacerdote? Está desafinado". [26] Fue enterrado en la iglesia de St. Eustache , París, el mismo día de su muerte. [27] Aunque la Société de la Compositeurs de Musique erigió un busto de bronce y una lápida de mármol rojo en su memoria en 1883, el lugar exacto de su entierro sigue siendo desconocido hasta el día de hoy.
Aunque los detalles de su biografía son vagos y fragmentarios, los detalles de la vida personal y familiar de Rameau son casi completamente oscuros. La música de Rameau, tan elegante y atractiva, contradice por completo la imagen pública del hombre y lo que sabemos de su carácter como lo describe (o tal vez caricaturizó injustamente) Diderot en su novela satírica Le Neveu de Rameau . A lo largo de su vida, la música fue su pasión consumidora. Ocupaba todo su pensamiento; Philippe Beaussant lo llama un monomaníaco. Alexis Piron explicó que "su corazón y su alma estaban en su clavicémbalo; una vez que había cerrado la tapa, no había nadie en casa". [28] Físicamente, Rameau era alto y excepcionalmente delgado, [29] como se puede ver en los bocetos que tenemos de él, incluido un famoso retrato de Carmontelle . Tenía una "voz fuerte". Su habla era difícil de entender, al igual que su escritura, que nunca fue fluida. Como hombre, era reservado, solitario, irritable, orgulloso de sus propios logros (más como teórico que como compositor), brusco con quienes lo contradecían y propenso a la ira. Es difícil imaginarlo entre los grandes ingenios, incluido Voltaire (con quien guarda más que un parecido físico pasajero [29] ), que frecuentaban el salón de La Poupelinière; su música era su pasaporte y compensaba su falta de gracia social.
Sus enemigos exageraron sus defectos, como por ejemplo su supuesta avaricia. De hecho, parece que su frugalidad no era parte de su carácter, sino el resultado de largos años pasados en la oscuridad, cuando sus ingresos eran inciertos y escasos, ya que también podía ser generoso. Ayudó a su sobrino Jean-François cuando llegó a París y también ayudó a establecer la carrera de Claude-Bénigne Balbastre en la capital. Además, dio a su hija Marie-Louise una dote considerable cuando se convirtió en monja visitandina en 1750, y pagó una pensión a una de sus hermanas cuando enfermó. La seguridad financiera le llegó tarde, tras el éxito de sus obras teatrales y la concesión de una pensión real. Unos meses antes de su muerte, fue ennoblecido y nombrado caballero de la Orden de Saint-Michel. Pero no cambió su modo de vida, conservando sus ropas gastadas, su único par de zapatos y sus viejos muebles. Después de su muerte, se descubrió que poseía solamente un clavicémbalo de un solo teclado en ruinas [30] en sus habitaciones de la Rue des Bons-Enfants, pero también tenía una bolsa que contenía 1691 luises de oro . [31]
La música de Rameau se caracteriza por el excepcional conocimiento técnico de un compositor que quería ante todo ser reconocido como teórico del arte. Sin embargo, no está dirigida únicamente a la inteligencia, y el propio Rameau afirmó: "Intento ocultar el arte con el arte". La paradoja de esta música era que era nueva, utilizaba técnicas nunca antes conocidas, pero se desarrollaba en el marco de formas anticuadas. Rameau parecía revolucionario a los seguidores de Lully, perturbados por la compleja armonía de su música; y reaccionario a los filósofos , que sólo prestaban atención a su contenido y que no querían o no podían escuchar el sonido que producía. La incomprensión que recibió Rameau de sus contemporáneos le impidió repetir experimentos tan atrevidos como el segundo Trio des Parques en Hippolyte et Aricie , que se vio obligado a retirar después de un puñado de representaciones porque los cantantes no habían podido o no habían querido ejecutarlo correctamente.
Las obras musicales de Rameau pueden dividirse en cuatro grupos distintos, [32] que difieren mucho en importancia: unas cuantas cantatas ; unos cuantos motetes para gran coro; algunas piezas para clave solista o para clave acompañado de otros instrumentos; y, finalmente, sus obras para la escena, a las que dedicó los últimos treinta años de su carrera casi en exclusiva. Como la mayoría de sus contemporáneos, Rameau reutilizó a menudo melodías que habían tenido un éxito especial, pero nunca sin adaptarlas meticulosamente; no son simples transcripciones. Además, no se han encontrado préstamos de otros compositores, aunque sus primeras obras muestran la influencia de otra música. Las reelaboraciones que Rameau hace de su propio material son numerosas; por ejemplo, en Les Fêtes d'Hébé , encontramos L'Entretien des Muses , la Musette y el Tambourin, tomados del libro de piezas para clave de 1724, así como un aria de la cantata Le Berger Fidèle . [33]
Durante al menos 26 años, Rameau fue un organista profesional al servicio de instituciones religiosas, y sin embargo el corpus de música sacra que compuso es excepcionalmente pequeño y sus obras para órgano inexistentes. A juzgar por la evidencia, no era su campo favorito, sino más bien, simplemente una forma de ganar dinero razonable. Las pocas composiciones religiosas de Rameau son, sin embargo, notables y se comparan favorablemente con las obras de los especialistas en el área. Solo cuatro motetes se han atribuido a Rameau con cierta certeza: Deus noster refugium , In convertendo , Quam dilecta y Laboravi . [34]
La cantata fue un género de gran éxito a principios del siglo XVIII. La cantata francesa, que no debe confundirse con la cantata italiana o la cantata alemana, fue "inventada" en 1706 por el poeta Jean-Baptiste Rousseau [35] y pronto fue retomada por muchos compositores famosos de la época, como Montéclair , Campra y Clérambault . Las cantatas fueron el primer contacto de Rameau con la música dramática. Las modestas fuerzas que requería la cantata significaban que era un género al alcance de un compositor que todavía era desconocido. Los musicólogos solo pueden adivinar las fechas de las seis cantatas supervivientes de Rameau, y se desconocen los nombres de los libretistas. [36] [37]
Junto con François Couperin , Rameau fue un maestro de la escuela francesa de música para clave del siglo XVIII, y ambos rompieron con el estilo de la primera generación de clavecinistas cuyas composiciones se adhirieron a la forma de suite relativamente estandarizada, que había alcanzado su apogeo en la primera década del siglo XVIII y las sucesivas colecciones de piezas de Louis Marchand , Gaspard Le Roux , Louis-Nicolas Clérambault , Jean-François Dandrieu , Élisabeth Jacquet de la Guerre , Charles Dieupart y Nicolas Siret . Rameau y Couperin tenían estilos diferentes, y parece que no se conocían: Couperin era uno de los músicos oficiales de la corte; Rameau, quince años menor que él, alcanzó la fama solo después de la muerte de Couperin.
Rameau publicó su primer libro de piezas para clave en 1706 (cf. Couperin, que esperó hasta 1713 antes de publicar su primer "Ordres"). La música de Rameau incluye piezas en la pura tradición de la suite francesa: imitativas ("Le rappel des oiseaux", "La poule") y llenas de carácter ("Les tendres plaintes", "L'entretien des Muses"). Pero también hay obras de puro virtuosismo que se asemejan a Domenico Scarlatti ("Les tourbillons", "Les trois mains"), así como piezas que revelan los experimentos de un teórico e innovador musical ("L'enharmonique", "Les Cyclopes"), que tuvo una marcada influencia en Louis-Claude Daquin , Joseph-Nicolas-Pancrace Royer y Jacques Duphly . Las suites de Rameau están agrupadas de la manera tradicional, por tonalidad. El primer conjunto de danzas (Allemande, Courante, Sarabande, Les Trois Mains, Fanfairenette, La Triomphante, Gavotte et 6 dobles) se centra en La mayor y La menor, mientras que las piezas restantes (Les tricoteuses, L'Indiffere, Première Menuet, Deuxième Menuet, La Poule, Les Triolets, Les Sauvages, L'Enharmonique, L'Egiptienne [sic]) se centran en Sol mayor y sol menor.
La segunda y tercera colecciones de Rameau aparecieron en 1724 y 1727. Después de éstas, compuso sólo una pieza para clave, "La Dauphine" de ocho minutos de 1747, mientras que la muy breve "Les petits marteaux" (c. 1750) también se le ha atribuido.
Durante su semiretiro (1740 a 1744) escribió las Pièces de clavecin en concerts (1741), que algunos musicólogos consideran la cumbre de la música de cámara barroca francesa. Adoptando una fórmula empleada con éxito por Mondonville unos años antes, Rameau diseñó estas piezas de manera diferente a las sonatas en trío en el sentido de que el clave no está simplemente ahí como bajo continuo para acompañar a los instrumentos melódicos (violín, flauta, viola) sino como compañero igualitario en "concierto" con ellos. Rameau afirmó que esta música sería igualmente satisfactoria tocada solo con el clave, pero la afirmación no es del todo convincente porque se tomó la molestia de transcribir cinco de ellas él mismo, las que menos se notarían por la falta de otros instrumentos. [38] [39]
Después de 1733, Rameau se dedicó sobre todo a la ópera. En un nivel estrictamente musical, la ópera barroca francesa del siglo XVIII es más rica y variada que la ópera italiana contemporánea, especialmente en el lugar que se da a los coros y las danzas, pero también en la continuidad musical que surge de las respectivas relaciones entre las arias y los recitativos . Otra diferencia esencial: mientras que la ópera italiana dio un papel protagonista a las sopranos femeninas y a los castrati , la ópera francesa no tenía uso para estos últimos. La ópera italiana de la época de Rameau ( ópera seria , ópera buffa ) estaba esencialmente dividida en secciones musicales ( arias da capo , dúos, tríos, etc.) y secciones habladas o casi habladas ( recitativo secco ). Era durante estas últimas cuando la acción avanzaba mientras el público esperaba la siguiente aria; por otro lado, el texto de las arias estaba casi completamente enterrado bajo la música cuyo objetivo principal era mostrar el virtuosismo del cantante. Nada de eso se puede encontrar en la ópera francesa de la época; Desde Lully, el texto debía seguir siendo comprensible, limitando ciertas técnicas como la vocalise , que se reservaba para palabras especiales como gloire ("gloria") o victoire ("victoria"). Existía un sutil equilibrio entre las partes más y menos musicales: recitativo melódico por un lado y arias que a menudo eran más cercanas al arioso por el otro, junto con "ariettes" virtuosas al estilo italiano. Esta forma de música continua prefigura el drama wagneriano incluso más que la ópera "reformada" de Gluck .
Se pueden distinguir cinco componentes esenciales en las partituras operísticas de Rameau:
Rameau fue el más grande compositor de ballet de todos los tiempos. El genio de su creación se basa, por una parte, en su perfecta penetración artística en los tipos de danza folklórica y, por otra, en la constante conservación de un contacto vivo con las exigencias prácticas del escenario del ballet, lo que impidió un alejamiento entre la expresión del cuerpo y el espíritu de la música absoluta . [41]
Durante la primera parte de su carrera operística (1733-1739), Rameau escribió sus grandes obras maestras destinadas a la Académie royale de musique: tres tragédies en musique y dos opéra-ballets que todavía forman el núcleo de su repertorio. Después del intervalo de 1740 a 1744, se convirtió en el músico oficial de la corte y, en su mayor parte, compuso piezas destinadas a entretener, con abundante música de baile que enfatizaba la sensualidad y una atmósfera pastoral idealizada . En sus últimos años, Rameau volvió a una versión renovada de su estilo temprano en Les Paladins y Les Boréades .
Su Zoroastre se estrenó en 1749. Según uno de los admiradores de Rameau, Cuthbert Girdlestone, esta ópera tiene un lugar distintivo en sus obras: "Las pasiones profanas del odio y los celos se representan con más intensidad [que en sus otras obras] y con un fuerte sentido de la realidad".
A diferencia de Lully, que colaboró con Philippe Quinault en casi todas sus óperas, Rameau rara vez trabajó dos veces con el mismo libretista. Era muy exigente y de mal carácter, incapaz de mantener colaboraciones duraderas con sus libretistas, con la excepción de Louis de Cahusac , que colaboró con él en varias óperas, entre ellas Les fêtes de l'Hymen et de l'Amour (1747), Zaïs (1748), Naïs (1749), Zoroastre (1749; revisada en 1756), La naissance d'Osiris (1754) y Anacréon (la primera de las óperas de Rameau con ese nombre, 1754). También se le atribuye la redacción del libreto de la última obra de Rameau, Les Boréades (c. 1763).
Muchos especialistas de Rameau lamentan que la colaboración con Houdar de la Motte nunca se haya llevado a cabo y que el proyecto Samson con Voltaire no haya tenido éxito porque los libretistas con los que Rameau trabajó eran de segunda categoría. Conoció a la mayoría de ellos en el salón de La Poupelinière , en la Société du Caveau o en la casa del conde de Livry, todos ellos lugares de encuentro de las principales personalidades culturales de la época.
Ninguno de sus libretistas logró producir un libreto al mismo nivel artístico que la música de Rameau: las tramas eran a menudo demasiado complejas o poco convincentes, pero esto era habitual en el género y probablemente forma parte de su encanto. La versificación también era mediocre y Rameau tuvo que modificar el libreto y reescribir la música después del estreno debido a las críticas que surgieron. Por eso tenemos dos versiones de Cástor y Pólux (1737 y 1754) y tres de Dárdano (1739, 1744 y 1760).
Al final de su vida, la música de Rameau había sido atacada en Francia por teóricos que favorecían los modelos italianos. Sin embargo, los compositores extranjeros que trabajaban en la tradición italiana miraban cada vez más a Rameau como una forma de reformar su propio género operístico principal, la ópera seria . Tommaso Traetta produjo dos óperas con traducciones de libretos de Rameau que muestran la influencia del compositor francés, Ippolito ed Aricia (1759) y I Tintaridi (basada en Castor et Pollux , 1760). [42] Traetta había sido asesorado por el conde Francesco Algarotti , un destacado defensor de la reforma según los modelos franceses; Algarotti fue una gran influencia en el compositor "reformista" más importante, Christoph Willibald Gluck . Las tres óperas reformistas italianas de Gluck de la década de 1760 ( Orfeo ed Euridice , Alceste y Paride ed Elena ) revelan un conocimiento de las obras de Rameau. Por ejemplo, tanto Orfeo como la versión de 1737 de Castor et Pollux comienzan con el funeral de uno de los personajes principales que luego vuelve a la vida. [43] Muchas de las reformas operísticas propugnadas en el prefacio de Alceste de Gluck ya estaban presentes en las obras de Rameau. Rameau había utilizado recitativos acompañados, y las oberturas de sus óperas posteriores reflejaban la acción que estaba por venir, [44] así que cuando Gluck llegó a París en 1774 para producir una serie de seis óperas francesas, podría ser visto como continuador de la tradición de Rameau. Sin embargo, mientras que la popularidad de Gluck sobrevivió a la Revolución Francesa , la de Rameau no. A fines del siglo XVIII, sus óperas habían desaparecido del repertorio. [45]
Durante la mayor parte del siglo XIX, la música de Rameau permaneció oculta, conocida sólo por su reputación. Hector Berlioz investigó Castor et Pollux y admiró especialmente el aria "Tristes apprêts", pero "mientras que el oyente moderno percibe fácilmente el terreno común con la música de Berlioz, él mismo era más consciente de la brecha que los separaba". [46] La humillación francesa en la guerra franco-prusiana provocó un cambio en la suerte de Rameau. Como escribió el biógrafo de Rameau, Jean Malignon, "... la victoria alemana sobre Francia en 1870-71 fue la gran ocasión para desenterrar a grandes héroes del pasado francés. Rameau, como tantos otros, fue arrojado a la cara del enemigo para reforzar nuestro coraje y nuestra fe en el destino nacional de Francia". [47] En 1894, el compositor Vincent d'Indy fundó la Schola Cantorum para promover la música nacional francesa; la sociedad realizó varias reposiciones de obras de Rameau. Entre el público se encontraba Claude Debussy , que apreciaba especialmente Castor et Pollux , reeditada en 1903: « El genio de Gluck estaba profundamente arraigado en las obras de Rameau... una comparación detallada nos permite afirmar que Gluck sólo podía sustituir a Rameau en la escena francesa asimilando las bellas obras de este último y haciéndolas suyas». Camille Saint-Saëns (al editar y publicar las Pièces en 1895) y Paul Dukas fueron otros dos músicos franceses importantes que dieron un apoyo práctico a la música de Rameau en su época, pero el interés por Rameau se desvaneció de nuevo, y no fue hasta finales del siglo XX cuando se hizo un esfuerzo serio por revivir sus obras. Más de la mitad de las óperas de Rameau han sido grabadas, en particular por directores como John Eliot Gardiner , William Christie y Marc Minkowski .
Una de sus piezas se escucha habitualmente en el Victoria Centre de Nottingham , en el reloj Aqua Horological Tintinnabulator de Rowland Emett . Emett afirmó que Rameau hizo música para su escuela y el centro comercial sin que él lo supiera.
El Tratado de armonía de Rameau de 1722 inició una revolución en la teoría musical. [48] Rameau postuló el descubrimiento de la "ley fundamental" o lo que él llamó el "bajo fundamental" de toda la música occidental. Fuertemente influenciado por los nuevos modos cartesianos de pensamiento y análisis, la metodología de Rameau incorporó matemáticas, comentarios, análisis y un didactismo que estaba específicamente destinado a iluminar, científicamente, la estructura y los principios de la música. Con un cuidadoso razonamiento deductivo, intentó derivar principios armónicos universales a partir de causas naturales. [49] Los tratados anteriores sobre armonía habían sido puramente prácticos; Rameau abrazó el nuevo racionalismo filosófico, [50] ganando rápidamente prominencia en Francia como el " Isaac Newton de la música". [51] Su fama se extendió posteriormente por toda Europa, y su Tratado se convirtió en la autoridad definitiva en teoría musical, formando la base para la instrucción en música occidental que persiste hasta el día de hoy.
La numeración RCT se refiere al Catálogo Thématique de Rameau establecido por Sylvie Bouissou y Denis Herlin. [52]
La música se perdió en gran parte.
Notas
Fuentes
Obras de o sobre Jean-Philippe Rameau en WikisourcePartituras
