Un productor de discos o productor musical es el supervisor general de un proyecto de creación musical cuyas responsabilidades pueden implicar una variedad de roles de liderazgo creativo y técnico. Por lo general, el trabajo implica la supervisión práctica de las sesiones de grabación; garantizar que los artistas brinden actuaciones aceptables y de calidad, supervisar la ingeniería técnica de la grabación y coordinar el equipo y el proceso de producción. La participación del productor en un proyecto musical puede variar en profundidad y alcance. A veces, en los géneros populares, el productor puede crear todo el sonido y la estructura de la grabación. [1] [2] [3] Sin embargo, en la grabación de música clásica, por ejemplo, el productor sirve más como un enlace entre el director y el equipo de ingeniería. El rol a menudo se compara con el de un director de cine, aunque existen diferencias importantes. [1] [3] Es distinto del rol de un productor ejecutivo , que está principalmente involucrado en el proyecto de grabación a nivel administrativo, y del ingeniero de audio que opera la tecnología de grabación.
Dependiendo del proyecto, el productor puede o no elegir a todos los artistas. [4] [3] Si se emplean solo instrumentación sintetizada o sampleada , el productor puede ser el único artista. [3] Por el contrario, algunos artistas hacen su propia producción. [3] Algunos productores son sus propios ingenieros, [5] operando la tecnología en todo el proyecto: preproducción, grabación, mezcla y masterización . Los precursores de los productores de discos fueron los "hombres A&R", que también podían combinar roles empresariales, creativos y técnicos, [2] pero a menudo ejercían escasa influencia creativa, [6] ya que la producción de discos todavía se centraba, en la década de 1950, simplemente en mejorar la correspondencia sonora del disco con la interpretación en vivo de los propios artistas. [3]
Los avances en la tecnología de grabación, especialmente la llegada de la grabación en cinta en los años 40 (que Les Paul rápidamente innovó aún más para desarrollar la grabación multipista [7] ) y el auge de los instrumentos electrónicos en los años 50, convirtieron la producción de discos en una especialidad. [3] En la música popular, entonces, productores como George Martin , Phil Spector y Brian Eno lideraron su evolución hacia su uso actual de técnicas elaboradas y sonidos poco realistas, creando canciones imposibles de originar en vivo. [1] [8] Después de los años 80, el paso de la producción de lo analógico a lo digital amplió aún más las posibilidades. [3] En este momento, las DAW, o estaciones de trabajo de audio digital , como Logic Pro , Pro Tools y Studio One , convierten una computadora común en una consola de producción, [9] [10] mediante la cual un novato solitario puede convertirse en un productor experto en un estudio casero económico. [11] [12] En la década de 2010, comenzaron los esfuerzos para aumentar la prevalencia de productoras e ingenieras que son mujeres, muy superadas en número por los hombres y elogiadas prominentemente solo en la música clásica. [11] [13]
Como proyecto amplio, la creación de una grabación musical puede dividirse entre tres especialistas: el productor ejecutivo , que supervisa las asociaciones comerciales y la financiación; el productor vocal o arreglista vocal, que ayuda a la interpretación vocal mediante la crítica experta y el entrenamiento de la técnica vocal, y el productor de discos o productor musical, que, a menudo llamado simplemente el productor, dirige el proceso creativo general de grabación de la canción en su mezcla final.
Las funciones del productor pueden incluir la recopilación de ideas, la composición de la música, la elección de los músicos de sesión , la propuesta de cambios en los arreglos de las canciones, la formación de los intérpretes, el control de las sesiones, la supervisión de la mezcla de audio y, en algunos casos, la supervisión de la masterización del audio . Un productor puede ceder el control creativo a los propios artistas, asumiendo en su lugar un papel de supervisión o asesoramiento. En cuanto a la calificación para una nominación al Grammy , la Academia de la Grabación define a un productor: [2]
La persona que tiene el control creativo y técnico general de todo el proyecto de grabación y de las sesiones de grabación individuales que forman parte de ese proyecto. Está presente en el estudio de grabación o en el lugar de grabación y trabaja directamente con el artista y el ingeniero. El productor toma decisiones creativas y estéticas que hacen realidad los objetivos tanto del artista como del sello en la creación de contenido musical. Otras funciones incluyen, entre otras: mantener los presupuestos y los cronogramas; cumplir con los plazos; contratar músicos, cantantes, estudios e ingenieros; supervisar otras necesidades de personal; y editar (proyectos clásicos).
El productor suele seleccionar y colaborar con un ingeniero de mezclas, que se centra en los aspectos especialmente tecnológicos del proceso de grabación, es decir, en operar el equipo electrónico y mezclar las pistas grabadas en bruto de las interpretaciones elegidas, ya sean vocales o instrumentales, en una mezcla , ya sea estéreo o con sonido envolvente. A continuación, un ingeniero de masterización ajusta aún más esta grabación para su distribución en el medio elegido. Un productor puede trabajar solo en una o dos canciones o en el álbum completo de un artista, ayudando a desarrollar la visión general del álbum. Los productores discográficos también pueden asumir el papel de productor ejecutivo, gestionando el presupuesto, los cronogramas, los contratos y las negociaciones.
(Artistas y repertorios)
En la década de 1880, la industria discográfica comenzó simplemente con hacer que el artista actuara en un fonógrafo . [14] En 1924, la revista especializada Talking Machine World , que cubría la industria fonográfica y discográfica, informó que Eddie King, el gerente del " departamento de artistas y repertorio de Nueva York" de Victor Records , había planeado una serie de grabaciones en Los Ángeles. [15] Más tarde, el folclorista Archie Green llamó a esto quizás el primer uso impreso de A&R man . [15] En realidad, no dice ni "A&R man" ni siquiera "A&R", un acrónimo quizás acuñado por la revista Billboard en 1946, y que entró en uso generalizado a fines de la década de 1940. [15 ]
En las décadas de 1920 y 1930, los ejecutivos de A&R, como Ben Selvin en Columbia Records , Nathaniel Shilkret en Victor Records y Bob Haring en Brunswick Records se convirtieron en los precursores de los productores de discos, supervisando las grabaciones y a menudo dirigiendo orquestas de sesión. [6] Durante la década de 1940, los principales sellos discográficos abrieron cada vez más departamentos oficiales de A&R, cuyas funciones incluían la supervisión de la grabación. [15] Mientras tanto, se abrieron estudios de grabación independientes, lo que ayudó a originar la producción de discos como especialidad. [ cita requerida ] Pero a pesar de la tradición de algunos hombres de A&R escribiendo música, la producción de discos todavía se refería solo a la fabricación de discos. [6]
Después de la Segunda Guerra Mundial , los gerentes de A&R pioneros que hicieron una transición influyente hacia la producción discográfica tal como se entiende ahora, aunque a veces eran dueños de sellos independientes, incluyen a J. Mayo Williams y John Hammond . [6] Al mudarse de Columbia Records a Mercury Records , Hammond nombró a Mitch Miller para dirigir las grabaciones populares de Mercury en Nueva York. [6] Miller luego produjo éxitos crossover country-pop de Patti Page y de Frankie Laine , se mudó de Mercury a Columbia y se convirtió en un hombre líder de A&R de la década de 1950. [6]
Durante la década, los ejecutivos de A&R dirigieron cada vez más las firmas sonoras de las canciones, aunque muchos todavía simplemente emparejaron cantantes con músicos, mientras que otros prácticamente no ejercieron ninguna influencia creativa. [6] El término productor de discos en su significado actual (el director creativo de la producción de canciones), que aparece en un número de 1953 de la revista Billboard , se generalizó en la década de 1960. [6] Aún así, una distinción formal fue esquiva durante algún tiempo más. [6] Los gerentes de A&R todavía podrían ser directores creativos, como William "Mickey" Stevenson , contratado por Berry Gordy , en el sello discográfico Motown . [16]
En 1947, el mercado americano ganó la grabación de audio en cinta magnética. [17] En los albores de la industria discográfica en la década de 1880, en cambio, la grabación se hacía con un fonógrafo , grabando la forma de onda sónica verticalmente en un cilindro. [18] En la década de 1930, un gramófono la grababa lateralmente a lo largo de un disco. [19] Limitados en el rango tonal, ya sean graves o agudos, y en el rango dinámico , los discos hacían que un piano de cola de concierto sonara como un piano vertical pequeño, y la duración máxima era de cuatro minutos y medio. [14] [19] Las selecciones y la interpretación a menudo se alteraban en consecuencia, y reproducir este disco (el master de cera) lo destruía. [19] La finalidad a menudo causaba ansiedad que restringía la interpretación para evitar errores. [19] En la década de 1940, durante la Segunda Guerra Mundial, los alemanes perfeccionaron la grabación de audio en cinta magnética, eliminando el límite de duración de la grabación y permitiendo la reproducción, regrabación y edición inmediatas, una tecnología que facilitó el surgimiento de los productores de discos en sus roles actuales. [19]
En los inicios de la industria discográfica, se conseguía un disco simplemente haciendo que todos los artistas actuaran juntos en directo en una sola toma. [18] En 1945, [7] Les Paul desarrolló una técnica de grabación llamada "sonido sobre sonido" al grabar un elemento musical mientras se reproducía un disco previamente grabado . [18] De esta manera, la grabación final podía construirse pieza por pieza y personalizarse, efectuando un proceso de edición. [18] En un caso, Paul produjo una canción a través de 500 discos grabados. [18] Pero, además del tedio de este proceso, degradaba en serie la calidad del sonido de los elementos previamente grabados, que se volvían a grabar como sonido ambiente. [18] Sin embargo, en 1948, Paul adoptó la grabación en cinta, lo que permitió una verdadera grabación multipista mediante una nueva técnica, la " sobregrabación ". [18]
Para permitir la sobregrabación, Paul revisó la grabadora en sí misma añadiendo un segundo cabezal de reproducción, al que denominó cabezal de vista previa . [7] Al unir el cabezal de grabación, el cabezal de borrado y el cabezal de reproducción preexistentes, el cabezal de vista previa permite al artista escuchar la grabación existente a través de auriculares reproduciéndola en sincronía, "en sincronía", con la interpretación actual grabada sola en una pista aislada. [7] Este aislamiento de múltiples pistas permite innumerables posibilidades de mezcla. Los productores comenzaron a grabar inicialmente solo las "pistas de base" (la sección rítmica , incluida la línea de bajo , la batería y la guitarra rítmica), mientras que las voces y los solos de instrumentos se podían agregar más tarde. Una sección de vientos , por ejemplo, podría grabar una semana después, y una sección de cuerdas otra semana después. Un cantante podría realizar sus propios coros, o un guitarrista podría tocar 15 capas.
A lo largo de la década de 1960, la música popular pasó cada vez más de los instrumentos acústicos, como el piano, el contrabajo , la guitarra acústica y los instrumentos de viento metal , a los instrumentos electrónicos, como las guitarras eléctricas , los teclados y los sintetizadores , empleando amplificadores de instrumentos y altavoces. Estos podían imitar instrumentos acústicos o crear sonidos completamente nuevos. Pronto, al combinar las capacidades de la cinta, la grabación multipista y los instrumentos electrónicos, productores como Phil Spector , George Martin y Joe Meek convirtieron sonidos inalcanzables en vivo. [8] De manera similar, en la fusión de jazz , Teo Macero , que produjo el álbum Bitches Brew de Miles Davis de 1970 , empalmó secciones de extensas sesiones de improvisación.
En la década de 1960, grupos de rock como los Beatles , los Rolling Stones y los Kinks produjeron algunas de sus propias canciones, aunque muchas de ellas se acreditan oficialmente a productores especializados. Sin embargo, especialmente influyentes fueron los Beach Boys, cuyo líder de banda, Brian Wilson, reemplazó a su padre Murry un par de años después del éxito comercial de la banda. En 1964, Wilson había llevado las técnicas de Spector a una sofisticación nunca vista. Wilson produjo solo todas las grabaciones de los Beach Boys entre 1963 y 1967. Utilizando múltiples estudios y múltiples intentos de pistas instrumentales y vocales, Wilson seleccionó las mejores combinaciones de interpretación y calidad de audio, y utilizó la edición de cintas para ensamblar una interpretación compuesta.
La llegada de los procesos y formatos digitales en la década de 1980 reemplazó rápidamente a los procesos y formatos analógicos, a saber, la cinta y el vinilo. Aunque la grabación en cinta de calidad, de al menos media pulgada de ancho y con una velocidad de 15 pulgadas por segundo, había limitado el "silbido de la cinta" a las secciones silenciosas, la mayor relación señal-ruido (SNR) de la tecnología digital lo eliminó. [20] La tecnología digital también impartió a la música una calidad de sonido percibida como "prístina", aunque también una pérdida de la calidad "cálida" percibida de las grabaciones analógicas y de los graves más redondos. [20] Sin embargo, mientras que la edición de medios de cinta requiere ubicar físicamente el audio de destino en la cinta, cortar allí y unir las piezas, la edición de medios digitales ofrece ventajas indiscutibles en cuanto a facilidad, eficiencia y posibilidades.
En la década de 1990, la producción digital llegó a los ordenadores domésticos asequibles a través del software de producción. En la actualidad, la grabación y la mezcla suelen estar centralizadas en estaciones de trabajo de audio digital (DAW ), por ejemplo, Pro Tools , Logic Pro , Ableton , Cubase , Reason y FL Studio , para las que los complementos de terceros afectan a la tecnología de estudio virtual . [9] Las DAW bastante estándar en la industria son Logic Pro y Pro Tools. [10] Los dispositivos físicos involucrados incluyen el mezclador principal, los controladores MIDI para comunicarse entre equipos, el dispositivo de grabación en sí y, tal vez, el equipo de efectos externo. Sin embargo, la grabación literal a veces sigue siendo analógica, en cinta, con lo que la grabación en bruto se convierte en una señal digital para su procesamiento y edición, ya que algunos productores todavía encuentran ventajas de audio en la grabación en cinta. [20]
Convencionalmente, la cinta es más indulgente con la sobremodulación , por la cual los picos dinámicos exceden el nivel máximo de señal grabable: la limitación de la cinta, una propiedad física, es la capacidad magnética, que se reduce, suavizando la forma de onda sobremodulada incluso en una señal casi 15 decibeles demasiado "caliente", mientras que una grabación digital se arruina por la fuerte distorsión del " recorte " en cualquier sobreimpulso. [20] En la grabación digital, sin embargo, un avance reciente, el float de 32 bits , permite a los DAW deshacer el recorte. [21] Aún así, algunos critican los instrumentos digitales y los flujos de trabajo por el exceso de automatización, supuestamente perjudicando el control creativo o sonoro. [22] En cualquier caso, como la tecnología de producción ha cambiado drásticamente, también lo han hecho las demandas de conocimiento, [23] aunque los DAW permiten a los novatos, incluso a los adolescentes en casa, aprender producción de forma independiente. [11] Algunos han alcanzado la competencia profesional antes de trabajar con un artista. [12]
En la década de 2000, con la llegada de la tecnología que hizo accesible la producción discográfica tradicional, especialmente con la creación de ritmos de hip hop y la música electrónica, el término productor se aplica a una serie de roles y ha popularizado el uso de términos y créditos más especializados, como productor ejecutivo, coproductor, productor asistente y producción adicional y miscelánea para diferenciar las contribuciones. [24]
Entre las productoras discográficas, Sylvia Moy fue la primera en Motown , Gail Davies la primera en Music Row de Nashville y Ethel Gabriel , con RCA , la primera en un sello discográfico importante . Lillian McMurry , propietaria de Trumpet Records , produjo influyentes discos de blues . Mientras tanto, Wilma Cozart Fine produjo cientos de discos para la división clásica de Mercury Records . Por producción clásica, tres mujeres han ganado premios Grammy, y la victoria de Judith Sherman en 2015 fue su quinta. [12] Sin embargo, en lo no clásico, ninguna mujer ha ganado Productor del Año , otorgado desde 1975 y solo una incluso nominada por un disco que no es suyo, Linda Perry. [25] Después de la nominación de Lauren Christy en 2004, la nominación de Linda Perry en 2019 fue la siguiente para una mujer. [25] Sobre por qué ninguna mujer lo había ganado nunca, Perry comentó: "Simplemente no creo que haya tantas mujeres interesadas". [12] En el Reino Unido, Lynsey de Paul fue una de las primeras productoras discográficas, habiendo producido sus dos canciones ganadoras del premio Ivor Novello. [26]
A lo largo de las décadas, muchas artistas femeninas han producido su propia música. Por ejemplo, las artistas Kate Bush , Madonna , Mariah Carey , Janet Jackson , Beyoncé (incluso la de Destiny's Child y The Carters ), Lana Del Rey , Taylor Swift y Lorde han producido o coproducido [11] [27] y Ariana Grande , que produce y arregla sus voces además de ser ingeniera de audio. [28] [29] [30] Aún entre los especialistas, a pesar de algunas mujeres prominentes, incluidas Missy Elliott en el hip hop y Sylvia Massy en el rock, la gran mayoría han sido hombres. [11] A principios de la década de 2010, cuando se le pidió que compartiera los conocimientos que ella misma había obtenido como mujer que se había especializado con éxito en la industria, Wendy Page comentó: "Las dificultades suelen ser muy efímeras. Una vez que la gente se da cuenta de que puedes hacer tu trabajo, el sexismo tiende a bajar su fea cabeza". [11] Sin embargo, cuando se le pidió que explicara la disparidad de género en su profesión, Page argumentó en parte que las discográficas, dominadas por hombres, han sido, dijo, "desconfiadas de dar a una mujer las riendas de un proyecto inmenso y creativo como hacer un disco". [11] En última instancia, las razones son múltiples y no están del todo claras, aunque los factores propuestos de manera destacada incluyen tipos de sexismo y escasez de modelos femeninos a seguir en la profesión. [12]
Entre las productoras conocidas por producir discos que no son suyos se incluyen Sonia Pottinger, Sylvia Robinson y Carla Olson.
En enero de 2018, un equipo de investigación dirigido por Stacy L. Smith, fundadora y directora de la Iniciativa de Inclusión Annenberg , [31] con sede en la Escuela de Comunicación y Periodismo Annenberg de la USC , [32] publicó un informe, [33] estimando que en los años anteriores, alrededor del 2% de los productores de canciones populares eran mujeres. [13] También ese mes, la revista Billboard preguntó: "¿Dónde están todas las productoras musicales femeninas?" [12] Tras el segundo informe anual de la Iniciativa de Inclusión Annenberg, publicado en febrero de 2019, [34] su departamento en la USC informó que "en 2018 hubo una protesta de artistas, ejecutivos y otros profesionales de la industria musical por la falta de mujeres en la música" y "la difícil situación de las mujeres en la música", donde supuestamente las mujeres estaban siendo "estereotipadas, sexualizadas y excluidas". [32] También en febrero de 2019, el Grupo de Trabajo sobre Diversidad e Inclusión de la Academia de la Grabación anunció una iniciativa mediante la cual más de 200 artistas y productores, desde Cardi B y Taylor Swift hasta Maroon 5 y Quincy Jones , acordaron considerar al menos dos mujeres para cada puesto de productor o ingeniero. [13] El sitio web de la academia, Grammy.com , anunció: "Esta iniciativa es el primer paso en un esfuerzo más amplio para mejorar esas cifras y aumentar la diversidad y la inclusión para todos en la industria de la música". [13]
Con frecuencias de 32 bits flotantes, ya no necesita preocuparse por el recorte durante sus mejores tomas vocales o solos de instrumentos. Cualquier momento grabado que supere los 0
dBFS
se puede reducir a un nivel aceptable, después de la grabación, en su DAW
