La Riverside Shakespeare Company de la ciudad de Nueva York fue fundada en 1977 como una compañía de teatro profesional ( AEA ) en el Upper West Side de la ciudad de Nueva York, por W. Stuart McDowell y Gloria Skurski. Centrándose en obras de Shakespeare y otro repertorio clásico, funcionó hasta 1997.
Fundada con un núcleo de graduados de la Universidad de California en Berkeley , [1] la Riverside Shakespeare Company de la ciudad de Nueva York inauguró su primera producción, Romeo y Julieta , en agosto de 1977 en Riverside Park . Luego comenzó un recorrido gratuito por los parques de Manhattan, actuando en Washington Square , John Jay Park , Fort Tryon Park y la Universidad de Columbia . La producción fue dirigida por McDowell. [2]
Un anuncio de la noche inaugural en The New York Times decía:
La Riverside Shakespeare Company continúa donde lo dejó Joseph Papp este verano presentando Shakespeare gratis en el parque. ... La producción se realizará al estilo de un juglar itinerante, que evoca la época de Shakespeare. Antes, para crear el ambiente de época, habrá artistas repartidos por el parque: malabaristas, esgrimistas, cantantes, lectores de poesía. Entonces una fanfarria llamará a los actores al escenario y comenzará la historia de los amantes desventurados. [3]
La producción inaugural de Romeo y Julieta fue una versión de dos horas, recortada para incorporar un extenso juego de espadas, una escena de baile de salón ampliada y pantomima , como la aparición a Julieta del fantasma de Teobaldo. Cada actuación también fue programada para terminar con la puesta del sol a mediados de agosto. Las actuaciones fueron precedidas por toda la compañía de actores y músicos que entretuvieron al público con un Greenshow , una parodia previa al espectáculo de la producción siguiente, que cumplió el doble propósito de construir un puente físico y cómico entre el actor y el público, y de establecer una conexión física, estilo espontáneo de actuación que incorporó el entorno de actuación al espectáculo. Esto se basó en las raíces de la compañía (y de Shakespeare) en la rica herencia de la Commedia dell'arte . [4]
El otoño siguiente, la compañía inició una serie de lecturas de las obras de Shakespeare, leyendo todo el canon durante el primer año. A partir de esto, la compañía inauguró una serie de transmisiones de radio gratuitas de las obras de Shakespeare en la estación de radio pública de Nueva York, WBAI . Pronto se formó una junta directiva bajo la dirección de la presidenta fundadora, Elena Scotti, del Lincoln Center . Desde su fundación en 1977, Riverside Shakespeare Company se convirtió en la única compañía profesional de Shakespeare de la ciudad de Nueva York dedicada durante todo el año a la interpretación de las obras de Shakespeare, sus contemporáneos y la Commedia dell'arte. [5]
Durante su temporada inaugural 1977-1978, después de su recorrido por los parques de Romeo y Julieta , la Riverside Shakespeare Company presentó un "recorrido gratuito por la biblioteca Equity" de Noche de Reyes , dirigido por Gloria Skurski, con música de Michael Moore, [6] que luego tuvo una presentación extendida fuera de Broadway en el Manhattan Theatre Club Stage 73. Judy Thrall, en Heights/Inwood Press de North Manhattan revisó la producción de Twelfth Night :
Algunas compañías de teatro (aquellas que comienzan con actores talentosos e inteligentes) nacen geniales. Algunas empresas –aquellas que comienzan con personas tímidas e inexpertas que pronto maduran con su arte– alcanzan la grandeza. Y algunas compañías (aquellas que comienzan sin capacitación ni guía) pueden, con el advenimiento de una fuerza brillante, recibir la grandeza. En la primera categoría hiperbólica se encuentra uno de los grupos de teatro más nuevos de la ciudad, la Riverside Shakespeare Company. ... Ahora el grupo está en camino de convertirse en una fuerza teatral importante en el Alto Manhattan y en otros lugares. [7]
En la primavera de 1978, la empresa montó el Hamlet completo en el tejado del patio de la iglesia Riverside en Manhattan a última hora de la tarde. El éxito de esta producción permitió a la compañía volver a montar su Hamlet – esta vez iluminado por antorchas a última hora de la tarde – en el paseo principal de la Universidad, antes de la Biblioteca Low de la Universidad de Columbia , utilizando un gran escenario rodeado de láminas de acero, erigido para crear un Entorno reflectante tanto para la voz como para la iluminación de la antorcha. [8] La producción fue diseñada y dirigida por W. Stuart McDowell y contó con Peter Siiteri como Hamlet. [9]
Hamlet de Riverside marcó su primera producción en folio , en la que se presentó el texto completo de la obra de Shakespeare en una producción animada y llena de acción, lo que permitió a la compañía montar Hamlet completo en menos de tres horas. Un Greenshow también precedió a cada actuación al aire libre, entreteniendo al público cuando llegaban con una parodia de la obra siguiente, que fue representada por "los Jugadores" de camino a "Elsinore".
La actuación de Hamlet a la luz de las antorchas en la Universidad de Columbia fue reseñada por el periódico Heights/Innwood del norte de Manhattan :
Se aprovecharon las astutas insinuaciones y los gestos elegantes de Siiteri como Hamlet. Sus reacciones ante el fantasma de su padre y ante la muerte de Ofelia tenían rastros de la vulnerabilidad y la humanidad que se ven en los mejores Hamlets. Otros miembros del elenco oscilaron entre muy buenos y excelentes. Kaeren Peregrin como Ofelia ofreció una escalofriante "escena de locura". Robert Lanchester como Claudio era deliciosamente depravado, y Frank Fico como Polonio era maravillosamente divertido sin convertir al entrañable y caballeroso en un bufón. Bravo también por John Rowe como Laertes. ... Todos los actores proyectaron magníficamente sin ayuda de micrófonos, ¡y al aire libre! [8]
En su segundo verano, 1978, la compañía presentó una popular gira gratuita de El sueño de una noche de verano , con Eric Hoffmann como Puck, Karen Hurley como Titania y Eric Conger como Oberon, dirigida por Gloria Skurski. [10] El grupo de gira "Brass" interpretó una partitura original de Deborah Awner. [11] La producción continuó la tradición de Shakespeare sin micrófono, haciendo uso de un set de gira de chapa de acero para la amplificación natural tanto de actores como de músicos. [12]
La gira por los parques de A Midsummer Night's Dream se amplió para tocar en lugares de dos distritos de la ciudad de Nueva York , incluido Wave Hill en el Bronx, que se convirtió en el lugar de actuación anual favorito de la compañía en verano. La gira incluyó una residencia prolongada en International Affairs Plaza en el campus de la Universidad de Columbia, lo que permitió a la compañía mantener el escenario en pie durante la noche, en lugar de la huelga habitual después de cada actuación.
En lo que se estaba convirtiendo en una tradición de Riverside, cada actuación fue precedida media hora antes del telón por un "Greenshow" de entretenimiento de Comedia, por parte del elenco y los músicos en el escenario y entre el público. [13]
Erika Munk de Village Voice escribió:
Shakespeare en el Delacorte siempre me decepciona porque está demasiado microfoneado y no está en sintonía con la vida del parque; pero vi una encantadora Sueño de una noche de verano de la Riverside Shakespeare Company: sin micrófonos, sin luces, sin asientos; sólo una ubicación inteligente en la parte inferior del Monumento a los Soldados y Marineros para brindarle al público una vista desde las escaleras; actuación amplia y proyección a la antigua usanza para que todos pudieran seguir; la capacidad de capitalizar la predisposición del público a divertirse; la flexibilidad para tratar con perros, niños, aviones y borrachos; y en un momento espléndido: la obra terminó cuando se puso el sol. [12]
El otoño siguiente, la compañía presentó As You Like It en el Stage 73 del Manhattan Theatre Club , con Robert Boyle, Timothy Hall, Margo Gruber y Caryn West, todos haciendo su debut en los escenarios de Nueva York; con Kent Odell, Jim Maxson, Stuart Rudin, Ken Grantham, Timothy Hall, Peter Jensen, Kenneth Lane, Gannon McHale, Sheri Meyers, Uriel Menson, Brock Seawell, Daniel Tamm y David Robert Westfall (director de escena) y dirigida por Eric Hoffmann, con escenografía diseñada por David Lockner, vestuario de Deborah Otte, iluminación de Nat Cohen y música de Deborah Awner.
Hoffmann ambientó la obra más pastoral de Shakespeare en un ambiente otoñal en la época colonial americana, utilizando hojas recolectadas de Central Park, que gradualmente llenaron el escenario con montones de hojas hasta las rodillas, y subrayadas con música de guitarra original interpretada por Robert Mamary y Joseph Poshek. La producción fue aclamada por su entorno creativo en esta época bucólica y prerevolucionaria estadounidense, en la que Amiens, interpretado por Larry Kirchgaessner, se convirtió en un nativo americano en el bosque americano de Arden. [14]
A la producción asistió Mildred Natwick , quien se convirtió en el primer miembro de la junta de asesores de la compañía, a la que pronto siguió Helen Hayes . En esta producción, se anunció que el objetivo final de la compañía era "construir una réplica del Shakespeare's Globe Theatre a orillas del río Hudson en la ciudad de Nueva York". [15]
A la producción de As You Like It se unió en el escenario 73 el estreno en Nueva York del escenario de la Commedia dell'arte, la "comedia madrigal" del siglo XVI de Orazio Vecchi , L'Amfi Parnasso , dirigida por Dan Southern y en la que participaron miembros de la compañía. Música renacentista arreglada e interpretada por el grupo de cámara The Western Wind . Esta producción fue la primera producción puramente de estilo Commedia dell'arte de la compañía y contó con el uso de máscaras de cuero hechas a mano, improvisación, movimientos estilizados y lazzi cómicos .
De 1978 a 1980, Riverside Shakespeare Company fue la compañía de teatro profesional Equity residente en la Universidad de Columbia bajo el patrocinio de Andrew B. Harris y el estudioso de Shakespeare de renombre internacional Bernard Beckerman , con espacios para audiciones, construcción, almacenamiento y ensayo en Prentice Hall en West. 125th Street al oeste de Broadway, a tiro de piedra del río Hudson. Una compañía central de doce a quince actores profesionales a menudo se complementaba con estudiantes de la Universidad de Columbia, tanto detrás como en el escenario como intérpretes, que trabajaban como estudiantes aprendices dentro de la compañía, no muy diferente de la compañía de Shakespeare 400 años antes.
En 1979, la Riverside Shakespeare Company montó la farsa renacentista de Nicolás Maquiavelo, La Mandrágora , en el gran auditorio del segundo piso de la Casa Italiana de la Universidad de Columbia ubicada en West 117th y Amsterdam Avenue.
La Casa Italiana , que había sido designada recientemente por la Comisión de Preservación de Monumentos Históricos, resultó ser un escenario ideal para la producción: el decorado florentino de Riverside estaba rodeado por la arquitectura florentina, candelabros de hierro forjado y antigüedades italianas, algunas donadas por el Primer Ministro Benito Mussolini cuando el edificio fue erigido en 1926. [16]
Actuando al estilo de la Commedia dell'arte, con máscaras y extravagantes disfraces de comedia, el elenco incluía a Arland Russell, Mark Cavalieri, Jeff Cameron, Tom Hanks , Susan Kay Logan, Perla Armanasco y Michael Goldner. En esta producción, Tom Hanks interpretó el papel principal del sinvergüenza Callimaco, en su primera y única producción teatral en la ciudad de Nueva York hasta su debut en Broadway en " Lucky Guy " de Nora Ephron en la primavera de 2013.
La producción de The Mandrake fue elegida y ensayada en las instalaciones del cuarto piso de la compañía en el Prentise Hall de la Universidad de Columbia en el sur de Harlem, y fue dirigida por el miembro de la compañía Dan Southern (entonces Daniel O. Smith), [17] La producción se realizó con cuero auténtico. máscaras y trajes extravagantes concebidos y construidos por la diseñadora de Broadway Jane Stein, decorados de época, incluido un escenario con forma de tablero de ajedrez, diseñado y construido por Gerard Bourcier, iluminación (que incorporaba los candelabros de hierro forjado de la Casa Italiana) por John B. Forbes y producida por Gloria Skurski y W. Stuart McDowell. En la reseña de Heights/Inwood Press of North Manhattan del 14 de marzo de 1979, Jan Rucquoi señaló que:
Una farsa trepidante y deliciosamente producida tuvo lugar en la zona alta del campus de la Universidad de Columbia, en la Casa Italiana. ... En La mandrágora, el público suele confiar en los actores que se desenmascaran para hacerlo. [18]
Las máscaras de cuero diseñadas por Stein se usaban a menudo de manera inventiva para lograr un efecto cómico, y los actores a veces se las quitaban para un monólogo interior, como en la interpretación de Hanks de Callimaco, en el que conversaba consigo mismo mientras sostenía su máscara a un lado.
The Mandrake estuvo acompañada por una partitura original de jazz compuesta (y con una narración improvisada) por el pianista, compositor y líder de orquesta Michael Wolff . Según Heights/Inwood Press del norte de Manhattan :
La música compuesta para la obra tenía un aire brechtiano, enriqueciendo la obra y creando un ambiente de travesura y diversión. Además, los extravagantes trajes, obras de arte en sí mismos, con su exagerada ornamentación aplicada, fueron una valiosa ventaja para la producción. [18]
La producción de La Mandrágora se estrenó el 2 de marzo de 1979 en la Casa Italiana, y fue dirigida por Nancy Consentino Minckler y producida por W. Stuart McDowell y Gloria Skurski, en asociación con la Universidad de Columbia.
A finales de la primavera de 1979, la compañía produjo Much Ado About Nothing dirigida por Gloria Skurski con música original de Deborah Awner, con Margo Gruber y Gannon McHale, y Timothy Oman, Jim Brewster, Robert Boyle, Ronald Lew Harris, David Florek, Arland Russell, Daniel Tam y Leigh Podgorski, en el escenario 73 del Manhattan Theatre Club. La producción se desarrolló en los locos años 20, como si F. Scott Fitzgerald hubiera imaginado el encuentro de Beatrice y Benedict en una fiesta festiva en el jardín de Cape Cod.
La producción de Mucho ruido y pocas nueces se escenificó como primera parte de un programa doble, seguida de una copa de vino y luego, en el mismo escenario y con un rápido cambio de escenario, La mandrágora de Nicolás Maquiavelo . [19]
El éxito de la producción de Riverside de The Mandrake permitió a la compañía volver a montar el espectáculo con la nueva producción de Much Ado About Nothing como un programa doble nocturno en el repertorio en el Stage 73 del Manhattan Theatre Club. Con la partida de Hanks hacia el oeste costa al final de la carrera en la Casa Italiana, Dan Southern asumió el papel de Callimaco para las actuaciones nocturnas tipo cabaret. [20]
Después de sus dos representaciones en interiores, The Mandrake fue revivida para varias presentaciones al aire libre, representadas en un carro de dos ruedas con un sencillo fondo de tela, comenzando con la dedicación del Shakespeare Garden en Brooklyn, presentada por Joseph Papp , Estelle Parsons y W. Estuardo McDowell. El papel de Callimaco fue asumido por el director de la obra, Dan Southern. Se utilizó un pequeño escenario de carro con fondo de lona. La apertura de la puesta en escena, a la luz del sol natural y sin los adornos y ocultamientos de un teatro interior, era típica del estilo interpretativo de la Commedia dell'arte , en la que los miembros del público son constantemente conscientes del artificio de la producción y, por lo tanto, se vuelven participantes en el evento teatral
Como en la tradición Riverside del Greenshow , la producción de The Mandrake , ya sea en el interior o en el exterior de un parque, se basó en una amplia materialización, improvisación y lazzi cómicos , así como en la interacción con el público a la manera de la Commedia dell'arte. The Mandrake , bajo la dirección de Southern, resultó ser una de las producciones de Commedia más exitosas de Riverside hasta la fecha y ayudó a la compañía a alcanzar su objetivo de llevar la obra de Shakespeare, sus contemporáneos y la Commedia dell'arte a una audiencia lo más amplia posible. También ayudó a promover la reputación de la compañía como una compañía de teatro clásico versátil en la ciudad de Nueva York.
Luego, la compañía montó su primera obra histórica de Shakespeare. A finales de la primavera de 1979, después de dos meses de ensayo de los ejércitos del rey Enrique y Hotspur en la azotea del Prentice Hall de la Universidad de Columbia, en el sur de Harlem, la compañía inauguró su tercera producción anual al aire libre de Shakespeare libre, una importante puesta en escena de Equity de la obra completa. Enrique IV, primera parte . Esta fue la segunda primera producción en folio de Riverside , montada en una réplica del Shakespeare's Globe Theatre , construida en el techo del patio de Prentise Hall en West 125th y Broadway, y transportada y erigida en el patio principal del campus de la Universidad de Columbia .
El reparto incluía a Dan Southern como Hotspur y Jason Moehring como Hal, con Eric Hoffmann como Falstaff y William Hanauer como el rey Enrique, y un reparto de cuarenta personas que incluía a Jim Brewster, Mary Skinner, Vit Horejs, David Murray Jaffe, Kathleen Monteleone, Jason Moehring, Julia Murray, Gay Reed, John Miller, Ken Threet, Nick Schatzki y Lois Tibbetts, con música de Deborah Awner interpretada por una orquesta en vivo.
Para esta producción, la compañía construyó una réplica del Shakespeare's Globe Theatre al aire libre, rodeada de árboles en la esquina sureste del Columbia University Quad; la producción fue dirigida por W. Stuart McDowell y se realizó de noche sin micrófonos en este ambiente acústico perfecto, en un escenario diseñado y construido por Dorian Vernacchio, vestuario de Kenneth M. Yount, coreografía de lucha para espada, alabarda, daga y maza, de Joel Leffert.
El crítico de Show Business , Ted Bank, señaló que:
Riverside Shakespeare Company ha inyectado a esta crónica histórica todo el boato y espectáculo que requiere, y el resultado es un teatro apasionante. ... Lo que hace que Enrique IV, primera parte sea tan encantadora es que Riverside Shakespeare Company se ha esforzado por incorporar detalles históricos a la producción. Al iniciar su tercera temporada como el único productor de Shakespeare durante todo el año en Nueva York, Riverside se ha ganado una excelente reputación por producir teatro clásico de alta calidad." [21]
La popularidad de Enrique IV, Parte IV en la Universidad de Columbia permitió a la compañía extender la producción volviendo a montar toda la producción Off Broadway en el interior del American Theatre for Actors en el centro de Manhattan en el otoño de 1979.
En la primavera de 1980, la compañía de teatro montó una nueva producción de Noche de Reyes , ambientada en estilo Art Nouveau , dirigida por John Clingerman, con Andrew Achsen, Kristin Rudrud, Stuart Cohen, Alison Edwards, Beata Jachulski, Will Lecki, Scott Parson. , Bruce Altman , Ken Threet y Ted Polites, presentado en ronda (con público en cuatro lados) en la cámara baja de Riverside Church en Manhattan, con música de Deborah Awner. Esta producción fue una de las muchas que la compañía de teatro inauguró el día del cumpleaños de Shakespeare, el 23 de abril; Esta vez, la producción fue inaugurada con una celebración especial, que culminó con la lectura de un soneto de Shakespeare por parte del pastor de Riverside Church, compañero bardófilo, el reverendo William Sloan Coffin . [22]
A principios del verano de 1980, la Riverside Shakespeare Company se mudó a la Iglesia Presbiteriana de West Park, en la esquina de West 86th y Amsterdam, donde estableció el Centro Shakespeare , dedicado a la formación durante todo el año para la interpretación de las obras de Shakespeare. , sus contemporáneos y la Commedia dell'arte. El actor profesional Andrew Achsen desempeñó un papel clave en la protección del lugar en la iglesia, de la que era miembro junto con el pastor de West Park, el reverendo Robert Davidson. El Teatro del Centro Shakespeare fue reconstruido a partir de materiales de la demolición del Teatro Helen Hayes de Broadway y el escenario de Nicholas Nickleby de Broadway a través de fondos recaudados por los esfuerzos de los miembros del elenco de la producción de Broadway de Nicholas Nickleby de la Royal Shakespeare Company . El Centro Shakespeare de la Riverside Shakespeare Company fue inaugurado oficialmente en el otoño de 1982 por Joseph Papp y Helen Hayes en una ceremonia a la que asistieron Gloria Foster , Milo O'Shea , Barnard Hughes , Sam Waterston , Mildred Natwick y Peter Brook . [23] [24]
El Shakespeare Center se convirtió en el hogar de numerosas producciones de Equity Riverside, comenzando con Romeo y Julieta en 1980, dirigida por W. Stuart McDowell, con la asistencia de Jay King, con Robert Walsh, Arleigh Richards, George House, Barbara Tirrell, Joe Meek, Gay Reed. , Curtis Watkins, Dan Johnson, Obie Story, James McGuire, Jim Maxson, Christopher Cull, Timothy Oman y, como la enfermera, el cantante folk y comediante escocés Fredi Dundee.
A Romeo y Julieta le siguió Love's Labour's Lost con Freda Kavanagh, Deanna Deignan, Kay Colburn y Catherine Schmidt, y JC Hoyt, Timothy Doyle, Timothy Oman, Madeleine Potter y Peter Siiteri, dirigida por Clingerman con música de Deborah Awner, que Mel Gussow del New York Times la calificó como "una pieza de cámara encantadora". [25]
A esto le siguió una producción de la Commedia dell'arte de Two Gentlemen of Verona dirigida por Dan Southern producida Off Broadway en el American Theatre for Actors, con música de Bob Rosen, con Ronald Lew Harris, Jim Maxson, Joe Meek, Amy Aquino, Allison. Edwards, Dennis Pfister y JC Hoyt. [26]
Si bien la compañía produjo una temporada de suscripción en 1980-1981 en The Shakespeare Center, también montó una serie de representaciones gratuitas de obras y escenas de Shakespeare en toda la ciudad en el Citicorp Center, titulada Riverside Shakespeare Salutes Shakespeare at Citicorp , que incluía The Taming of the. Shrew dirigida por Jere O'Donnell, Love's Labour's Lost dirigida por Timothy Minor, The Will to Power: Scenes of Ambition and Political Intrigue , dirigida por Ken Grantham, y una popular recopilación de escenas románticas del Bardo, This Bud of Love: Scenes de Awakening Love , dirigida por John Clingerman. Estos también fueron transmitidos en la estación de radio pública de Nueva York, WBAI .
Mientras tanto, en The Shakespeare Center , la compañía abrió su próxima temporada con Henry V dirigida por Timothy Oman, asistida por Linda Mason, directora asociada, y Maureen Clarke, entrenadora de textos residente de Riverside, con música de Sanchie Borrow, diseño escénico y de iluminación de Norbert U. Kolb, dirección de lucha de Conal O'Brien y vestuario de David Pearson, con Frank Muller y Lee Croghan, con Dene Nardi, Dan Daily, Norma Fire, Ronald Lew Harris, Pat Kennerly, Gay Reed, Gene Santarelli, Sandi Shackelford. y Inviernos del tiempo. [27]
En febrero de 1981, la compañía montó el estreno en Nueva York de la farsa de la Commedia dell'arte The Three Cuckolds con Perla Armanasco, Jim Brewster, Ronald Lew Harris, David Murray Jaffe, Joe Meek, Jim Maxson y Jane Badgers, Lloyd Davis, Jr. (como un Arlecchino "sobresaliente"), [28] Oded Carmi y Marla Buck, dirigida por Dan Southern con música original de Michael Canick, gotas sepia que representan escenas callejeras contemporáneas de Nueva York de Dorian Vernacchio, trajes de Barbara Weiss y máscaras de Paul Mantell. , sobre el cual Marilyn Stasio del New York Post escribió:
La compañía residente, bajo la dirección escénica de Daniel O. Smith, ha captado con entusiasmo el espíritu escandaloso de esa venerable forma teatral. ... Los personajes habituales de la comedia , desde los payasos de nariz bulbosa, los zanni , hasta el ágil embaucador Arlecchino, están todos auténticamente enmascarados, acolchados y caricaturizados. Y el alto nivel de energía cómica del elenco los hace perfectamente ridículos. ... De acuerdo con la tradición de improvisación de la comedia , la producción inyecta un tono contemporáneo al material... incluido un mural de graffiti, que es más ingenioso que el material que se lee en el IRT. Y alguien contó un chiste de Nancy Reagan que me hizo cosquillas. [28]
La producción de The Three Cuckolds se realizó en un amplio estilo de farsa con numerosas referencias contemporáneas y un amplio uso de acrobacias, como una voltereta hacia atrás realizada por Jim Brewster en su entrada como el joven amante. The Three Cuckolds resultó tan popular [29] que más tarde se montó como una producción itinerante fuera de Broadway y fue la primera producción de Riverside vista por Joseph Papp, lo que finalmente llevó a un patrocinio continuo por parte del Festival Shakespeare de Nueva York a partir de Eduardo II ( ver más abajo) y producciones posteriores en giras de verano en Riverside.
A partir de 1982, Joseph Papp y el Festival Shakespeare de Nueva York se convirtieron en los principales patrocinadores de la compañía, comenzando con la producción de la Riverside Shakespeare Company del estreno en Nueva York de la adaptación de Bertolt Brecht de La vida de Eduardo II de Inglaterra de Christopher Marlowe en 1982, [30] también patrocinado por la Casa Goethe de Nueva York y por Marta Feuchtwanger (viuda del reconocido coautor de Brecht, Lion Feuchtwanger [31] ).
El estreno en Nueva York de Eduardo II se basó en entrevistas que McDowell había hecho en Alemania con miembros del reparto ( Erwin Faber y Hans Schweikart) de la producción original de Munich de 1924, que había sido el debut de Brecht como director de escena. En la producción original de 1924, Brecht desarrolló muchas de sus "nuevas técnicas dramatúrgicas y de puesta en escena" para lo que llegó a conocerse como teatro épico , y que finalmente impactó profundamente al teatro del siglo XX. [32] Elementos de la producción original de Brecht se convirtieron en un trampolín para interpretar el guión, setenta y ocho años después. [33]
La producción de Riverside Shakespeare contó con una partitura original compuesta por Michael Canick para percusión e interpretada por el percusionista Noel Council arriba y al lado de la audiencia en la torre lateral que se había erigido dentro del teatro del Centro Shakespeare del teatro recientemente renovado. La partitura hizo uso de caja y timbales, de xilófonos y castañuelas, así como sonidos de percusión natural realizados por el elenco, utilizando cascabeles y vainas de guisantes de mano que se tocan durante las transiciones entre escenas, todo ello con la intención de crear un ambiente de sonido pensado para para aumentar y centrar la atención en varias líneas narrativas a lo largo de la producción.
La producción de Riverside de Eduardo II contó con Dan Southern y Timothy Oman en los papeles de Gaveston y el Rey Eduardo, con Andrew Achsen, Larry Attille, Christopher Cull, Michael Franks, Margo Gruber, Daniel T. Johnson, Will Lampe, Joe Meek, Jason Moehring. , Gay Reed, Count Stovall, R. Patrick Sullivan y Jeffery V. Thompson, dirigida por McDowell, con la asistente de dirección Jeannie H. Woods, con decorados y luces de Dorian Vernacchio, vestuario de David Robinson, con accesorios de madera tallados a mano diseñados y construido por Valerie Kuehn.
Según el cantante y escritor William Warfield :
Nunca antes había visto una producción de teatro clásico de esta compañía y pensé que era realmente excepcional. Por más desapasionado que sea la mayor parte del llamado entretenimiento, la única gracia salvadora es que los artistas todavía se unen en esfuerzos honestos como este. ... Eduardo II fue brillante. Eduardo II fue una producción visualmente impresionante y dirigida con imaginación de una obra que tiene gran relevancia hoy en día. [34]
La noche del estreno se presentó en el teatro, antes de la obra, un panel especial de estudiosos del teatro alemán y, en particular, del drama de la República de Weimar, con una exposición de fotografías de la producción original de Munich. De acuerdo con la producción original de Brecht, un cabaret de Weimar siguió la producción, con el miembro del reparto Andrew Achsen como presentador.
La siguiente temporada (1982-1983) en el teatro recientemente renovado de West 86th Street comenzó con Ricardo III , sobre quien Marilyn Stasio de The New York Post escribió:
La Riverside Shakespeare Company ha abierto su temporada con un Ricardo III que avanza generosamente en su demanda de apoyo como conjunto profesional de Shakespeare durante todo el año que vale la pena tomar en serio. La producción se ha montado en conmemoración del 500 aniversario del febril ascenso al poder de ese infame monarca. J. Kenneth Campbell hace su entrada joroba primero, desde un agujero obviamente simbólico en el suelo, y nos atrapa desde el momento en que se lanza a sus descontentos invernales. Campbell no sólo ama a su personaje, ama sus palabras , articuladas con el gusto lujurioso de un voluptuoso suelto en un serrallo. Es un placer verlo. [35]
Ricardo III fue dirigido por John Clingerman, con una partitura musical original de Joe Church interpretada por el New York City Brass Quintet y un gran coro grabado especialmente para esta producción, sobre el cual Backstage escribió: "Se debe hacer una mención especial a la música, dirigida por Joseph Church con el quinteto de metales de la ciudad de Nueva York y un gran coro contribuyeron al ambiente del siglo XV y ayudaron a unificar la producción". [36]
La producción contó con el veterano del teatro y la pantalla J. Kenneth Campbell en el papel principal, Marya Lowery, Richard Hoyt-Miller, Scott Parson, Maggie Scott, Mary McTigue y Ann Ducati, decorados de Tom Newman, vestuario de Randolf Pearson, iluminación de Richard Lund, extensa coreografía de combate de Joel Leffert y dirección escénica de Mary Ellen Allison.
A principios de 1983, Riverside Shakespeare Company montó su tercera First Folio Production , una puesta en escena sin cortes de The Winter's Tale , con Eric Hoffmann como Autolycus y la actriz ganadora del premio Tony Tonya Pinkins en su debut teatral en Nueva York como "Mopsa - una pastora", con Marya Lowry y Timothy Oman como Hermione y Leontes, CB Anderson, Franklin Brown, Sally Kay Brown, Lee Croghan, Christopher Cull, Virginia Downing, Freda Kavanaugh, Beatrix Porter y Richie Devaney. La producción fue dirigida por W. Stuart McDowell, con vestuario de Randolph Pearson, música original de Joseph Church, coreografía de Beatrix Porter, preparación de textos de Maureen Clarke y dirección escénica de Mary Ellen Allison.
La producción combinó períodos modernos (Mónaco de Grace Kelly) e históricos (pastoral de Inglaterra del siglo XVIII) en un concepto centrado en una transformación mágica que tiene lugar cuando Mamillius comienza a contarle "el cuento de invierno" a su madre, Hermione. El concepto surgió en el momento en el texto del Primer Folio cuando se le pide a Mamillius que "cuente un cuento", a lo que el niño responde con "Había un hombre... habitaba junto a un cementerio..."
Según el programa Riverside, la interpretación de McDowell postulaba que estas ocho palabras –la totalidad de "el cuento de invierno"- son nada menos que una profecía sobre Leontes, el padre de Mamillius, quien algún día prácticamente habitaría junto a un cementerio, lamentando el fallecimiento de Hermione y Mamillius (Acto III, Sc. ii. Leontes: "Una vez al día visitaré/La capilla donde yacen, y las lágrimas derramadas allí/Será mi recreación...") – cuyas muertes causa en el posterior Parábola contada por Mamilio. Tanto Hermione como el narrador Mamillius (quien también interpretó el papel de Time en la producción de Riverside) resucita mágicamente al final de la obra, cuando su "triste historia... lo mejor para Winter" llega a su fin, y el propósito de la El cuento del muchacho se ha cumplido. [37]
Durante los ensayos de El cuento de invierno, la compañía quedó prácticamente varada en el teatro durante la tormenta de nieve que azotó la ciudad de Nueva York a mediados de febrero de 1983. El equipo técnico que construyó el decorado tuvo que pasar la noche en el Shakespeare Center , abandonado allí mientras terminaban el escenario elaborado y mágico para la producción. Afortunadamente, la tienda de delicatessen justo afuera del teatro – Barney Greengrass : "el Rey Sturgeon" – estaba abierta al día siguiente y proporcionó al equipo bagels y café por la mañana. El cuento de Shakespeare sobre el invierno resultó ser una producción adecuada para que la compañía de Shakespeare de Nueva York, que opera durante todo el año, pudiera participar mientras la ciudad casi se paralizaba.
Después de la inauguración el 24 de febrero, The Winter's Tale de Riverside se transmitió en WBAI de Nueva York , ante lo cual fue descrita como "Una producción excepcional de uno de los guiones rara vez producidos del Bardo... brillante". [38] En el Shakespeare Bulletin de Nueva York se observó que "la interpretación responsable del texto por parte de Riverside debería hacerles ganar una estatua de Julio Romano que nunca desaparecerá". [39]
Más tarde ese año, la compañía montó La fierecilla domada en 1983, dirigida por Robert Mooney con música de Joseph Church y escenografía de Kevin Lee Allen, con Diane Ciesla y Dan Southern, y Ronald Lew Harris, Eric Hoffmann, Joe Meek y Robert Mooney. . Sobre esta producción, Sy Isenberg del Bulletin of the New York Shakespeare Society escribió:
A esta producción de La fierecilla domada realmente le importa... No puedo pensar en una pieza en la memoria reciente que haya sido tan deliciosamente interpretada. Todo el elenco está muy alerta. Como los amantes principales que no están hechos el uno para el otro, Diane Ciesla y Daniel Southern son deslumbrantes... Las extravagancias posteriores de la pareja son parte de una complicada danza de apareamiento a la vez ingeniosa, payasada y tierna, equilibrada al final entre el ritual y la realidad. En su calidez, elegancia y festividad, esta Kate nos besa a todos. [40]
La siguiente temporada se abrió con una producción teatral completa de The Tempest con Bertram Ross, principal compañero de baile de Martha Graham y codirector de la compañía de danza Graham [41] , como Prospero y con Eric Hoffmann, Ronald Lew Harris y Joe Meek. , Kathleen Bishop, Ellen Cleghorne, Alexander Cook, Herman Petras, John Reese y Laurine Towler como Ariel, dirigida por Robert Mooney, con coreografía de baile de Shela Xoregos, música de Joe Church y decorados de Kevin Lee Allen. Bertram Ross, quien ha sido llamado la "leyenda de la danza y bailarín arquetipo de Graham", utilizó su considerable experiencia y técnica de danza y su voz profunda para crear un Próspero memorable, utilizando movimientos coreografiados por Xoregos, quien moldeó a Próspero y Ariel en un "dúo en movimiento". de forma poética." [42]
En 1984 la compañía presentó una versión moderna con vestido de Julio César , titulada ¡CÉSAR! ambientada en el Washington contemporáneo, dirigida por McDowell, inspirada en entrevistas realizadas con miembros de la compañía de la famosa producción de Broadway de 1937 de Orson Welles, César , [43] con escenario de Kevin Lee Allen, con la subdirectora Maureen Clarke y Jane Badgers, directora de marketing y relaciones públicas. y con música de Michael Canick.
La producción contó con el ganador del premio Obie Harold Scott , [44] y Marya Lowry, con Michael Cook, Andy Achsen, Ronald Lew Harris, Paul Hebron, Sonja Lanzener, Jim Maxson, Joe Meek, Robert Walsh y Herman Petras como César.
La producción resultó inmensamente popular entre el público, ya que situó la obra de Shakespeare en el Washington DC contemporáneo, en un país a punto de convertir a su líder popular en presidente vitalicio. La producción de CAESAR , revisada, fue posteriormente elegida por Samuel H. Scripps para una producción de Broadway en el Virginia Theatre, cuyo estreno estaba previsto para el 50 aniversario de la producción del Mercury Theatre, el 11 de noviembre de 1987. [45]
El lema de la producción quedó reflejado en su cartel:
Es Estados Unidos.
Es 1984.
Es el espectáculo de terror político de nuestros tiempos. [46]
En respuesta a la producción, Sy Syna del New York Tribune escribió: " ¡CÉSAR! De Riverside no sólo es una producción sólida como una roca, sino que es sorprendentemente buena". [47] Al revisar la producción de Riverside, Herbert Mitgang del New York Times escribió:
La famosa producción del Mercury Theatre de Julio César con vestimenta moderna, representada por Orson Welles en 1937, fue diseñada para hacer que el público pensara en los Camisas Negras de Mussolini, y así fue. La animada producción de Riverside Shakespeare Company te hace pensar en ambiciones eternas y antilibertarios en cualquier lugar. [48]
En 1985, la Riverside Shakespeare Company presentó el estreno en Nueva York de La historia del rey Lear , adaptada con final feliz por el poeta laureado inglés del siglo XVIII, Nahum Tate , de El rey Lear de William Shakespeare . La producción fue dirigida por W. Stuart McDowell, producida por Andrew B. Harris, quien se había unido a Riverside como director ejecutivo al comienzo de la temporada.
La producción contó con una partitura original completa para clavecín y orquesta de John Aschenbrenner, peleas coreografiadas por Richard Raether, iluminación de Sam Scripps y una máquina de viento de época entre bastidores. La producción de Riverside mostraba un clavicémbalo a un lado, como entre bastidores, y una máquina de viento al otro, ambos visibles para el público.
La adaptación de Tate de La historia del rey Lear , que restauró la auténtica leyenda del antiguo rey, fue escrita sin un tonto, añadió un confidente y un romance para Cordelia y Edgar, y culminó con el triunfo del bien sobre el mal con la restauración de Lear. al trono con Kent y Gloucester a su lado, y el matrimonio de Cordelia con Edgar.
Al igual que la otra versión inmensamente popular de Tate con "final feliz" de Romeo y Julieta (que fue una parte central de la producción de Nicholas Nickleby de la Royal Shakespeare Company), la adaptación igualmente popular de Tate del Rey Lear de Shakespeare fue la única versión representada del Rey Lear durante más de 150 años. , desde finales del siglo XVII, cuando Tate escribió su adaptación, hasta principios del siglo XIX. [49]
Riverside montó esta pieza histórica en un escenario del siglo XVIII, con trajes de época auténticos de Ellen Seeling en un decorado diseñado por Norbert Kolb. La producción contó con Barbara Tirrell, Frank Muller y Margo Gruber como Goneril, Edmund y Regan, con Eric Hoffmann como Lear, Dan Daily como Kent, Freda Kavanagh como Cordelia, Don Fischer como Edgard y Saunder Finard, Sandra Protor Gray, Buck Hobbs, EF Morrill, Gene Santarelli y Richard Willis. [50]
El crítico del New York City Tribune escribió:
La producción de Riverside Shakespeare de La historia del Rey Lear incluye un escenario inclinado diseñado por Norbert Kolb, magníficos trajes de Ellen Seeling, un tramoyista visible operando la máquina de viento y entregando accesorios, un maestro dirigiendo la animada partitura de John Aschenbrenner compuesta principalmente para clavecín con varias canciones interpoladas, incluida una de Garrick, y toda una panoplia de recursos teatrales del siglo XVIII, incluido un uso histérico de cuadros para abrir y cerrar escenas, y apartes hilarantes , incluido uno en el que Edmund (deliciosamente interpretado por Frank Muller) se esfuerza con uno de las hermanas rivales. ... Las adaptaciones de Shakespeare ocurren en cualquier época. ¡Éste, además de echarle una mirada a Lear , fue tremendamente divertido! [51]
En 1982, Riverside Shakespeare Company inició una serie de giras ampliadas de Free Summer Shakespeare que fueron posibles gracias al patrocinio de Joseph Papp y el New York Shakespeare Festival . Todos estos fueron producidos bajo un contrato Off Broadway con la Actors' Equity Association y, con un marketing más amplio, resultaron extremadamente populares entre el público de estos lugares extendidos.
El primero de ellos fue un recorrido (por doce parques diferentes en cuatro distritos) de la estridente Comedia de errores de Shakespeare , dirigida por Gloria Skurski, con vestuario de Barbara Weiss, en un decorado itinerante diseñado por Dorian Vernacchio. El elenco incluía a Connor Smith y Andrew Achsen, Ronald Lew Harris, Karen Jackson, Dan Johnson, Will Lampe, Erin Lanagan, Trip Plymale, Mel Winkler y Dan Woods. La producción contó con un mago, una bailarina del vientre acompañada por una animada partitura de percusión compuesta e interpretada por Michael Canick, y un estilo de interpretación cómico muy amplio que resultó extremadamente popular entre el público. La noche del estreno, Joseph Papp llegó con una enorme canasta de frutas para agradecer al elenco su actuación a 90 grados de calor. [52]
El verano siguiente, la compañía montó una producción llena de música de Las alegres esposas de Windsor ambientada en la antigua Nueva Orleans posterior a la Guerra Civil y dirigida por Timothy Oman, con Maureen Clarke como asistente de dirección, con música ragtime de Deena Kaye. El elenco contó con Anna Deavere Smith en su debut teatral en Nueva York interpretando a Mistress Quickly como una "mujer vudú cajún" [53] y Joseph Reed como Falstaff, con Douglas Broyles, Dan Daily, Norma Fire, Paul Hebron, Michael Landsman, Sonja Lanzener, Warren Sweeney, Shelly Desai y dirección escénica de Mary Ellen Allison. [54]
En manos de la compositora y teclista Deena Kaye, la producción de Riverside de The Merry Wives of Windsor estuvo a punto de convertirse en un musical en toda regla, con numerosas melodías interpretadas por la banda de ragtime. Según Nan Robertson en The New York Times :
Una banda de ragtime de ocho integrantes y travesuras de Mardi Gras subrayaron la actuación de payasadas, que a veces evocaba la mirada espástica y el acompañamiento musical de ricky-tick de una de las primeras películas mudas de flicker. El elenco está disfrazado de bellas, pretendientes y vagabundos sureños del siglo XIX, siendo el último grupo el de mala reputación, lascivo pero atractivo Falstaff. Durante el intermedio, un cuarteto de bar que cantaba "Una mujer es sólo una mujer, pero un buen cigarro es un humo" derribó la casa. ... Esta es la segunda temporada bajo los auspicios de Joseph Papp. ... La compañía llama ahora a su producción de Las alegres esposas de Windsor una "velada con el bardo de Basin Street". [55]
Clive Barnes , en su primera reseña de una producción de Riverside Shakespeare, escribió en el New York Post :
El Riverside Shakespeare debe su nombre a que inició operaciones en Riverside Park, por lo que fue una especie de regreso a casa para ellos cuando encontré a la compañía en un claro de ese parque justo al lado de la calle 82... La producción es moderna y desenfadada. – el tipo de Shakespeare innovador que prefiere el propio [Joseph] Papp, y apropiado para una luminosa noche de verano, con gente en cuclillas sobre el césped, muchos de ellos disfrutando de un picnic al aire libre. El director Timothy Oman ha situado la obra en Nueva Orleans poco después de la Guerra Civil. La idea funciona bastante bien. La obra está precedida por una especie de fiesta de Mardi Gras, y en el intermedio se nos deleita con algunas canciones de vodevil de la época, incluido un cuarteto de barbería algo extraño. ... Esta es una de las obras de Shakespeare más puramente ridículas, y resiste bien el actual trato gamberro y peón que recibe de estos actores de Riverside. [56]
Para cada una de estas giras de verano patrocinadas por Joseph Papp y el Festival Shakespeare de Nueva York , el tradicional Greenshow realizado antes de cada producción en gira al aire libre, que involucraba a músicos en vivo y todo el elenco a menudo interpretando parodias tipo comedia de la actuación siguiente, se convirtió en el evento festivo. llamada del público al escenario y una parte importante de la tradición interpretativa de Riverside.
El verano siguiente, en 1984, la Riverside Shakespeare Company organizó una gira de verano por los parques de su tercera producción de Romeo y Julieta dirigida por John Clingerman con música de Michael Roth interpretada por el percusionista David Nicholson, coreografía de lucha de Robert Walsh, en un decorado diseñado por Kevin Lee Allen y vestuario de Cecilia A. Frederichs, con Michael Golding, Constance Boardman, Saul Stein, Todd Jamieson y Jeff Shoemaker.
Para esta producción, la compañía consiguió 15.000 dólares de New York Telephone para renovar el escenario móvil que utilizaba el Festival Shakespeare de Nueva York para sus giras por los parques antes de que la NYSF dejara de realizar giras cuatro años antes. [57] Según Newsday :
La unidad de 35 pies (11 m) de largo se asemeja a un vehículo comercial que podría transportar una familia numerosa por todo el país. Se necesitan seis tramoyistas que utilizan un elevador hidráulico y mucho músculo, varias horas para transportar el contenido a la Verona de la juventud enamorada de Shakespeare. ... "Es el atardecer de Shakespeare", dijo W. Stuart McDowell, director artístico del Riverside, "diseñado para representarse con luz natural como era en la época de Shakespeare". [58]
La producción se estrenó en el Bandshell del Central Park de Nueva York ante una audiencia estimada en más de mil personas (según Newsday ). [59] Esta fue la primera vez que Riverside Shakespeare Company se aventuró en el Central Park de Nueva York , el territorio tradicional del Festival Shakespeare de Nueva York. La inauguración el 6 de junio de 1984 vio una "Gala benéfica" organizada por Lucille Lortel , Richard Horner y Lynne Stuart. La noche de apertura, Joseph Papp se unió a W. Stuart McDowell en el escenario de la gira e inauguró la gira por los cinco condados en una ceremonia especial en la que el Sr. Papp comparó la gira de Riverside con las giras anteriores del NYSF:
Son un grupo maravilloso de actores. Y tienen lo necesario para este tipo de cosas: llevan cosas en la espalda... Solíamos hacer tratos con pandillas locales. Una vez lo recuerdo bien. Le dije a este chico que tenía que mudarse porque estaba detrás del escenario. Me dijo: "¡Esto no es detrás del escenario; es la primera base!" [60]
La vieja unidad móvil no pudo soportar los rigores de un recorrido al aire libre de un mes de duración para transportar la "feria de Verona" a los cinco distritos de la ciudad de Nueva York. El segundo fin de semana, la unidad móvil de 35 pies (11 m) de largo dejó caer su eje trasero en la intersección de las calles 42 y 9 mientras el camión cruzaba el centro de Manhattan. La unidad móvil tuvo que retirarse permanentemente, pero la gira continuó con escenografías seleccionadas, como el balcón de Julieta, y la producción continuó presentándose ante audiencias excepcionalmente numerosas en los cinco condados. [58]
En 1985, la compañía montó una versión muy italiana de La fierecilla domada con música de Frank Lindquist, escenografía de Richard Harmon y vestuario de Howard Behar, con Norma Fire, Paul Hebron, Sonja Lanzener, David Adamson, Vincent Niemann. , Gene Santarelli, Laurine Towler, Joseph Reed, Michael Preston y David Carlyon, quien también fue Clown Master. Fue dirigido por Maureen Clarke, quien durante estos años se había desempeñado como entrenadora de texto residente de la empresa. La noche inaugural estuvo lluviosa, una condición que sorprendentemente ocurre con poca frecuencia en las giras de Riverside; La presentación de la noche inaugural se realizó en el santuario principal de la Iglesia Presbiteriana de West Park. Luego, Shrew realizó una gira por los cinco distritos bajo un calor abrasador, atrayendo a un gran público para este animado espectáculo. [61]
Para formar actores, directores y profesores en la interpretación del texto clásico de Shakespeare y sus contemporáneos, la compañía inició su programa de formación profesional, The Riverside School for Shakespeare, en el otoño de 1980, en The Shakespeare Center , dirigido por John Clingerman. .
Las clases de formación actoral fueron ofrecidas por miembros de la compañía con experiencia interpretativa profesional y formación en los clásicos: en verso, combate escénico , movimiento y Commedia dell'arte. Entre el personal docente se encontraban Marya Lowery, Robert Walsh, Maureen Clarke, Eric Hoffmann, Joel Leffert, John Carroll, Robert Mooney, Peter Siiteri, Dan Southern y Timothy Oman. Numerosos invitados especiales ofrecieron talleres, como Raúl Juliá , Barnard Hughes , Roger Rees y Paul Rogers .
La Riverside Shakespeare Company también comenzó a albergar residencias para la formación de actores con verso a cargo de destacadas profesoras de Shakespeare, Cicely Berry (en sus primeros talleres de este tipo en la ciudad de Nueva York) y Patrick Tucker de la Royal Shakespeare Company para capacitar a actores estadounidenses en el uso del Primer Folio de Shakespeare. como piedra angular de la actuación escénica profesional. [62]
Según Backstage :
Iniciada en el otoño de 1980, la Escuela Riverside para Shakespeare se ha ampliado para capacitar a actores en áreas del lenguaje, pensamiento y movimiento del Renacimiento, así como combate escénico y otros estilos de actuación del Renacimiento, enfocándose en la preparación del actor profesional serio para la actuación. de Shakespeare y otros dramas del Renacimiento. El programa de formación de actores de RSC ha sido creado por el director artístico de RSC, W. Stuart McDowell, y por el director del programa, John Clingerman. Los cursos cubrirán la amplitud de la actuación escénica del Renacimiento, ofrecidos por un equipo de instructores con experiencia profesional adquirida a través del trabajo con la única compañía de Shakespeare que actúa durante todo el año en Nueva York [63].
Se ha reconocido (en la Introducción a la primera reedición popular en rústica del Primer Folio de Shakespeare ) que los intensivos talleres de Patrick Tucker producidos por primera vez en Nueva York por la Riverside Shakespeare Company en 1982 condujeron a un resurgimiento del interés por el Primer Folio por parte de actores, profesores y directores en la ciudad de Nueva York, y a un despertar a las posibilidades de interpretar a Shakespeare a partir de guiones clave, lo que eventualmente condujo a la popular reedición de textos en folio que ahora se usan ampliamente en este país. [64]
En octubre de 1983, Riverside Shakespeare Company lanzó The Shakespeare Project , la primera residencia importante de actores de la Royal Shakespeare Company en la ciudad de Nueva York , con Edwin Richfield (de la aclamada The Greeks de RSC ), Heather Canning (de Macbeth de Paul Scofield ) , Christopher Ravenscroft (de Nicholas Nickleby , Jennie Stoller y John Kane de la Royal Shakespeare Company (los dos últimos de la histórica producción de Peter Brook de A Midsummer Night's Dream ), dirigiendo talleres y seminarios e interpretando The Merchant of Venice , Dylan Thomas' Under Milk Wood y el estreno en Nueva York de The Tarnished Phoenix de DH Lawrence , con un comité anfitrión formado por Henry Guettel, Leonard Bernstein, José Ferrer, Helen Hayes, Bernard Hughes, Bernard Jacobs, John V. Lindsay, Joshua Logan y George. Plimpton.
Como dijo Christopher Ravenscroft la noche del estreno de The Shakespeare Project : "Realmente me gustaría decirles a los estadounidenses que ya tienen el talento y la técnica. Todo lo que necesitan es práctica para quitarle el horror a Shakespeare". [sesenta y cinco]
Durante estos años, Riverside Shakespeare Company y The Shakespeare Center obtuvieron el apoyo de numerosos eventos benéficos importantes organizados para la compañía de teatro por Jeremy Irons , Sinéad Cusack , Roger Rees , Nicol Williamson , Andre Gregory , Raúl Juliá , Jim Dale y Tony Award- el nominado Edward Petherbridge , (de Nicholas Nickleby de la Royal Shakespeare Company ) en su espectáculo unipersonal, Acting Natural . A principios de la década de 1980, la junta directiva de Riverside estaba encabezada por Judith Radasch, seguida por Donna Lindsay-Goodwin. El Consejo Asesor de Riverside durante este período incluyó a los estudiosos de Shakespeare Dr. Marvin Rosenberg y Dr. Bernard Beckerman, así como a destacados directores de escena y actores Zoe Caldwell, José Ferrer, Ruth Gordon, Helen Hayes, John Hirsch, Barnard Hughes, Mary Beth Hurt, Raúl Juliá, Garson Kannin, Stacey Keach, Joshua Logan, Mildred Natwick, Trevor Nunn, Roger Rees, Milo O'Shea, Sam Waterston y Joanne Woodward.
En 1985, Helen Hayes apareció en una actuación estelar benéfica para la Riverside Shakespeare Company en A Christmas Carol de Charles Dickens , con Miss Hayes en su regreso a los escenarios de Nueva York como Narradora, con Len Cariou como Scrooge, Bille Brown de la Royal Shakespeare Company, MacIntyre Dixon, Celeste Holm , Raúl Juliá , Mary Elizabeth Mastrantonio , Harold Scott , Carole Shelley y Fritz Weaver , puesta en escena con partitura original para Brass Quintet de W. Stuart McDowell, cantada por el Coro de Niños de la Anglo -American School of Manhattan, y guión original de Bille Brown, en el Symphony Space del Upper Westside de Manhattan.
En 1986 se volvió a montar la popular presentación benéfica de Un cuento de Navidad , nuevamente con Helen Hayes , en el Marquis Theatre de Broadway, con F. Murray Abraham como Scrooge, con Ossie Davis , June Havoc , Rex Smith , Jean Marsh , MacIntyre Dixon, Alec. Baldwin , y el coro de la Escuela Angloamericana, producida por McDowell y dirigida por Robert Small. [66]
W. Stuart McDowell [67] dejó Riverside en 1986 para fundar McDowell/Scripps Productions con el benefactor de las artes, Samuel H. Scripps , y ahora es presidente del Departamento de Teatro, Danza y Películas de la Universidad Estatal de Wright en Dayton, Ohio. Gloria Skurski [68] siguió una carrera en televisión, se unió al personal de CBS News como productora asociada en 1984 y ahora es directora de servicios educativos y de transmisión de PBS ThinkTV de Dayton Ohio.
A partir de 1986, la Riverside Shakespeare Company fue dirigida por Robert Small, seguido por Timothy W. Oman, quien trasladó la compañía al estado permanente fuera de Broadway en Playhouse 91, ubicado en East 91st Street en el Upper Eastside de Manhattan , donde estaba. posteriormente dirigido por Gus Kaikkonen. En su segunda década, hasta su disolución en 1997, la Riverside Shakespeare Company produjo una serie de espectáculos con distinguidos actores y directores como Henderson Forsythe , Beth Fowler , David Edward Jones, Charles Keating , Laurie Kennedy, Robert Sean Leonard , Stephen McHattie , Austin Pendleton y Stuart Vaughan .
Durante su decimoquinto año, la compañía de teatro fue elogiada en la publicación semanal The Nation por producir "las representaciones más confiables de las obras de Shakespeare disponibles regularmente en la ciudad de Nueva York". [69]
En sus veinte años de trabajo como teatro y centro de formación educativa, la Riverside Shakespeare Company presentó más de cien producciones de Equity, beneficios y retransmisiones radiofónicas de obras de Shakespeare, Marlowe, Brecht, Maquiavelo y Shaw, así como estrenos de obras de teatro y Escenario de la Commedia dell'arte. Sus programas educativos brindaron capacitación a cientos de actores, directores, profesores y estudiantes. A lo largo de sus dos décadas, las producciones de Riverside fueron vistas y escuchadas por más de cien mil personas en los cinco distritos de la ciudad de Nueva York.
El 24 de marzo de 2008, se celebró en el Marriott Marquis, en la ciudad de Nueva York, la primera reunión anual de ex actores, directores, compositores y diseñadores de Riverside Shakespeare Company.
En la reunión estuvieron presentes los miembros de la compañía Kevin Lee Allen, Kieron Murphy, Scott Parson, Jim Maxson, Gloria Skurski, Margo Gruber, W. Stuart McDowell, Michael Canick, Andrew Achsen, Herman Petras, Robert Mooney, Eric Hoffmann y Dan Southern ( también conocido como Dan Smith).
También estuvieron presentes Lisa Graham Parson, Pedro Ruiz, Cindy Ratzlaff, Charles Borkas y la fotógrafa Claire McDowell.
