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La Bienal de Arte de São Paulo ( portugués : Bienal de São Paulo ) fue fundada en 1951 y desde entonces se celebra cada dos años. Es la segunda bienal de arte más antigua del mundo [1] después de la Bienal de Venecia (existente desde 1895), que le sirve de modelo.
La Bienal fue fundada por el industrial ítalo-brasileño Ciccillo Matarazzo (1898-1977). Desde 1957, la Bienal de São Paulo se realiza en el pabellón Ciccillo Matarazzo del Parque do Ibirapuera . [2] El pabellón de tres pisos fue diseñado por un equipo dirigido por los arquitectos Oscar Niemeyer y Hélio Uchôa , y ofrece un espacio de exposición de 30.000 m 2 . La Bienal de São Paulo presenta arte contemporáneo brasileño e internacional y es una de las exposiciones de arte a gran escala más importantes de Sudamérica. [3]
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Luego de la finalización de la VI Bienal, se creó la Fundación Bienal de São Paulo para adelantar la exposición, que hasta entonces había sido organizada por el Museo de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP). [4] El pabellón que ocupa la institución -su sede hasta el día de hoy- comenzó a albergar las exposiciones de la Bienal recién a partir de su 4ª edición en 1957.
Desde 1951, se han producido 32 Bienales con la participación de 170 países, más de 16 mil artistas y casi 10 millones de visitantes, posibilitando el contacto directo entre el público brasileño y las artes visuales, teatrales y gráficas, la música, el cine, la arquitectura y otras formas de expresión artística de todo el mundo. La edición de 1998 costó casi 12 millones de dólares y atrajo a casi 400.000 visitantes durante dos meses. [5] La 25ª bienal estaba originalmente programada para 2000, pero se retrasó hasta 2002 después de que el ex presidente de la bienal, Edemar Cid Ferreira, organizara una exposición gigantesca que conmemoraba el 500.º aniversario del descubrimiento de Brasil por los portugueses y se reservara en el pabellón Ciccillo Matarazzo. [6] Ese año, por primera vez, el curador jefe de la bienal fue un extranjero, el alemán Alfons Hug .
El objetivo inicial de la bienal era dar a conocer el arte contemporáneo (principalmente de Europa occidental y Estados Unidos) en Brasil , impulsar el acceso del país a la escena artística actual en otras metrópolis y establecer a São Paulo como un centro de arte internacional. Naturalmente, la bienal siempre sirve para acercar el arte brasileño a los invitados extranjeros.
La primera Bienal fue realizada por el Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM-SP) en un pabellón temporal ubicado en el Belvedere Trianon, en el barrio de la Avenida Paulista. La primera Aparelho cinecromático (1949) de Abraham Palatnik fue inicialmente rechazada por el comité de selección por no encajar en ninguna de las categorías establecidas, aunque posteriormente la obra fue aceptada y concedida una mención honorífica por el jurado internacional.
Conocida como la " Bienal de Guernica ", en referencia a la obra maestra de Pablo Picasso de 1937, la Segunda Bienal es, con diferencia, una de las ediciones más memorables del evento. La 2ª Bienal, que exhibió el doble de obras que la primera edición, se realizó en dos pabellones diseñados para el recién inaugurado Parque Ibirapuera por Oscar Niemeyer (1917-2012): el Pabellón de los Estados (actualmente Pabellón de las Culturas Brasileñas) y el Pabellón de las Naciones ( ahora sede del Museo Afro Brasil). La exposición continuó el año siguiente como parte de las celebraciones del 400 aniversario de São Paulo.
Habiéndose consolidado como un evento importante en el mundo del arte internacional, la 3ª edición de la Bienal contó con la participación de los muralistas mexicanos Diego Rivera , José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros .
En la IV Bienal, muchos artistas brasileños cuestionaron el proceso de selección y la influencia desmesurada de Ciccillo Matarazzo. Esta fue la primera vez que la Bienal se realizó en su actual sede, el Pabellón de la Industria del Parque de Ibirapuera. Esta edición estuvo rodeada de polémica cuando obras de varios nombres destacados del panorama artístico brasileño, como Flávio de Carvalho , fueron rechazadas por el jurado de selección. El expresionista abstracto Jackson Pollock , fallecido el año anterior, fue honrado con una sala especial organizada por la delegación estadounidense, que marcó el apogeo de su renombre internacional.
200.000 visitantes aseguraron el éxito de esta exposición, cuyos aspectos más destacados incluyeron una selección de treinta obras del icono impresionista Vincent van Gogh y una fuerte muestra del tachismo y el arte informal.
Ciccillo Matarazzo deja de ser el principal mecenas de la Bienal y la exposición sufrió su primera crisis financiera. La sexta edición es recordada por su museología y el predominio del neoconcretismo , tipificado por la presencia revolucionaria de los Bichos de Lygia Clark . Además, parte del comité de selección fue elegido por artistas. La Bienal recibió por primera vez en la historia del evento una delegación de la URSS .
La séptima edición estuvo marcada por un número excesivo de obras seleccionadas, lo que, a su vez, creó un escenario ecléctico difícil de entender. Esta fue la primera vez que la Fundação Bienal (fundada en 1962) organizó la exposición, en lugar del Museo de Arte Moderno de São Paulo. El catálogo estaba dedicado a Wanda Svevo, fallecida el año anterior.
La Bienal se encuentra bajo presión política del gobierno con el inicio de la dictadura militar en Brasil . En la ceremonia de premiación, los artistas Maria Bonomi y Sérgio Camargo entregaron al presidente Castelo Branco una moción para la derogación de las detenciones preventivas de Mário Schenberg , Fernando Henrique Cardoso , Florestan Fernandes y Cruz Costa . A pesar de las complicaciones, la exposición es recordada por una sala especial dedicada al Surrealismo y al Arte Fantástico. La famosa Roue de Bicyclette (1913) de Marcel Duchamp se exhibió junto con obras de Max Ernst , Marc Chagall , Joan Miró , Jean Arp , Man Ray , Paul Klee , Paul Delvaux , René Magritte y Francis Picabia .
La “Bienal de Arte Pop” se inauguró bajo un manto de polémica: incluso antes de la inauguración de la exposición, la Policía Federal retiró dos obras por considerarlas “ofensivas” para la Constitución brasileña: el cuadro O presente de Cybèle Varela fue considerado “anti -nacionalista” – la obra fue destruida y el artista casi arrestado por el DOPS – y la serie de Quissak Jr., Meditação sobre a Bandeira Nacional , que infringía leyes que prohibían el libre uso de la bandera. La delegación estadounidense presentó una muestra de Pop Art que incluía a Jasper Johns , Andy Warhol , Roy Lichtenstein y Robert Rauschenberg . Muchas obras resultaron dañadas y la sala estadounidense fue destrozada a los pocos días de iniciada la exposición. A partir de esta exposición, el jurado del premio estuvo compuesto por críticos de arte en lugar de consultores.
Meses después del Acto Institucional n. 5 ( AI-5 ) entró en vigor, anulando efectivamente las libertades personales, el ochenta por ciento de los artistas invitados a la exposición se negaron, en protesta, a participar. La décima edición recibió así el apodo de “Bienal del Boicot”
La polémica rodeó la inauguración de la Bienal con el boicot de los artistas, nuevamente, y el exilio de Mario Pedrosa, quien había sido dirigente de la mayor parte de las ediciones de la primera década de la Bienal, y director de la sexta y séptima ediciones. La selección de artistas brasileños se realizó a partir de una pre-Bienal realizada el año anterior.
Una boca gigante diseñada por Vera Figueiredo "se tragó" a los visitantes de la 12ª Bienal, demostrando la fuerza de las derivaciones neoconcretas . En el segmento Arte y Comunicación se presentaron instalaciones y ambientes que apelaron a todos los sentidos. En sustitución del Comité Técnico de Arte, el Consejo de Arte y Cultura (CAC) desarrolló un nuevo marco de selección y negó la entrada al 90% de las obras brasileñas presentadas. La Representación Brasileña estuvo compuesta por 100 artistas seleccionados a través de jurados regionales (Fortaleza, Salvador, Belo Horizonte, Río de Janeiro, São Paulo, Curitiba). Las obras de Kandinsky , traídas por la Representación francesa, se exhiben por primera vez en Sudamérica.
Ávida de actualización, la llamada "Bienal de Videomakers" trajo a Brasil una precisa selección de videoarte producido por reconocidos artistas de todas partes del mundo, desde Andy Warhol hasta el surcoreano Nam June Paik , cuya instalación TV Garden (1974) sorprendió al público. audiencia brasileña colocando monitores de televisión entre jarrones de palmeras y plantas artificiales.
La primera Bienal sin Ciccillo se definió por cambios significativos: el nombramiento de un Consejo de Arte y Cultura con libertad para desarrollar el programa de exposiciones; entre las nuevas reglas está el requisito de que las Representaciones Nacionales sigan los temas propuestos por la Bienal para la selección de artistas , un modelo inspirado en la Bienal de Venecia. El CAC define tres capítulos para la exposición: Exposiciones Antológicas (en sustitución de las Salas Especiales), Grandes Enfrentamientos y Proposiciones Contemporáneas –esta última compuesta por siete temas: Arqueología Urbana, Recuperación de la Naturaleza, Arte Catastrófico, Videoarte, Poesía Espacial, El Muro como Exhibición de Obras de Arte, Arte No Codificado. Por primera vez en su historia, el Gran Premio "Itamaraty" fue otorgado a un artista latinoamericano, el Grupo argentino CAYC del Centro de Arte y Comunicación de Buenos Aires.
La "Bienal de las Bienales" fue una retrospectiva de las catorce ediciones anteriores y trajo al pabellón obras premiadas a nivel nacional e internacional desde 1951, así como artistas seleccionados por la Asociación Brasileña de Críticos de Arte (ABCA). Por otro lado, fue la primera Bienal que no otorgó ningún premio, estrategia que se mantendría definitivamente en las siguientes ediciones.
El surgimiento del rol de Curador General cambiaría el rumbo de la Bienal. El crítico y ex director del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo (MAC-USP), Walter Zanini, fue el primero en ocupar el cargo, en una edición que suprimió espacios separados para cada país y optó por agrupar las obras. según la "analogía del lenguaje" (técnicas y temas). Esta muestra también marca el fin de los boicots a la Bienal por parte de artistas y el comienzo de la apertura política en Brasil.
Los lenguajes cada vez más comunes en el arte global contemporáneo de la performance , el video, el videotexto, la instalación y el acontecimiento marcan el tono de la 17ª Bienal. Fluxus Street se instaló en la planta baja del pabellón y fue una de las instalaciones más memorables. Incluso incluía una sala con documentación sobre el grupo: registros de Ben Vautier durmiendo, Dick Higgins tocando el piano y Wolf Vostell durante una acción en Nueva York.
Esta edición mostró la creciente tendencia del expresionismo en la pintura contemporánea y contó con una exposición inusual que marcó el debate a lo largo de toda la XVIII Bienal. La curadora, Sheila Leirner , dispuso la mayoría de las obras en tres salas de 100 metros de largo, instalando pinturas una al lado de otra: una exhibición llamada el Gran Lienzo.
Adoptando como tema “Utopía versus Realidad”, lo más destacado de la 19ª Bienal fueron las obras del artista alemán Anselm Kiefer . Marcado por una fuerte presencia de instalaciones y esculturas, el tercer piso del pabellón recibió la escultura monumental Palette mit Flügel (1985), de Kiefer, y la instalación Enquanto flora a borda... (1987), de Tunga , que deslícese desde el techo hasta el suelo en el gran tramo central del pabellón.
La XX Bienal fue concebida por un triunvirato: Carlos von Schmidt, Stella Teixeira de Barros y João Cândido Galvão. Interrumpiendo las propuestas de ediciones pasadas, el equipo retomó la entrega de premios y la organización de las representaciones nacionales en salas separadas. La Representación de Brasil fue considerada una de las más sólidas en mucho tiempo.
Sólo para esta edición la Bienal retomó el sistema de inscripción abierta para artistas de todo el mundo. Al frente del comisariado, João Cândido Galvão repitió su papel de la edición anterior como comisario de las secciones de danza, música y teatro, y cosechó un éxito presentando dos espectáculos inolvidables: Suz/O/Suz , del grupo catalán Fura dels Baus, y O Trilogie Antica: Medeea, Troienele, Electra , de Henrik Ibsen , narrada en latín y griego por la Compañía Nacional de Teatro de Bucarest .
La Bienal cambia su calendario y pasa a realizarse en años pares. Mayor importancia adquiere en esta edición el segmento histórico, cuyo tema, “La ruptura como soporte”, permitió explorar plataformas y poéticas observadas en las obras de Hélio Oiticica , Lygia Clark y Mira Schendel .
Un nuevo récord en el número de representaciones nacionales con 75 países adheridos al tema propuesto por Nelson Aguilar: “La desmaterialización del arte al final del milenio”. En esta ocasión, un Núcleo Histórico con una amplia diversidad de países reunió más de 200 grabados de Francisco de Goya , ilustró la obra póstuma de Jean-Michael Basquiat y presentó 37 pinturas de Edvard Munch .
Conocida como una de las mejores ediciones jamás realizadas, la "Bienal de Antropofagia" estuvo dirigida por Paulo Herkenhoff como curador general y Adriano Pedrosa como curador asociado. El concepto, extraído de las raíces de la cultura brasileña, impregnó el trabajo de los 76 curadores involucrados en la exposición, así como también fue el resultado de poderosas exposiciones individuales dedicadas a cada una de las 53 Representaciones Nacionales. Los curadores trabajaron con la idea de contaminación y pusieron en diálogo obras brasileñas contemporáneas con obras del Núcleo Histórico.
La bienal de 1998 aclamó específicamente una nueva perspectiva de la historia del arte a través de una lente brasileña. Introdujo un enfoque curatorial novedoso relevante para la era de la globalización poscolonial. La exposición utilizó el concepto brasileño de antropofagia como marco teórico y metodología práctica. Este enfoque fomentó la "contaminación" y la "canibalización" de narrativas históricas del arte establecidas, junto con una comprensión más amplia del papel educativo de la exposición en la integración del arte, la cultura y la historia política. [8]
Centrada en el tema “Iconografías metropolitanas”, la 25ª Bienal se ha hecho famosa por la fuerte presencia de artistas brasileños del eje São Paulo/Río de Janeiro. El nombramiento del primer comisario extranjero, el alemán Alfons Hug , suscitó polémica. Sin embargo, el salón obtuvo excelentes críticas y batió récords de asistencia, con 668.428 visitantes.
Durante el evento, el título del pabellón nacional de Taiwán fue cambiado durante la noche y pasó a ser "Museo de Bellas Artes, Taipei". Se reveló que esto había sido causado por el gobierno chino, que había amenazado con retirar a sus propios artistas del evento. En protesta, Chien-Chi Chang , el artista elegido para representar a Taiwán en la Bienal, cerró su instalación. El grupo austriaco Monochrom , que dirigía el pabellón vecino, invitó a otros artistas a donar letras de los títulos de sus propios países para recrear la palabra "Taiwán". Aunque tuvieron éxito, esto también fue eliminado. [9] [10]
Este fue el primer año de la política de entrada gratuita, que se aplicaría a todas las ediciones posteriores. Con el tema “Territorio Libre”, la 26ª Bienal introdujo en el panorama artístico a una nueva generación, como Cabelo, Chelpa Ferro y Laura Vinci, entre otros. Una vez más, la exposición demostró su carácter altamente contemporáneo al presentar obras en su mayoría producidas entre 2002 y 2004. Al menos un tercio de las obras en la muestra eran proyectos site-specific, desarrollados específicamente para el Pabellón de la Bienal.
El tema “Cómo vivir juntos” –título de una serie de seminarios impartidos por Roland Barthes en los años 1970– sirvió de guía a la curadora Lisette Lagnado. La edición estuvo marcada por la extinción de las Representaciones Nacionales –la selección de artistas quedó a criterio de los curadores de las Bienales– y por la reivindicación de que el arte es un lenguaje transnacional. Constituyendo una innovación fundamental para la exposición, los proyectos curatoriales serían elegidos a partir de entonces mediante un proceso de selección realizado por un comité internacional de críticos y curadores.
Repensando el propósito y dirección de la exposición, la 28ª Bienal – “In Living Contact” llevó a cabo una propuesta radical al mantener el segundo piso del pabellón completamente vacío, a modo de Open Plan – metáfora de la crisis conceptual que viven los sistemas bienales tradicionales. que enfrentan las instituciones que los organizan. El episodio destacable de esa edición fueron los graffitis en las barandillas del pabellón, que dieron lugar a una discusión en el medio artístico sobre el arte urbano.
Impulsada por un nuevo impulso impulsado por una nueva junta directiva comprometida con la renovación de la institución, la Bienal inauguró su 29ª edición con un proyecto educativo permanente y una amplia programación paralela. Privilegiando las obras de orientación política, la curaduría de Agnaldo Farias y Moacir dos Anjos realizó cerca de 400 actividades en los seis espacios conceptuales titulados Terreiros, y tuvo como tema un verso de Jorge de Lima : “Siempre hay un vaso de mar para navegar”. Bandeira branca (2010), de Nuno Ramos, generó polémica por sus buitres vivos volando en el tramo central del pabellón acompañados de un montaje de sonidos de la tradición popular nacional.
Titulada “La inminencia de la poética”, esta edición de la Bienal adoptó la constelación como metáfora y estableció interconexiones discursivas entre pasado y presente; centro y periferia; Objeto y lenguaje. Con una gran cantidad de obras de cada artista, la exposición se centró en artistas latinoamericanos y rindió homenaje a Arthur Bispo do Rosário y Waldemar Cordeiro . El proyecto Mobile Radio instaló una estación de radio en el entresuelo del pabellón que transmitió durante todo el período de la exposición. La Bienal contó con el mayor corpus de obras de Alair Gomes jamás expuesto, el portafolio completo People of the XXth Century de August Sander y por primera vez en América todo el Alphabet Bété de Frédéric Bruly-Bouabré, entre los 119 artistas representados en el Matarazzo. Pabellón y otras instituciones en toda la ciudad de São Paulo.
Las obras de esta edición –tituladas “Cómo (…) cosas que no existen”- fueron diseñadas dentro del concepto de "proyecto", muchas de ellas realizadas en colaboración entre dos o más personas -artistas y profesionales de otras disciplinas, como como profesores, sociólogos, arquitectos o escritores. Atrevida, la exposición se estableció como profundamente conectada con algunos temas centrales de la vida contemporánea: identidad, sexualidad y trascendencia.
La 32ª Bienal – “Vive la Incertidumbre” se propuso como objetivo observar las nociones de incertidumbre y las estrategias que ofrece el arte contemporáneo para abrazarla o habitarla. Artistas consagrados como Öyvind Fahlström, Sonia Andrade , Lourdes Castro y Víctor Grippo fueron vistos junto a artistas jóvenes, la mayoría de los cuales eran mujeres. Cabe destacar también que esta edición fue la que presentó mayor número de obras de arte encargadas en la historia de la exposición. Los curadores viajaron a cuatro ciudades para realizar las Jornadas de Estudio ( Accra , en Ghana, Lamas , en Perú, Santiago , en Chile, y Cuiabá , en Brasil), y también sostuvieron un último encuentro en São Paulo. Concebido como una obra de arte de Jorge Menna Barreto, el restaurante de la exposición despliega nociones sobre las relaciones entre los hábitos alimentarios humanos y el medio ambiente, el paisaje, el clima y la vida en la Tierra.
La 33ª Bienal – “Afinidades afectivas” se celebró del 7 de septiembre al 9 de diciembre. Según el curador general, Gabriel Pérez-Barreiro, este tema se inspiró tanto en la novela Afinidades electivas de Johann Wolfgang Goethe como en la tesis del crítico de arte brasileño Mário Pedrosa tituló "Sobre la afectividad de la forma en la obra de arte". [11]
Debido a la pandemia de COVID-19 , la mayoría de los eventos de este año se pospusieron del 4 de septiembre al 5 de diciembre de 2021, [7] y las futuras Bienales se realizarán en años impares. El tema es "Aunque está oscuro, todavía canto".
La Bienal de São Paulo 2023 buscó abordar y cuestionar el activismo, las culturas reprimidas y la historia del arte de América del Sur. [12]
23°35′17″S 46°39′14″O / 23.5880°S 46.6538°W / -23.5880; -46.6538