Mulholland Drive (estilizada como Mulholland Dr. ) es una película de misterio surrealista de 2001 escrita y dirigida por David Lynch , y protagonizada por Naomi Watts , Laura Harring , Justin Theroux , Ann Miller , Mark Pellegrino y Robert Forster . Cuenta la historia de una aspirante a actriz llamada Betty Elms (Watts), recién llegada a Los Ángeles , que conoce y se hace amiga de unamujer amnésica (Harring) que se recupera de un accidente automovilístico. La historia sigue varias otras viñetas y personajes, incluido un director de cine de Hollywood (Theroux).
La coproducción franco-estadounidense se concibió originalmente como un piloto de televisión , y una gran parte de la película se rodó en 1999 con el plan de Lynch de mantenerla abierta para una posible serie. Sin embargo, después de ver el corte de Lynch, los ejecutivos de televisión lo rechazaron. Lynch luego proporcionó un final al proyecto, convirtiéndolo en un largometraje . El resultado mitad piloto, mitad largometraje, junto con el estilo surrealista característico de Lynch, ha dejado el significado general de los acontecimientos de la película abierto a la interpretación. Lynch se ha negado a ofrecer una explicación de sus intenciones para la narrativa, dejando al público, a los críticos y a los miembros del reparto especulando sobre lo que sucederá. Le dio a la película el lema "Una historia de amor en la ciudad de los sueños".
Mulholland Drive le valió a Lynch el Prix de la mise en scène (Premio al Mejor Director) en el Festival de Cine de Cannes de 2001 , compartiendo el premio con Joel Coen por El hombre que no estaba allí . Lynch también obtuvo una nominación al Premio de la Academia como Mejor Director . La película impulsó considerablemente el perfil de Watts en Hollywood y fue el último largometraje protagonizado por la veterana actriz de Hollywood Ann Miller .
Mulholland Drive a menudo se considera una de las mejores obras de Lynch y una de las mejores películas de todos los tiempos . Ocupó el octavo lugar en la encuesta de críticos de Sight & Sound de 2022 sobre las mejores películas jamás realizadas y encabezó una encuesta de la BBC de 2016 sobre las mejores películas desde 2000.
Herido y aturdido, el único superviviente de un accidente automovilístico en Mulholland Drive , una carretera sinuosa en lo alto de Hollywood Hills , camina hacia Los Ángeles y se cuela en un apartamento. La aspirante a actriz Betty Elms llega al apartamento, normalmente ocupado por su tía Ruth. Se sorprende al encontrar a la mujer, que tiene amnesia y se hace llamar "Rita" después de ver un cartel de la película Gilda protagonizada por Rita Hayworth . En el bolso de Rita, Betty encuentra una gran cantidad de dinero en efectivo y una distintiva llave azul.
En el restaurante Winkie, un hombre le cuenta a otro sobre una pesadilla en la que se encuentra con una figura horrible detrás del restaurante. Cuando investigan, aparece la figura y el hombre se desploma. Los mafiosos insisten en que el director Adam Kesher elija a la actriz desconocida Camilla Rhodes para el papel principal de su película. Él se niega y regresa a casa para encontrar a su esposa Lorraine engañándolo. Los mafiosos le retiran su línea de crédito y Adam conoce a un vaquero, que le insta a elegir a Camilla por su propio bien. Un sicario torpe intenta robar un libro de números de teléfono y deja tres personas muertas.
Betty y Rita son atendidas en Winkie's por la camarera Diane, lo que hace que Rita recuerde el nombre "Diane Selwyn". Al encontrar a Diane Selwyn en la guía telefónica, llaman pero no hay respuesta. La audición de Betty es muy elogiada y un agente de casting la lleva al estudio de sonido de Adam, donde él dirige The Sylvia North Story . Camilla canta " I've Told Every Little Star ", Adam capitula ante la mafia eligiéndola. Betty mira fijamente a Adam pero huye sin encontrarse con él. Betty y Rita van al apartamento de Diane Selwyn, donde un vecino abre la puerta diciendo que ella y Diane cambiaron de apartamento. En el apartamento del vecino encuentran a una mujer que lleva varios días muerta. De vuelta en el apartamento de Betty, Rita se disfraza con una peluca rubia y ella y Betty tienen relaciones sexuales.
Rita se despierta a las 2 de la madrugada e insiste en que vayan al teatro Club Silencio. El maestro de ceremonias explica en diferentes idiomas que todo es una ilusión; Rebekah Del Rio comienza la canción " Crying " en español, luego se derrumba mientras su voz continúa en reproducción . Betty encuentra una caja azul en su bolso que coincide con la llave de Rita. De regreso al apartamento, Rita recupera la llave y descubre que Betty ha desaparecido. Rita abre la caja y cae al suelo. La tía Ruth entra a la habitación y no encuentra a nadie allí.
Diane Selwyn se despierta en su cama en el apartamento que Betty y Rita investigaron. Su vecina dice que dos policías la están buscando. Se parece exactamente a Betty, pero es una actriz en apuros y en una profunda depresión debido a su fallido romance con Camilla Rhodes, quien es una actriz exitosa y se parece exactamente a Rita. Por invitación de Camilla, Diane asiste a una fiesta en la casa de Adam en Mulholland Drive. Diane dice que llegó a Hollywood desde Canadá después de que su tía muriera y le dejara algo de dinero, y que conoció a Camilla en una audición para The Sylvia North Story . Una mujer, que se parece a "Camilla Rhodes" que audicionó para Adam, besa a Camilla y se giran y miran a Diane. Adam y Camilla se preparan para anunciar su compromiso, pero se disuelven en risas y se besan mientras Diane observa con los ojos llorosos.
Diane se encuentra con el sicario en Winkie's y lo contrata para matar a Camilla. Él dice que encontrará una llave azul cuando se complete el trabajo. La figura del sueño del hombre tiene el recuadro azul a juego. En su apartamento, Diane mira la llave azul sobre su mesa de café mientras alguien llama a la puerta. Aterrorizada por alucinaciones, corre gritando a su cama y se pega un tiro. Una mujer de cabello azul en el teatro susurra "Silencio".
En el lanzamiento del DVD original se incluye una tarjeta titulada "Las 10 pistas de David Lynch para desbloquear este thriller". Las pistas son:
- Preste especial atención al comienzo de la película: al menos dos pistas se revelan antes de los créditos.
- Observe las apariencias de la pantalla roja.
- ¿Puedes oír el título de la película para la que Adam Kesher está audicionando actrices? ¿Se menciona nuevamente?
- Un accidente es un acontecimiento terrible; observe el lugar del accidente.
- ¿Quién da una clave y por qué?
- Observe la bata, el cenicero, la taza de café.
- ¿Qué se siente, se realiza y se recoge en el Club Silencio?
- ¿El talento por sí solo ayudó a Camilla?
- Tenga en cuenta los sucesos que rodean al hombre detrás de Winkie's.
- ¿Dónde está la tía Ruth?
Inserto de la edición de DVD de 2002 [10]
Al darle a la película sólo el lema "Una historia de amor en la ciudad de los sueños", [11] David Lynch se ha negado a comentar sobre el significado o simbolismo de Mulholland Drive , lo que generó mucha discusión y múltiples interpretaciones. El crítico de cine de Christian Science Monitor, David Sterritt, habló con Lynch después de la proyección de la película en Cannes y escribió que el director "insistió en que Mulholland Drive cuenta una historia coherente y comprensible", a diferencia de algunas de las películas anteriores de Lynch como Lost Highway . [12] Por otro lado, Justin Theroux dijo sobre los sentimientos de Lynch sobre los múltiples significados que la gente percibe en la película: "Creo que está realmente feliz de que signifique lo que quieras. Le encanta cuando a la gente se le ocurren interpretaciones realmente extrañas. David trabaja desde su subconsciente." [13] La película fue descrita como neo-noir . [14] [15] [16] [17]
Una interpretación temprana de la película utiliza el análisis de los sueños para argumentar que la primera parte es un sueño de la verdadera Diane Selwyn, quien ha presentado su yo onírico como la inocente y esperanzada "Betty Elms", reconstruyendo su historia y su personalidad en algo así como una vieja película de Hollywood. En el sueño, Betty tiene éxito, es encantadora y vive la vida de fantasía de una futura actriz famosa. La última quinta parte de la película presenta la vida real de Diane, en la que ha fracasado tanto personal como profesionalmente. Ella organiza el asesinato de Camilla, una ex amante, y, incapaz de afrontar la culpa, la reimagina como la dependiente y maleable Rita, amnésica. Sin embargo, las pistas de su inevitable desaparición siguen apareciendo a lo largo de su sueño. [18]
Esta interpretación fue similar a la que interpretó Naomi Watts cuando dijo en una entrevista: "Pensé que Diane era el personaje real y que Betty era la persona que quería ser y había soñado. Rita es la damisela en apuros y está en absoluta libertad". "Necesita a Betty, y Betty la controla como si fuera una muñeca. Rita es la fantasía de Betty de quién quiere que Camilla sea". [19] Las primeras experiencias de Watts en Hollywood son paralelas a las de Diane. Soportó cierta frustración profesional antes de tener éxito, audicionó para papeles en los que no creía y se encontró con personas que no aprovecharon las oportunidades. Ella recordó: "Hubo muchas promesas, pero en realidad no se cumplió nada. Me quedé sin dinero y me sentí bastante sola". [20] Michael Wilmington del Chicago Tribune descubrió que "todo en 'Mulholland Drive' es una pesadilla. Es un retrato del sueño dorado de Hollywood volviéndose rancio, cuajando en un guiso venenoso de odio, envidia, compromisos sórdidos y fracasos que matan el alma. "Esta es la parte más vulnerable de nuestras fantasías glamorosas, y el área que Lynch muestra aquí está retratada de manera realista". [21]
The Guardian preguntó a seis críticos de cine conocidos sobre su propia percepción del significado general de Mulholland Drive . Neil Roberts de The Sun y Tom Charity de Time Out suscriben la teoría de que Betty es la proyección de Diane de una vida más feliz. Roger Ebert y Jonathan Ross parecen aceptar esta interpretación, pero ambos dudan en analizar demasiado la película. Ebert afirma: "No hay explicación. Puede que ni siquiera haya un misterio". Ross observa que hay historias que no llevan a ninguna parte: "Tal vez estos fueron restos del piloto que originalmente se pretendía que fuera, o tal vez estas cosas son las inconsciencias y el subconsciente de los sueños". [22] Philip French de The Observer lo ve como una alusión a la tragedia de Hollywood, mientras que Jane Douglas de la BBC rechaza la teoría de que la vida de Betty es el sueño de Diane, pero también advierte contra un análisis excesivo. [22]
La teórica de los medios Siobhan Lyons tampoco está de acuerdo con la teoría de los sueños, argumentando que es una "interpretación superficial [que] socava la fuerza del absurdo de la realidad que a menudo tiene lugar en el universo de Lynch". [23] En cambio, Lyons postula que Betty y Diane son, de hecho, dos personas diferentes que parecen similares, un motivo común entre las estrellas de Hollywood. En una interpretación similar, Betty, Rita, Diane y Camilla pueden existir en universos paralelos que a veces se interconectan. Otra teoría ofrecida es que la narrativa es una tira de Möbius , una banda retorcida que no tiene principio ni fin . [24] También se sugirió que toda la película tiene lugar en un sueño, pero se desconoce la identidad del soñador. [25] Las repetidas referencias a las camas, los dormitorios y el sueño simbolizan la fuerte influencia de los sueños. Rita se queda dormida varias veces; Entre estos episodios, tienen lugar escenas desconectadas, como la de los hombres conversando en Winkie's, la llegada de Betty a Los Ángeles y el golpe fallido, lo que sugiere que Rita puede estar soñando con ellos. El primer plano de la película se acerca a una cama que contiene a un durmiente desconocido, lo que inculca, según la estudiosa del cine Ruth Perlmutter, la necesidad de cuestionar la realidad de los acontecimientos siguientes. [26] La profesora de estudios de los sueños Kelly Bulkeley sostiene que la escena inicial en el restaurante, como la única en la que se mencionan explícitamente los sueños o los sueños, ilustra "la verdad reveladora y la incertidumbre epistemológica en la película de Lynch". [27] El ser monstruoso del sueño, que es el tema de conversación de los hombres en Winkie's, reaparece al final de la película justo antes y después de que Diane se suicide. Bulkeley afirma que la única discusión sobre los sueños en esa escena presenta una apertura a "una nueva forma de entender todo lo que sucede en la película". [27]
El filósofo y teórico del cine Robert Sinnerbrink señala de manera similar que las imágenes que siguen al aparente suicidio de Diane socavan la interpretación de "sueño y realidad". Después de que Diane se dispara, la cama se consume en humo, y se muestra a Betty y Rita sonriéndose la una a la otra, después de lo cual una mujer en el balcón del Club Silencio susurra " Silencio " mientras la pantalla se vuelve negra. Sinnerbrink escribe que "las imágenes finales flotan en una zona indeterminada entre la fantasía y la realidad, que es quizás la dimensión genuinamente metafísica de la imagen cinematográfica", señalando también que podría ser que la "última secuencia comprenda las imágenes de fantasía de la conciencia moribunda de Diane, concluyendo con el momento real de su muerte: el Silencio final ". [28] Refiriéndose a la misma secuencia, el teórico del cine Andrew Hageman señala que "la coda noventa segundos que sigue al suicidio de Betty/Diane es un espacio cinematográfico que persiste después de que ha caído el telón sobre su conciencia viva, y este espacio persistente es el mismo teatro donde continuamente se desenmascara la ilusión de la ilusión". [29]
El teórico del cine David Roche escribe que las películas de Lynch no cuentan simplemente historias de detectives , sino que obligan al público a asumir el papel de detectives para dar sentido a las narrativas, y que Mulholland Drive , como otras películas de Lynch, frustra "la necesidad del espectador de una diégesis racional jugando con el error del espectador de que narración es sinónimo de diégesis". En las películas de Lynch, el espectador está siempre "un paso por detrás de la narración" y por tanto "la narración prevalece sobre la diégesis". [30] Roche también señala que hay múltiples misterios en la película que finalmente quedan sin respuesta por parte de los personajes que encuentran callejones sin salida, como Betty y Rita, o ceden a las presiones como lo hace Adam. Aunque el público todavía lucha por encontrarle sentido a las historias, los personajes ya no intentan resolver sus misterios. Roche concluye que Mulholland Drive es una película de misterio no porque permita al público ver la solución a una pregunta, sino porque la película en sí es un misterio que se mantiene unido "por el deseo del espectador-detective de encontrarle sentido". [30]
A pesar de la proliferación de teorías, los críticos señalan que ninguna explicación satisface todos los cabos sueltos y las preguntas que surgen de la película. Stephen Holden de The New York Times escribe: " Mulholland Drive tiene poco que ver con la vida amorosa o la ambición profesional de un solo personaje. La película es una reflexión cada vez más profunda sobre el encanto de Hollywood y sobre los múltiples juegos de roles y la autoinvención. que promete la experiencia de ir al cine... ¿Qué mayor poder hay que el poder de entrar y programar la vida onírica de la cultura?" [5] J. Hoberman de The Village Voice se hace eco de este sentimiento al llamarlo un "San Valentín venenoso para Hollywood". [31]
Mulholland Drive ha sido comparado con el clásico del cine negro de Billy Wilder Sunset Boulevard (1950), otra historia sobre sueños rotos en Hollywood, [11] [32] [33] y al principio de la película se muestra a Rita cruzando Sunset Boulevard por la noche. Además de que ambos títulos llevan el nombre de calles emblemáticas de Los Ángeles, Mulholland Drive es "el relato único de Lynch sobre lo que también llamó la atención de Wilder: la putrefacción humana (un término que Lynch utilizó varias veces durante su conferencia de prensa en el Festival de Cine de Nueva York de 2001) en una ciudad". de ilusiones letales". [34] El título de la película es una referencia a la cultura icónica de Hollywood. Lynch vive cerca de Mulholland Drive y declaró en una entrevista: "Por la noche, viajas en la cima del mundo. Durante el día, también viajas en la cima del mundo, pero es misterioso y hay un poco de miedo porque "Va a zonas remotas. En ese camino se siente la historia de Hollywood". [11] Watts también tenía experiencia con la carretera antes de que se estableciera su carrera: "Recuerdo haber conducido por la calle muchas veces sollozando con todo mi corazón en mi auto, diciendo: '¿Qué estoy haciendo aquí? ' " [ 35 ]
El crítico Gregory Weight advierte a los espectadores contra una interpretación cínica de los acontecimientos de la película, afirmando que Lynch presenta más que "la fachada y que cree que sólo el mal y el engaño se esconden debajo de ella". [36] Por mucho que Lynch haga una declaración sobre el engaño, la manipulación y las falsas pretensiones en la cultura de Hollywood, también infunde nostalgia a lo largo de la película y reconoce que el arte real proviene del cine clásico, ya que Lynch rinde homenaje a los actores veteranos Ann Miller . Lee Grant y Chad Everett . También retrata a Betty como una persona extraordinariamente talentosa y muestra que las personas poderosas de la industria del entretenimiento notan sus habilidades. [36] Al comentar sobre las posiciones contrastantes entre la nostalgia cinematográfica y la putrefacción de Hollywood, Steven Dillon escribe que Mulholland Drive es tanto una crítica de la cultura de Hollywood como una condena de la " cinefilia " (la fascinación por el cine y las fantasías asociadas con eso). [37]
Harring describió su interpretación después de ver la película: "Cuando la vi por primera vez, pensé que era la historia de los sueños, la ilusión y la obsesión de Hollywood. Toca la idea de que nada es lo que parece, especialmente la idea de ser una estrella de cine de Hollywood. La segunda y tercera vez que lo vi, pensé que trataba sobre la identidad. ¿Sabemos quiénes somos? Y luego seguí viendo cosas diferentes en él... No hay nada bueno o malo en lo que alguien nos quita de ella o de qué creen que se trata realmente la película. Es una película que te hace reflexionar continuamente, te hace hacer preguntas. He escuchado una y otra vez, 'Esta es una película que volveré a ver' o 'Esta es Una película que tienes que ver de nuevo. Te intriga. Quieres conseguirla, pero no creo que sea una película que debas conseguir. Ha logrado su objetivo si te hace hacer preguntas". [38]
Las relaciones entre Betty y Rita, y Diane y Camilla han sido descritas de diversas formas como "conmovedoras", "conmovedoras" y "excitantes". El crítico francés Thierry Jousse, en su reseña para Cahiers du cinéma , afirmó que el amor entre las mujeres retratadas es "de un lirismo prácticamente sin igual en el cine contemporáneo". [39] En las páginas de Film Comment , Phillip Lopate afirma que el interludio romántico fundamental entre Betty y Rita se volvió conmovedor y tierno porque Betty "comprendió por primera vez, con sorpresa propia, que toda su ayuda y curiosidad por el otro "La mujer tenía razón: el deseo... Es un momento hermoso, hecho aún más milagroso por su ternura ganada y su distancia de todo lo escabroso". [25] Stephanie Zacharek de la revista Salon declaró que el "erotismo [era] de la escena tan potente que cubre toda la película, coloreando cada escena anterior y cada una de las siguientes". [40] Betty y Rita fueron elegidas por el Independent Film Channel como la pareja romántica emblemática de la década de 2000. El escritor Charles Taylor dijo: "Betty y Rita a menudo aparecen encuadradas en una oscuridad tan suave y aterciopelada que es como un nimbo flotante , lista para tragárselas si despiertan del sueño de la película. Y cuando son tragadas, cuando el humo llena el encuadre como si el El azufre del mismo infierno oscurecía nuestra visión, sentimos como si no sólo se hubiera roto un romance, sino que la belleza del mundo hubiera sido maldecida". [41]
Algunos teóricos del cine han argumentado que Lynch inserta lo queer en el contenido estético y temático de la película. La película no lineal es "incapaz de mantener la coherencia narrativa", como sostiene Lee Wallace: "el lesbianismo disuelve las convenciones ideológicas del realismo narrativo, operando como el punto de cambio para los mundos narrativos en disputa dentro de la película elaboradamente tramada de Lynch". [42] La presencia de espejos y dobles a lo largo de la película "son representaciones comunes del deseo lésbico". [16] La codependencia en la relación entre Betty y Rita, que roza la obsesión absoluta, se ha comparado con las relaciones femeninas en dos películas similares, Persona (1966) de Ingmar Bergman y 3 mujeres (1977) de Robert Altman . ), que también representan identidades de mujeres vulnerables que se enredan, se intercambian y finalmente se fusionan: "Las parejas femeninas también se reflejan entre sí, con sus interacciones mutuas combinando el culto al héroe con el deseo entre personas del mismo sexo". [43] Lynch rinde homenaje directo a Persona en la escena en la que Rita se pone la peluca rubia, diseñada exactamente como el cabello de Betty. Luego, Rita y Betty se miran en el espejo "llamando la atención sobre su similitud física, vinculando la secuencia con el tema del abrazo, el acoplamiento físico y la idea de fusionarse o duplicarse". [16] Los reflejos y los dobles, que son temas destacados a lo largo de la película, sirven para queer aún más la forma y el contenido de la película.
Varios teóricos han acusado a Lynch de perpetuar estereotipos y clichés sobre lesbianas, bisexuales y relaciones lésbicas. Rita (la mujer fatal) y Betty (la colegiala) representan dos personajes lésbicos clásicos; Heather Love identifica dos clichés clave utilizados en la película: "Lynch presenta el lesbianismo en su forma inocente y expansiva: el deseo lésbico aparece como una gran aventura, una entrada a un territorio desconocido y glamoroso". [44] Al mismo tiempo, presenta el trágico triángulo lésbico, "en el que una mujer atractiva pero no disponible deja a una mujer menos atractiva que se presenta como exclusivamente lesbiana", perpetuando el estereotipo de que el bisexual "termina con un hombre". [44] Maria San Filippo reconoce que Lynch se basa en los arquetipos clásicos del cine negro para desarrollar la eventual traición de Camilla: estos arquetipos "se arraigan hasta tal punto que los espectadores se dan inmediatamente cuenta de que "Rita" no es lo que parece y que es sólo una Es cuestión de tiempo antes de que ella revele su naturaleza engañosa." [45] Para Love, el deseo exclusivamente lésbico de Diane está "entre el éxito y el fracaso, entre la sensualidad y la abyección, incluso entre la vida y la muerte" si es rechazada. [44] En este contexto, el personaje de Diane puede interpretarse como el cliché de "lesbiana trágica" que suspira por lo bisexual en la relación heterosexual. El análisis que Love hace de la película señala la peculiar respuesta de los medios al contenido lésbico de la película: "los críticos se entusiasmaron en particular y extensamente con las escenas de sexo de la película, como si hubiera un concurso para ver quién podía disfrutar de esta representación del deseo femenino del mismo sexo en el futuro". mayoría." [44] Ella señala que la película utilizó un tema clásico en la literatura y el cine que describe las relaciones lésbicas: Camilla como dolorosamente hermosa y disponible, rechazando a Diane por Adam. La reacción popular a la película sugiere que las relaciones contrastantes entre Betty y Rita y Diane y Camilla son "entendidas como lo más caliente del mundo y, al mismo tiempo, como algo fundamentalmente triste y nada erótico", como "afirma el orden heterosexual". tiene efectos aplastantes para la mujer abandonada". [44]
La heterosexualidad como principal es importante en la segunda mitad de la película, ya que la desaparición definitiva de la relación de Diane y Camilla surge del matrimonio de la pareja heterosexual. En la fiesta de Adam, comienzan a anunciar que Camilla y Adam se van a casar; A través de risas y besos, la declaración se retrasa porque es obvia y esperada. El cierre heterosexual de la escena se ve interrumpido por un cambio de escena. Como sugiere Lee Wallace, al planear un golpe contra Camilla, "Diane elude el cierre heterosexual de la historia de la industria, pero sólo pasando a su mundo narrativo, un acto que resulta fatal para ambas mujeres, ya que las relaciones de causa y efecto del thriller son fundamentalmente incompatible con la trama del lesbianismo tal como la presenta la película". [42]
Las representaciones mediáticas de las opiniones de Naomi Watts y Laura Elena Harring sobre sus relaciones en pantalla fueron variadas y contradictorias. Watts dijo sobre el rodaje de la escena: "No lo veo como erótico, aunque tal vez parezca así. La última vez que la vi, tenía lágrimas en los ojos porque sabía hacia dónde iba la historia. Me rompió un poco el corazón". [46] Sin embargo, en otra entrevista, Watts declaró: "Me sorprendió lo honesto y real que se ve todo esto en la pantalla. Estas chicas parecen realmente enamoradas y era curiosamente erótico". [20] Mientras que se citó a Harring diciendo: "La escena de amor simplemente sucedió en mis ojos. Rita está muy agradecida por la ayuda que Betty le ha brindado, así que me despido y le digo buenas noches, gracias, desde el fondo de mi corazón". , La beso y luego hay una energía que nos invade. Por supuesto que tengo amnesia, así que no sé si lo he hecho antes, pero no creo que seamos realmente lesbianas". [47] Heather Love estuvo de alguna manera de acuerdo con la percepción de Harring cuando afirmó que la identidad en Mulholland Drive no es tan importante como el deseo: "quiénes somos no cuenta mucho; lo que importa es lo que estamos a punto de hacer, lo que queremos hacer". hacer." [44]
Betty Elms (Naomi Watts) es la brillante y talentosa recién llegada a Los Ángeles, descrita como "sana, optimista, decidida a tomar la ciudad por asalto", [25] y "absurdamente ingenua". [48] Su alegría y su enfoque intrépido para ayudar a Rita porque es lo correcto recuerda a Nancy Drew para los críticos. [48] [49] [50] Al principio, toda su personalidad es un aparente cliché de la ingenuidad de un pueblo pequeño. Pero es la identidad de Betty, o su pérdida, lo que parece ser el foco de la película. Para un crítico, Betty desempeñó el papel de la conciencia y el inconsciente de la película. [48] Watts, quien modeló a Betty en Doris Day , Tippi Hedren y Kim Novak , observó que Betty busca emociones fuertes, alguien "que se encuentra en un mundo al que no pertenece y está lista para asumir una nueva identidad". , aunque sea de otra persona". [19] Esto también ha llevado a un teórico a concluir que desde que Betty había entrado ingenuamente pero con entusiasmo en el sistema de Hollywood, se había convertido en una "actriz cómplice" que había "abrazado la misma estructura que" la destruyó. [29] En una explicación de su desarrollo del personaje de Betty, Watts declaró:
Por lo tanto, tuve que tomar mis propias decisiones sobre lo que esto significaba y lo que estaba pasando este personaje, qué era un sueño y qué era la realidad. Mi interpretación podría terminar siendo completamente diferente, tanto por parte de David como del público. Pero tuve que reconciliar todo eso y la gente parece pensar que funciona. [51]
Betty, por difícil de creer que sea su personaje, muestra una asombrosa profundidad de dimensión en su audición. [33] [52] Ensayada previamente con Rita en el apartamento, donde Rita escribe sus líneas de manera rígida, la escena es "basura" [25] y "hueca; cada línea indigna del compromiso de una actriz genuina", y Betty la interpreta en el ensayo. tan mal como está escrito. [52] Nerviosa pero valiente como siempre en la audición, Betty ingresa a la estrecha habitación, pero cuando se encuentra a centímetros de su compañero de audición (Chad Everett), lo convierte en una escena de poderosa tensión sexual que controla completamente y atrae a cada persona. en la habitación. La sexualidad se erosiona inmediatamente cuando termina la escena y ella se para frente a ellos esperando tímidamente su aprobación. Un analista de cine afirma que la habilidad previamente desconocida de Betty se roba el espectáculo, específicamente, quitándole el oscuro misterio a Rita y asignándoselo a ella misma, y el uso que Lynch hace de esta escena ilustra su uso del engaño en sus personajes. [52] La capacidad de actuación de Betty lleva a Ruth Perlmutter a especular si Betty está interpretando el papel de Diane en un sueño o en una parodia de una película que finalmente se vuelve en su contra. [26]
Rita (Harring) es la misteriosa e indefensa víctima aparente, una clásica mujer fatal con su apariencia oscura y sorprendentemente hermosa. Roger Ebert quedó tan impresionado con Harring que dijo de ella "todo lo que tiene que hacer es quedarse ahí y es el primer buen argumento en 55 años para una nueva versión de Gilda ". [49] Ella sirve como objeto de deseo, en oposición directa a la brillante seguridad en sí misma de Betty. También es el primer personaje con el que el público se identifica, y como los espectadores sólo la conocen como confundida y asustada, sin saber quién es ni adónde va, ella representa su deseo de darle sentido a la película a través de su identidad. [53] En lugar de amenazar, inspira a Betty a cuidarla, consolarla y ayudarla. Su amnesia la convierte en una persona en blanco, lo que según un crítico es "el vacío que conlleva una belleza extraordinaria y la voluntad del espectador de proyectar en ella cualquier combinación de angelical y diabólico". [25] Un análisis del personaje de Rita afirma que sus acciones son las más genuinas de la primera parte de la película, ya que no tiene memoria ni nada que usar como marco de referencia sobre cómo comportarse. [24] Todd McGowan, sin embargo, autor de un libro sobre temas de las películas de Lynch, afirma que la primera parte de Mulholland Drive puede interpretarse como la fantasía de Rita, hasta que se revela Diane Selwyn; Betty es el objeto que supera la ansiedad de Rita por su pérdida de identidad. [54] Según el historiador de cine Steven Dillon, Diane hace la transición de una ex compañera de cuarto a Rita: después de una escena tensa en la que la compañera de cuarto recoge sus pertenencias restantes, Rita aparece en el apartamento, sonriéndole a Diane. [37]
Después de que Betty y Rita encuentran el cuerpo en descomposición, huyen del apartamento y sus imágenes se dividen y reintegran. David Roche señala que la falta de identidad de Rita provoca una ruptura que "se produce no sólo a nivel del personaje sino también a nivel de la imagen; el plano es sometido a efectos especiales que fragmentan su imagen y sus voces quedan ahogadas en reverberación". , la cámara parece escribir el estado mental de los personajes". [30] Inmediatamente regresan al departamento de la tía de Betty, donde Rita se pone una peluca rubia, aparentemente para disfrazarse, pero la hace lucir notablemente parecida a Betty. Es esta transformación la que un analista cinematográfico sugiere que es la fusión de ambas identidades. Esto está respaldado por pistas visuales, como ángulos de cámara particulares que hacen que sus caras parezcan fusionarse en una sola. Esto se ilustra aún más poco después por su intimidad sexual, seguida por la personalidad de Rita volviéndose más dominante cuando insiste en que vayan al Club Silencio a las 2 am, lo que eventualmente conduce a la dominación total por parte de Camilla. [34]
Diane Selwyn (Watts) es la mujer palpablemente frustrada y deprimida, que parece haberse aprovechado de Camilla, a quien idolatra y adora, pero que no le devuelve su afecto. Se la considera la realidad de Betty, demasiado buena para ser verdad, o una versión posterior de Betty después de vivir demasiado tiempo en Hollywood. [5] Para Steven Dillon, la trama de la película "convierte a Rita en el recipiente vacío perfecto para las fantasías de Diane", pero debido a que Rita es sólo una "chica de portada en blanco", Diane se ha "invertido en el vacío", lo que la lleva a la depresión y aparentemente al suicidio. [55] Por lo tanto, Diane es la personificación de la insatisfacción, dolorosamente ilustrada cuando es incapaz de alcanzar el clímax mientras se masturba, en una escena que indica "a través de tomas de punto de vista borrosas y entrecortadas de la pared de piedra, no sólo sus lágrimas y humillación sino la desintegración de su fantasía y su creciente deseo de venganza". [28] Un análisis de Diane sugiere que su devoción por Camilla se basa en una manifestación de narcisismo , ya que Camilla encarna todo lo que Diane quiere y quiere ser. [56] Aunque se la retrata como débil y la perdedora final, para Jeff Johnson, autor de un libro sobre la moralidad en las películas de Lynch, Diane es el único personaje en la segunda parte de la película cuyo código moral permanece intacto. Ella es "una persona decente corrompida por los diversos malhechores que pueblan la industria cinematográfica". [57] Su culpa y arrepentimiento son evidentes en su suicidio y en las pistas que surgen en la primera parte de la película. El miedo de Rita, el cadáver y la ilusión en el Club Silencio indican que algo está oscuro y mal en el mundo de Betty y Rita. Al liberarse de Camilla, su condicionamiento moral la mata. [58]
Camilla Rhodes (Melissa George, Laura Elena Harring) es poco más que un rostro en una fotografía y un nombre que ha inspirado a muchos representantes de algún poder vagamente amenazador a situarla en una película en contra de los deseos de Adam. Un crítico la llama "moll insípida", [59] apenas deja una impresión en la primera parte de la película, pero después de que se abre la caja azul y Harring la interpreta, se convierte en una persona completa que simboliza " traición, humillación y abandono", [25] y es objeto de la obsesión y frustración sexual de Diane. Diane contrasta marcadamente con Camilla, que es más voluptuosa que nunca y que parece haberle "chupado la vida a Diane". [44] Inmediatamente después de decirle a Diane que "la vuelve loca", Camilla le dice que deben terminar su aventura. En un set de filmación donde Adam dirige a Camilla, ordena que se despeje el set, excepto Diane, a pedido de Camilla, donde Adam le muestra a otro actor cómo besar a Camilla correctamente. En lugar de castigar a Camilla por tal humillación pública, como sugiere la conversación de Diane con el torpe sicario, un crítico ve a Rita como la representación vulnerable del deseo de Diane por Camilla. [60]
Adam Kesher (Justin Theroux) se presenta en la primera parte de la película como un director "vagamente arrogante", [61] pero aparentemente exitoso, que soporta una humillación tras otra. Theroux dijo sobre su papel: "Es una especie de personaje de la película que no sabe qué diablos está pasando. Creo que es el único tipo al que el público dice: 'Soy como tú en este momento'. No sé por qué estás siendo sometido a todo este dolor ' " . [62] Después de ser despojado del control creativo de su película, el limpiador de piscinas (interpretado por Billy Ray Cyrus ) le pone los cuernos y lo expulsa de su propia y opulenta casa sobre Hollywood. Después de registrarse en un motel de mala muerte y pagar en efectivo, llega el gerente para decirle que su crédito no es bueno. Ante la presencia de Diane, Adam es pomposo y engreído. Es el único personaje cuya personalidad no parece cambiar completamente de la primera parte de la película a la segunda. [63] Un análisis del personaje de Adam sostiene que debido a que capituló y eligió a Camilla Rhodes para su película, ese es el fin de la alegría y la capacidad de Betty para ayudar a Rita, culpando de su tragedia a los representantes del poder del estudio. [34] Otro análisis sugiere que “Adam Kesher no tiene el control, quiere y está dispuesto a pasar por encima de quién o qué es necesario para consolidar su carrera. Hambriento de poder, utiliza la apariencia de amor o seducción sólo como una más. "El amor por el poder justifica que todo lo demás se olvide, ya sea el orgullo, el amor o cualquier otra consideración. No hay arrepentimientos, es Mulholland Drive en Los Ángeles." [64]
Los personajes secundarios incluyen The Cowboy (Monty Montgomery), los hermanos Castigliani (Dan Hedaya y Angelo Badalamenti) y el Sr. Roque (Michael J. Anderson), todos los cuales de alguna manera están involucrados en presionar a Adam para que elija a Camilla Rhodes para su película. Estos personajes representan la muerte de la creatividad para los estudiosos del cine, [56] [65] y retratan una "visión de la industria como un sistema jerárquico cerrado en el que la fuente última de poder permanece oculta detrás de una serie de representantes". [48] Ann Miller interpreta a Coco, la casera que da la bienvenida a Betty a su maravilloso nuevo apartamento. Coco, en la primera parte de la película, representa a la vieja guardia de Hollywood, que acoge y protege a Betty. En la segunda parte de la película, sin embargo, aparece como la madre de Adam, quien con impaciencia regaña a Diane por llegar tarde a la fiesta y apenas presta atención a la vergonzosa historia de Diane sobre cómo empezó a actuar. [56]
Se ha escrito ampliamente sobre el estilo cinematográfico de David Lynch utilizando descripciones como "ultraextraño", [40] "oscuro" [34] y "bicho raro". [66] Todd McGowan escribe: "No se puede ver una película de Lynch de la misma manera que se ve una película negra estándar de Hollywood ni de la forma en que se ven las películas más radicales". [67] A través de la yuxtaposición de cliché y surrealismo, pesadillas y fantasías, historias no lineales, trabajo de cámara, sonido e iluminación, Lynch presenta una película que desafía a los espectadores a suspender la creencia en lo que están experimentando. [33] Muchos de los personajes de Mulholland Drive son arquetipos que sólo pueden percibirse como cliché: el nuevo aspirante de Hollywood, la mujer fatal, el director inconformista y los turbios agentes de poder que Lynch nunca parece explorar por completo. [44] Lynch coloca a estos personajes a menudo trillados en situaciones espantosas, creando cualidades oníricas. Al utilizar a estos personajes en escenarios que tienen componentes y referencias a sueños, fantasías y pesadillas, los espectadores deben decidir, entre los extremos, cuál es la realidad. Una analista cinematográfica, Jennifer Hudson, escribe sobre él: "Como la mayoría de los surrealistas, el lenguaje de lo inexplicable de Lynch es el lenguaje fluido de los sueños". [24]
David Lynch utiliza varios métodos de engaño en Mulholland Drive . Una figura sombría llamada Sr. Roque, que parece controlar los estudios cinematográficos, es interpretada por el actor enano Michael J. Anderson (también de Twin Peaks ). A Anderson, que sólo tiene dos líneas y está sentado en una enorme silla de ruedas de madera, le colocaron prótesis de espuma de gran tamaño en brazos y piernas para representar su cabeza como anormalmente pequeña. [68] Durante la fiesta de Adam y Camilla, Diane observa a Camilla (interpretada por Harring) con Adam en un brazo, inclinarse y besar profundamente a la misma mujer que apareció como Camilla (Melissa George) antes de que se abriera la caja azul. Luego ambos se giran y le sonríen intencionadamente a Diane. El crítico de cine Franklin Ridgway escribe que la descripción de un acto "cruel y manipulador " tan deliberado no deja claro si Camilla es tan caprichosa como parece, o si la paranoia de Diane permite que el público sólo vea lo que ella siente. [56] En una escena inmediatamente después de la audición de Betty, la película muestra a una mujer cantando sin acompañamiento aparente, pero cuando la cámara retrocede, el público ve que es un estudio de grabación. En realidad, es un escenario sonoro donde Betty acaba de llegar para encontrarse con Adam Kesher, de lo que el público se da cuenta cuando la cámara se aleja más. Ridgway insiste en que tal engaño a través de un ingenioso trabajo de cámara llena de dudas al espectador sobre lo que se está presentando: "Es como si la cámara, en su elegante fluidez de movimiento, nos asegurara que (cree que) lo ve todo, lo tiene todo bajo control". controlamos, incluso si nosotros (y Betty) no lo hacemos". [56]
Según Stephen Dillon, el uso que hace Lynch de diferentes posiciones de la cámara a lo largo de la película, como puntos de vista en mano, hace que el espectador "se identifique con el suspenso del personaje en su espacio particular", pero que Lynch en algunos momentos también " desconecta la cámara de cualquier punto de vista particular, desvinculando así una perspectiva única o incluso humana", de modo que las múltiples perspectivas evitan que los contextos se fusionen, perturbando significativamente "nuestro sentido de lo individual y lo humano". [69] Andrew Hageman señala de manera similar que el trabajo de cámara en la película "genera una sensación de lugar y presencia muy inquietante", como la escena en Winkie's donde la "cámara flota irregularmente durante el diálogo entre plano y contraplano" mediante el cual " El espectador se da cuenta de que un conjunto de planos normalmente objetivos se han vuelto inquietantemente subjetivos". [29] El académico Curt Hersey reconoce varias técnicas de vanguardia utilizadas en la película, incluida la falta de transiciones, transiciones abruptas, velocidad de movimiento, movimiento de cámara no tradicional, imágenes generadas por computadora , imágenes no diegéticas, narración no lineal e intertextualidad . [70]
La primera parte de la película que establece los personajes de Betty, Rita y Adam presenta algunas de las realizaciones cinematográficas más lógicas de la carrera de Lynch. [24] [71] Sin embargo, la última parte de la película, que representa la realidad para muchos espectadores, muestra un marcado cambio en el efecto cinematográfico que le da una calidad tan surrealista como la primera parte. Las escenas de Diane presentan una edición más entrecortada y una iluminación más sucia que simboliza su empobrecimiento físico y espiritual, [34] lo que contrasta con la primera parte de la película donde "hasta la decoración más sencilla parece brillar", Betty y Rita brillan con luz y las transiciones entre escenas son liso. [72] Lynch se mueve entre escenas en la primera parte de la película utilizando tomas panorámicas de las montañas, palmeras y edificios de Los Ángeles. En la parte más oscura de la película, el sonido pasa a la siguiente escena sin una referencia visual de dónde está teniendo lugar. En la fiesta de Camilla, cuando Diane está más humillada, se escucha el sonido de platos rompiéndose que lleva inmediatamente a la escena donde los platos se cayeron en el restaurante, y Diane está hablando con el asesino a sueldo. Sinnerbrink también señala que varias escenas de la película, como la que muestra la alucinación de Camilla por parte de Diane después de que Diane se despierta, la imagen del ser detrás de Winkie después del suicidio de Diane, o la "repetición, inversión y desplazamiento de elementos que estaban configurados de manera diferente". " en la primera parte de la película, crea el efecto extraño en el que a los espectadores se les presentan personajes o situaciones familiares en tiempos o lugares alterados. [28] De manera similar, Hageman ha identificado la escena inicial en Winkie's como "extremadamente extraña", porque es una escena donde los "límites que separan la realidad física de las realidades imaginarias del inconsciente se desintegran". [29] El autor Valtteri Kokko ha identificado tres grupos de "metáforas extrañas"; el doble de múltiples personajes interpretados por los mismos actores, sueños y un objeto cotidiano (principalmente la caja azul) que inicia la desaparición de Rita y la vida real de Diane. [73]
Otro elemento recurrente en el cine de Lynch es su experimentación con el sonido. Dijo en una entrevista: "Miras la imagen y la escena en silencio, está haciendo el trabajo que se supone que debe hacer, pero el trabajo no está hecho. Cuando empieces a trabajar en el sonido, sigue trabajando hasta que te sientas correcto. Hay Hay tantos sonidos incorrectos y al instante lo sabes. A veces es realmente mágico". [74] En la escena inicial de la película, cuando la mujer de cabello oscuro sale a trompicones de Mulholland Drive, en silencio sugiere que es torpe. Sin embargo, después de que Lynch agregó "una pizca del vapor [de los restos del naufragio] y los niños gritando", transformó a Laura Elena Harring de torpe a aterrorizada. [61] Lynch también infundió ruidos sutiles a lo largo de partes de la película que los críticos notaron efectos inquietantes y espeluznantes añadidos. [75] Hageman también identifica "un sonido ambiental perpetuo y extraño", y pone un énfasis particular en la escena donde el hombre se derrumba detrás de Winkie mientras el sonido normal es ahogado por un zumbido, señalando que el ruido "crea una disonancia y suspenso que atrae al espectador como detective para situar el sonido y restablecer el orden". [29] El final de Mulholland Drive con la mujer del Club Silencio susurrando es un ejemplo del engaño auditivo y la surrealidad de Lynch, según Ruth Perlmutter, quien escribe: "La actuación, los sueños, la búsqueda de identidad, los miedos y terrores de El yo indefinido termina cuando termina la película y, por lo tanto, sólo hay silencio y enigma". [26]
Mulholland Drive, concebida originalmente como una serie de televisión, comenzó como un piloto de 90 minutos producido para Touchstone Television y destinado a la cadena de televisión ABC . Tony Krantz , el agente responsable del desarrollo de Twin Peaks , estaba "entusiasmado" por hacer otra serie de televisión. Lynch vendió la idea a los ejecutivos de ABC basándose únicamente en la historia de Rita saliendo del accidente automovilístico con su bolso que contenía 125.000 dólares en efectivo y la llave azul, y Betty tratando de ayudarla a descubrir quién es. Un ejecutivo de ABC recordó: "Recuerdo lo espeluznante de esta mujer en este horrible, horrible accidente, y David burlándose de nosotros con la idea de que la gente la está persiguiendo. Ella no sólo está 'metida' en problemas, sino que está en problemas . Obviamente, preguntamos: '¿Qué pasa después?' Y David dijo: 'Tienes que comprar la presentación para que te lo diga ' ". Lynch le mostró a ABC un borrador del piloto. La persona que lo vio, según Lynch, lo estaba viendo a las seis de la mañana y estaba tomando un café y de pie. Odiaba al piloto y ABC lo canceló inmediatamente. Pierre Edleman, el amigo de Lynch de París, vino a visitarlo y empezó a hablar con él sobre la posibilidad de que la película fuera un largometraje. Edleman regresó a París. Canal+ quería darle dinero a Lynch para que lo hiciera un largometraje y tardó un año en negociar. [76] [77]
Lynch describió el atractivo de la idea de un piloto, a pesar de saber que el medio televisivo sería restrictivo: "Soy un fanático de una historia continua... Teóricamente, puedes conseguir una historia muy profunda y puedes llegar tan lejos". profundo y abrir el mundo de manera tan hermosa, pero se necesita tiempo para hacerlo". [74] La historia incluía elementos surrealistas , muy parecidos a la serie anterior de Lynch, Twin Peaks . Se sentaron las bases para los arcos argumentales , como el misterio de la identidad de Rita, la carrera de Betty y el proyecto cinematográfico de Adam Kesher. [78]
La actriz Sherilyn Fenn afirmó en una entrevista de 2014 que la idea original surgió durante el rodaje de Twin Peaks , como una película spin-off de su personaje de Audrey Horne . [79]
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Lynch eligió a Naomi Watts y Laura Harring según sus fotografías. Los llamó por separado para entrevistas de media hora y les dijo que no había visto ninguno de sus trabajos anteriores en cine o televisión. [80] Harring consideró fatídico que estuviera involucrada en un accidente automovilístico menor en el camino a la primera entrevista, solo para enterarse de que su personaje también estaría involucrado en un accidente automovilístico en la película. [81] Watts llegó vestido con jeans para la primera entrevista, directamente desde el avión desde la ciudad de Nueva York. Lynch le pidió que regresara al día siguiente "más glamorosa". Le ofrecieron el papel dos semanas después. Lynch explicó su selección de Watts: "Vi a alguien que sentí que tenía un talento tremendo, y vi a alguien que tenía un alma hermosa, una inteligencia, posibilidades para muchos roles diferentes, por lo que era un hermoso paquete completo". [35] Justin Theroux también conoció a Lynch directamente después de su vuelo en avión. Después de un largo vuelo con poco sueño, Theroux llegó vestido todo de negro y con el pelo desordenado. A Lynch le gustó el look y decidió elegir a Adam con ropa similar y el mismo peinado. [62]
El rodaje del piloto de televisión comenzó en Los Ángeles en febrero de 1999 y duró seis semanas. Al final, la cadena no estaba contenta con el piloto y decidió no incluirlo en su programación. [82] [83] Las objeciones incluyeron la historia no lineal, las edades de Harring y Watts (a quienes consideraban demasiado mayores), el tabaquismo del personaje de Ann Miller y una toma cercana de heces de perro en una escena. Lynch recordó: "Todo lo que sé es que me encantó hacerlo, ABC lo odió y no me gusta el corte que entregué. Estuve de acuerdo con ABC en que el corte más largo era demasiado lento, pero me vi obligado a cortarlo porque Teníamos una fecha límite y no hubo tiempo para perfeccionar nada. Perdió textura, grandes escenas e historias, y hay 300 copias en cinta de la mala versión circulando. Mucha gente lo ha visto, lo cual es vergonzoso, porque "También son cintas de mala calidad. No quiero pensar en eso". [84]
Una noche me senté, me surgieron ideas y fue una experiencia bellísima. Todo fue visto desde un ángulo diferente... Ahora, mirando hacia atrás, veo que [la película] siempre quiso ser así. Simplemente fue necesario este extraño comienzo para que fuera lo que es.
David Lynch, 2001
Posteriormente, el guión fue reescrito y ampliado cuando Lynch decidió transformarlo en un largometraje. Al describir la transición de un piloto abierto a una película con una especie de resolución, Lynch dijo: "Una noche, me senté, surgieron las ideas y fue una experiencia de lo más hermosa. Todo se vio desde un ángulo diferente. ... Ahora, mirando hacia atrás, veo que [la película] siempre quiso ser así. Simplemente fue necesario este extraño comienzo para que fuera lo que es". [11] El resultado fueron dieciocho páginas adicionales de material que incluían la relación romántica entre Rita y Betty y los eventos que ocurrieron después de que se abrió la caja azul. Watts se sintió aliviado de que ABC dejara caer al piloto. Encontró a Betty demasiado unidimensional sin la parte más oscura de la película que se montó después. [19] La mayoría de las nuevas escenas se filmaron en octubre de 2000, financiadas con 7 millones de dólares de la productora francesa StudioCanal . [80]
Theroux describió cómo abordó el rodaje sin comprender completamente la trama: "Obtienes el guión completo, pero también podría ocultar las escenas en las que no estás, porque el conjunto resulta más desconcertante que las partes. David agradece las preguntas, pero él No responderé a ninguna de ellas... Trabajas con los ojos medio vendados. Si él fuera un director primerizo y no hubiera demostrado ningún dominio de este método, probablemente tendría reservas. Pero obviamente funciona para él. ". [13] Theroux señaló que la única respuesta que Lynch proporcionó fue que estaba seguro de que el personaje de Theroux, un director de Hollywood, no estaba destinado a ser Lynch. Watts declaró que trató de engañar a Lynch fingiendo que tenía la trama resuelta y que él se deleitaba con la frustración del elenco. [80]
"No voy a mentir: me sentí muy vulnerable", dijo Laura Harring sobre el rodaje de la escena de sexo entre los personajes de Harring y Watts. "Estaba en mi camerino y estaba al borde de las lágrimas. Es difícil. Hay mucha gente allí... Naomi y yo éramos amigas. Fue bastante incómodo". [85]
El álbum avanza de manera muy parecida a una película típica de Lynch, comenzando con un rápido y agradable Jitterbug y luego profundizando lentamente en pasajes de cuerdas más oscuros, los vibrantes sonidos de guitarra de la música de los restaurantes de los años 50 y, finalmente, la parte más vulnerable de la partitura en capas, inquietante y a menudo confusa. .
Neil Shurley, 2002 [86]
La banda sonora de Mulholland Drive fue supervisada por Angelo Badalamenti , quien colaboró en proyectos anteriores de Lynch, Blue Velvet y Twin Peaks . [87] Badalamenti, que fue nominado a los premios del American Film Institute (AFI) y de la Academia Británica de Artes Cinematográficas y Televisivas (BAFTA) por su trabajo en la película, [88] [89] también tiene un cameo como espresso. aficionado y mafioso.
Los críticos señalan que la siniestra partitura de Badalamenti, descrita como la "más oscura hasta ahora", [90] contribuye a la sensación de misterio cuando la película comienza en la limusina de la mujer de cabello oscuro, [91] que contrasta con los tonos brillantes y esperanzadores de la primera canción de Betty. llegada a Los Ángeles, [87] con la partitura "actuando como una guía emocional para el espectador". [90] El periodista de música de cine Daniel Schweiger comenta que la contribución de Badalamenti a la partitura alterna desde "el temor de las cuerdas casi inmóviles hasta el jazz negro y la retroalimentación de audio ", con "los ritmos convirtiéndose en una explosión de oscuridad infinita". [92] Badalamenti describió una técnica particular de diseño de sonido aplicada a la película, mediante la cual le proporcionaría a Lynch múltiples pistas de diez a doce minutos a tempo lento, que llamaron "leña", [ 92] de las cuales Lynch " tomar fragmentos y experimentar con ellos, lo que da como resultado muchos paisajes sonoros espeluznantes de la película". [90]
Lynch utiliza dos canciones pop de la década de 1960, una tras otra, mientras dos actrices hacen una audición sincronizándolas con los labios . Según un analista de la música utilizada en las películas de Lynch, los personajes femeninos de Lynch a menudo no pueden comunicarse a través de canales normales y se ven reducidos a sincronizar los labios o ser sofocados. [93] " Sixteen Reasons " de Connie Stevens es la canción que se canta mientras la cámara se mueve hacia atrás para revelar varias ilusiones, y la versión de Linda Scott de " I've Told Ev'ry Little Star " es la audición para la primera. Camilla Rhodes, esa cineasta que Eric Gans considera una canción de empoderamiento para Betty. [94] Escrito originalmente por Jerome Kern a dúo, cantado por Linda Scott en esta interpretación ella misma, Gans sugiere que adquiere un tono homosexual en Mulholland Drive . [94] Sin embargo, a diferencia de "Sixteen Reasons", partes de "I've Told Ev'ry Little Star" están distorsionadas para sugerir "una identidad dividida sonora" para Camilla. [93] Cuando suena la canción, Betty acaba de entrar al escenario de sonido donde Adam está audicionando actrices para su película, y ella ve a Adam, lo mira a los ojos y huye abruptamente después de que Adam ha declarado "Esta es la chica" sobre Camilla, por lo que evitando su inevitable rechazo.
En el centro de la película hay una escena en un inusual teatro nocturno llamado Club Silencio donde un artista anuncia " No hay banda (no hay banda)... pero aún escuchamos una banda", que varía entre inglés, español y francés. . Descrita como "la secuencia más original e impresionante de una película original e impresionante", [34] la interpretación a capella en español de " Crying " de Rebekah Del Rio , llamada "Llorando", es elogiada como "espectacular... excepto que no hay espectáculo que pare" en el escasamente concurrido Club Silencio. [48] Lynch quería usar la versión de Roy Orbison de "Crying" en Blue Velvet , pero cambió de opinión cuando escuchó " In Dreams " de Orbison. [11] Del Rio, quien popularizó la versión en español y quien recibió su primer contrato de grabación sobre la base de la canción, declaró que Lynch voló a Nashville , donde vivía, y que le cantó la canción una vez y no sabía que él estaba. grabándola. Lynch le escribió un papel en la película y usó la versión que ella le cantó en Nashville. [95] La canción da una trágica serenata a las amantes Betty y Rita, quienes se sientan hechizadas y llorando, momentos antes de que su relación desaparezca y sea reemplazada por la disfunción de Diane y Camilla. Según un estudioso del cine, la canción y toda la escena teatral marcan la desintegración de las personalidades de Betty y Rita, así como de su relación. [34] Con el uso de múltiples lenguajes y una canción para retratar emociones tan primarias, un analista cinematográfico afirma que Lynch muestra su desconfianza en el discurso intelectual y elige darle sentido a través de imágenes y sonidos. [24] El efecto desorientador de la música que suena aunque Del Rio ya no está allí se describe como "la versión musical del cuadro de Magritte Ceci n'est pas une pipe ". [96]
Mulholland Drive se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2001 en mayo con gran éxito de crítica. Lynch recibió el premio al Mejor Director en el festival, compartiéndolo con el co-ganador Joel Coen por The Man Who Wasn't There . [97] Obtuvo críticas positivas de muchos críticos y algunas de las reacciones del público más fuertes en la carrera de Lynch.
La película fue publicitada con carteles crípticos que llevaban la abreviatura "Mulholland Dr."
Universal Pictures estrenó Mulholland Drive en cines en 66 salas de Estados Unidos el 12 de octubre de 2001, recaudando 587.591 dólares durante su primer fin de semana. Finalmente se expandió a su estreno más amplio de 247 salas, y finalmente recaudó $ 7,220,243 en la taquilla de Estados Unidos. TVA Films estrenó la película en cines en Canadá el 26 de octubre de 2001. En otros territorios fuera de los Estados Unidos, la película recaudó 12.897.096 dólares, para un total mundial de 20.117.339 dólares en el estreno original de la película, más sumas mucho menores en relanzamientos posteriores. [9]
Desde su estreno, Mulholland Drive ha recibido "algunos de los epítetos más duros y algunos de los elogios más generosos de la historia cinematográfica reciente". [98] En el sitio web del agregador de reseñas Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 84% basado en 262 reseñas, con una calificación promedio de 7,8/10. El consenso crítico del sitio web dice: " Mulholland Drive , misterioso y onírico de David Lynch, es un neo-noir sinuoso con una estructura poco convencional que presenta una actuación fascinante de Naomi Watts como una mujer en los oscuros márgenes de Hollywood". [17] En Metacritic , que asigna una calificación normalizada a las críticas, la película tiene una puntuación promedio ponderada de 86 sobre 100 basada en 36 críticas, lo que indica "aclamación universal". [99]
Roger Ebert del Chicago Sun-Times , que a menudo había desdeñado el trabajo de Lynch, le otorgó a la película cuatro estrellas de cuatro y dijo: "David Lynch ha estado trabajando en Mulholland Drive durante toda su carrera, y ahora que ha llegado allí, Perdónelo por Wild at Heart e incluso Lost Highway ... la película es un paisaje onírico surrealista en forma de cine negro de Hollywood , y cuanto menos sentido tiene, más no podemos dejar de verla". [49] Posteriormente, Ebert añadió Mulholland Drive a su lista de "Grandes películas". [100] En The New York Times , Stephen Holden escribió que la película "se ubica junto a 8½ de Fellini y otras fantasías de autor como una autorreflexión monumental" y agregó: "Mirada a la ligera, es el carnaval cinematográfico más grandioso y tonto que jamás haya existido". llegará dentro de bastante tiempo... en un nivel más serio, su investigación sobre el poder de las películas atraviesa un vacío desde el cual se pueden escuchar los gritos de un demonio voraz cuyos apetitos nunca podrán ser saciados." [5] Edward Guthmann del San Francisco Chronicle lo calificó de "estimulante... por sus imágenes oníricas y su imaginación feroz y frecuentemente imprudente" y agregó: "hay una cualidad fascinante en su ritmo lánguido, su sensación de aprensión y su sensación de pérdida en -Atmósfera temporal... nos mantiene hechizados y divertidos, a pesar de todos sus locos y deliciosos, exasperantes 146 minutos [y] demuestra que Lynch está en buena forma y todavía es un experto en pincharnos los nervios". [101]
En Rolling Stone , Peter Travers observó: " Mulholland Drive hace que las películas vuelvan a sentirse vivas. Este placer pecaminoso es un nuevo triunfo para Lynch y una de las mejores películas de un año lamentable. Por su audacia visionaria, su erotismo deslumbrante y sus colores que resaltan". "Como el brillo de labios de una puta, no hay nada como este bebé en ninguna parte". [102] J. Hoberman de The Village Voice declaró: "Esta voluptuosa fantasmagoría... es sin duda la película más fuerte de Lynch desde Blue Velvet y tal vez Eraserhead . Las mismas cosas que le fallaron en la debacle del rockabilly de chico malo de Lost Highway : la atmósfera de amenazas flotantes, transmigración inútil de almas, puntos de trama abandonados provocativamente, universos alternativos artificiosos, están aquí brillantemente rehabilitados". [31] AO Scott de The New York Times escribió que, si bien algunos podrían considerar la trama como una "ofensa contra el orden narrativo", la película es "una embriagadora liberación de los sentidos, con momentos de sentimiento aún más poderosos porque parecen surgir de el turbio mundo nocturno del inconsciente". [103]
Mulholland Drive no estuvo exenta de detractores. Rex Reed de The New York Observer dijo que era la peor película que había visto en 2001, calificándola de "un montón de basura estúpida e incoherente". [104] En Nueva York , Peter Rainer observó: "Aunque me gusta más que algunos de sus otros freakfests oníricos, sigue siendo un viaje bastante moribundo... Lynch necesita renovarse con una afluencia del profundo sentimiento que tiene por la gente". , para los marginados, y dejar fuera a los cretinos, duendes y zombis por un tiempo". [105] En The Washington Post , Desson Howe la llamó "una ópera de humor extendido, si quieres ponerle una etiqueta artística a la incoherencia". [106] Todd McCarthy de Variety encontró mucho que elogiar: "Lynch aumenta los niveles de humor extraño, incidente dramático y misterio genuino con una sucesión de escenas memorables, algunas de las cuales se encuentran entre las mejores", pero también señaló que "la película salta del terreno sólido de relativa coherencia narrativa a la tierra de fantasía de Lynch... durante los últimos 45 minutos, Lynch está en un modo alucinante que presenta una forma de realidad alternativa sin significado aparente o conexión lógica con lo que vino antes. son familiares de Twin Peaks y otros lugares, el repentino cambio a juegos mentales es decepcionante porque, hasta este punto, Lynch había logrado maravillosamente crear una participación genuina". [71] James Berardinelli también lo criticó, diciendo: "Lynch engaña a su audiencia, quitándonos la alfombra debajo de nosotros. Lo arroja todo a la mezcla con el único objetivo de confundirnos. Nada tiene ningún sentido porque se supone que no debe tener ningún sentido. No hay ningún propósito ni lógica en los acontecimientos. Lynch nos está gastando una gran broma. [107] El teórico del cine Ray Carney señala: "No necesitarías todos los giros emocionales hacia atrás y las trampillas narrativas si tuvieras algo que decir. No necesitarías dobles ni figuras de sombras si tus personajes tuvieran alma". [108]
Posteriormente, Mulholland Drive fue nombrada la mejor película de la década por la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles , [109] Cahiers du cinéma , [110] IndieWire , [111] Slant Magazine , [112] Reverse Shot , [113] The Village Voice. [114] y Time Out New York , quien preguntó retóricamente en referencia a los ataques del 11 de septiembre : "¿Puede haber otra película que hable de manera tan resonante, aunque involuntariamente, del terrible momento que marcó nuestra década?... Mulholland Drive es el monstruo detrás del restaurante; es el sueño autoengaño convertido en pesadilla." [115] También fue votado como el mejor de la década en una encuesta de Film Comment entre "críticos, programadores, académicos, cineastas y otros" internacionales, [116] y por los lectores de la revista. [117] Apareció en listas entre las diez mejores películas de la década, ocupando el tercer lugar según The Guardian , [118] el crítico de Rolling Stone Peter Travers, [119] the Canadian Press, [120] el crítico de Access Hollywood Scott Mantz , [ 121] y octavo en la lista del crítico Michael Phillips . [122] En 2010 , The Guardian la nombró la segunda mejor película de autor de la historia . [123] La película fue votada como la undécima mejor película ambientada en Los Ángeles en los últimos 25 años por un grupo de escritores y editores de Los Angeles Times con el criterio principal de comunicar una verdad inherente sobre la experiencia de Los Ángeles. [124] La revista Empire colocó a Mulholland Drive en el puesto 391 de su lista de las quinientas mejores películas de la historia. [125] También ocupó el puesto 38 en el programa de Canal 4 50 películas para ver antes de morir . [126] En 2011, la revista en línea Slate nombró a Mulholland Drive en su artículo sobre "Nuevos clásicos" como la película más duradera desde 2000. [127]
En la encuesta Sight & Sound de 2012 del British Film Institute , Mulholland Drive ocupó el puesto 28.º entre las mejores películas jamás realizadas, y en la encuesta de 2022, su clasificación ascendió al 8.º. [128] [129] Habiendo recibido 40 votos de los críticos, es una de las dos únicas películas del siglo XXI que se incluyen en la lista, junto con In the Mood for Love de 2000 . En una encuesta de la BBC de 2015 , ocupó el puesto 21 entre todas las películas estadounidenses. [130] Al año siguiente, Mulholland Drive fue nombrada la mejor película del siglo XXI en una encuesta realizada por BBC Culture . [131] En julio de 2021, Mulholland Drive se proyectó en la sección Cannes Classics del Festival de Cine de Cannes de 2021 . [132]
La película fue lanzada en VHS y DVD por Universal Studios Home Video el 9 de abril de 2002, [133] en Estados Unidos y Canadá, con algunas características especiales. Se estrenó sin paradas de capítulos, una característica a la que Lynch se opone porque "desmitifica" la película. [134]
A pesar de las preocupaciones de Lynch, el lanzamiento del DVD incluía un inserto en la portada que proporcionaba "Las 10 pistas de David Lynch para desbloquear este thriller", que eran:
"1) Preste especial atención al comienzo de la película: al menos dos pistas se revelan antes de los créditos.
2) Observe la apariencia de la pantalla roja.
3) ¿Puedes oír el título de la película para la que Adam Kesher está audicionando actrices? ¿Se menciona nuevamente?
4) Un accidente es un suceso terrible... observe la ubicación del accidente.
5) ¿Quién da la clave y por qué?
6) Fíjate en la bata, el cenicero, la taza de café.
7) ¿Qué se siente, se realiza y se recoge en el club Silencio ?
8) ¿El talento por sí solo ayudó a Camilla?
9) Tenga en cuenta los sucesos que rodean al hombre detrás de Winkies .
10) ¿Dónde está la tía Ruth?" [135]
Un crítico del DVD señaló que las pistas pueden ser "grandes y desagradables pistas falsas ". [75]
Nick Coccellato de Eccentric Cinema le dio a la película una calificación de nueve sobre diez y al lanzamiento en DVD un ocho sobre diez, diciendo que la falta de características especiales "sólo aumenta el misterio que la película en sí posee, en abundancia". [136] Las características especiales en versiones posteriores y versiones extranjeras del DVD incluyen una entrevista a Lynch en el Festival de Cine de Cannes y lo más destacado del debut de la película en Cannes.
Optimum Home Entertainment lanzó Mulholland Drive al mercado europeo en Blu-ray como parte de su colección StudioCanal el 13 de septiembre de 2010. [137] Las nuevas características especiales exclusivas de este lanzamiento incluyen: una introducción de Thierry Jousse; En la Caja Azul , documental retrospectivo protagonizado por directores y críticos; dos documentales sobre cómo se hizo: On the Road to Mulholland Drive y Back to Mulholland Drive , y varias entrevistas con personas involucradas en la realización de la película. [138] Es la segunda película de David Lynch en esta línea de Blu-rays después de El hombre elefante . [139]
El 15 de julio de 2015, The Criterion Collection anunció que lanzaría Mulholland Drive , recientemente restaurado mediante una transferencia digital 4K , en DVD y Blu-ray el 27 de octubre de 2015, los cuales incluyen nuevas entrevistas con el equipo de la película y el 2005. Edición del libro de Chris Rodley Lynch on Lynch , junto con el tráiler original y otros extras. [140] [141] Fue la segunda película de Lynch en recibir un lanzamiento de Criterion Collection en DVD y Blu-ray, después de Eraserhead , que se lanzó en septiembre de 2014. [142]
El 11 de agosto de 2021, Criterion anunció que sus primeros lanzamientos en 4K Ultra HD, una lista de seis películas, incluirá Mulholland Drive . El criterio indicó que cada título estará disponible en un paquete combinado 4K UHD+Blu-ray que incluye un disco 4K UHD del largometraje, así como la película y características especiales en el Blu-ray complementario. [143] Criterion confirmó el 16 de agosto de 2021 que Mulholland Drive se lanzará el 16 de noviembre de 2021 como un paquete de discos 4K y Blu-ray.
Lynch fue nominada al Premio de la Academia al Mejor Director por la película. [144] De la prensa extranjera de Hollywood , la película recibió cuatro nominaciones al Globo de Oro , incluidas Mejor Película (Drama), Mejor Director y Mejor Guión. [145] Fue nombrada Mejor Película por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 2001 y la Sociedad de Críticos de Cine en Línea .
[Lynch] se ha negado en los últimos años a permitir comentarios en off o acceso a escenas en los DVD de sus películas.
"La película es la cuestión", me dice.
"Para mí, el mundo al que nos adentramos en una película es muy delicado; se puede romper con mucha facilidad. Es muy tierno. Y es esencial mantener ese mundo unido, mantenerlo seguro".
Dice que piensa que "es una locura entrar y jugar con la película", considera
las voces en off
"teatro del absurdo" y le preocupa que demasiados extras en DVD puedan "desmitificar" una película.
"No desmitificar", declara con ardor.
"Cuando sabes demasiado, nunca podrás volver a ver la película de la misma manera. Está arruinada para siempre. Toda la magia se escapa y se pudre".
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