Robert Bernard Altman ( / ˈ ɔː l t m ə n / AWLT -mən ; 20 de febrero de 1925 - 20 de noviembre de 2006) fue un director de cine , guionista y productor estadounidense . Fue nominado cinco veces al Premio de la Academia al Mejor Director y se le considera una figura perdurable de la era del Nuevo Hollywood . Sus logros como director más famosos incluyen M*A*S*H (1970), McCabe & Mrs. Miller (1971), The Long Goodbye (1973), Nashville (1975), 3 Women (1977), The Player (1992), Atajos (1993), Gosford Park (2001) y The Company (2003).
El estilo cinematográfico de Altman cubría muchos géneros, pero generalmente con un toque " subversivo " o "anti-Hollywood" que típicamente se basaba en la sátira y el humor para expresar sus puntos de vista personales. Los actores disfrutaron especialmente trabajar bajo su dirección porque los animaba a improvisar. Prefería elencos grandes para sus películas y desarrolló una técnica de grabación multipista que producía diálogos superpuestos de múltiples actores. Esto produjo una experiencia más natural, más dinámica y más compleja para el espectador. También utilizó un trabajo de cámara altamente móvil y lentes de zoom para mejorar la actividad que tenía lugar en la pantalla. La crítica Pauline Kael , al escribir sobre su estilo de dirección, dijo que Altman podía "hacer fuegos artificiales cinematográficos a partir de casi nada". [1]
En 2006, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas reconoció el trabajo de Altman con un Premio Honorífico de la Academia . Nunca ganó un Oscar competitivo a pesar de tener siete nominaciones. Sus películas M*A*S*H , McCabe & Mrs. Miller , The Long Goodbye y Nashville han sido seleccionadas para el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos . Altman es uno de los tres cineastas cuyas películas ganaron el Oso de Oro en Berlín , el León de Oro en Venecia y la Palma de Oro en Cannes (los otros dos son Henri-Georges Clouzot y Michelangelo Antonioni ).
Altman nació el 20 de febrero de 1925 en Kansas City, Missouri , hijo de Helen (de soltera Matthews), una descendiente de Mayflower de Nebraska , y Bernard Clement Altman, un rico vendedor de seguros y jugador aficionado, que provenía de una clase alta. familia. La ascendencia de Altman era alemana, inglesa e irlandesa; [2] [3] su abuelo paterno, Frank Altman Sr., cambió la ortografía del apellido al inglés de "Altmann" a "Altman". [3] Altman tuvo una educación católica , [4] pero no continuó siguiendo ni practicando la religión cuando era adulto, [5] aunque se le ha referido como "una especie de católico" y director católico. [4] [6] Fue educado en escuelas jesuitas , incluida la escuela secundaria Rockhurst , en Kansas City. [7] Se graduó de la Academia Militar Wentworth en Lexington, Missouri en 1943.
Poco después de graduarse, Altman se unió a las Fuerzas Aéreas del Ejército de los Estados Unidos a la edad de 18 años. Durante la Segunda Guerra Mundial , Altman voló más de 50 misiones de bombardeo como copiloto de un B-24 Liberator con el 307.º Grupo de Bombardeo en Borneo y el Indias Orientales Holandesas . [8] [9] Tras su baja en 1947, Altman se mudó a California. Trabajó en publicidad para una empresa que había inventado una máquina de tatuar para identificar perros. Ingresó al cine por capricho y vendió un guión a RKO para la película Bodyguard de 1948 , que coescribió con George W. George. El éxito inmediato de Altman lo animó a mudarse a la ciudad de Nueva York, donde intentó forjar una carrera como escritor. Habiendo tenido poco éxito, regresó a Kansas City en 1949; donde aceptó un trabajo como director y escritor de películas industriales para Calvin Company . Altman dirigió unas 65 películas y documentales industriales para Calvin Company. A través de sus primeros trabajos en películas industriales, Altman experimentó con la técnica narrativa y desarrolló su uso característico del diálogo superpuesto. En febrero de 2012, el cineasta Gary Huggins encontró una de las primeras películas de Calvin dirigida por Altman, Modern Football (1951). [10] [11]
Altman también tuvo una carrera dirigiendo obras de teatro y óperas paralela a su carrera cinematográfica. Mientras Altman trabajaba en Calvin Company, comenzó a dirigir obras de teatro en el Teatro Residente del Centro Comunitario Judío. Estas obras le permitieron trabajar con actores locales, como su futuro director Richard C. Sarafian , a quien dirigió en una producción de Hope Is the Thing with Feathers de Richard Harrity . Más tarde, Sarafian se casaría con la hermana de Altman y lo seguiría a Hollywood. [12]
Las primeras incursiones de Altman en la dirección de televisión fueron en la serie dramática de DuMont Pulse of the City (1953-1954) y en un episodio de la serie occidental de 1956 The Sheriff of Cochise . En 1956, un empresario local lo contrató para escribir y dirigir un largometraje en Kansas City sobre la delincuencia juvenil . La película, titulada The Delinquents , realizada por 60.000 dólares, fue comprada por United Artists por 150.000 dólares y estrenada en 1957. Aunque primitiva, esta película de explotación adolescente contenía las bases del trabajo posterior de Altman en su uso de diálogos casuales y naturalistas. Con su éxito, Altman se mudó de Kansas City a California por última vez. Codirigió The James Dean Story (1957), un documental que llegó a los cines para sacar provecho de la reciente muerte del actor y comercializarlo entre sus seguidores de culto emergentes. Ambas obras llamaron la atención de Alfred Hitchcock quien contrató a Altman como director para su serie antológica de CBS Alfred Hitchcock Presents . Después de sólo dos episodios, Altman renunció por diferencias con un productor, pero esta exposición le permitió forjar una exitosa carrera televisiva. Durante la siguiente década, Altman trabajó prolíficamente en televisión (y casi exclusivamente en series dramáticas) dirigiendo múltiples episodios de Whirlybirds , The Millionaire , US Marshal , The Troubleshooters , The Roaring 20s , Bonanza , Bus Stop , Kraft Mystery Theatre , Combat! , así como episodios individuales de varias otras series notables, incluidas Hawaiian Eye , Maverick (el episodio de la cuarta temporada "Bolt From the Blue", también escrito por Altman y protagonizado por Roger Moore ), Lawman , Surfside 6 , Peter Gunn y Route 66 .
En la década de 1960, Altman se estableció como director de televisión debido a su capacidad para trabajar de manera rápida y eficiente con un presupuesto limitado. Aunque fue despedido con frecuencia de proyectos de televisión por negarse a cumplir con los mandatos de la cadena, Altman siempre pudo conseguir nuevas asignaciones. En 1964, los productores decidieron ampliar "Once Upon a Savage Night", uno de sus episodios de Kraft Suspense Theatre , para su estreno como película para televisión bajo el título Nightmare in Chicago . En un episodio de 1963, "The Hunt", su elenco incluía a James Caan y Bruce Dern .
Dos años más tarde, Altman fue contratado para dirigir la película de bajo presupuesto sobre viajes espaciales Countdown , pero fue despedido a los pocos días de concluir el proyecto porque se había negado a editar la película a una duración manejable. Volvió a trabajar con Caan, quien encabezó el reparto junto a Robert Duvall . No dirigió otra película hasta Ese día frío en el parque (1969), que fue un desastre de crítica y taquilla.
Durante la década, Altman comenzó a expresar subtextos políticos dentro de sus obras. En particular, expresó sentimientos pacifistas con respecto a la guerra de Vietnam . Debido a esto, la carrera de Altman sufriría un poco ya que llegó a asociarse con el movimiento contra la guerra .
En 1969, a Altman le ofrecieron el guión de M*A*S*H , una adaptación de una novela poco conocida de la época de la Guerra de Corea que satiriza la vida en las fuerzas armadas; más de una docena de otros cineastas lo habían ignorado. Altman había dudado en aceptar la producción, y el rodaje fue tan tumultuoso que Elliott Gould y Donald Sutherland intentaron despedir a Altman por sus métodos de filmación poco ortodoxos. Sin embargo, M*A*S*H fue ampliamente aclamado como un clásico desde su lanzamiento en 1970. Ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1970 y obtuvo cinco nominaciones al Premio de la Academia . Fue la película más taquillera de Altman, estrenada durante una época de creciente sentimiento pacifista en los Estados Unidos. El Academy Film Archive conservó M*A*S*H en 2000. [13]
Ahora reconocido como un talento importante, Altman logró éxitos de crítica con McCabe & Mrs. Miller (1971), un western revisionista en el que las mordaces canciones de Leonard Cohen subrayan una visión valiente de la frontera estadounidense; Images , su único intento inspirado en Bergman de hacer una película de terror, The Long Goodbye (1973), una controvertida adaptación de la novela de Raymond Chandler (con guión de Leigh Brackett ) ahora se considera una influencia fundamental en el subgénero neo-noir ; Thieves Like Us (1974), una adaptación de la novela de Edward Anderson previamente filmada por Nicholas Ray como They Live by Night (1949); California Split (1974), una comedia dramática sobre juegos de azar filmada parcialmente en Reno, Nevada ; y Nashville (1975), que tuvo una fuerte temática política frente al mundo de la música country . Las estrellas de la película escribieron sus propias canciones; Keith Carradine ganó un Premio de la Academia por la canción " I'm Easy ". La siguiente película de Altman, Buffalo Bill and the Indians o Sitting Bull's History Lesson , ganó el Oso de Oro en el 28º Festival Internacional de Cine de Berlín .
Aunque sus películas a menudo recibieron críticas divisivas, y algunas, como Una pareja perfecta y Quinteto fueron ampliamente criticadas, muchos de los críticos de cine destacados de la época (incluidos Pauline Kael , Vincent Canby y Roger Ebert ) permanecieron firmemente leales a su estilo como director. a lo largo de la década. El público se tomó un tiempo para apreciar sus películas y él no quería tener que satisfacer a los funcionarios del estudio. En 1970, tras el lanzamiento de M*A*S*H, fundó Lion's Gate Films para tener libertad de producción independiente. La compañía de Altman no debe confundirse con la actual Lionsgate , una compañía de entretenimiento de Canadá y Estados Unidos. [14] Las películas que hizo a través de su compañía incluyeron Brewster McCloud , A Wedding y 3 Women .
En 1980 dirigió la película musical Popeye . Producida por Robert Evans y escrita por Jules Feiffer , la película se basó en la tira cómica/dibujos animados del mismo nombre y fue protagonizada por Shelley Duvall y el comediante Robin Williams en su debut cinematográfico. Diseñada como un vehículo para aumentar la influencia comercial de Altman después de una serie de películas de bajo presupuesto aclamadas por la crítica pero sin éxito comercial a finales de la década de 1970 (incluidas 3 mujeres , Una boda y Quinteto ), la producción se filmó en Malta . Pronto se vio asediado por el consumo excesivo de drogas y alcohol entre la mayor parte del elenco y el equipo, incluido el director; Según los informes, Altman chocó con Evans, Williams (quien amenazó con abandonar la película) y el compositor Harry Nilsson (quien se fue a mitad del rodaje, dejando a Van Dyke Parks para terminar las orquestaciones). Aunque la película recaudó 60 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 20 millones de dólares y fue la segunda película más taquillera que Altman había dirigido hasta ese momento, no cumplió con las expectativas del estudio y fue considerada una decepción de taquilla.
En 1981, el director vendió Lion's Gate al productor Jonathan Taplin después de que su sátira política Health (filmada a principios de 1979 para su estreno navideño) fuera archivada por el distribuidor 20th Century Fox después de tibias pruebas y proyecciones en festivales a lo largo de 1980. Alan Ladd Jr., de Fox, también jugó un papel decisivo a la hora de impedir el estreno de la película.
Incapaz de conseguir una financiación importante en la era posterior a los grandes éxitos de Hollywood debido a su reputación voluble y los acontecimientos particularmente tumultuosos que rodearon la producción de Popeye , Altman regresó a la televisión y al teatro entre películas. Su primer proyecto después de Popeye fue 2 by South , un programa doble de obras del dramaturgo desconocido Frank South, Rattlesnake in a Cooler y Precious Blood . La producción debutó en Los Ángeles antes de trasladarse fuera de Broadway antes de que Altman la adaptara como un par de películas para televisión. El siguiente proyecto de Altman fue revivir la obra de Ed Graczyk , Come Back to the 5 & Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean . Al igual que 2 de South , Altman adaptó su producción al cine. La película , protagonizada por Cher , Karen Black y Sandy Dennis , se proyectó en festivales de cine antes de su estreno independiente en cines; Altman rechazó varios acuerdos de distribución para mantener la película bajo su control. [15] : 115
En 1982, después de terminar de trabajar en Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean , Altman viajó a Dallas para filmar su siguiente película, Streamers . La película, adaptada por David Rabe de su exitosa obra de teatro , se rodó en sólo 18 días. Su estreno en 1983 la convirtió en la tercera adaptación teatral de Altman en otros tantos años. Posteriormente, comenzó a impartir un curso sobre sus películas en la Universidad de Michigan , donde al mismo tiempo montó su primera producción de The Rake's Progress de Igor Stravinsky . También coescribió el exitoso sencillo de John Anderson de 1983, " Black Sheep ". [dieciséis]
Después del éxito de crítica de sus tres adaptaciones teatrales sucesivas, Altman intentó regresar a Hollywood con la comedia adolescente O.C. y Stigs (1985). Al igual que Popeye , la caótica producción se caracterizó por la tensión entre Altman y el estudio MGM . Altman viajó a Arizona para alejarse de los ejecutivos y guionistas, a quienes prohibió la entrada al set. Allí rodó la película en el verano de 1983, pero las malas proyecciones de prueba, el caos dentro del estudio y el cambio de propietario retrasaron el estreno de la película. Finalmente recibió un lanzamiento comercial limitado y tardío en 1987, cuatro años después de su rodaje. [17] El Instituto Británico de Cine se refirió más tarde a ella como "probablemente la película menos exitosa de Altman".
Mientras OC y Stiggs estaban archivados, Altman regresó a las adaptaciones teatrales y a la Universidad de Michigan para filmar Secret Honor , utilizando a sus estudiantes como miembros del equipo. Basada en una obra de teatro de un solo hombre sobre el ex presidente Richard Nixon , la película fue protagonizada por Philip Baker Hall como el ex presidente. En 2008, la Biblioteca de la Universidad de Michigan adquirió el archivo de Altman. [18]
Adaptada por Altman y Sam Shepard para The Cannon Group de la obra de Shepard nominada al Premio Pulitzer , Fool for Love (1985) presentó al dramaturgo y actor junto a Kim Basinger , Harry Dean Stanton y Randy Quaid ; Le fue mejor que a la mayoría de sus películas de la época, ganando 900.000 dólares a nivel nacional con un presupuesto de 2 millones de dólares y críticas positivas de Roger Ebert y Vincent Canby . Aun así, la gran popularidad entre el público siguió eludiéndole.
Decepcionado por su serie de fracasos críticos y comerciales, incluidos los aún inéditos OC y Stiggs , Altman se mudó a París. Allí rodó otra película para televisión, The Laundromat , que completó antes de Fool for Love . Luego escribió y dirigió Beyond Therapy , que resultó ser uno de sus mayores fracasos. Altman luego montó su segunda producción de The Rake's Progress , esta vez en la prestigiosa Opéra de Lille . La Ópera estaba atravesando un colapso financiero en ese momento, y su incapacidad para recuperar dinero a través de producciones ambiciosas provocó su cierre ese mismo año. Altman también utilizó una selección de Les Boréades de Jean-Phillipe Rameau como base para su contribución a Aria , que se proyectó en el Festival de Cine de Cannes de 1987 con una recepción mixta. Altman hizo su siguiente película para televisión, Basements , basada en dos obras de Harold Pinter. Aunque Pinter escribió el guión él mismo, esta película se convirtió en el último de los fracasos de Altman. El tan esperado lanzamiento de OC y Stiggs ese año también fue criticado.
Altman finalmente recuperó un mínimo de favor de la crítica en 1988 por su trabajo televisivo. Regresó a Estados Unidos a principios de ese año para filmar el falso documental Tanner '88 (1988), una colaboración con Garry Trudeau ambientada en el medio de una campaña presidencial de Estados Unidos, por la que obtuvo un premio Primetime Emmy . La serie se rodó durante la campaña electoral real y contó con varios candidatos reales. Durante la transmisión del programa, se emitió la producción televisiva de Altman de The Caine Mutiny Court-Martial . Aunque recibió grandes elogios, sería su última película para televisión.
En 1990, Altman dirigió Vincent & Theo , una película biográfica sobre Vincent van Gogh que estaba pensada como una miniserie de televisión para su emisión en el Reino Unido. Una versión teatral de la película tuvo un éxito modesto en los Estados Unidos, lo que marcó un importante punto de inflexión en el resurgimiento crítico del director. [a] [b]
Revitalizó su carrera en serio con The Player (1992), una sátira de Hollywood. Coproducida por el influyente David Brown ( The Sting , Tiburón , Cocoon ), la película fue nominada a tres premios de la Academia, incluido el de Mejor Director . Si bien no ganó el Oscar, fue premiado como Mejor Director por el Festival de Cine de Cannes , el BAFTA y el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York .
Altman dirigió entonces Short Cuts (1993), una ambiciosa adaptación de varios cuentos de Raymond Carver , que retrataban la vida de varios ciudadanos de Los Ángeles a lo largo de varios días. El gran reparto de la película y el entrelazamiento de muchas historias diferentes eran similares a sus películas con gran reparto de la década de 1970; ganó el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 1993 y otra nominación al Oscar al Mejor Director.
Entre el rodaje y la edición de Short Cuts , Altman regresó a la ópera como director y colibretista de McTeague . Altman fue contratado para el proyecto por William Bolcom , a quien le habían encargado, junto con su libretista habitual, Arnold Weinstein , escribir una ópera de la Ópera Lírica de Chicago . Bolcom, profesor de la Universidad de Michigan, había admirado la primera producción de Altman de The Rake's Progress una década antes y le pidió ayuda para adaptar la novela de Frank Norris . [21] Después de terminar Short Cuts , Altman dirigió dos episodios de Great Performances . La primera fue una revista de R&B; el segundo fue una adaptación televisiva de McTeague .
El resto de la década de 1990 vio un éxito limitado para Altman. Su lanzamiento de 1994, Prêt-à-Porter (también conocido como Ready to Wear ), obtuvo una importante publicidad previa al lanzamiento, pero fue un fracaso comercial y de crítica, aunque obtuvo varias nominaciones a los premios de fin de año, incluidas dos nominaciones a los Globos de Oro y ganó el Premio de la Junta Nacional de Revisión a la mejor actuación de un conjunto . En 1996, Altman dirigió Kansas City , expresando su amor por el jazz de los años 30 a través de una complicada historia de secuestro. Altman animó a los músicos del set de la película a improvisar, y metraje no utilizado de sus actuaciones formó la base para el tercer episodio de Altman de Great Performances . Sin embargo, la historia recibió críticas entre tibias y positivas, pero no obtuvo casi nada en taquilla, al igual que el thriller legal de 1998 The Gingerbread Man . Aunque su serie de antología Gun de 1997 tenía un elenco de alto perfil, fue cancelada después de solo seis episodios.
Cerró la década con una nota alta, con Cookie's Fortune de 1999 , una peculiar comedia negra sobre el suicidio de una viuda adinerada, su primera película en casi seis años que recuperó su presupuesto y que le valió elogios generalmente positivos de la crítica. Fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias en 1999. [22]
Aunque la primera película de Altman del nuevo milenio, Dr. T & the Women , recibió sólo críticas moderadas y un éxito financiero mediocre, su siguiente película, Gosford Park , fue incluida en las listas de muchos críticos de las diez mejores películas de ese año. Un misterio de asesinato en una casa de campo británica de gran reparto , ganó el Premio de la Academia al Mejor Guión Original ( Julian Fellowes ) además de seis nominaciones más, incluidas dos para Altman, como Mejor Director y Mejor Película.
Altman regresó al escenario dos veces más. En 2004 se reunió con Bolcom, Weinstein y la Lyric Opera para adaptar su película de 1978, Una boda , como ópera. En general fue bien recibido. [23] Su producción teatral final fue mal recibida. En 2006, Altman viajó a Inglaterra para dirigir el debut en el West End de la última obra de Arthur Miller , Resurrection Blues, en el Old Vic Theatre . En ese momento, el Old Vic estaba dirigido por Kevin Spacey , y la producción estaba protagonizada por Maximilian Schell , James Fox , Neve Campbell, Matthew Modine y Jane Adams . Sin embargo, a pesar del pedigrí de todos los involucrados, la producción fue un fracaso total con malas críticas y disputas detrás de escena. [24]
Trabajar con estudios independientes como Fine Line, ahora cerrado, Artisan (que fue absorbido por el actual Lionsgate ) y USA Films (ahora Focus Features ), le dio a Altman la ventaja para hacer el tipo de películas que siempre quiso hacer sin la interferencia del estudio. . The Company , una película sobre el Joffrey Ballet de Chicago, contó con un elenco compuesto principalmente por bailarines reales. La película había sido concebida por la estrella Neve Campbell , una ex bailarina, y escrita por la vieja amiga de Altman, Barbara Turner . Altman dirigió una continuación de Tanner '88 para Sundance Channel , reuniéndolo con Michael Murphy como un Jack Tanner mayor. En junio de 2006 se estrenó una versión cinematográfica de la serie de radio pública de Garrison Keillor, A Prairie Home Companion. Altman todavía estaba desarrollando nuevos proyectos hasta su muerte, incluida una película basada en Hands on a Hard Body: The Documentary (1997). [25]
En 2006, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas otorgó a Altman un Premio Honorífico de la Academia por su trayectoria. Durante su discurso de aceptación, reveló que había recibido un trasplante de corazón aproximadamente diez u once años antes. Luego, el director bromeó diciendo que tal vez la academia había actuado prematuramente al reconocer el cuerpo de su trabajo, ya que sentía que podría tener cuatro décadas más de vida por delante.
Tras su exitosa carrera en televisión, Altman comenzó su nueva carrera en la industria cinematográfica cuando era de mediana edad. Comprendió los límites creativos impuestos por el medio televisivo y ahora se propuso dirigir y escribir películas que expresaran sus visiones personales sobre la sociedad estadounidense y Hollywood. Más tarde, sus películas serían descritas como " ataques de autor " y "variaciones idiosincrásicas" de películas tradicionales, que normalmente utilizan la comedia sutil o la sátira como forma de expresar sus observaciones. [1]
Sus películas estaban típicamente relacionadas con temas políticos, ideológicos y personales, y Altman era conocido por "negarse a comprometer su propia visión artística". [26] Ha sido descrito como "anti-Hollywood", ignorando a menudo las presiones sociales que afectaban a otros en la industria, lo que le hacía más difícil conseguir que se vieran muchas de sus películas. Dijo que su independencia como cineasta le ayudó en general:
No creo que haya un cineasta vivo, o que haya existido alguna vez, que haya tenido una sacudida mejor que la mía. Nunca he estado sin un proyecto y siempre ha sido un proyecto de mi propia elección. Así que no sé cuánto mejor podría ser. No me he convertido en un magnate, no construyo castillos y no tengo una gran fortuna personal, pero he podido hacer lo que he querido y lo he hecho mucho. [27]
"Altman era un auténtico inconformista del cine", afirma el autor Ian Freer , porque iba en contra del conformismo comercial de la industria cinematográfica: "Era el azote del establishment cinematográfico, y su trabajo en general arrojaba una mirada astuta y mordaz sobre la amplitud de "La cultura estadounidense, a menudo explotando géneros y arquetipos de personajes; Altman estaba fascinado por las personas con imperfecciones, las personas como realmente son, no como las películas te hacen creer". [28] El director Alan Rudolph , durante un homenaje especial a Altman, se refiere a su estilo cinematográfico como "Altmanesque". [29]
Con su estilo de dirección independiente, se ganó una mala reputación entre los guionistas y los empresarios del cine. Admite: "Tengo una mala reputación entre los escritores, que se ha desarrollado a lo largo de los años: 'Oh, él no hace lo que tú escribes, bla, bla, bla'". ... Ring Lardner estaba muy enojado conmigo", por no seguir su guión. [30] : 18 Altman tampoco se llevaba bien con los jefes de estudio, una vez golpeó a un ejecutivo en la nariz y lo arrojó a una piscina porque insistió en cortar seis minutos de una película en la que estaba trabajando. [31] : 9
Su reputación entre los actores era mejor. Con ellos, su independencia se extendió a veces a la elección de los actores, a menudo en contra del consenso. Cher , por ejemplo, le atribuye el mérito de haber lanzado su carrera tanto con la obra de teatro como con la película Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982). "Sin Bob nunca habría tenido una carrera cinematográfica. Todos le dijeron que no me eligiera. Todos... Nadie me daría un respiro. Estoy convencido de que Bob fue el único que fue lo suficientemente valiente para hacerlo". Otros, como Julianne Moore , describen cómo trabajó con él:
Ya sabes, ¿toda esa charla sobre que Bob es una persona irascible y difícil? Bueno, él nunca fue así con un actor o una persona creativa que vi. Nunca nunca nunca. Ahorró todo eso para la gente del dinero. [32] : 431
El director Robert Dornhelm dijo que Altman "veía el cine como un lugar artístico puro". Con Short Cuts (1993), por ejemplo, el distribuidor "le rogó" que cortara unos minutos de la duración, para mantenerlo comercialmente viable: "Bob simplemente pensó que el anticristo estaba tratando de destruir su arte. Eran personas bien intencionadas. que quería que obtuviera lo que se merecía, lo cual fue un gran éxito comercial. Pero cuando se trataba del arte o del dinero, él estaba con el arte". [32] : 438
Sally Kellerman , al notar la actitud obstinada de Altman, miró hacia atrás con pesar por haber perdido la oportunidad de actuar en una de sus películas:
Acababa de terminar de filmar Last of the Red Hot Lovers cuando Bob me llamó un día a casa. "Sally, ¿quieres aparecer en mi foto después de la próxima?" preguntó. "Sólo si es una buena parte", dije. Me colgó.
Bob era tan terco y arrogante como yo en ese momento, pero lo triste es que me engañé a mí mismo al no poder trabajar con alguien a quien amaba tanto, alguien que hacía que actuar fuera divertido y fácil y que confiaba en sus actores. A Bob le encantaban los actores. Las estrellas se alineaban para trabajar gratis para Bob Altman. [33]
A diferencia de los directores cuyo trabajo encaja dentro de varios géneros cinematográficos , como westerns, musicales, películas de guerra o comedias, el trabajo de Altman ha sido definido como más "antigénero" por varios críticos. [26] Esto se debe en parte a la naturaleza satírica y cómica de muchas de sus películas. Geraldine Chaplin , hija de Charlie Chaplin , comparó el humor de sus películas con las películas de su padre:
Son divertidos en el sentido correcto. Divertido desde un punto de vista crítico: de lo que es el mundo y del mundo en el que vivimos. Ambos eran genios a su manera. Alteran tu experiencia de la realidad. Tienen su mundo y tienen su humor. Ese humor es tan raro. [32] : 287
Altman dejó en claro que no le gustaba "contar historias" en sus películas, al contrario de la forma en que se hacen la mayoría de las películas de televisión y convencionales. Según el biógrafo de Altman , Mitchell Zuckoff , "no le gustaba la palabra 'historia', creyendo que una trama debería ser secundaria a una exploración del comportamiento humano puro (o, mejor aún, impuro)". [32] : xiii Zuckoff describe los propósitos subyacentes a muchas de las películas de Altman: "Le encantaba la naturaleza caótica de la vida real, con perspectivas contradictorias, giros sorprendentes, acciones inexplicables y finales ambiguos. Le encantaban especialmente muchas voces, a veces discutiendo, a veces estando de acuerdo. , idealmente superpuestos, un cóctel o una escena callejera capturada tal como él la experimentó. [32] : xiii Julianne Moore , después de ver algunas de sus películas, atribuye al estilo de dirección de Altman su decisión de convertirse en actriz de cine, en lugar de actriz de teatro. Actriz:
Lo sentí muy fuerte. Y pensé: "No sé quién es este tipo, pero eso es lo que quiero hacer. Quiero hacer ese tipo de trabajo". A partir de entonces vería sus películas siempre que podía, y siempre fue mi director favorito, por lo que decía temática y emocionalmente y por lo que sentía por la gente. [32] : 324
El autor de cine Charles Derry escribe que las películas de Altman "contienen característicamente observaciones perspicaces, intercambios reveladores y momentos de revelación cristalina de la locura humana". [26] Debido a que Altman era un observador astuto de la sociedad y "especialmente interesado en la gente", señala Derry, muchos de sus personajes cinematográficos tenían "esa descuidada imperfección asociada con los seres humanos tal como son, con la vida tal como se vive". [26] Como resultado, sus películas son a menudo una crítica indirecta de la sociedad estadounidense.
En muchas de las películas de Altman, el contenido satírico es evidente: M*A*S*H (1970), por ejemplo, es una comedia negra satírica ambientada durante la Guerra de Corea; McCabe & Mrs. Miller (1971) es una sátira de los westerns; [34] el autor Matthew Kennedy afirma que Nashville (1975) es una "brillante sátira de Estados Unidos inmediatamente antes del Bicentenario"; [35] A Wedding (1978) es una sátira sobre los rituales matrimoniales estadounidenses y la hipocresía; [36] El propio Altman dijo que The Player (1992) era "una sátira muy suave" sobre la industria cinematográfica de Hollywood, y Vincent Canby estuvo de acuerdo, afirmando que "como sátira, The Player hace cosquillas. No hace sangrar". [37] La sátira de sus películas a veces llevó a su fracaso en taquilla si el distribuidor no entendía su naturaleza satírica. Altman culpa del fracaso de taquilla de The Long Goodbye (1973), una historia de detectives, al marketing erróneo de la película como thriller:
Cuando se abrió la imagen, fue un gran, gran fracaso. ... Fui a ver a David Picker y le dije: "No puedes hacer esto. No es de extrañar que la puta película esté fallando. Está dando la impresión equivocada. Lo haces parecer un thriller y no lo es, es una sátira" . ]
De manera similar, Altman también culpa del fracaso de OC & Stiggs a que se comercializó como una típica "película para adolescentes", en lugar de lo que él filmó como una "sátira de una película para adolescentes", dijo. [30]
Altman favorecía las historias que expresaban las interrelaciones entre varios personajes, estando más interesado en la motivación de los personajes que en tramas intrincadas. Por lo tanto, tendía a esbozar sólo una trama básica para la película, refiriéndose al guión como un "plan" de acción. Al alentar a sus actores a improvisar diálogos, Altman se hizo conocido como un "director de actores", una reputación que atrajo a muchos actores notables a trabajar como parte de sus grandes elencos. Los artistas disfrutan trabajar con Altman en parte porque "les brinda la libertad de desarrollar sus personajes y, a menudo, alterar el guión mediante la improvisación y la colaboración", señala Derry. Richard Baskin dice que "Bob era bastante extraordinario en su manera de dejar que la gente hiciera lo que hacía. Confiaba en ti para hacer lo que hacías y, por lo tanto, matarías por él". [26]
[32] : 282 Geraldine Chaplin , que actuó en Nashville , recuerda una de sus primeras sesiones de ensayo:
Él dijo: "¿Has traído tus guiones?" Dijimos que sí. Él dijo: "Bueno, tíralos. No los necesitas. Necesitas saber quién eres, dónde estás y con quién estás". ... Era como estar en el escenario con el teatro lleno cada segundo. Todos los números de circo que tuvieras dentro de tu cuerpo los harías sólo para él. [32] : 282
Altman regularmente dejaba que sus actores desarrollaran un personaje mediante la improvisación durante el ensayo o, a veces, durante el rodaje. [31] Tal improvisación era poco común en el cine debido al alto costo de producción cinematográfica que requiere una planificación cuidadosa, guiones precisos y ensayos, antes de que la costosa película fuera expuesta. Sin embargo, Altman prefirió utilizar la improvisación como herramienta para ayudar a sus actores a desarrollar su personaje. [38] Altman dijo que "una vez que comenzamos a filmar, es algo muy establecido. La improvisación se malinterpreta. No dejamos que la gente se suelte". [27] Aunque trató de evitar dictar cada movimiento de un actor, prefiriendo dejar que él tuviera el control:
Cuando elijo una película, la mayor parte de mi trabajo creativo está hecho. Tengo que estar ahí para encender el interruptor y darles ánimo como figura paterna, pero ellos hacen todo el trabajo. ... Todo lo que intento hacer es ponérselo fácil al actor, porque una vez que empiezas a filmar, el actor es el artista. ... Tengo que darles confianza y ver que tengan cierta protección para que puedan ser creativos. ... Les dejé hacer aquello para lo que se convirtieron en actores en primer lugar: crear. [27]
Carol Burnett recuerda que Altman admitió que muchas de las ideas de sus películas procedían de los actores. "Nunca se escucha a un director decir eso. Fue realmente algo sorprendente", dijo. [32] : 328 Otros, como Jennifer Jason Leigh , se volvieron impulsados creativamente:
Él te inspiraría por pura necesidad a pensar en cosas de las que no sabías que eras capaz, que no sabías que tenías en ti. Era tan genuinamente travieso y tan jodidamente divertido. [32] : 435
Le gustaba trabajar con muchos de los mismos artistas, incluidos Shelley Duvall y Bert Remsen (siete películas cada uno); Paul Dooley (6 películas); Michael Murphy (5 películas); Jeff Goldblum , Lily Tomlin , Lyle Lovett , Henry Gibson , David Arkin y John Schuck (4 películas cada uno); Tim Robbins , Carol Burnett , Belita Moreno , Richard E. Grant , Geraldine Chaplin , Craig Richard Nelson , Sally Kellerman y Keith Carradine (3 películas cada uno). Krin Gabbard añade que Altman disfrutó utilizando actores "que florecen como improvisadores", como Elliott Gould , quien protagonizó tres de sus películas, M*A*S*H , The Long Goodbye y California Split . [31] Gould recuerda que cuando filmó M*A*S*H , su primer trabajo como actor con Altman, él y su coprotagonista Donald Sutherland no creían que Altman supiera lo que estaba haciendo. Años más tarde escribió: "Creo que, en retrospectiva, Donald y yo éramos dos actores elitistas y arrogantes que realmente no entendían el genio de Altman". [32] : 174 Otros miembros del elenco apreciaron inmediatamente el estilo de dirección de Altman. René Auberjonois explica:
Pensábamos que así eran las películas. Que fueron una experiencia tan feliz. Si tenías algún tipo de carrera, rápidamente te dabas cuenta de que la mayoría de los directores realmente no confían en los actores, no quieren verlos actuar. Esa fue la diferencia con Bob Altman. Amaba a los actores y quería ver actuar. [32] : 175
A diferencia de la televisión y las películas tradicionales, Altman también evitó la "narrativa convencional" y optó por mostrar la "confusión ajetreada de la vida real", observa Albert Lindauer. [1] Entre las diversas técnicas para lograr este efecto, sus películas a menudo incluyen "una profusión de sonidos e imágenes, por elencos enormes o personajes locos, tramas múltiples o ninguna trama,... y una dependencia de la improvisación". [1] Unos meses antes de morir, Altman intentó resumir los motivos detrás de su estilo cinematográfico:
Esta obra la comparo más con la pintura que con el teatro o la literatura. Las historias no me interesan. Básicamente, estoy más interesado en el comportamiento. No dirijo, observo. Tengo que estar emocionado si espero que el público esté emocionado. Porque lo que realmente quiero ver de un actor es algo que nunca he visto antes, así que no puedo decirles qué es. Intento animar a los actores a que no se turnen. Abordar la conversación como conversación. Quiero decir, creo que de eso se trata el trabajo. Es crear un área de confort para que un actor pueda ir más allá de lo que pensaba que podía hacer. [32] : 8
Altman fue uno de los pocos cineastas que "prestó plena atención a las posibilidades del sonido" durante el rodaje. [28] Trató de replicar sonidos de conversación naturales, incluso con elencos grandes, conectando micrófonos ocultos a los actores y luego grabándolos hablando entre sí con múltiples bandas sonoras. [28] Durante el rodaje, usó unos auriculares para garantizar que se pudieran escuchar los diálogos importantes, sin enfatizarlos. Esto produjo una "experiencia de audio densa" para los espectadores, permitiéndoles escuchar múltiples fragmentos de diálogo, como si estuvieran escuchando varias conversaciones privadas. Altman reconoció que, aunque los elencos grandes perjudican comercialmente a una película, "me gusta ver que suceden muchas cosas". [27]
Altman utilizó por primera vez bandas sonoras superpuestas en M*A*S*H (1970), una técnica de sonido que el autor cinematográfico Michael Barson describe como "una innovación impresionante en ese momento". [39] Lo desarrolló, dijo Altman, para obligar a los espectadores a prestar atención y participar en la película como si fueran un participante activo. [1] Según algunos críticos, uno de los usos más extremos de la técnica se encuentra en McCabe y la Sra. Miller (1971), también considerada entre sus mejores películas. [26]
El historiador y académico de cine Robert P. Kolker señaló que la simultaneidad auditiva y visual en las películas de Altman era fundamental, ya que representaba un énfasis en la pluralidad de eventos, que requería que los espectadores se convirtieran en espectadores activos. [40]
La superposición de diálogos entre grandes grupos de actores añade complejidad a las películas de Altman, y a menudo fueron criticadas por parecer desordenadas o desconectadas en la primera visualización. Algunos de sus críticos cambiaron de opinión después de volver a verlos. El crítico de cine británico David Thomson le dio a Nashville (1975) una mala crítica después de verla por primera vez, pero luego escribió: "Pero volviendo a Nashville y algunas de las películas anteriores... me hizo reflexionar: sigue siendo enigmático cuán organizada o Nashville tiene un propósito ... El mosaico, o la mezcla, permite una libertad y una idiosincrasia humana que Renoir podría haber admirado". [41] Durante la realización de la película, los actores se inspiraron y su coprotagonista Ronee Blakley estaba convencida del éxito final de la película:
Sí, pensé que iba a ser genial, todo el trabajo fue muy bueno, cada actor estaba inspirado y el equipo de Altman era intensamente competente, y él era ese tipo raro de genio que sabe qué funciona y qué no al mismo tiempo. momento en que está sucediendo. [42]
Más tarde, Thomson reconoció esos aspectos como parte del estilo de Altman, comenzando con M*A*S*H (1970): " MASH comenzó a desarrollar el estilo crucial de Altman de sonido superpuesto y borroso e imágenes tan resbaladizas con el zoom que no tenía sentido. de composición. Eso es lo que hace que Nashville sea tan absorbente". [41] Altman explicó que para él ese diálogo superpuesto en sus películas era más cercano a la realidad, especialmente con grupos grandes: "Si tienes catorce personas en una mesa, me parece bastante improbable que sólo dos de ellas estén vamos a estar hablando." [27] Pauline Kael escribe que Altman, "el maestro de los grandes conjuntos, la acción suelta y las voces superpuestas, demuestra que... puede hacer fuegos artificiales cinematográficos a partir de casi nada". [1]
El estilo distintivo de dirección de Altman se trasladó a sus preferencias por el trabajo de cámara. Entre ellos estaba su uso de composiciones de pantalla ancha, destinadas a capturar muchas personas o actividades que tienen lugar en la pantalla al mismo tiempo. Para algunas películas, como McCabe y Mrs. Miller , creó una atmósfera visual poderosa con el director de fotografía Vilmos Zsigmond , como escenas usando un trabajo de cámara fluido, lentes con zoom y un efecto ahumado usando filtros de niebla especiales. [43] El director Stanley Kubrick le dijo a Altman que "el trabajo de cámara fue maravilloso" y le preguntó: "¿Cómo lo hiciste?" [44]
En Nashville , Altman utilizó decorados con colores notables de rojos, blancos y azules. Para The Long Goodbye , insistió en que Zsigmond mantuviera la cámara móvil montándola sobre objetos en movimiento. [26] Zsigmond afirma que Altman "quería hacer algo diferente" en esta película, y le dijo que "quería que la cámara se moviera, todo el tiempo. Arriba. Abajo. Dentro y fuera. De lado a lado". [44] El director de fotografía Roger Deakins , hablando sobre su uso de lentes con zoom, comentó: "Me resultaría muy emocionante filmar una película con una lente con zoom si fuera ese tipo de mirada itinerante y de observación por la que Robert Altman era conocido. Él". Colocaba la cámara en un brazo y flotaba por la escena y seleccionaba estas tomas a medida que avanzaba: una forma bastante agradable de trabajar". [43]
Zsigmond también recuerda que trabajar con Altman fue divertido:
Más bien disfrutábamos haciendo cosas de "improvisación". Altman es un gran improvisador. Durante los primeros días del rodaje, "creaba" diferentes enfoques en cualquier momento. Me mostraba cómo quería que se moviera la cámara: moverse siempre. Lo cual fue divertido. A los actores les encantó y siempre tuve el desafío de encontrar formas de filmar lo que se le ocurrió a Altman. [44]
La cinematografía de Vilmos Zsigmond en McCabe y la señora Miller recibió una nominación a los premios de cine de la Academia Británica .
Al utilizar música en sus películas, Altman era conocido por ser muy selectivo y, a menudo, elegía música que le gustaba personalmente. El director Paul Thomas Anderson , que trabajó con él, señala que "el uso de la música por parte de Altman siempre es importante", y agrega: "Bob amaba su música, ¿no? Dios mío, amaba su música". [31] Como era un "gran admirador" de la música de Leonard Cohen , por ejemplo, decía que "simplemente se drogaba y tocaba esas cosas" todo el tiempo [30] usó tres de sus canciones en McCabe and Mrs. Miller (1971), y otro para la escena final de Una boda (1978). [45]
Para Nashville (1975), Altman hizo que su elenco escribiera numerosas canciones nuevas de música country para crear una atmósfera realista. Incorporó una "melodía inquietantemente repetida" en The Long Goodbye (1973) y empleó a Harry Nilsson y Van Dyke Parks para componer la música de Popeye (1980). [15] : 347
Varios expertos en música han escrito sobre el uso de la música por parte de Altman, incluido Richard R. Ness, quien escribió sobre las partituras de muchas de las películas de Altman en un artículo, considerado un recurso valioso para comprender la técnica cinematográfica de Altman. [46] De manera similar, el profesor de estudios cinematográficos Krin Gabbard [47] escribió un análisis del uso de la música jazz por parte de Altman en Short Cuts (1993), señalando que pocos críticos han considerado la "importancia de la música" en la película. [31]
El jazz también fue significativo en Kansas City (1996). En esa película, la música se considera la base de la historia. Altman afirma que "la idea no era ser demasiado específica sobre la historia", sino que la película en sí fuera "más bien una especie de jazz". [48] La técnica de Altman de hacer del tema de una película una forma de música se consideró "un experimento que nadie había probado antes", y Altman admitió que era arriesgado. "No sabía si funcionaría... Si la gente 'lo entiende', entonces realmente les suele gustar". [49]
Los directores influenciados por Altman incluyen a Paul Thomas Anderson , Wes Anderson , Judd Apatow , Richard Linklater , Alejandro González Iñárritu , Noah Baumbach , David Gordon Green , los hermanos Safdie , Harmony Korine y Michael Winterbottom . [50] [51] Altman dio a varios directores, incluidos Alan Rudolph , Reza Badiyi y Richard C. Sarafian , sus inicios en el cine.
Altman recibió varios premios y nominaciones, incluidas siete nominaciones al Premio de la Academia y ganó el Oscar honorífico en 2006. Recibió siete nominaciones al Premio de Cine de la Academia Británica y ganó dos veces por The Player (1992) y Gosford Park (2001). Recibió el premio Primetime Emmy a la mejor dirección de una serie dramática por Tanner '88 (1988). También recibió cinco nominaciones al Globo de Oro y ganó el Globo de Oro al Mejor Director por Gosford Park . También recibió varios premios de festivales de cine, incluida la prestigiosa Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes por M*A*S*H y el Premio del Festival de Cine de Cannes al Mejor Director por The Player . También recibió el Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín y el León de Oro del Festival de Cine de Venecia . En 1994, recibió el premio Lifetime Achievement Award del Directors Guild of America .
Altman estuvo casado tres veces: su primera esposa fue LaVonne Elmer. Estuvieron casados de 1947 a 1949 y tuvieron una hija, Christine. Su segunda esposa fue Lotus Corelli. Estuvieron casados de 1950 a 1955 y tuvieron dos hijos, Michael y Stephen . A los quince años, Michael escribió la letra de " Suicide Is Painless ", el tema principal de la película de Altman, M*A*S*H . Stephen es un diseñador de producción que trabajaba a menudo con su padre. La tercera esposa de Altman fue Kathryn Reed. Estuvieron casados desde 1957 hasta su muerte en 2006. Tuvieron dos hijos, Robert y Matthew. Altman se convirtió en padrastro de Konni Reed cuando se casó con Kathryn. [52] [53] [54]
Kathryn Altman, quien murió en 2016, fue coautora de un libro sobre Altman que se publicó en 2014. [55] Se desempeñó como consultora y narradora para el documental Altman de 2014 y habló en muchas proyecciones retrospectivas de las películas de su esposo. [56]
En la década de 1960, Altman vivió durante años en Mandeville Canyon en Brentwood, California . [57] Residió en Malibú durante toda la década de 1970, pero vendió esa casa y la productora Lion's Gate en 1981. "No tenía otra opción", dijo a The New York Times . "Nadie contestaba el teléfono" tras el fracaso de Popeye . Trasladó la sede de su familia y su negocio a la ciudad de Nueva York, pero finalmente regresó a Malibú, donde vivió hasta su muerte. [58]
En noviembre de 2000, Altman afirmó que se mudaría a París si George W. Bush fuera elegido, pero bromeó diciendo que se refería a París, Texas, cuando eso sucedió. Señaló que "el Estado estaría mejor si él (Bush) queda fuera de esto". [59] Altman era un consumidor de marihuana franco y se desempeñó como miembro del consejo asesor de NORML . [60] También era ateo y activista contra la guerra. [61] Fue una de las numerosas figuras públicas, entre ellas el lingüista Noam Chomsky y la actriz Susan Sarandon , que firmaron la declaración " No en nuestro nombre " oponiéndose a la invasión de Irak en 2003 . [62] [63] Julian Fellowes cree que la postura pacifista y anti-Bush de Altman le costó el Oscar al Mejor Director por Gosford Park . [32] : 478
Altman despreciaba la serie de televisión M*A*S*H que siguió a su película de 1970, citándola como la antítesis de lo que trataba su película y citando sus mensajes contra la guerra como "racistas". En el comentario en DVD de 2001 de M*A*S*H , expuso claramente las razones por las que desaprobaba la serie. [64]
Altman murió de leucemia en el Centro Médico Cedars-Sinai en Los Ángeles el 20 de noviembre de 2006, a la edad de 81 años. [65] [66]
El director de cine Paul Thomas Anderson dedicó su película de 2007 There Will Be Blood a Altman. [67] Anderson había trabajado como director suplente en A Prairie Home Companion por motivos de seguro en caso de que Altman, enfermo de 80 años, no pudiera terminar de filmar.
Durante una celebración en homenaje a Altman unos meses después de su muerte, fue descrito como un "cineasta apasionado" y autor que rechazó las convenciones, creando lo que el director Alan Rudolph llamó un estilo de películas "altmanesco". [29] Prefería elencos grandes de actores y conversaciones superpuestas naturales, y animaba a sus actores a improvisar y expresar su creatividad innata sin miedo a fallar. Lily Tomlin lo comparó con "un gran patriarca benigno que siempre te cuidaba como actor", y agregó que "no tienes miedo de correr riesgos con él". [68]
Muchas de sus películas se describen como "sátiras ácidas y estudios de personajes de contracultura que redefinieron y revitalizaron el cine moderno". [68] Aunque sus películas abarcaban la mayoría de los géneros cinematográficos, como westerns, musicales, películas de guerra o comedias, se le consideraba "antigénero" y sus películas eran "francamente subversivas". Se sabía que odiaba la "falsedad" que veía en la mayoría de las películas convencionales y "quería hacerlas explotar" a través de la sátira. [sesenta y cinco]
El actor Tim Robbins , que protagonizó varias películas de Altman, describe algunos de los aspectos únicos de su método de dirección:
Creó un mundo único y maravilloso en sus sets,... donde el travieso padre dejaba jugar a los "niños actores". Donde tu imaginación fue alentada, alimentada, reída, abrazada y Altmanizada. Una dulce anarquía que muchos de nosotros no habíamos sentido desde el patio del colegio, desatada por el corazón salvaje de Bob. [69]
Los archivos personales de Altman se encuentran en la Universidad de Michigan , e incluyen alrededor de 900 cajas de documentos personales, guiones, registros legales, comerciales y financieros, fotografías, accesorios y material relacionado. Altman había filmado Secret Honor en la universidad y había dirigido varias óperas allí. [18] [70]
Desde 2009, el premio Robert Altman se otorga al director, al director de casting y al elenco de películas en los premios anuales Independent Spirit .
En 2014 se estrenó un largometraje documental, Altman , que analiza su vida y su obra con fragmentos de películas y entrevistas. [71]
{{cite news}}: CS1 maint: bot: original URL status unknown (link){{cite web}}: CS1 maint: unfit URL (link)Aún así, vale la pena señalar que a la edad de 20 años este denunciante había resistido a dos de las instituciones más poderosas: la iglesia y el ejército, ambas. Es ateo: "Y desde entonces he estado en contra de todas estas guerras".