Olafur Eliasson ( islandés : Ólafur Elíasson ; nacido el 5 de febrero de 1967) [1] es un artista islandés-danés conocido por sus instalaciones escultóricas y a gran escala que emplean materiales elementales como la luz, el agua y la temperatura del aire para mejorar la experiencia del espectador.
En 1995, Olafur fundó el Studio Olafur Eliasson en Berlín, un laboratorio de investigación espacial. En 2014, Olafur y su colaborador de toda la vida, el arquitecto alemán Sebastian Behmann, fundaron Studio Other Spaces , una oficina de arquitectura y arte.
Olafur representó a Dinamarca en la 50ª Bienal de Venecia en 2003 y ese mismo año instaló The Weather Project , que ha sido descrito como "un hito en el arte contemporáneo", [2] en el Turbine Hall de la Tate Modern de Londres.
Olafur ha participado en numerosos proyectos públicos, entre ellos la intervención Río Verde , llevada a cabo en varias ciudades entre 1998 y 2001; el Serpentine Gallery Pavilion 2007, Londres, un pabellón temporal diseñado con el arquitecto noruego Kjetil Trædal Thorsen ; y The New York City Waterfalls , encargado por Public Art Fund en 2008. Olafur también creó el trofeo del Premio Breakthrough . Como gran parte de su trabajo, la escultura explora el terreno común entre el arte y la ciencia. Tiene la forma de un toroide , recordando formas naturales que se encuentran desde agujeros negros y galaxias hasta conchas marinas y bobinas de ADN. [3]
Olafur fue profesor en la Universidad de las Artes de Berlín de 2009 a 2014 y profesor adjunto en la Escuela Alle de Bellas Artes y Diseño de Addis Abeba desde 2014. Su estudio tiene su sede en Berlín, Alemania. [4] [5]
Olafur Eliasson nació en Copenhague en 1967, hijo de Elías Hjörleifsson e Ingibjörg Olafsdottir. [6] Sus padres habían emigrado a Copenhague desde Islandia en 1966, su padre para buscar trabajo como cocinero y su madre como costurera. [6] Tenía 8 años cuando sus padres se separaron. [7] Vivía con su madre y su padrastro, un corredor de bolsa. [6] Su padre, entonces artista, regresó a Islandia, donde su familia pasaba los veranos y las vacaciones. [7]
A los 15 años, Olafur tuvo su primera exposición individual donde exhibió dibujos de paisajes y gouaches en una pequeña galería alternativa en Dinamarca. [7] Sin embargo, Olafur consideró su "break-dance" de mediados de la década de 1980 como su primera obra de arte. [8] Con dos amigos de la escuela, formó un grupo que se hacía llamar Harlem Gun Crew y con el que actuó en clubes y salones de baile durante cuatro años, ganando finalmente el campeonato escandinavo. [6]
Olafur estudió en la Real Academia Danesa de Bellas Artes de 1989 a 1995. En 1990, cuando la Real Academia Danesa le concedió un presupuesto de viaje, Olafur se fue a Nueva York, donde comenzó a trabajar como asistente de estudio del artista Christian Eckart en Williamsburg. , Brooklyn , y lectura de textos sobre fenomenología y psicología Gestalt . [9]
Olafur se licenció en la Academia en 1995, después de haberse mudado en 1993 a Colonia durante un año y luego a Berlín, donde desde entonces mantuvo un estudio. [10] Ubicado por primera vez en una antigua estación de trenes de tres pisos justo al lado de Hamburger Bahnhof , [6] [9] el estudio se mudó a una antigua cervecería en Prenzlauer Berg en 2008.
En 1996, Olafur empezó a trabajar con Einar Thorsteinn , un arquitecto y experto en geometría 25 años mayor que él y antiguo amigo de Buckminster Fuller . [11] La primera pieza que crearon, llamada 8900054 , era una cúpula de acero inoxidable de 30 pies (9,1 m) de ancho y 7 pies (2,1 m) de alto, diseñada para ser vista como si estuviera creciendo desde el suelo. Aunque el efecto es una ilusión, a la mente le cuesta creer que la estructura no sea parte de otra mucho más grandiosa que se desarrolla desde lo más profundo de la superficie. El conocimiento de Thorsteinn sobre la geometría y el espacio se ha integrado en la producción artística de Olafur, lo que se ve a menudo en sus trabajos con lámparas geométricas, así como en sus pabellones, túneles y proyectos de cámara oscura. [12]
Para muchos proyectos, el artista trabaja en colaboración con especialistas en diversos campos, entre ellos los arquitectos Thorsteinn y Sebastian Behmann (ambos han sido colaboradores frecuentes, Behmann trabajó en la sede de Kirk Kapital en el fiordo de Vejle en Dinamarca, terminada en 2018), [ 13] autor Svend Åge Madsen ( The Blind Pavilion ), arquitecto paisajista Gunther Vogt ( The Mediated Motion ), teórico de la arquitectura Cedric Price ( Chaque matin je me sens différent, chaque soir je me sens le même ) y arquitecto Kjetil Thorsen (Serpentine Gallery) Pabellón, 2007). [ cita necesaria ] Studio Olafur Eliasson, que el artista fundó como un "laboratorio de investigación espacial", emplea un equipo de arquitectos, ingenieros, artesanos y asistentes (unos 30 miembros en 2008) que trabajan juntos para concebir y construir obras de arte como como instalaciones y esculturas, así como proyectos y encargos de gran envergadura. [14] Olafur está influenciado por Bruce Nauman , [10] así como por James Turrell y Robert Irwin . [15]
Como profesor de la Universidad de las Artes de Berlín , Olafur Eliasson fundó el Instituto de Experimentos Espaciales (Institut für Raumexperimente, IfREX), que abrió sus puertas en el edificio de su estudio en abril de 2009. El Huffington Post nombró a Olafur como uno de los "18 artistas verdes que están creando clima". El cambio y la conservación son una prioridad". [dieciséis]
Nadine Wojcik, después de asistir a la exposición En la vida real en 2019, calificó a Beauty (1993) como una "instalación de agua simple pero poderosa que evoca un arco iris a través de focos". [2] Anna Souter calificó la obra como "un recordatorio de la belleza intensamente frágil del mundo natural y sus elementos. [...] es sencilla y magníficamente bella". [17]
Las primeras obras de Olafur consisten en ventiladores eléctricos oscilantes que cuelgan del techo. El ventilador (1997) oscila hacia adelante y hacia atrás, girando sobre su eje. [18] El ventilador de luz móvil cuádruple (2002-2007) es un móvil giratorio accionado eléctricamente que comprende un reflector y cuatro ventiladores que soplan aire alrededor de la sala de exposición y la escanean con el cono de luz. [19] En una reseña de 2008 de la retrospectiva Take Your Time (en el Museo de Arte Moderno ), Peter Schjeldahl calificó a Ventilator como "una ingeniosa delicadeza de la grandiosidad del derroche espacial del atrio del MOMA".
El proyecto meteorológico se instaló en la Tate Modern de Londres en 2003 como parte de la popular serie Unilever . La instalación llenó el espacio abierto de la Sala de Turbinas de la galería.
Olafur usó humidificadores para crear una fina niebla en el aire a través de una mezcla de azúcar y agua, así como un disco semicircular (reflejado por el espejo del techo para que parezca circular) [20] compuesto por cientos de lámparas monocromáticas que irradiaban luz amarilla. El techo de la sala estaba cubierto con un enorme espejo , en el que los visitantes podían verse a sí mismos como pequeñas sombras negras contra una masa de luz naranja que simbolizaba el sol. [21] Muchos visitantes respondieron a esta exposición acostándose boca arriba y agitando las manos y las piernas. El crítico de arte Brian O'Doherty describió esto como espectadores "ebrios de su propio narcisismo mientras se contemplan elevados al cielo". [22]
El Proyecto Meteorológico tuvo un gran éxito. [15] Abierto durante seis meses, el trabajo supuestamente atrajo a dos millones de visitantes, muchos de los cuales eran visitantes habituales. [6] O'Doherty se mostró positivo sobre el artículo cuando habló con la revista Frieze en 2003, diciendo que era "la primera vez que veía el espacio enormemente deprimente, como un ataúd para un gigante, socializado de una manera efectiva". [22] Richard Dorment del Telegraph elogió su "belleza y poder". [23] Sigue siendo su obra más famosa [6] [4] y ocupó el puesto 11 en una encuesta realizada por The Guardian sobre el mejor arte desde 2000, con Jonathan Jones describiendo a Olafur como "uno de los artistas más importantes del siglo". [24] The Weather Project intentó dar a los espectadores la impresión de que estaban cerca del sol dentro de las nubes, pero en realidad, un gran semicírculo estaba suspendido de un techo de espejo, dando la impresión de que el reflejo era un círculo completo. Los espejos en el techo producían la imagen del espacio de abajo que era visible. El público completó el efecto siendo observado frecuentemente acostado boca arriba, mirando al techo y haciendo diversos movimientos para observar sus reflejos. Esto lo hicieron tanto adultos como niños. [25]
Olafur viene desarrollando diversos experimentos con la densidad atmosférica en espacios expositivos. En Room For One Color (1998), un pasillo iluminado por lámparas de sodio de baja presión , los participantes se encuentran en una habitación llena de luz amarilla monocromática que afecta su percepción de los colores. Otra instalación, 360 grados Room For All Colors (2002), es una escultura de luz redonda donde los participantes pierden el sentido del espacio y la perspectiva, y experimentan ser subsumidos por una luz intensa. [26] La instalación posterior de Olafur, Din blinde passer (Tu pasajero ciego) (2010), encargada por el Museo de Arte Moderno de Arken , es un túnel de 90 metros de largo. Al entrar en el túnel, el visitante se ve rodeado por una densa niebla. Con una visibilidad de sólo 1,5 metros, los visitantes del museo tienen que utilizar otros sentidos además de la vista para orientarse en relación con su entorno. [27] Después de asistir a la exposición En la vida real de 2019 , Souter consideró a Su pasajero ciego una de las mejores obras de Olafur, informando que se sentía "sola en el universo. [...] Pensé que podía ver mis propios iris, parpadeando como un anillo azul frente a mí, y podía escuchar los latidos de mi propio corazón en mis oídos". [17] Para Los sentimientos son hechos , la primera vez que Olafur trabaja con el arquitecto chino Yansong Ma, así como su primera exposición en China, Olafur introduce bancos condensados de niebla producida artificialmente en la galería del Centro Ullens de Arte Contemporáneo , Beijing. Cientos de luces fluorescentes están instaladas en el techo como una cuadrícula de zonas rojas, verdes y azules.
En 1998, Olafur descubrió que la uranina , un polvo no tóxico fácilmente disponible que se utiliza para rastrear fugas en sistemas de plomería, podía teñir ríos enteros de un verde fluorescente enfermizo. Olafur realizó una prueba en el río Spree durante la Bienal de Berlín de 1998 , esparciendo un puñado de pólvora desde un puente cerca de la Isla de los Museos . Comenzó a introducir el tinte ambientalmente seguro en los ríos de Moss, Noruega (1998), Bremen (1998), Los Ángeles (1999), Estocolmo (2000) y Tokio (2001), siempre sin previo aviso. [7] Primero alcanzó prominencia internacional con Green River , que inicialmente hizo que los peatones de Estocolmo se preocuparan de que el agua de la ciudad hubiera estado contaminada. [28]
En el Museo de Arte Moderno de Luisiana de Dinamarca en 2014-2015, Olafur creó una instalación en el lecho de un río. Recopiló rocas naturales, tierra y agua para transformar el espacio de la galería en un paisaje y tituló la pieza “Un lecho de río dentro del museo ”. Olafur captura fenómenos físicos de una manera que parece real y ligeramente artificial, mientras está contenido en un espacio construido que invita a los espectadores a participar. A Riverbed Inside the Museum se convierte en una experiencia inmersiva, utilizando los cinco sentidos, en la que los individuos pueden seguir o alejarse con curiosidad. La libertad existe en ambas acciones, lo que permite al participante descubrir una paradoja o entrar en un vacío, cuestionando su verdadera libertad y voluntad dentro de un sistema diseñado.
En una reseña de la exposición de 2014, Svava Riesto y Henriette Steiner dijeron que Olafur "nos separa del entorno e importa una belleza diferente y tosca"; Describieron la vista del paisaje pedregoso como "meticulosamente enmarcada". Sin embargo, también especularon que Olafur pretendía hacer que los espectadores vieran Luisiana de manera diferente y fracasó, creando una obra que difiere poco de Luisiana: "La pregunta sobre [...] cómo realmente nos hizo ver las cosas de nuevas maneras aún está sin respuesta". [29]
A intervalos regulares, Olafur presenta cuadrículas de fotografías en varios colores, todas tomadas en Islandia. Cada grupo de imágenes se centra en un único tema: volcanes, fuentes termales y cabañas aisladas en la naturaleza. [30] En su primera serie intentó fotografiar todos los puentes de Islandia. Una serie posterior de 1996 documentó las consecuencias de una erupción volcánica bajo el Vatnajökull . A menudo, estas fotografías se toman desde el aire, en un pequeño avión alquilado que tradicionalmente utilizan los cartógrafos. [7] Dispuestas en cuadrícula, las fotografías recuerdan las imágenes repetitivas de los fotógrafos alemanes Bernd y Hilla Becher . [7]
Este proyecto, una instalación luminosa encargada para la Bienal de Venecia por Thyssen-Bornemisza Art Contemporary en colaboración con el arquitecto británico David Adjaye , se mostró del 1 de agosto al 31 de octubre de 2005 en la isla de San Lazzaro en la laguna cerca de Venecia, Italia. Se construyó un pabellón temporal en los terrenos del monasterio para albergar la exhibición, que consiste en una sala cuadrada pintada de negro con una fuente de iluminación: una línea de luz delgada y continua colocada en las cuatro paredes de la sala a la altura de los ojos de los espectadores. , sirviendo como división horizontal entre arriba y abajo. [31] En 2007, el pabellón se trasladó a la isla de Lopud , Croacia, cerca de la ciudad de Dubrovnik . Desde entonces, ha reabierto al público en varias ocasiones. [32] [33] [34]
Olafur recibió el encargo de BMW en 2007 de crear el decimosexto art car para el BMW Art Car Project . Basado en el vehículo conceptual BMW H2R propulsado por hidrógeno [7] , Olafur y su equipo quitaron la carrocería de aleación del automóvil y en su lugar la reemplazaron con una nueva estructura entrelazada de barras y malla de acero reflectantes. Se crearon capas de hielo rociando aproximadamente 530 galones de agua durante un período de varios días sobre la estructura. En exhibición, la escultura congelada brilla desde dentro. Sus expectativas móviles: el proyecto BMW H2R estuvo en exhibición especial en una sala con temperatura controlada en el Museo de Arte Moderno de San Francisco de 2007 a 2008 [35] y en la Pinakothek der Moderne de Munich, en 2008.
Olafur recibió el encargo del Fondo de Arte Público de crear cuatro cascadas artificiales, llamadas The New York City Waterfalls , con una altura de 90 a 120 pies, en el puerto de Nueva York . La instalación se realizó del 26 de junio al 13 de octubre de 2008. Con un costo de 15,5 millones de dólares, fue el proyecto de arte público más caro desde la instalación de The Gates en Central Park por parte de Christo y Jeanne-Claude . [36]
Esta escultura permanente, dedicada el 15 de mayo de 2009, se encuentra en Bard College , Annandale-on-Hudson, Nueva York. La instalación está basada en el parlamento islandés original, Althingi , uno de los primeros foros democráticos del mundo. El artista visualiza el proyecto como un lugar donde estudiantes y visitantes puedan reunirse para relajarse, discutir ideas o discutir. El parlamento de la realidad enfatiza que la negociación debe ser el núcleo de cualquier plan educativo. La isla artificial está rodeada por un lago circular de 30 pies, 24 árboles y pastos silvestres. La isla de 30 m (100 pies) de diámetro está compuesta por un patrón de piso similar a una brújula de piedra azul tallada (basado en líneas de meridianos y cartas de navegación), encima del cual 30 rocas bañadas por el río crean un área de asientos al aire libre para los estudiantes. y el público para reunirse. Se llega a la isla a través de un puente de celosía de acero inoxidable de 20 pies de largo, creando el efecto de que los visitantes están ingresando a un escenario o foro al aire libre. Las ranas se reúnen en esta malla nervuda por la noche, creando una sinfonía agradable.
Para su actual serie de pinturas de experimentos de color , que comenzó en 2009, Olafur comenzó a analizar pigmentos, producción de pintura y aplicación de color para mezclar pintura en el color exacto para cada nanómetro del espectro de luz visible. Este conjunto de trabajos presenta ruedas de colores que se crean en una variedad de espectros. También explora la obra de Caspar David Friedrich . [37] En 2014, Olafur analizó siete pinturas de JMW Turner para crear experimentos de color de Turner , que aíslan y registran el uso de la luz y el color por parte de Turner. [38]
En abril de 2023, su obra Color experiment no. 114 se utilizó como arte de la canción de Peter Gabriel " i/o ", del próximo álbum del mismo nombre.
Olafur diseñó la fachada de Harpa , la nueva sala de conciertos y centro de conferencias de Reykjavík que se completó en 2011. En estrecha colaboración con el equipo de su estudio y Henning Larsen Architects , los diseñadores del edificio, Olafur ha diseñado una fachada única que consta de grandes cuasi Bricks, un módulo apilable de doce caras en acero y vidrio. La fachada reflejará la vida de la ciudad y la luz diferente compuesta por los movimientos del sol y el clima variable. Durante la noche, los ladrillos de vidrio se iluminan con luces LED de diferentes colores. El edificio fue inaugurado el 13 de mayo de 2011 y obtuvo elogios. [39]
La obra de arte de Olafur Su panorama del arco iris consiste en un corredor circular de 150 metros (490 pies) de largo y 3 metros (9,8 pies) de ancho hecho de vidrio en todos los colores del espectro. Tiene un diámetro de 52 metros (171 pies) y está montado sobre columnas de 3,5 metros (11 pies) de altura en la parte superior del techo del ARoS Aarhus Kunstmuseum en Aarhus . Se inauguró en mayo de 2011. Los visitantes pueden caminar por el corredor y tener una vista panorámica de la ciudad. [40] La construcción costó 60 millones de coronas danesas y fue financiada por la fundación Realdania . [41]
La idea de Olafur fue elegida en 2007 entre otras cinco propuestas en un proceso de licitación por un panel de jueces. Por la noche, la obra de arte se ilumina desde el interior mediante focos colocados en el suelo. [ cita necesaria ]
En noviembre de 2013, en la Conferencia Falling Walls , Olafur presentó con Ai Weiwei su colaboración Moon , una plataforma digital abierta que permite a los usuarios dibujar en una réplica de la luna a través de su navegador web. Eliasson presentó la plataforma como "una esfera en la que puedes dejar una huella. No sólo para dejar una huella, sino dejar una huella que te importe. Pide tu deseo, haz tu sueño. Haz algo". Accesible para todos, atrajo a más de 35.000 participantes en las primeras seis semanas. [42] [43]
Del 17 de diciembre de 2014 al 23 de febrero de 2015, Fundación Louis Vuitton , París. Las obras de arte aparecen como una secuencia de acontecimientos a lo largo de un viaje. Al moverse a través de pasillos e instalaciones expansivas, los visitantes se convierten en parte de una coreografía de oscuridad, luz, geometría y reflejos. A lo largo del camino, dispositivos ópticos, maquetas y un meteorito reflejan las investigaciones en curso de Olafur sobre los mecanismos de percepción y la construcción del espacio.
Ice Watch (2014-2018) explora la relación entre la reacción corporal y el arte, así como la sensibilización sobre el cambio climático. Con la instalación de enormes bloques de hielo en varios lugares del mundo (Copenhague en 2014, París en 2015 y Londres en 2018), Olafur responde a las grandes conferencias e informes sobre el Cambio Climático. Con su proyecto iniciado en 2014, transporta doce bloques de hielo desde el fiordo Nuup Kangerlua en Groenlandia hasta las calles de Copenhague. Los bloques de hielo se colocan en forma de círculo. Cada bloque de hielo pesa entre 1,5 y 5 toneladas. [44] [45] En noviembre de 2015, Olafur, junto con el geólogo Minik Rosing, transportaron nuevamente doce enormes bloques de hielo desde Groenlandia a la Place du Panthéon en París. La instalación coincidió con la Conferencia de las Naciones Unidas sobre el Cambio Climático que se celebró en París. La instalación se repitió una vez más en 2018, cuando Olafur dividió un total de treinta bloques de hielo entre dos ubicaciones en Londres: 24 bloques a orillas del museo Tate Modern y 6 bloques antes de la sede de Bloomberg. [44]
Timothy Morton enumera Ice Watch como un ejemplo de cómo el arte puede ayudar a los humanos a comprender su relación con los no humanos en medio de una crisis ecológica, argumentando que "extendió seriamente o fue más allá de los conceptos prefabricados, de una manera amigable y simple, pero profunda". [17] Louise Hornby argumentó que Ice Watch tiene "conmoción" pero también "canaliza el tiempo y el hielo derretido a través de la propia experiencia del espectador [...] El imperativo de observar afirma la agencia central del sujeto que experimenta", lo cual es inadecuado porque el "Los glaciares se derretirán, los veamos o no". [45]
Encargado por Mei y Allan Warburg para la bodega Donum Estate en Sonoma, California, en 2019, el Pabellón Panorama Vertical está construido para acomodar hasta 12 invitados y está inspirado en la historia de los calendarios circulares. El techo del pabellón cuenta con 832 paneles laminados de vidrio reciclado en 24 colores y está sostenido por 12 columnas de acero inoxidable. Desde lejos, sólo se puede ver el dosel de azulejos de vidrio arcoíris translúcido. [46]
En 2005-2007, Olafur y el fabricante de violines clásicos Hans Jóhannsson completaron el trabajo de desarrollo de un nuevo instrumento, con el objetivo de reinterpretar las tradiciones de la fabricación de violines de los siglos XVII y XVIII utilizando la tecnología actual y una estética visual contemporánea. [47]
Por encargo de Louis Vuitton en 2006, se instalaron lámparas tituladas Eye See You en los escaparates navideños de las tiendas Louis Vuitton; una lámpara titulada You See Me se exhibió permanentemente en Louis Vuitton Fifth Avenue, Nueva York. [48] Cada aparato deliberadamente de baja tecnología, de los cuales hay alrededor de 400, está compuesto por una fuente de luz monofrecuencia y un espejo parabólico. [49] Todos los honorarios del proyecto fueron donados a 121Ethiopia.org, una fundación caritativa establecida inicialmente por Olafur y su esposa para renovar un orfanato. [49] Cynthia Zarin de The New Yorker describió Your wave is (2006) como una "obra importante". [6]
En 2007, Olafur desarrolló la escenografía de Fedra , una producción de ópera de la Ópera Estatal de Berlín .
En una reseña de 2008 de la retrospectiva Take Your Time (en el Museo de Arte Moderno ), Peter Schjeldahl describió a Olafur como muy superior a otros "artistas instalacionales que agradaban al público" de su generación; Escribió que la retrospectiva tiene algo de relleno pero también "efectos encantadores y sutilmente desorientadores". Elogió al artista por evitar el activismo político excesivo y las "implicaciones de portento místico" de Matthew Barney . Schjeldahl interpretó que el artista crea conciencia "de las susceptibilidades neurológicas que condicionan todo lo que vemos y podemos pensar que sabemos". [10] En su reseña de la misma retrospectiva, Lauren Weinberg de Time Out elogió Beauty (1993); las obras "inquietantes" como Room for one color y Ventilator de 1997 y las obras que involucran el sentido del olfato, como Moss wall (1994) y Soil quasi bricks (2003). Sostuvo que Moss wall "evoca Escandinavia con más fuerza que las docenas de fotografías de Eliasson de ríos, cuevas y otras características naturales de Islandia, que llenan una sala de la exposición".
Su séptima exposición individual, Volcanes y refugios en la Galería Tanya Bonakdar , trata sobre la naturaleza y específicamente sobre Islandia. En The New York Times , Roberta Smith la elogió como su "[exposición] más libre de trucos en mucho tiempo. El refrescante ambiente de regreso a lo básico es un bienvenido descanso de las complejidades inmersivas de sus recientes entornos que alteran la percepción". [30]
Junto con la firma de arquitectura paisajista Field Operations de James Corner y la firma de arquitectura Diller Scofidio + Renfro , Olafur formó parte del equipo de diseño del parque High Line de Nueva York. [50] Originalmente se suponía que Olafur crearía una obra de arte al aire libre para los Juegos Olímpicos de Verano de 2012 ; sin embargo, su propuesta de proyecto de £1 millón ($1,6 millones) Take A Deep Breath – que implicaba registrar la respiración de las personas [51] – fue rechazada debido a problemas de financiación. [52]
En 2012, Olafur y el ingeniero Frederik Ottesen fundaron Little Sun , una empresa que produce lámparas LED que funcionan con energía solar. [53]
En 2014 se anunció que su obra Kissing Earth , que representa dos globos terráqueos, se colocaría frente a la recién construida estación de tren Rotterdam Centraal en los Países Bajos. Tras las protestas de los residentes de Rotterdam y la preocupación por los costes previstos, el impopular proyecto fue cancelado en 2016. La plaza frente a la estación permaneció vacía. [54]
En octubre de 2019 se informó que el gobierno alemán encargó a Olafur la creación de una "obra de arte paneuropea" para la presidencia alemana del Consejo Europeo en la segunda mitad de 2020. [5]
Laura Cumming otorgó a la encuesta En la vida real cuatro de cinco estrellas, elogiando especialmente a Su pasajero ciego . Encontró parte del arte (como las rocas de hielo de Groenlandia) didácticas, pero aún así escribió: "Cada pieza transmite los extraños extremos de Islandia con todo el poder condensado de un soneto". [55] Anna Souter, sin embargo, expresó una visión tibia de la exposición En la vida real en Hyperallergic , escribiendo que Espacio para un color fue más poderoso en la Galería Nacional de Londres que en la Tate Modern y que Tu sombra incierta (color) (2010) " Parece poco más que un truco visual e inteligente". También informó que algunos en el mundo del arte encuentran inquietante el trabajo de Olafur porque "a la mayoría de la gente le gusta Olafur Eliasson, y a muchos curadores y críticos no les gusta que a la mayoría de la gente le gusten las mismas cosas que a ellos". [17]
El proyecto AR Wunderkammer de Olafur , disponible a través de una aplicación, se utiliza para colocar objetos en el entorno del usuario. Estos objetos incluyen soles ardientes, rocas extraterrestres y animales raros. [56]
Según The Guardian , las obras de Olafur que considera destacadas son Five Dimensional Pavilion (1998), Model room (2003), Sphere (2003), Your Invisible House (2003), The Parliament of Reality (2006–09), the fachadas de Harpa (2005-2011), Your Rainbow Panorama (2006-2011), el Pabellón de la Serpentine Gallery de 2007 , Color Activity House (2010), The Triangular Sky (2013) y Cirkelbroen (2015). [57] Consideró Belleza (1993) y La presencia del pabellón de ausencia (2019) los aspectos más destacados de la exposición 2019-2020 En la vida real . [58]
Olafur tuvo su primera exposición individual con Nicolaus Schafhausen en Colonia en 1993, antes de mudarse a Berlín en 1994. [6] En 1996, Olafur tuvo su primera exposición en los Estados Unidos en la Galería Tanya Bonakdar . El Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA) organizó la primera gran encuesta de Olafur en los Estados Unidos Take Your Time: Olafur Eliasson , de septiembre de 2007 a febrero de 2008. [59] Comisariada por la directora del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago , Madeleine Grynsztejn (entonces Elise S. Haas curadora principal de pintura y escultura en SFMOMA), en estrecha colaboración con el artista, el estudio principal abarcó la carrera del artista entre 1993 y 2007. La exposición incluyó instalaciones específicas para el sitio, entornos inmersivos a gran escala, Escultura independiente, fotografía y encargos especiales vistos a través de una sucesión de salas y pasillos interconectados. El puente tragaluz del museo se convirtió en una instalación titulada Túnel de color unidireccional. [60] Después de su debut en San Francisco, la exposición se embarcó en una gira internacional al Museo de Arte Moderno y PS1. Centro de Arte Contemporáneo , Nueva York, 2008; Museo de Arte de Dallas , Dallas, Texas, 2008-2009; el Museo de Arte Contemporáneo, Chicago , 2009; y el Museo de Arte Contemporáneo de Sydney 2009-2010. [ cita necesaria ]
He has also had major solo exhibitions at, among others, Kunsthaus Bregenz, Musée d’Art Moderne, Paris, and ZKM (Center for Art and Media), Karlsruhe (2001); Schirn Kunsthalle, Frankfurt (2004); Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo (2006); the Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Ishikawa (2009); the Martin-Gropius-Bau, Berlin (2010) and the Langen Foundation, Museum Insel Hombroich, Neuss (2015).[citation needed] Olafur has also appeared in numerous group exhibitions, including the São Paulo Biennial and the Istanbul Biennial (1997), Venice Biennale (1999, 2001 and 2005), and the Carnegie International (1999), Palace of Versailles (2016), The Parliament of Possibilities at Leeum, Samsung Museum of Art (2016-2017).[citation needed]
From July 2019 to through to January 2020, Tate Modern showed the exhibition In real life.[61]
Olafur's work is held in the following permanent collections:
The Spiral Pavilion, conceived in 1999 for the Venice Biennale and today on display at Kunsthalle Bielefeld, brought Olafur Eliasson the Benesse Prize by the Benesse Corporation.[66] In 2004, Olafur won the Nykredit Architecture Prize[67] and the Eckersberg Medal for painting.[68] The following year he was awarded the Prince Eugen Medal for sculpture[69] and in 2006, the Crown Prince Couple's Culture Prize.[70] In 2006, he received the Austrian Frederick Kiesler Prize for Architecture and the Arts.[71] In 2007, he was awarded the first Joan Miró Prize by the Joan Miró Foundation.[72]
En 2010, Olafur recibió el premio Quadriga . Devolvió su premio un año después, después de que se revelara que Vladimir Putin sería reconocido en 2011. [73] En octubre de 2013, fue honrado con el Goslarer Kaiserring . [74] [75] Ese mismo año, Olafur y Henning Larsen Architects recibieron el premio Mies van der Rohe por su sala de conciertos y centro de conferencias Harpa en Reykjavik, Islandia.
En 2014, Olafur recibió el Premio Eugene McDermott en las Artes de 100.000 dólares en el MIT ( Instituto Tecnológico de Massachusetts ). El premio se considera una inversión en el futuro trabajo creativo del destinatario, más que un premio por un proyecto en particular o un logro de toda una vida. El premiado se convierte en artista residente en el MIT, estudiando y enseñando durante un período de tiempo. [76]
Con motivo de una visita de Estado a Alemania en junio de 2013, el presidente de Islandia , Ólafur Ragnar Grímsson , visitó el estudio Olafur Eliasson en Berlín. [77]
La pieza documental del cineasta brasileño Karim Aïnouz , Domingo , [78] filmada a partir de su encuentro con Olafur durante el 17º Festival Videobrasil, tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Río] en 2014, [79] y fue lanzada en DVD en 2015.
En 2003, Olafur se casó con la historiadora de arte danesa Marianne Krogh Jensen, a quien conoció cuando ella fue curadora del Pabellón Danés para la Bienal de Arte de São Paulo de 1997 . [6] Adoptaron a su hijo (en 2003) y a su hija (en 2006) en Addis Abeba , Etiopía. La familia había vivido en una casa diseñada por el arquitecto Andreas Lauritz Clemmensen [80] en Hellerup , cerca de Copenhague, [6] pero Olafur y Jensen ya no están casados. Olafur actualmente vive y trabaja en Berlín. Olafur habla islandés, danés, alemán e inglés. [6] También tiene una media hermana menor llamada Victoria Eliasdottir que es chef. [4]
El 22 de septiembre de 2019, Olafur fue nombrado Embajador de Buena Voluntad por el Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo "para abogar por acciones urgentes sobre el cambio climático y los objetivos de desarrollo sostenible ". [81] En el contexto de su nombramiento, Olafur enfatizó la necesidad de mantener una actitud positiva: "También creo que es importante no perder de vista lo que realmente va bastante bien. Hay motivos para la esperanza. Creo en la esperanza como tal y En general soy una persona positiva. Y si lo piensas bien, nunca ha sido mejor ser una joven africana, por ejemplo". [82]
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