Robert Bernard Altman ( 20 de febrero de 1925 - 20 de noviembre de 2006) fue un director de cine , guionista y productor estadounidense . Se le considera una figura perdurable de la era del Nuevo Hollywood , conocido por dirigir películas subversivas y satíricas con diálogos superpuestos y elencos corales . A lo largo de su carrera recibió varios premios, entre ellos un Premio Honorario de la Academia , dos Premios de Cine de la Academia Británica , un Premio Primetime Emmy y un Globo de Oro , así como nominaciones a siete Premios de la Academia competitivos .
Altman fue nominado a cinco premios Oscar como mejor director por la comedia bélica M*A*S*H (1970), la película musical Nashville (1975), la sátira hollywoodense The Player (1992), la comedia negra Short Cuts (1993) y la película de misterio Gosford Park (2001). También es conocido por dirigir Brewster McCloud (1970), McCabe & Mrs. Miller (1971), The Long Goodbye (1973), California Split (1974), Thieves Like Us (1974), 3 Women (1977), A Wedding (1978), Popeye (1980), Secret Honor (1984), The Company (2003) y A Prairie Home Companion (2006).
También conocido por su trabajo en televisión, dirigió la miniserie de falso documental político de HBO Tanner '88 (1988) por la que ganó el premio Primetime Emmy a la mejor dirección de una serie dramática . También dirigió la película para televisión de HBO The Laundromat (1985). En el escenario, dirigió la reposición en Broadway de la obra de Ed Graczyk Come Back to the 5 & Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1981) y más tarde la película de 1982 del mismo nombre . Dirigió la reposición en el West End de la penúltima obra de Arthur Miller Resurrection Blues (2006).
En 2006, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas reconoció el trabajo de Altman con un Premio Honorífico de la Academia . Nunca ganó un Oscar competitivo a pesar de siete nominaciones. Sus películas M*A*S*H , McCabe & Mrs. Miller , The Long Goodbye y Nashville han sido seleccionadas para el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos . Altman es uno de los tres cineastas cuyas películas han ganado el Oso de Oro en Berlín , el León de Oro en Venecia y la Palma de Oro en Cannes (los otros dos son Henri-Georges Clouzot y Michelangelo Antonioni ).
Altman nació el 20 de febrero de 1925 en Kansas City, Misuri , hijo de Helen (née Matthews), descendiente de Mayflower de Nebraska , y Bernard Clement Altman, un rico vendedor de seguros y jugador aficionado que provenía de una familia de clase alta. La ascendencia de Altman era alemana, inglesa e irlandesa; [1] [2] su abuelo paterno, Frank Altman Sr., anglicanizó la ortografía del apellido de "Altmann" a "Altman". [2] Altman tuvo una educación católica , [3] pero no continuó siguiendo o practicando la religión como adulto, [4] aunque se ha referido a él como "una especie de católico" y un director católico. [3] [5] Fue educado en escuelas jesuitas , incluida la Rockhurst High School , en Kansas City. [6] Se graduó de la Academia Militar Wentworth en Lexington, Misuri en 1943.
Poco después de graduarse, Altman se unió a las Fuerzas Aéreas del Ejército de los Estados Unidos a la edad de 18 años. Durante la Segunda Guerra Mundial , Altman voló más de 50 misiones de bombardeo como copiloto de un B-24 Liberator con el 307th Bomb Group en Borneo y las Indias Orientales Holandesas . [7] [8] Tras su baja en 1947, Altman se mudó a California. Trabajó en publicidad para una empresa que había inventado una máquina de tatuajes para identificar perros. Entró en el mundo del cine por capricho, vendiendo un guion a RKO para la película de 1948 Bodyguard , que coescribió con George W. George. El éxito inmediato de Altman lo animó a mudarse a la ciudad de Nueva York, donde intentó forjar una carrera como escritor. Habiendo disfrutado de poco éxito, regresó a Kansas City en 1949 y aceptó un trabajo como director y escritor de películas industriales para la Calvin Company . Altman dirigió unas 65 películas industriales y documentales para la Calvin Company. A través de sus primeros trabajos en películas industriales, Altman experimentó con la técnica narrativa y desarrolló su característico uso de diálogos superpuestos. En febrero de 2012, el cineasta Gary Huggins encontró una de las primeras películas de Calvin dirigidas por Altman, Modern Football (1951). [9] [10]
Altman también dirigió obras de teatro y óperas paralelamente a su carrera cinematográfica. Mientras trabajaba para la Calvin Company, comenzó a dirigir obras de teatro en el Resident Theatre del Jewish Community Center. Estas obras le permitieron trabajar con actores locales, como su futuro director Richard C. Sarafian , a quien dirigió en una producción de Hope Is the Thing with Feathers de Richard Harrity . Sarafian más tarde se casaría con la hermana de Altman y lo seguiría a Hollywood. [11]
Las primeras incursiones de Altman en la dirección de televisión fueron en la serie dramática de DuMont Pulse of the City (1953-1954), y un episodio de la serie western de 1956 The Sheriff of Cochise . En 1956, un empresario local lo contrató para escribir y dirigir un largometraje en Kansas City sobre la delincuencia juvenil . La película, titulada The Delinquents , realizada por $60,000, fue comprada por United Artists por $150,000 y estrenada en 1957. Si bien primitiva, esta película de explotación adolescente contenía las bases del trabajo posterior de Altman en su uso de diálogos casuales y naturalistas. Con su éxito, Altman se mudó de Kansas City a California por última vez. Codirigió The James Dean Story (1957), un documental que se apresuró a llegar a los cines para capitalizar la reciente muerte del actor y comercializarlo entre sus seguidores de culto emergentes. Ambos trabajos llamaron la atención de Alfred Hitchcock , quien contrató a Altman como director para su serie antológica de CBS Alfred Hitchcock Presents . Después de solo dos episodios, Altman renunció debido a diferencias con un productor, pero esta exposición le permitió forjar una exitosa carrera televisiva. Durante la siguiente década, Altman trabajó prolíficamente en televisión (y casi exclusivamente en series dramáticas) dirigiendo múltiples episodios de Whirlybirds , The Millionaire , US Marshal , The Troubleshooters , The Roaring 20s , Bonanza , Bus Stop , Kraft Mystery Theater , Combat!, así como episodios individuales de varias otras series notables, incluyendo Hawaiian Eye , Maverick (el episodio de la cuarta temporada "Bolt From the Blue" también escrito por Altman y protagonizado por Roger Moore ), Lawman , Surfside 6 , Peter Gunn y Route 66 .
En la década de 1960, Altman se estableció como director de televisión debido a su capacidad para trabajar de manera rápida y eficiente con un presupuesto limitado. Aunque con frecuencia lo despidieron de proyectos de televisión por negarse a cumplir con los mandatos de la cadena, Altman siempre pudo conseguir nuevos trabajos. En 1964, los productores decidieron expandir "Once Upon a Savage Night", uno de sus episodios de Kraft Suspense Theatre , para estrenarlo como una película para televisión bajo el título Nightmare in Chicago . En un episodio de 1963, "The Hunt", su elenco incluyó a James Caan y Bruce Dern .
Dos años después, Altman fue contratado para dirigir el largometraje de viajes espaciales de bajo presupuesto Countdown , pero fue despedido a los pocos días de la conclusión del proyecto porque se había negado a editar la película para que tuviera una duración manejable. Trabajó nuevamente con Caan, quien encabezó el reparto con Robert Duvall . No dirigió otra película hasta That Cold Day in the Park (1969), que fue un desastre de crítica y taquilla. Durante la década, Altman comenzó a expresar subtextos políticos dentro de sus obras. En particular, expresó sentimientos contra la guerra con respecto a la Guerra de Vietnam . Debido a esto, la carrera de Altman sufriría un poco, ya que llegó a ser asociado con el movimiento contra la guerra .
En 1969, a Altman le ofrecieron el guion de M*A*S*H , una adaptación de una novela poco conocida de la época de la Guerra de Corea que satirizaba la vida en las fuerzas armadas; más de una docena de otros cineastas lo habían rechazado. Altman había dudado en aceptar la producción, y el rodaje fue tan tumultuoso que Elliott Gould y Donald Sutherland intentaron que despidieran a Altman por sus métodos de filmación poco ortodoxos. Sin embargo, M*A*S*H fue ampliamente aclamada como un clásico en su estreno en 1970. Ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1970 y obtuvo cinco nominaciones al Oscar . Fue la película más taquillera de Altman, estrenada durante una época de creciente sentimiento contra la guerra en los Estados Unidos. El Archivo de Cine de la Academia preservó M*A*S*H en 2000. [12]
Reconocido ya como un gran talento, Altman cosechó éxitos de crítica con McCabe & Mrs. Miller (1971), un western revisionista en el que las mordaces canciones de Leonard Cohen subrayan una visión cruda de la frontera estadounidense; Images , su único intento inspirado en Bergman de hacer una película de terror; The Long Goodbye (1973), una controvertida adaptación de la novela de Raymond Chandler (con guion de Leigh Brackett ) ahora clasificada como una influencia seminal en el subgénero neo-noir ; Thieves Like Us (1974), una adaptación de la novela de Edward Anderson previamente filmada por Nicholas Ray como They Live by Night (1949); California Split (1974), una comedia dramática sobre juegos de azar filmada parcialmente en locaciones en Reno, Nevada ; y Nashville (1975), que tenía un fuerte tema político ambientado en el mundo de la música country . Las estrellas de la película escribieron sus propias canciones; Keith Carradine ganó un premio de la Academia por la canción " I'm Easy ". La siguiente película de Altman, Buffalo Bill and the Indians, or Sitting Bull's History Lesson , ganó el Oso de Oro en el 28º Festival Internacional de Cine de Berlín .
Aunque sus películas fueron recibidas a menudo con críticas divisivas, y algunas, como Una pareja perfecta y Quinteto fueron ampliamente criticadas, muchos de los críticos de cine destacados de la época (incluidos Pauline Kael , Vincent Canby y Roger Ebert ) se mantuvieron firmemente leales a su estilo de dirección durante toda la década. El público tardó un tiempo en apreciar sus películas, y él no quería tener que satisfacer a los funcionarios del estudio. En 1970, tras el estreno de M*A*S*H, fundó Lion's Gate Films para tener libertad de producción independiente. La empresa de Altman no debe confundirse con la actual Lionsgate , una empresa de entretenimiento canadiense/estadounidense. [13] Las películas que hizo a través de su empresa incluyeron Brewster McCloud , Una boda y 3 mujeres .
En 1980, dirigió la película musical Popeye . Producida por Robert Evans y escrita por Jules Feiffer , la película se basó en la tira cómica/dibujo animado del mismo nombre y protagonizada por Shelley Duvall y el comediante Robin Williams en su debut cinematográfico. Diseñada como un vehículo para aumentar la influencia comercial de Altman después de una serie de películas de bajo presupuesto aclamadas por la crítica pero comercialmente fracasadas a fines de la década de 1970 (incluidas 3 Women , A Wedding y Quintet ), la producción se filmó en locaciones en Malta . Pronto se vio asediada por el consumo excesivo de drogas y alcohol entre la mayoría del elenco y el equipo, incluido el director; Altman supuestamente chocó con Evans, Williams (quien amenazó con abandonar la película) y el compositor Harry Nilsson (quien se fue a mitad del rodaje, dejando a Van Dyke Parks para terminar las orquestaciones). Aunque la película recaudó 60 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 20 millones y fue la segunda película más taquillera que Altman había dirigido hasta ese momento, no cumplió con las expectativas del estudio y fue considerada una decepción de taquilla.
En 1981, el director vendió Lion's Gate al productor Jonathan Taplin después de que su sátira política Health (filmada a principios de 1979 para un estreno en Navidad) fuera archivada por su distribuidora de toda la vida, 20th Century Fox, tras unas tibias proyecciones de prueba y en festivales a lo largo de 1980. La marcha de Alan Ladd Jr. , partidario de Altman desde hacía mucho tiempo , de Fox también jugó un papel decisivo a la hora de impedir el estreno de la película.
Incapaz de asegurar una financiación importante en la era posterior a los éxitos de taquilla del Nuevo Hollywood debido a su reputación voluble y los eventos particularmente tumultuosos que rodearon la producción de Popeye , Altman regresó a la televisión y al teatro entre películas. Su primer proyecto después de Popeye fue 2 by South , un programa doble de obras del dramaturgo desconocido Frank South, Rattlesnake in a Cooler y Precious Blood . La producción debutó en Los Ángeles antes de ser transferida al off-Broadway antes de que Altman la adaptara como un par de películas para televisión. El siguiente proyecto de Altman fue revivir la obra de Ed Graczyk , Come Back to the 5 & Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean . Al igual que 2 by South , Altman adaptó su producción como película. La película , protagonizada por Cher , Karen Black y Sandy Dennis , se proyectó en festivales de cine antes de su estreno en cines independientes; Altman rechazó varios acuerdos de distribución para mantener la película bajo su control. [14] : 115
En 1982, después de terminar su trabajo en Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean , Altman viajó a Dallas para filmar su siguiente película, Streamers . La película, adaptada por David Rabe de su exitosa obra de teatro , se filmó en solo 18 días. Su estreno en 1983 la convirtió en la tercera adaptación teatral de Altman en dos años. Posteriormente, comenzó a impartir un curso sobre sus películas en la Universidad de Michigan , donde al mismo tiempo montó su primera producción de The Rake's Progress de Igor Stravinsky . También coescribió el exitoso sencillo de 1983 de John Anderson " Black Sheep ". [15]
Tras el éxito crítico de sus tres adaptaciones teatrales sucesivas, Altman intentó regresar a Hollywood con la comedia adolescente O.C. and Stiggs (1985). Al igual que Popeye , la caótica producción se caracterizó por la tensión entre Altman y el estudio, MGM . Altman viajó a Arizona para rodar lejos de los ejecutivos y los guionistas, a quienes expulsó del set. Allí filmó la película en el verano de 1983, pero las malas proyecciones de prueba, el caos dentro del estudio y el cambio de propietario retrasaron el estreno de la película. Finalmente recibió un estreno comercial limitado tardío en 1987, cuatro años después de su rodaje. [16] El British Film Institute se refirió más tarde a ella como "probablemente la película menos exitosa de Altman".
Mientras OC and Stiggs estaba archivada, Altman regresó a las adaptaciones teatrales y a la Universidad de Michigan para filmar Secret Honor , utilizando a sus estudiantes como miembros del equipo. Basada en una obra de teatro unipersonal sobre el expresidente Richard Nixon , la película fue protagonizada por Philip Baker Hall como el expresidente. En 2008, la Biblioteca de la Universidad de Michigan adquirió el archivo de Altman. [17] Adaptada por Altman y Sam Shepard para The Cannon Group de la obra de Shepard nominada al premio Pulitzer , Fool for Love (1985) presentó al dramaturgo y actor junto a Kim Basinger , Harry Dean Stanton y Randy Quaid ; le fue mejor que la mayoría de sus películas de la época, recaudando $900,000 a nivel nacional con un presupuesto de $2 millones y críticas positivas de Roger Ebert y Vincent Canby .
Decepcionado por su serie de fracasos críticos y comerciales, incluyendo las aún inéditas OC y Stiggs , Altman se mudó a París. Allí, filmó otra película para televisión, The Laundromat , que completó antes de Fool for Love . Luego escribió y dirigió Beyond Therapy , que resultó ser uno de sus mayores fracasos. Altman luego montó su segunda producción de The Rake's Progress , esta vez en la prestigiosa Ópera de Lille . La Ópera estaba atravesando un colapso financiero en ese momento, y su fracaso en recuperar dinero a través de producciones ambiciosas provocó que cerrara más tarde ese año. Altman también usó una selección de Les Boréades de Jean-Phillipe Rameau como base para su contribución a Aria , que se mostró en el Festival de Cine de Cannes de 1987 con una recepción mixta. Altman hizo su siguiente película para televisión, Basements , basada en dos obras de teatro de Harold Pinter. Aunque Pinter escribió el guion él mismo, esta película se convirtió en el último de los fracasos de Altman. El esperado lanzamiento de OC y Stiggs ese año también fue criticado.
En 1988, Altman recuperó finalmente un mínimo de favor crítico por su trabajo en televisión. Regresó a Estados Unidos a principios de ese año para filmar el programa de falso documental Tanner '88 (1988), una colaboración con Garry Trudeau ambientada en el entorno de una campaña presidencial de los Estados Unidos, por la que ganó un premio Primetime Emmy . La serie se filmó en la campaña electoral real y contó con varios candidatos reales. Durante la emisión del programa, se emitió la producción televisiva de Altman de The Caine Mutiny Court-Martial . Aunque recibió grandes elogios, sería su última película para televisión. En 1990, Altman dirigió Vincent & Theo , una película biográfica sobre Vincent van Gogh que estaba destinada a ser una miniserie de televisión para su transmisión en el Reino Unido. Una versión cinematográfica de la película fue un éxito modesto en los Estados Unidos, lo que marcó un punto de inflexión significativo en el resurgimiento crítico del director. [a] [b]
Revitalizó su carrera en serio con The Player (1992), una sátira de Hollywood. Coproducida por el influyente David Brown ( El golpe , Tiburón , Cocoon ), la película fue nominada a tres premios de la Academia, incluido el de Mejor Director . Si bien no ganó el Oscar, fue galardonado con el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes , BAFTA y el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York .
Altman dirigió después Short Cuts (1993), una ambiciosa adaptación de varios cuentos de Raymond Carver , que retrataba la vida de varios ciudadanos de Los Ángeles a lo largo de varios días. El gran reparto de la película y la interrelación de muchas historias diferentes eran similares a sus películas de gran reparto de la década de 1970; ganó el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 1993 y otra nominación al Oscar a Mejor Director.
Entre el rodaje y la edición de Short Cuts , Altman regresó a la ópera como director y co-libretista de McTeague . Altman fue contratado para el proyecto por William Bolcom , quien había sido comisionado junto con su libretista habitual, Arnold Weinstein , para escribir una ópera para la Ópera Lírica de Chicago . Bolcom, profesor de la Universidad de Michigan, había admirado la primera producción de Altman de The Rake's Progress una década antes y le pidió ayuda para adaptar la novela de Frank Norris . [20] Después de terminar Short Cuts , Altman dirigió dos episodios de Great Performances . El primero fue una revista de R&B; el segundo fue una adaptación televisiva de McTeague .
El resto de la década de 1990 vio un éxito limitado para Altman. Su lanzamiento de 1994 Prêt-à-Porter (también conocido como Ready to Wear ) obtuvo una importante publicidad previa al estreno, pero fue un fracaso comercial y crítico, aunque obtuvo varias nominaciones para premios de fin de año, incluidas dos nominaciones al Globo de Oro y ganó el premio National Board of Review a la Mejor Actuación de un Conjunto . En 1996, Altman dirigió Kansas City , expresando su amor por el jazz de los años 30 a través de una complicada historia de secuestro. Altman animó a los músicos en el set de la película a improvisar, y el metraje no utilizado de sus actuaciones formó la base para el tercer episodio de Great Performances de Altman . Sin embargo, la historia recibió críticas tibias a positivas, pero recaudó casi nada en taquilla, al igual que el thriller legal de 1998 The Gingerbread Man . Aunque su serie antológica de 1997, Gun , tenía un elenco de alto perfil, fue cancelada después de sólo seis episodios.
Cerró la década con una nota alta, con Cookie's Fortune de 1999 , una peculiar comedia negra sobre el suicidio de una viuda adinerada, su primera película en casi 6 años en recuperar su presupuesto, y que le valió elogios generalmente positivos de los críticos. Fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias en 1999. [21] Aunque la primera película de Altman del nuevo milenio, Dr. T & the Women , recibió solo críticas moderadas y un éxito financiero mediocre. Su siguiente película, Gosford Park (2001), fue incluida en muchas listas de críticos de las diez mejores películas de ese año. Un misterio de asesinato en una casa de campo británica con un gran elenco , ganó el Premio de la Academia al Mejor Guion Original ( Julian Fellowes ) más seis nominaciones más, incluidas dos para Altman, como Mejor Director y Mejor Película.
Altman volvió a los escenarios dos veces más. En 2004 se reunió con Bolcom, Weinstein y la Ópera Lírica para adaptar su película de 1978, A Wedding , como ópera. En general, fue bien recibida. [22] Su última producción teatral fue mal recibida. En 2006, Altman viajó a Inglaterra para dirigir el debut en el West End de la última obra de Arthur Miller , Resurrection Blues en el Old Vic Theatre . En ese momento, el Old Vic estaba dirigido por Kevin Spacey , y la producción estaba protagonizada por Maximilian Schell , James Fox , Neve Campbell, Matthew Modine y Jane Adams . Sin embargo, a pesar del pedigrí de todos los involucrados, la producción fue un fracaso rotundo con malas críticas y disputas detrás de escena. [23]
Trabajar con estudios independientes como el ahora cerrado Fine Line, Artisan (que fue absorbido por el actual Lionsgate ) y USA Films (ahora Focus Features ) le dio a Altman la ventaja de hacer el tipo de películas que siempre quiso hacer sin la interferencia del estudio. The Company , una película sobre el Joffrey Ballet en Chicago, contó con un elenco compuesto principalmente por bailarines reales. La película había sido concebida por la estrella Neve Campbell , una ex bailarina, y escrita por la amiga de toda la vida de Altman, Barbara Turner . Altman dirigió una continuación de Tanner '88 para el Sundance Channel , reuniéndolo con Michael Murphy como un Jack Tanner mayor. Una versión cinematográfica de la serie de radio pública de Garrison Keillor A Prairie Home Companion se estrenó en junio de 2006. Altman siguió desarrollando nuevos proyectos hasta su muerte, incluida una película basada en Hands on a Hard Body: The Documentary (1997). [24]
En 2006, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le otorgó a Altman un Premio Honorífico de la Academia por su trayectoria. Durante su discurso de aceptación, reveló que había recibido un trasplante de corazón aproximadamente diez u once años antes. El director bromeó diciendo que tal vez la Academia había actuado de manera prematura al reconocer su obra, ya que sentía que tal vez le quedaban cuatro décadas más de vida por delante.
El estilo particular de Altman para hacer películas abarcaba muchos géneros —conocidos como altmanescos [25] —, pero generalmente con un giro " subversivo " o "antihollywoodense" que generalmente se basaba en la sátira y el humor para expresar sus puntos de vista personales. Los actores disfrutaban especialmente trabajando bajo su dirección porque los alentaba a improvisar. Prefería grandes elencos para sus películas y desarrolló una técnica de grabación multipista que producía diálogos superpuestos de múltiples actores. Esto producía una experiencia más natural, más dinámica y más compleja para el espectador. También utilizó un trabajo de cámara altamente móvil y lentes de zoom para realzar la actividad que tenía lugar en la pantalla. La crítica Pauline Kael , escribiendo sobre su estilo de dirección, dijo que Altman podía "hacer fuegos artificiales cinematográficos de casi nada". [26]
Tras su exitosa carrera en televisión, Altman comenzó su nueva carrera en la industria cinematográfica cuando ya era un hombre de mediana edad. Comprendió los límites creativos que imponía el medio televisivo y se propuso dirigir y escribir películas que expresaran su visión personal de la sociedad estadounidense y de Hollywood. Sus películas serían descritas más tarde como " ataques de autor " y "variaciones idiosincrásicas" de películas tradicionales, en las que normalmente utilizaba la comedia sutil o la sátira como forma de expresar sus observaciones. [26]
Sus películas estaban relacionadas generalmente con temas políticos, ideológicos y personales, y Altman era conocido por "negarse a comprometer su propia visión artística". [27] Se le ha descrito como "anti-Hollywood", a menudo ignorando las presiones sociales que afectaban a otros en la industria, lo que le hizo más difícil conseguir que se vieran muchas de sus películas. Dijo que su independencia como cineasta lo ayudó en general:
No creo que haya ningún cineasta vivo, o que haya vivido jamás, que haya tenido una mejor experiencia que la que he tenido yo. Nunca me he quedado sin un proyecto y siempre ha sido un proyecto de mi propia elección. Así que no sé cuánto mejor podría ser. No me he convertido en un magnate, no construyo castillos y no tengo una gran fortuna personal, pero he podido hacer lo que he querido hacer y lo he hecho mucho. [28]
"Altman era un auténtico inconformista del cine", afirma el autor Ian Freer , porque iba en contra de la conformidad comercial de la industria cinematográfica: "Fue el azote del establishment cinematográfico, y su obra generalmente arrojaba una mirada astuta y mordaz sobre la amplitud de la cultura estadounidense, a menudo haciendo estallar géneros y arquetipos de personajes; Altman estaba fascinado por la gente con imperfecciones, la gente como realmente es, no como las películas quieren hacernos creer". [29] El director Alan Rudolph , durante un homenaje especial a Altman, se refiere a su estilo cinematográfico como "altmanesco". [30]
Con su estilo independiente de dirigir, se ganó una mala reputación entre los guionistas y aquellos que se dedicaban al negocio del cine. Él mismo admite: "Tengo una mala reputación con los guionistas, que se fue desarrollando a lo largo de los años: 'Oh, él no hace lo que tú escribes, bla, bla, bla'. ... Ring Lardner estaba muy cabreado conmigo", por no seguir su guión. [31] : 18 Altman tampoco se llevaba bien con los jefes de los estudios, una vez le dio un puñetazo en la nariz a un ejecutivo y lo tiró a una piscina porque insistió en cortar seis minutos de una película en la que estaba trabajando. [32] : 9
Su reputación entre los actores era mejor. Con ellos, su independencia a veces se extendía a su elección de actores, a menudo yendo en contra del consenso. Cher , por ejemplo, le atribuye el mérito de haber lanzado su carrera tanto con la obra de teatro como con la película Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982). "Sin Bob, nunca habría tenido una carrera cinematográfica. Todo el mundo le decía que no me eligiera. Todo el mundo... Nadie me daba una oportunidad. Estoy convencida de que Bob fue el único que tuvo el valor de hacerlo". Otras, como Julianne Moore , describen su trabajo con él:
¿Sabes? ¿Todo ese rumor sobre que Bob es una persona irascible y difícil? Bueno, nunca fue así con ningún actor ni con ninguna persona creativa que yo haya visto. Nunca, nunca, nunca. Todo eso lo guardaba para la gente adinerada. [33] : 431
El director Robert Dornhelm dijo que Altman "consideraba el cine como un medio puramente artístico". En el caso de Short Cuts (1993), por ejemplo, el distribuidor "le rogó" que cortara unos minutos de la duración para que fuera comercialmente viable: "Bob simplemente pensó que el anticristo estaba tratando de destruir su arte. Eran personas bien intencionadas que querían que él recibiera lo que se merecía, que era un gran éxito comercial. Pero cuando se trataba del arte o del dinero, él estaba del lado del arte". [33] : 438
Sally Kellerman , al notar la actitud voluntariosa de Altman, recordó con pesar haber perdido la oportunidad de actuar en una de sus películas:
Acababa de terminar de filmar Last of the Red Hot Lovers cuando Bob me llamó un día a casa. "Sally, ¿quieres salir en mi foto después de la próxima?", me preguntó. "Solo si es un buen papel", le dije. Me colgó.
Bob era tan terco y arrogante como yo en ese momento, pero lo triste es que me engañé a mí mismo y no pude trabajar con alguien a quien amaba tanto, alguien que hacía que actuar fuera divertido y fácil y que confiaba en sus actores. Bob amaba a los actores. Las estrellas hacían cola para trabajar gratis para Bob Altman. [34]
A diferencia de directores cuyo trabajo encaja dentro de varios géneros cinematográficos , como westerns, musicales, películas bélicas o comedias, el trabajo de Altman ha sido definido como más "antigénero" por varios críticos. [27] Esto se debe en parte a la naturaleza satírica y cómica de muchas de sus películas. Geraldine Chaplin , hija de Charlie Chaplin , comparó el humor de sus películas con las películas de su padre:
Son divertidos en el sentido correcto. Divertidos en un sentido crítico: de lo que es el mundo y del mundo en el que vivimos. Ambos fueron genios a su manera. Alteran tu experiencia de la realidad. Tienen su mundo y tienen su humor. Ese humor es muy poco común. [33] : 287
Altman dejó en claro que no le gustaba la "narración de historias" en sus películas, al contrario de la forma en que se hacen la mayoría de las películas de televisión y convencionales. Según el biógrafo de Altman , Mitchell Zuckoff , "no le gustaba la palabra 'historia', creyendo que una trama debería ser secundaria a una exploración del comportamiento humano puro (o, mejor aún, impuro)". [33] : xiii Zuckoff describe los propósitos subyacentes a muchas de las películas de Altman: "Amaba la naturaleza caótica de la vida real, con perspectivas conflictivas, giros sorprendentes, acciones inexplicables y finales ambiguos. Amaba especialmente muchas voces, a veces discutiendo, a veces estando de acuerdo, idealmente superpuestas, un cóctel o una escena callejera capturada tal como la experimentó. [33] : xiii Julianne Moore , después de ver algunas de sus películas, atribuye el estilo de dirección de Altman a su decisión de convertirse en actriz de cine, en lugar de actriz de teatro:
Lo sentí muy fuerte y pensé: "No sé quién es este tipo, pero eso es lo que quiero hacer. Quiero hacer ese tipo de trabajo". A partir de entonces, veía sus películas cada vez que podía y siempre fue mi director favorito absoluto, por lo que decía temáticamente y emocionalmente y por lo que sentía por la gente. [33] : 324
El cineasta Charles Derry escribe que las películas de Altman "se caracterizan por contener observaciones perceptivas, intercambios reveladores y momentos de clara revelación de la locura humana". [27] Como Altman era un astuto observador de la sociedad y "estaba especialmente interesado en la gente", señala Derry, muchos de sus personajes cinematográficos tenían "esa descuidada imperfección asociada con los seres humanos tal como son, con la vida tal como se vive". [27] Como resultado, sus películas son a menudo una crítica indirecta de la sociedad estadounidense.
En muchas de las películas de Altman, el contenido satírico es evidente: M*A*S*H (1970), por ejemplo, es una comedia negra satírica ambientada durante la Guerra de Corea; McCabe & Mrs. Miller (1971) es una sátira sobre los westerns; [35] el autor Matthew Kennedy afirma que Nashville (1975) es una "brillante sátira de los Estados Unidos inmediatamente antes del Bicentenario"; [36] A Wedding (1978) es una sátira sobre los rituales matrimoniales estadounidenses y la hipocresía; [37] el propio Altman dijo que The Player (1992) era "una sátira muy suave" sobre la industria cinematográfica de Hollywood, y Vincent Canby estuvo de acuerdo, afirmando que "como sátira, The Player hace cosquillas. No hace sangrar". [38] La sátira de sus películas a veces las llevó al fracaso en taquilla si el distribuidor no comprendía su naturaleza satírica. Altman atribuye el fracaso de taquilla de The Long Goodbye (1973), una historia de detectives, a la comercialización errónea de la película como un thriller:
Cuando se estrenó la película, fue un fracaso rotundo... Fui a ver a David Picker y le dije: "No puedes hacer esto. No me extraña que la maldita película esté fracasando. Está dando una impresión equivocada. La haces parecer un thriller y no lo es, es una sátira". [31]
De manera similar, Altman también culpa del fracaso de OC & Stiggs al hecho de que se comercializó como una típica "película para adolescentes", en lugar de como él la filmó, una "sátira de una película para adolescentes", dijo. [31]
Altman prefería las historias que expresaban las interrelaciones entre varios personajes, ya que estaba más interesado en la motivación de los personajes que en tramas intrincadas. Por lo tanto, tendía a esbozar solo una trama básica para la película, refiriéndose al guion como un "modelo" para la acción. Al alentar a sus actores a improvisar diálogos, Altman se hizo conocido como un "director de actores", una reputación que atrajo a muchos actores notables a trabajar como parte de sus grandes elencos. Los actores disfrutan trabajando con Altman en parte porque "les da la libertad de desarrollar sus personajes y, a menudo, alterar el guion mediante la improvisación y la colaboración", señala Derry. Richard Baskin dice que "Bob era bastante extraordinario en su forma de dejar que la gente hiciera lo que hacía. Confiaba en que hicieras lo que hacías y, por lo tanto, matarías por él". [27]
[33] : 282 Geraldine Chaplin , que actuó en Nashville , recuerda una de sus primeras sesiones de ensayo:
Él dijo: "¿Habéis traído vuestros guiones?" Dijimos que sí. Él dijo: "Bueno, tiradlos. No los necesitáis. Necesitais saber quiénes sois, dónde estáis y con quién estáis". ... Era como estar en un escenario con el teatro lleno cada segundo. Todos los números de circo que teníais dentro del cuerpo los hacíais sólo para él. [33] : 282
Altman solía dejar que sus actores desarrollaran un personaje mediante la improvisación durante los ensayos o, a veces, durante el rodaje. [32] Este tipo de improvisación era poco común en el cine debido al alto coste de producción cinematográfica, que requiere una planificación cuidadosa, guiones precisos y ensayos antes de que se exhibiera una película costosa. Sin embargo, Altman prefería utilizar la improvisación como herramienta para ayudar a sus actores a desarrollar su personaje. [39] Altman dijo que "una vez que empezamos a rodar, es algo muy establecido. La improvisación se malinterpreta. No dejamos que la gente se desenvuelva sin más". [28] Aunque intentaba evitar dictar cada movimiento de un actor, prefiriendo dejar que ellos tuvieran el control:
Cuando hago el casting para una película, ya he hecho la mayor parte de mi trabajo creativo. Tengo que estar allí para encender el interruptor y darles ánimos como una figura paterna, pero ellos hacen todo el trabajo... Todo lo que intento hacer es facilitarle las cosas al actor, porque una vez que empiezas a rodar, el actor es el artista... Tengo que darles confianza y ver que tienen cierta protección para que puedan ser creativos... Les dejo hacer aquello para lo que se hicieron actores en primer lugar: crear. [28]
Carol Burnett recuerda que Altman admitió que muchas de las ideas de sus películas surgían de los actores. "Nunca se oye a un director decir eso. Fue algo realmente asombroso", dijo. [33] : 328 Otros, como Jennifer Jason Leigh , se dejaron llevar por la creatividad:
Él te inspiraba por pura necesidad a inventar cosas de las que no sabías que eras capaz, que no sabías que tenías dentro. Era tan genuinamente travieso y tan condenadamente divertido. [33] : 435
Le gustaba trabajar con muchos de los mismos intérpretes, incluidos Shelley Duvall y Bert Remsen (7 películas cada uno); Paul Dooley (6 películas); Michael Murphy (5 películas); Jeff Goldblum , Lily Tomlin , Lyle Lovett , Henry Gibson , David Arkin y John Schuck (4 películas cada uno); Tim Robbins , Carol Burnett , Belita Moreno , Richard E. Grant , Geraldine Chaplin , Craig Richard Nelson , Sally Kellerman y Keith Carradine (3 películas cada uno). Krin Gabbard agrega que Altman disfrutaba usando actores "que florecen como improvisadores", como Elliott Gould , quien protagonizó tres de sus películas, M*A*S*H , The Long Goodbye y California Split . [32] Gould recuerda que cuando filmó M*A*S*H , su primer trabajo como actor con Altman, él y su coprotagonista Donald Sutherland no creían que Altman supiera lo que estaba haciendo. Años después escribió: "Creo que, en retrospectiva, Donald y yo éramos dos actores elitistas y arrogantes que realmente no entendíamos el genio de Altman". [33] : 174 Otros miembros del reparto apreciaron de inmediato el estilo de dirección de Altman. René Auberjonois explica:
Pensábamos que así eran las películas, que eran una experiencia alegre. Si tenías algún tipo de carrera, te dabas cuenta rápidamente de que la mayoría de los directores no confían realmente en los actores, no quieren ver actores actuando. Esa era la diferencia con Bob Altman. A él le encantaban los actores y quería ver actores actuando. [33] : 175
A diferencia de la televisión y las películas tradicionales, Altman también evitaba la "narración convencional" y optaba por mostrar la "confusión ajetreada de la vida real", observa Albert Lindauer. [26] Entre las diversas técnicas para lograr este efecto, sus películas a menudo incluyen "una profusión de sonidos e imágenes, mediante elencos enormes o personajes disparatados, múltiples tramas o ninguna trama en absoluto, ... y una dependencia de la improvisación". [26] Unos meses antes de morir, Altman intentó resumir los motivos detrás de su estilo cinematográfico:
Yo comparo este trabajo más con la pintura que con el teatro o la literatura. Las historias no me interesan. Básicamente, me interesa más el comportamiento. No dirijo, observo. Tengo que estar emocionado si espero que el público esté emocionado. Porque lo que realmente quiero ver de un actor es algo que nunca he visto antes, así que no puedo decirles lo que es. Intento animar a los actores a no turnarse. A tratar la conversación como conversación. Quiero decir, eso es lo que es el trabajo, creo. Es crear un área de confort para que un actor pueda ir más allá de lo que pensaba que podía hacer. [33] : 8
Altman fue uno de los pocos cineastas que "prestó plena atención a las posibilidades del sonido" al filmar. [29] Intentó reproducir sonidos conversacionales naturales, incluso con elencos grandes, conectando micrófonos ocultos a los actores y luego grabándolos hablando uno sobre el otro con múltiples bandas sonoras. [29] Durante la filmación, usó un auricular para asegurarse de que se pudiera escuchar el diálogo importante, sin enfatizarlo. Esto produjo una "experiencia de audio densa" para los espectadores, permitiéndoles escuchar múltiples fragmentos de diálogo, como si estuvieran escuchando varias conversaciones privadas. Altman reconoció que, aunque los elencos grandes dañan comercialmente una película, "me gusta ver que suceden muchas cosas". [28]
Altman utilizó por primera vez bandas sonoras superpuestas en M*A*S*H (1970), una técnica de sonido que el autor de películas Michael Barson describe como "una innovación impresionante en su época". [40] La desarrolló, dijo Altman, para obligar a los espectadores a prestar atención y participar en la película como si fueran un participante activo. [26] Según algunos críticos, uno de los usos más extremos de la técnica se encuentra en McCabe y la señora Miller (1971), también considerada una de sus mejores películas. [27]
El historiador y estudioso del cine Robert P. Kolker señaló que la simultaneidad auditiva y visual en las películas de Altman era fundamental, ya que representaba un énfasis en la pluralidad de eventos, lo que requería que los espectadores se convirtieran en espectadores activos. [41]
La superposición de diálogos entre grandes grupos de actores añade complejidad a las películas de Altman, y a menudo se las criticaba por parecer desorganizadas o desconectadas en el primer visionado. Algunos de sus críticos cambiaron de opinión tras volver a verlas. El crítico de cine británico David Thomson hizo una mala crítica de Nashville (1975) tras verla por primera vez, pero más tarde escribió: "Pero volviendo a Nashville y a algunas de las películas anteriores, ... me hizo reflexionar: sigue siendo un enigma lo organizada o decidida que es Nashville . ... El mosaico, o mezcla, permite una libertad y una idiosincrasia humana que Renoir podría haber admirado". [42] Durante la realización de la película, los actores se inspiraron, y la coprotagonista Ronee Blakley estaba convencida del éxito final de la película:
Sí, pensé que iba a ser genial, todo el trabajo fue muy bueno, cada actor estaba inspirado y el equipo de Altman era intensamente competente, y él era ese raro tipo de genio que sabe qué funciona y qué no en el momento en que está sucediendo. [43]
Thomson reconoció más tarde esos aspectos como parte del estilo de Altman, comenzando con M*A*S*H (1970): " MASH comenzó a desarrollar el estilo crucial de Altman de superposición, sonido borroso e imágenes tan resbaladizas con el zoom que no había sentido de composición. Eso es lo que hace que Nashville sea tan absorbente". [42] Altman explicó que para él ese diálogo superpuesto en sus películas era más cercano a la realidad, especialmente con grupos grandes: "Si tienes catorce personas en una mesa de cena, me parece bastante improbable que solo dos de ellas vayan a hablar". [28] Pauline Kael escribe que Altman, "el maestro de los grandes conjuntos, la acción suelta y las voces superpuestas, demuestra que... puede hacer fuegos artificiales cinematográficos de casi nada". [26]
El estilo distintivo de dirección de Altman se trasladó a sus preferencias para el trabajo de cámara. Entre ellas estaba su uso de composiciones de pantalla ancha, destinadas a capturar a muchas personas o actividades que tenían lugar en la pantalla al mismo tiempo. Para algunas películas, como McCabe y Mrs. Miller , creó una atmósfera visual poderosa con el director de fotografía Vilmos Zsigmond , como escenas que usaban un trabajo de cámara fluido, lentes de zoom y un efecto ahumado usando filtros de niebla especiales. [44] El director Stanley Kubrick le dijo a Altman que "el trabajo de cámara fue maravilloso" y le preguntó: "¿Cómo lo hiciste?" [45]
En Nashville , Altman utilizó decorados con colores notables de rojos, blancos y azules. Para The Long Goodbye , insistió en que Zsigmond mantuviera la cámara móvil montándola sobre objetos en movimiento. [27] Zsigmond afirma que Altman "quería hacer algo diferente" en esta película, y le dijo que "quería que la cámara se moviera, todo el tiempo. Arriba, abajo, adentro y afuera, de lado a lado". [45] El director de fotografía Roger Deakins , al hablar sobre su uso de lentes con zoom, comentó: "Me resultaría bastante emocionante filmar una película con un lente con zoom si fuera ese tipo de aspecto observacional y errante por el que Robert Altman era conocido. Colocaba la cámara en un brazo articulado y flotaba por la escena y seleccionaba estas tomas a medida que avanzaba, una forma bastante agradable de trabajar". [44]
Zsigmond también recuerda que trabajar con Altman fue divertido:
Nos gustaba mucho hacer las cosas "improvisando". Altman es un gran improvisador. Durante los primeros días de rodaje, "creaba" diferentes enfoques en cualquier momento. Me mostraba cómo quería que se moviera la cámara, siempre en movimiento. Lo cual era divertido. A los actores les encantaba y yo siempre tenía el reto de encontrar formas de filmar lo que se le ocurría a Altman. [45]
La fotografía de Vilmos Zsigmond en McCabe y la Sra. Miller recibió una nominación a los Premios de Cine de la Academia Británica .
Al utilizar música en sus películas, Altman era conocido por ser muy selectivo, a menudo eligiendo música que a él personalmente le gustaba. El director Paul Thomas Anderson , que trabajó con él, señala que "el uso que Altman hace de la música es siempre importante", y añade: "Bob amaba su música, ¿no? Dios mío, amaba su música". [32] Como era un "gran fan" de la música de Leonard Cohen , por ejemplo, decía que "simplemente se drogaba y tocaba esa música" todo el tiempo [31], utilizó tres de sus canciones en McCabe and Mrs. Miller (1971), y otra para la escena final de A Wedding (1978). [46]
Para Nashville (1975), Altman hizo que su elenco escribiera numerosas canciones nuevas de música country para crear una atmósfera realista. Incorporó una "melodía repetida de manera inquietante" en The Long Goodbye (1973) y contrató a Harry Nilsson y Van Dyke Parks para la banda sonora de Popeye (1980). [14] : 347
Varios expertos en música han escrito sobre el uso que Altman hace de la música, incluido Richard R. Ness, quien escribió sobre las bandas sonoras de muchas de las películas de Altman en un artículo, considerado un recurso valioso para comprender la técnica cinematográfica de Altman. [47] De manera similar, el profesor de estudios cinematográficos Krin Gabbard [48] escribió un análisis del uso que Altman hace de la música de jazz en Short Cuts (1993), señalando que pocos críticos han considerado la "importancia de la música" en la película. [32]
El jazz también fue importante en Kansas City (1996). En esa película, la música se considera la base de la historia. Altman afirma que "la idea no era ser demasiado específico en cuanto a la historia", sino que la película en sí fuera "más bien una especie de jazz". [49] La técnica de Altman de convertir el tema de una película en una forma de música se consideró "un experimento que nadie había intentado antes", y Altman admitió que era arriesgado. "No sabía si funcionaría... Si la gente 'lo entiende', entonces realmente tiende a gustarle". [50]
Los directores que están influenciados por Altman incluyen a Paul Thomas Anderson , Wes Anderson , Judd Apatow , Richard Linklater , Alejandro González Iñárritu , Noah Baumbach , David Gordon Green , Phil Lord y Christopher Miller , los hermanos Safdie , Harmony Korine y Michael Winterbottom . [51] [52] Altman dio a varios directores, incluidos Alan Rudolph , Reza Badiyi y Richard C. Sarafian , sus inicios en el cine.
Altman suele elegir a determinados actores para muchas de sus películas. Entre los actores que han actuado en sus películas 3 o más veces, ya sea en papeles principales, secundarios o cameos, se encuentran Michael Murphy (7), Shelley Duvall (7) , Bert Remsen (7), Paul Dooley (6), Elliott Gould (5), Rene Auberjonois (5), Jeff Goldblum (4), Lily Tomlin (4), Lyle Lovett (4), Henry Gibson (4), David Arkin (4), John Schuck (4), Tim Robbins (3), Carol Burnett (3), Keith Carradine (3), Sally Kellerman (3), Geraldine Chaplin (3), Ann Ryerson (3), Belita Moreno (3), Richard E. Grant (3) y Craig Richard Nelson (3).
Altman recibió varios premios y nominaciones, incluyendo siete nominaciones al Oscar , ganando el Oscar honorario en 2006. Recibió siete nominaciones al Premio de Cine de la Academia Británica, ganando dos veces por The Player (1992) y Gosford Park (2001). Recibió el Premio Primetime Emmy a la Dirección Destacada de una Serie Dramática por Tanner '88 (1988). También recibió cinco nominaciones al Globo de Oro, ganando el Globo de Oro al Mejor Director por Gosford Park . También recibió varios premios de festivales de cine, incluyendo la prestigiosa Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes por M*A*S*H y el Premio del Festival de Cine de Cannes al Mejor Director por The Player . También recibió el Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín y el León de Oro del Festival de Cine de Venecia . En 1994, recibió el Premio a la Trayectoria del Sindicato de Directores de Estados Unidos .
Altman se casó tres veces: su primera esposa fue LaVonne Elmer, con la que estuvo casado de 1947 a 1949 y tuvo una hija, Christine. Su segunda esposa fue Lotus Corelli, con la que estuvo casado de 1950 a 1955 y tuvo dos hijos, Michael y Stephen . A los quince años, Michael escribió la letra de « Suicide Is Painless », el tema principal de la película de Altman, M*A*S*H . Stephen es un diseñador de producción que a menudo trabajaba con su padre. La tercera esposa de Altman fue Kathryn Reed, con la que estuvo casado desde 1957 hasta su muerte en 2006. Tuvieron dos hijos, Robert y Matthew. Altman se convirtió en el padrastro de Konni Reed cuando se casó con Kathryn. [53] [54] [55]
Kathryn Altman, quien murió en 2016, fue coautora de un libro sobre Altman que se publicó en 2014. [56] Se desempeñó como consultora y narradora del documental Altman de 2014 y habló en muchas proyecciones retrospectivas de las películas de su esposo. [57]
En la década de 1960, Altman vivió durante años en Mandeville Canyon en Brentwood, California . [58] Residió en Malibú durante toda la década de 1970, pero vendió esa casa y la productora Lion's Gate en 1981. "No tenía otra opción", le dijo a The New York Times . "Nadie contestaba el teléfono" después del fracaso de Popeye . Trasladó su familia y la sede de su negocio a la ciudad de Nueva York, pero finalmente regresó a Malibú, donde vivió hasta su muerte. [59]
En noviembre de 2000, Altman afirmó que se mudaría a París si George W. Bush fuera elegido, pero bromeó diciendo que se había referido a París, Texas, cuando llegó el momento. Señaló que "el estado estaría mejor si él (Bush) se fuera". [60] Altman era un consumidor declarado de marihuana y se desempeñó como miembro del consejo asesor de NORML . [61] También era ateo y activista contra la guerra. [62] Fue una de las numerosas figuras públicas, incluido el lingüista Noam Chomsky y la actriz Susan Sarandon , que firmaron la declaración " Not in Our Name " en oposición a la invasión de Irak de 2003. [63] [64] Julian Fellowes cree que la postura antibélica y anti-Bush de Altman le costó el Oscar a Mejor Director por Gosford Park . [33] : 478
Altman despreciaba la serie de televisión M*A*S*H que siguió a su película de 1970, a la que consideraba la antítesis de lo que trataba su película y a la que calificaba de "racistas" sus mensajes contra la guerra. En el comentario del DVD de 2001 de M*A*S*H , declaró claramente las razones por las que desaprobaba la serie. [65]
Altman murió de leucemia en el Centro Médico Cedars-Sinai de Los Ángeles el 20 de noviembre de 2006, a la edad de 81 años. [66] [67]
Su colega director de cine Paul Thomas Anderson dedicó su película de 2007 There Will Be Blood a Altman. [68] Anderson había trabajado como director suplente en A Prairie Home Companion por cuestiones de seguro en caso de que Altman, de 80 años y enfermo, no pudiera terminar el rodaje.
Durante un homenaje a Altman celebrado unos meses después de su muerte, se le describió como un "cineasta apasionado" y autor que rechazaba las convenciones, creando lo que el director Alan Rudolph llamó un estilo de películas "altmanesco". [30] Prefería los grandes elencos de actores y las conversaciones naturales superpuestas, y alentaba a sus actores a improvisar y expresar su creatividad innata sin miedo a fallar. Lily Tomlin lo comparó con "un gran patriarca benigno que siempre estaba pendiente de ti como actor", y agregó que "no tienes miedo de correr riesgos con él". [69]
Muchas de sus películas son descritas como "sátiras ácidas y estudios de personajes de contracultura que redefinieron y revitalizaron el cine moderno". [69] Aunque sus películas abarcaron la mayoría de los géneros cinematográficos, como westerns, musicales, películas de guerra o comedias, se lo consideraba "antigénero" y sus películas eran "francamente subversivas". Era conocido por odiar la "falsedad" que veía en la mayoría de las películas convencionales y "quería explotarlas" a través de la sátira. [66]
El actor Tim Robbins , que protagonizó varias películas de Altman, describe algunos de los aspectos únicos de su método de dirección:
En sus decorados creó un mundo único y maravilloso... donde el padre travieso daba rienda suelta a los "niños actores" para que actuaran. Donde se alentaba, nutría, reía, abrazaba y altmanizaba la imaginación. Una dulce anarquía que muchos de nosotros no habíamos sentido desde el patio de la escuela, desatada por el corazón salvaje de Bob. [70]
Los archivos personales de Altman se encuentran en la Universidad de Michigan , e incluyen alrededor de 900 cajas de documentos personales, guiones, registros legales, comerciales y financieros, fotografías, accesorios y material relacionado. Altman había filmado Secret Honor en la universidad, además de dirigir varias óperas allí. [17] [71]
Desde 2009, el premio Robert Altman se otorga al director, al director de casting y al elenco de películas en los premios anuales Independent Spirit .
En 2014, se estrenó un largometraje documental, Altman , que analiza su vida y su obra con fragmentos de películas y entrevistas. [72]
{{cite news}}: CS1 maint: bot: estado de URL original desconocido ( enlace ){{cite web}}: CS1 maint: URL no apta ( enlace )Aun así, vale la pena señalar que a la edad de 20 años este denunciante se había resistido a dos de las instituciones más poderosas: la iglesia y el ejército, ambas. Es ateo, "y he estado en contra de todas estas guerras desde entonces".